FUERA  de  CAMPO

“LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO”. Un western chileno y queer.

F. Lorza                                                                        

Ópera prima del chileno Diego Céspedes que ya estuvo en Cannes con sus dos cortometrajes anteriores. Estamos en 1982, en pleno desierto de Atacama y en plena explosión del Sida. Vemos la historia a través de los ojos de una niña de 11 años, Lidia (una fantástica Tamara Cortes) que vive en una comunidad de travestis que forman una curiosa, atípica y queer familia. La Flamenco del título (Matías Catalán) ejerce de madre adoptiva y Mamá Boa (Paula Dinamarca) de una mezcla entre madame y abuela. Todas viven en una zona minera y rigen una cantina donde ofrecen (u ofrecían) servicios a los mineros. La llegada del sida, todavía sin identificar, ha creado la leyenda de que las travestis transmiten una especie de peste solo con la mirada. Así la familia es una peculiar mezcla de madres, prostitutas de salón y brujas que se ven marginadas por los mineros que vienen a hacer de cowboys desubicados.

Es excelente el aprovechamiento que Céspedes hace del paisaje árido del desierto, de las construcciones de madera y, sobre todo, del dibujo de personajes que nunca cae en el tópico: se presentan como personajes sólidos, con una inusual alegría por la vida, lazos férreos y pasiones intensas; los varones, por el contrario, son toscos, primitivos y de poco recorrido.

Una primera parte sirve para definir el grupo y sus componentes; una segunda, tras la tragedia, despierta los sentimientos de odio a la par que los del grupo de mineros para acabar descubriendo su propia madurez en una parte final.

Sí que es verdad que la película es algo irregular y que momentos muy interesantes, que incluso coquetean con el fantástico (esa visualización del encantamiento que Flamenco ejerce sobre Yovani) se mezclan con otros menos acertados y con otros que pueden resultar algo repetitivos. Pero estamos ante una película arriesgada y valiente, tremendamente personal, diferente y muy estimulante; un western queer y chileno que nos presenta a un director al que habrá que seguir la pista.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Diego Céspedes

Guion: Diego Céspedes

Reparto: Matías Catalán, Tamara Cortes, Paula Dinamarca, Claudia Cabezas, Luis Dubó, Pedro Muñoz, Vicente Caballero, Bruna Ramírez, Sirena González

“EL HOMBRE MENGUANTE”. No somos nada.

F. Lorza                                                                        

De “El increíble hombre menguante”, la película que Jack Arnold dirigió en 1957 con guion de Richard Matheson a partir de su propia novela, guardo un entrañable e intenso recuerdo como una excelente película de aventuras, unos efectos visuales que nos alucinaron y una reflexión metafísica/religiosa final que no llegué a entender y que mi padre no alcanzó a clarificarme.

Esta nueva adaptación, francesa, nos viene de la mano de Jan Kounen (“Mi primo”) y se toma más intensamente lo del mensaje profundo, la reflexión sobre lo minúsculo de nuestra existencia y el valor de la vida a pesar de todo. La película no pretende ser un remake de la de Arnold y hace una versión propia de la novela con elementos comunes a la primera: la casa de muñecas, el gato, el sótano, el queso… pero no tiene ese tono de aventura y sí un planteamiento más sereno. Así, por ejemplo, apenas se usa el gato como elemento amenazante, la casa de muñecas se utiliza más como relación con la hija que como lugar de refugio, el sótano es un lugar más de soledad que de peligro o la salida al exterior pierde ese carácter cuasi religioso de la primera. Se echa de menos, al menos a mí me lo ha parecido, algo más de tensión narrativa y un poco más de fuerza en esa tragedia que supone verse condenado a lo ínfimo, casi a la nada. Sería interesante ver qué valoración hace un público que desconozca la novela y la película predecesora y que pudiera disfrutar de la sorpresa de la trama.

Una película correcta, que Dujardin se echa sobre los hombros saliendo airoso del reto y que podía haber sido más intensa y sorprendente. Se ve con gusto.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Jan Kounen

Guion: Christophe Deslandes, Jan Kounen. Novela: Richard Matheson

Reparto: Jean Dujardin, Marie-Josée Croze, Daphné Richard, Salim Talbi, Serge Swysen, Stéphanie Van Vyve

“LA ISLA DE LA BELLADONA”. Vivir la vida, decidir la muerte.

F. Lorza                                                                        

Al igual que pasaba en la estupenda “El sendero azul” que se estrenó en diciembre, esta película nos habla de un mundo futuro no muy lejano en el que las personas mayores son recluidas, por ley, en residencias en este caso y en colonias en la película brasileña; un mundo en el que no vemos elementos futuristas, ni tecnologías nuevas, ni distopías que ambienten el panorama.

La isla del título es el lugar donde viven un grupo de personas mayores de 80 años y Gaëlle, una joven de 30 que llegó allí para enterrar a su madre y se quedó para cuidar de los residentes. Gaëlle vela por cada uno de ellos, los visita y los atiende, lleva el huerto, cocina, cuida de las gallinas (8 ancianos, 8 gallinas) e incluso recoge la basura que llega a la playa. Un buen día, justo cuando uno de los ancianos ha sufrido una caída, llega a la isla un barco con una doctora, su hijo y su hermano, y aunque se muestran amables y solícitos a ayudar, las muertes empiezan a producirse entre los residentes. Así, la película, que no entra en el terreno del thriller o del terror (no parece ser la intención) se interna en el estudio de la vida en sus últimos días y en el derecho a una muerte digna y planificada. Lo que en principio parecía derivar hacia la intriga, enseguida cede parte del protagonismo a los mayores y acaba siendo un alegato sobre la eutanasia y la libertad de elección de la vida y de la muerte.

Le falta a la película un poco de brío y de definición pues resulta demasiado plana y el tema requería algo más de profundización y valentía en el planteamiento, pero la salvan unos personajes construidos con cariño, muy creíbles. Una pena que algunas ambigüedades que prometían un tratamiento más interesante se queden únicamente en un mero punto de intriga y que el discurso sea tan leve que apenas sobresalga de la trama. Destacar, eso sí, la actuación de Nadia Tereszkiewicz como la joven que cuida del grupo, realmente deliciosa. Disfrutable.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Alanté Kavaïté

Guion: Alanté Kavaïté, Sara Wikler

Reparto: Nadia Tereszkiewicz, Dali Benssalah, Daphne Patakia, Miou-Miou, Patrick Chesnais, Jean-Claude Drouot, Alexandra Stewart, Féodor Atkine, Méryl Bergoz, Claire Magnin

“EL SENDERO DE LA SAL”. Caminando.

F. Lorza                                                                        

Es esta una ópera prima basada en el libro de Raynor Winn que nos cuenta la historia de un matrimonio, la propia Raynor (Gillian Anderson) y Moth (Jason Isaacs), que tras ser desahuciados y perder su granja, su hogar, deciden hacer una caminata de 630 millas (unos 900 kilómetros) a lo largo de la costa suroeste inglesa, la ruta de la sal del título. A las complicaciones del trayecto hay que sumarle el poco dinero del que disponen y la enfermedad degenerativa que padece Moth, una enfermedad terminal que le dificulta el caminar y le produce enorme dolor.

Todos los elementos y el inicio de la película, apuntan a un melodrama desatado en el que los personajes tienen que lidiar con un sinfín de calamidades (hambre, frío, tormentas, soledad…) pero, sin embargo, Marianne Elliot logra contenerlo y compensarlo con momentos luminosos llenos de esperanza y, sobre todo, un paisaje abierto y espectacular que parece dominar el relato. La historia coge vuelo e intensidad gracias a la actuación de sus dos protagonistas que ofrecen un amplio abanico de sensaciones y de sentimientos. La directora, como digo, también sabe aprovechar el impresionante paisaje en el que sus personajes deambulan y, unido a un exquisito tratamiento del sonido, consigue una excelente atmósfera en la que encajan tragedia, dificultades y superaciones.

Sorprende, sobre todo en la primera parte, la enorme soledad de estos dos personajes que caminan por un sendero de paisaje idílico absolutamente vacío, y se agradece que no haya salvadores oportunos ni casualidades que los liberen de su destino encajando perfectamente en la historia real en la que se basa.

Finalmente, la película es una carta a la libertad, al encuentro con uno mismo, al amor incondicional entre dos personas y a la capacidad para desligarse de todo aquello que nos ata. Puede parecer algo tópica y quizás se echen de menos algunos momentos memorables, pero tiene su encanto y acabamos compartiendo camino (y destino) con Ray y Moth, que nos es poco.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Marianne Elliott

Guion: Rebecca Lenkiewicz. Libro: Raynor Winn

Reparto: Gillian Anderson, Jason Isaacs, James Lance, Hermione Norris, Denis Lill, Rebecca Ineson, Tucker St. Ivany, Angus Wright

“FUCK THE POLIS”. Islas griegas.

F. Lorza                                                                        

Me resulta tremendamente complicado comentar esta película, es de esas en las que uno tiene la sensación de haberse perdido buena parte de lo que se le cuenta y quiere transmitir, y se queda con la necesidad de ir a buscar los escritos de gente erudita y entendida que te aclaren de qué va la cosa.

Parece que todo arranca de la historia de la propia directora, que tuvo una grave enfermedad, supuestamente terminal, hace 20 años a partir de la cual viajó a las islas griegas y que ahora vuelve allí con un grupo de jóvenes que parecen configurar el equipo de realización de la película. El papel de las islas, Miconos y otros, es patente tanto visualmente como en las referencias que se hacen, también se recurre a textos diversos (de Camus a João Miguel Fernandes Jorge) y a clásicos como La odisea que parecen conectar el presente con el pasado a través de personajes que se los leen los unos a los otros. Como buen experimento, no hay una narrativa clásica y esos personajes que leen no tienen ningún diálogo, digamos estándar, entre ellos, a excepción de la cantante María Farantouri que se dirige al grupo de la Azevedo para traducirles las letras de las canciones que escuchamos y que unen el relato con lo tradicional. La “no narración” se ve regularmente insertada por largas tomas acompañadas de música (muy ecléctica) que funcionan a modo de marcadores o pausas y que intentan captar esa belleza del pasado que aún queda en las islas y que parece ser el tema central de la película, es decir, la pérdida actual de la belleza por la que lucharon los antiguos griegos.

El estilo, ya puede imaginarse, a base de planos muy largos en los que poco sucede, y el jugueteo con diferentes formatos combinando el HD, el video de baja resolución y las imágenes en Super 8. Es, sin duda, una película arriesgada, difícil y nada convencional, de esas que a la crítica le encanta y fascina y que no llega a un público mayoritario. A mí, me deja perplejo en mi ignorancia.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Rita Azevedo Gomes

Guion: Rita Azevedo Gomes, Regina Guimarães

Reparto: Bingham Bryant, Mauro Soares, João Sarantopoulos, Maria Novo, Rita Azevedo Gomes, Loukianos Moshonas, Maria Farantouri

“POLLOLIEBRE Y EL SECRETO DE LA MARMOTA”. Diversidad entre lo diverso.

F. Lorza                                                                        

Segunda entrega de este personajillo que encarna lo diferente, la mezcla y lo positivo y que vuelve a utilizar el tono, el color y las intenciones de la primera parte.

Volvemos a tener una película de aventuras a lo clásico, con claras referencias a Indiana Jones, en la que el leitmotiv es la marmota del título que hay que recuperar y que tiene la capacidad de eliminar un episodio del pasado. Sorprende, en lo que no deja de ser una película infantil, la complejidad del relato, de las relaciones y motivaciones de los personajes, bastante más elaboradas que la simpleza a la que se nos tiene acostumbrados. Hay algunos giros interesantes que pueden resultar difíciles a los más pequeños y unos personajes bastante bien elaborados que no resultan tan planos como suele ocurrir en este tipo de películas. Es este diseño de personajes y la forma en que se nos presentan lo mejor de la película. También están muy cuidados los decorados y se complementa con un montaje ágil y funcional que permite disfrutar de las escenas con más acción sin perder de vista la definición de sus criaturas.

Puestos a ver cine infantil, esta puede ser una buena opción: bien realizada, bien narrada y suficientemente entretenida.

Estreno: 16 enero 2026

Dirección: Benjamin Mousquet

Guion: David Collard, Chris Grine

Animación

“LA CRONOLOGÍA DEL AGUA”. Desgarro por fragmentos.

F. Lorza                                                                        

Ópera prima de la actriz Kristen Stewart (“Spencer”, “Los ángeles de Charlie”, “Personal shopper”, “Crepúsculo”) que ya había dirigido algunos vídeos musicales, series y cortometrajes.

Aquí adapta la autobiografía de Lidia Yuknavitch y nos habla de una infancia y una juventud marcadas por los abusos de un padre autoritario, por las adicciones que vendrían tras la salida de la casa familiar y por una curiosa relación con el agua, nadadora muy potente que le permitió el ingreso en la universidad; finalmente la escritora lograría ser una notable profesora de lengua y autora reconocida.

Stewart se centra en todas estas facetas trágicas y dolorosas, por lo que ofrece una película tremendamente triste, desoladora y cercana a la crueldad. Opta por un estilo narrativo que busca ser personal, artístico y diferente. Y lo consigue en buena medida, especialmente por un montaje muy cuidado en el que usa insertos rápidos y violentos para recuperar o adelantar momentos y sensaciones. La historia nos llega fragmentada, casi por episodios y algo desordenada, como queriendo ser más retazos de recuerdos que una historia cronológica. Y después está la impresionante actuación de Imogen Poots, que se entrega en cuerpo y alma, sufre con el personaje y nos incita a participar de su sufrimiento.

Una película que no será del agrado de todos: sus dos horas de duración pueden hacerse largas y, por momentos, la película parece que no avanza y que se hace repetitiva. Pero si uno conecta con el personaje (cosa relativamente fácil) y se deja llevar, se encontrará ante una cinta deslumbrante, muy intensa y desgarradora.

Estreno: 9 enero 2026

Dirección: Kristen Stewart

Guion: Kristen Stewart, Andy Mingo. Memorias: Lidia Yuknavitch

Reparto: Imogen Poots, Thora Birch, Earl Cave, Michael Epp, James Belushi, Charlie Carrick, Susannah Flood, Kim Gordon, Tom Sturridge, Esme Allen, Anna Wittowsky

“OBAYIFO PROJECT”. Tras la bruja de Blair.

F. Lorza                                                                        

Es esta una producción mejicana, rodada en parte en Almería (cosas de la coproducción) que pretende recoger el testigo de la ya mítica “El proyecto de la bruja de Blair” (1999) y ofrecernos una aproximación/homenaje entre lo independiente y lo aficionado (léase poco presupuesto y mucho entusiasmo) bastante apasionado y de resultados tirando a pobres.

Se nos cuenta la historia de un equipo de rodaje (en realidad tres personas en una autocaravana) que quieren repetir lo que hicieron unos estudiantes de cine de Ghana cuando filmaron un ritual en el que el protagonista se convertía en el obayifo del título, una especie de vampiro (no a la europea) que acaba masacrando a todo aquel que se le cruza. Todo lo que vemos, o casi todo, es lo que el cámara del equipo va filmando, simulando el metraje encontrado de la bruja de Blair y su estilo: una cámara en constante movimiento, planos desaliñados que esconden más de lo que muestran, serios problemas de iluminación y un sonido deficiente que incluso se subtitula.

La propuesta es osada, sin duda, y el resultado podía haber sido mucho más terrible. Lo que empieza como una película de aficionados y entusiastas del terror, termina siendo un curioso producto que acaba apoyándose en lo que no logra mostrar y dándole un cierto empaque a su parte final.

Seguramente en manos de un director más hábil y experimentado, con un guion bien elaborado, un montaje creativo y algo más de presupuesto, la película hubiera tenido la fuerza, el ingenio y la narrativa sorprendente que le falta; pero, aún así, hay que reconocerle el mérito de sacar adelante un producto como este y llegar a las salas de exhibición. Si uno se lo mira con cariño y con mirada comprensiva, hasta puede resultar divertida.

Estreno: 9 enero 2026

Dirección: Francisco Arasanz

Guion: Francisco Arasanz

Reparto: Sergio María, María Monroy, Luciano Ciaglia, Favour David Iyawe, Siberou Saar, Lord Berko, Marila Lombrozo, Silvestre Manuel González, Ousman Koite, Balla Drame, Yatma Faye

“AMAR BAJO LAS ESPINAS (CACTUS PEARS)”. El fruto del nopal.

F. Lorza                                                                        

Ópera prima del director Rohan Kanawade, de origen humilde y autodidacta que consiguió el Gran Premio de la competencia World Cinema de Sundance y que ahora nos ofrece Filmin.

Aunque el poco afortunado título español nos pueda llevar a pensar en una telenovela de tarde, estamos ante una película que aborda el tema gay en la India rural y profunda, un país que no despenalizó la relación entre personas del mismo sexo hasta 2018 y que todavía siguen siendo habituales los casamientos concertados y decididos por la familia; así que mejor dejarse guiar por el “Cactus pears” original que son las tunas o nopal, unos cactus típicos de Méjico que dan un fruto rojo, dulce y cubierto de espinas que uno de los protagonista le ofrece al otro como metáfora del placer prohibido.

Se nos cuenta la historia de Anand, un joven que vive en Bombay y que tiene que volver al pueblo de origen para celebrar los rituales por el padre fallecido, unas ceremonias que durarán 10 días en los que Anand hablará con su madre, se relacionará con unos familiares insistentes en su boda y, sobre todo, retomará la relación con Balya que acabará convirtiéndose en el objeto de su deseo.

Kanawade basa su película en una narración calmada, plácida, que puede resultar algo morosa o demasiado lenta, que alarga unos planos de encuadres muy cuidados y de una belleza innegable: son preciosos los rostros que parecen que se salgan del encuadre, los planos fijos en los que apenas vemos las figuras o aquellos en que una cámara estática parece adentrarse en los personajes que hablan y en la delicadeza del plano. Quizás la falta de conflicto visible puede echar atrás a más de uno, pero la apuesta refuerza la delicadeza de lo tratado, la importancia de lo que no se puede expresar con palabras y el contraste entre las tradiciones arraigadas en lo rural, la aceptación solo parcial o nula de lo queer y esa cierta modernidad que Anand parece traer de la ciudad donde trabaja.

Finalmente resulta fácil quedarse prendado de unos personajes totalmente desubicados y cargados de sentimientos que deben reprimir, de esos elementos que pueblan el relato y lo hacen sugerente: los cortes bruscos a negro, la cámara que se cierre sobre parte de los rostros, los silencios, las motos negras, las comidas, los rituales funerarios, el templo vacío, los pies descalzos… para conformar una historia sensible y tenue sobre el duelo y el hecho de aceptar una sexualidad diferente y radical en la India rural y de clase baja.

Disponible en Filmin

Dirección: Rohan Kanawade

Guion: Rohan Kanawade

Reparto: Bhushaan Manoj, Suraaj Suman, Jayshri Jagtap, Hemant Kadam, Vidya Joshi, Rani Kasliwal, Harish Baraskar, Ram Daund, Vaishali Kendale

“RONDALLAS”. Música colectiva y familia.

F. Lorza                                                                        

Para mí Sánchez Arévalo siempre ha sido el director de “Primos” y de “Azuloscurocasinegro”, pero a partir de ahora añadiré también esta película a la referencia.

“Rondallas” se ambienta en Galicia, en el seno de una familia que dos años antes perdió al padre en un trágico naufragio del que ni ellos ni la gente del pueblo han logrado sobreponerse. Luis (Javier Gutiérrez), el que fue amigo íntimo del fallecido, tiene una relación con Carmen (María Vázquez) la viuda, pero es como de la familia y cuida de las dos hijas, la pequeña Noa y la mayor Andrea (Judith Fernández) de genio duro y respuesta arisca que mantiene una curiosa relación con Eli (Fernando Fraga) músico prodigioso que estudia en la universidad de Berkley. Completan el cuadro el Yayo (Carlos Blanco) el otro superviviente del naufragio junto a Luis, y dos hermanos mellizos que son guardia rurales y abanderados de la rondalla (Tamar Novas y Xosé A. Touriñán). La trama se centra en el duelo de la familia, las relaciones entre ellos y el intento de recuperar la rondalla de la que el padre era director y que no ha vuelto a reunirse desde la tragedia.

Tiene la película un dibujo de personajes exquisito, de esos que les da profundidad y consigue enriquecerlos en cada frase y con cada situación; tiene también un desarrollo ágil que aprovecha las diferencias entre ellos y la dinámica y la fuerza que se desprende de una rondalla formada por más de cien personas; además tiene un montaje impecable y muy creativo (excelente la decisión de recuperar imágenes de los ensayos en el momento cumbre de la actuación de la rondalla, por ejemplo) y un tono natural muy agradable. A mí me ha gustado, sobre todo, esos diálogos mordaces, ágiles, muy gallegos (en el tono y en la forma), de réplicas rápidas y contundentes, ingeniosas en muchas ocasiones, que perfilan a los personajes y crean un ambiente natural y distendido; y el uso de la música, excelente, de una fuerza enorme.

Emocionante por muchos motivos, con mucha fuerza, popular en el buen sentido del término, muy emotiva con sus criaturas, yo diría que redonda y encantadora, de las que se pueden recomendar a un público muy amplio.

Estreno: 1 enero 2026

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo

Guion: Daniel Sánchez Arévalo

Reparto: Javier Gutiérrez, María Vázquez, Judith Fernández, Tamar Novas, Carlos Blanco, Fernando Fraga, Xosé A. Touriñán, Marta Larralde, Lola López Rodríguez

“LA ASISTENTA”. Girando hacia la sororidad.

F. Lorza                                                                        

Se apunta esta película al thriller de casa a la que va a parar una joven y allí se encuentra con personajes que no son lo que parecen y que esconden una verdadera amenaza. A uno le recuerda la ya mítica “La mano que mece la cuna” pero sin su impacto ni su fuerza.

La protagonista es Millie, Sidney Sweeney, que llega a la casa de los Winchester, Andrew y Nina (Brandon Sklenar y Amanda Seyfried) para ejercer de asistenta interna. Millie está con la condicional y necesita mantener un trabajo estable si no quiere volver a la cárcel; Nina parece estar trastornada, padece algún tipo de enfermedad mental y ha pasado por el psiquiátrico; Andrew, por su parte, es todo un adonis, encantador y marido abnegado.

La película funciona en tres bloques: el primero alrededor de la relación entre Nina y Millie, el segundo centrado en Andrew y Millie que da pie al primer giro del guion, y el tercero al montaje de sororidad entre las mujeres enfrentadas al verdadero monstruo. Así, el film resulta bastante forzado y demasiado convencional, y el guion necesita echar mano de algunos recursos arbitrarios; aún así, la historia funciona, los actores mantienen a sus personajes (especialmente la Sweeney) y la película crea un juego entretenido de lobos con piel de cordero y de situaciones en las que se intercambian los roles de control y de poder. Si uno se deja llevar, no le pide demasiado a la propuesta y pasa por alto algunos errores, hasta puede resultarle interesante.

Queda una película entretenida, de las de pasar el rato y olvidar pronto, a la que le falta esa finura de un guion bien construido, que puede verse sin disgusto y que se agarra finalmente al mensaje facilón y simple contra la violencia machista y en favor de la fuerza de las mujeres. Y, por supuesto, el guiño final para dejar el camino abierto a la secuela.

Estreno: 1 enero 2026

Dirección: Paul Feig

Guion: Rebecca Sonnenshine. Novela: Freida McFadden

Reparto: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Megan Ferguson, Brian D. Cohen, Ellen Tamaki, Indiana Elle, Elizabeth Perkins

“EL MÉDICO II”. La nueva medicina.

F. Lorza                                                                        

De la primera entrega de las adaptaciones de la novela de Noah Gordon, la que se estrenó en 2013, solo recuerdo la textura densa y contrastada de una fotografía con pretensiones de “qualité”. Esta segunda entrega pretende ser el origen de los personajes de aquella y nos cuenta la aventura de un grupo de médicos, encabezados por Rob, el protagonista, Tom Payne, que salen de Isfahán con destino a Londres para llevar allí los nuevos descubrimientos, la nueva medicina, condensada en un libro, El Canon. Una tormenta les hace naufragar frente a la costa inglesa y provoca la primera tragedia, después vendrá la intolerancia religiosa de los cristianos, la oposición total de los médicos anclados en el pasado y en sus privilegios, y la tiranía de una malvada soberana. Y entre una cosa y otra, el encuentro con una mujer celta que logra escapar de la hoguera y que le abrirá a Rob la mente hacia la necesidad de sanar no solo los cuerpos sino también las almas, en lo que podríamos considerar la primera piedra de la psicología y, de paso, del psicoanálisis. Todo ello, como no, trufado por un aire de aventuras, enfrentamientos entre el bien y el mal, los buenos contra los malos y el progreso contra el conservadurismo anquilosado.

Como en la primera, destaca una fotografía y una ambientación notable, un ritmo bastante aceptable que no decae y unos personajes que no van más allá de lo que la trama exige; los secundarios, para variar, poco más que decorado.

Queda una película bastante previsible, que se deja ver sin esfuerzo y que poco aporta a lo que ya sabemos y lo que ya hemos visto. Un envoltorio muy bonito que no se termina de aprovechar para ofrecer un producto riguroso.

Estreno: 1 enero 2026

Dirección: Philipp Stölzl

Guion:  Jan Berger, Caroline Bruckner, Philipp Stölzl

Reparto: Tom Payne, Aidan Gillen, Liam Cunningham, Owen Teale, Emily Cox, Áine Rose Daly, Emma Rigby, Sara Kestelman, Anne Ratte-Polle, Ágota Dunai, Máté Haumann

“KEEPER”. La cabaña de las criaturas.

F. Lorza                                                                        

Osgood Perkins, el hijo del mítico actor Anthony Perkins, tras el éxito que supuso “Longlegs” (2024) y en menor medida “The monkey” “2015), nos ofrece esta historia de una pareja que hace una salida romántica a la cabaña que él tiene en el bosque (aunque está más cerca de un palacete de madera que de una cabaña) y que enseguida intuimos que está llena de secretos y amenazas. La escena inicial ya nos avisa de que se trata de acciones repetidas, en serie, en las que la aparente historia de amor acaba en sangre, y prácticamente la primera hora se dedica a ir colocando elementos perturbadores que no enseñan nada pero dan la pista (o la atmósfera) de lo que pasará: aparición de figuras extrañas, el agua generosa del exterior, los típicos ruidos de la casa, el pastel de chocolate… y solo en la última parte se desencadenará lo oscuro, lo oculto y se nos mostrará el sentido de lo que hemos visto. Una estructura algo tramposa y facilona que hace que la primera parte sea algo morosa y que el final, aunque catártico, no sea todo lo potente que podría haber sido. A pesar de ello, la cosa funciona.

Tiene la película, eso sí, un tratamiento bastante elegante, cuidando mucho el encuadre que aportan elementos desenfocados en primer plano o las imágenes reflejadas en los espejos. Y, sobre todo, la película se sostiene sobre una actuación más que notable de Tatiana Maslany, prácticamente omnipresente y que logra transmitir la duda y la angustia e intuir ese papel predominante que le otorga finalmente la película.

Queda una obra algo irregular, con bastantes hallazgos, apeteciblemente incómoda y de planteamiento bastante atractivo. Un poco lo ya visto pero con un interesante aire personal.

Estreno: 19 diciembre 2025

Dirección: Osgood Perkins

Guion: Nick Lepard

Reparto: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Claire Friesen, Christin Park, Eden Weiss, Erin Boyes, Birkett Turton, Tess Degenstein, Gina Vultaggio, Glen Gordon, Logan Pierce

“VIDA PRIVADA”. La psiquiatra.

F. Lorza                                                                        

Presentada fuera de concurso en Cannes y como clausura de la Sección Perlas de San Sebastián, esta película es el sexto largo de Rebecca Zlotowski (de la que desconozco su filmografía) y sorprende inicialmente por dos cosas: el perfecto bilingüismo de Jodie Foster que interpreta a una psiquiatra estadounidense con un francés impecable, y el elenco francés que se ha juntado, de lo mejorcito: Auteuil, Amalric, Efira, Lacoste… todos ellos mayúsculos, como siempre.

La película tiene un arranque prometedor: la psiquiatra protagonista ve como un paciente le acusa de ineficaz después de haber acudido a una hipnotista, y otra paciente, Paula (Virginie Efira) se suicida y la familia la responsabiliza de ello. La psiquiatra, totalmente desubicada, comienza a ver elementos que le llevan a pensar que no ha sido un suicidio sino un asesinato. Añadiendo a la ecuación al exmarido, al hijo de ambos y un curioso viaje a vidas pasadas mediante la hipnosis, la película juega a mezclar el thriller de asesinato con el drama psicológico. La cosa funciona medianamente bien, pero finalmente no logra dotar al relato de la fuerza y el encanto que requería: la última parte queda algo torpe y deshilachada, como si hubiera una cierta falta de ideas y de organización, y el final, que podía haber sido un cierre perfecto, se nos viene encima de sopetón y un tanto caprichosamente (aunque también cabe la posibilidad de que fuera yo el que ya se había despistado).

Reconocer el valor actoral, una Foster totalmente entregada y ese bonito empeño de no caer en lo obvio ni lo manido. Pensándola bien, no está nada mal.

Estreno: 19 diciembre 2025

Dirección: Rebecca Zlotowski

Guion: Anne Berest, Gaëlle Macé, Rebecca Zlotowski

Reparto: Jodie Foster, Virginie Efira, Mathieu Amalric, Daniel Auteuil, Vincent Lacoste, Luàna Bajrami, Sophie Letourneur

“EMERGENCY EXIT”. El autobús de Miñarro.

F. Lorza                                                                        

El cine de Lluís Miñarro, tanto el que produce como el que dirige, es, como él mismo, cualquier cosa menos convencional y se alimenta de propuestas y planteamientos totalmente alejados del cine comercial y de buena parte del que no lo es.

“Emergency exit” es, si se puede reducir a una historia, la de un grupo de personas que viajan en autobús con un destino indeterminado; un autobús conducido por unas manos en las que hay tatuados los huesos, que se ve vacío desde fuera y que circula por paisajes de transparencia, de colores artificiosos unas veces, naturales otras, o entre nubes o espacios inidentificables. Es también la última película que interpretó Marisa Paredes.

El relato funciona a base de personajes que van dialogando o simplemente expresando ideas, opiniones, sensaciones, sentimientos, deseos… sin más lógica que la que dicta el dibujo de cada uno de ellos. Así, por ejemplo, Emma Suárez es una ginecóloga que tiene un curioso parto; Albert Pla es un cineasta escéptico que intenta rehacer un guion para una película sin actores; Marisa Paredes es una actriz que viaja con su manager, Francesc Orella, y cuya relación se ha deteriorado totalmente; Oriol Pla es un cura de los de homosexualidad reprimida; y hay también una mujer con su hija, un comerciante con dos sombreros, una pareja de señoras mayores con una curiosa filosofía de vida, un joven guapo en calzoncillos y abrigo de pieles, una evangelista o una cabra que es la última en abandonar el bus.

Se supone que los personajes están muertos, que es algo parecido al tránsito al más allá, pero todo parece una excusa que le permite a Miñarro abordar en mil y un temas que parece tenía pendientes. Cine raro, de compleja lectura, y que a mí se me hizo bastante cuesta arriba y aburrido. Solo recomendable para expertos y amigos de lo difícil… y de Miñarro.

Estreno: 19 diciembre 2025

Dirección: Lluís Miñarro

Guion: Lluís Miñarro

Reparto: Marisa Paredes, Emma Suárez, Oriol Pla, Albert Pla, Francesc Orella, Gonzalo Cunill, Aida Folch, Miguel Barberá, Lu Colomina, Laia Brugarolas, Arielle Dombasle, Myriam Mézières, Jhonattan Burjack, Naomi Kawase

“FRAGMENTOS”. Náufragos.

F. Lorza                                                                        

Horacio Alcalá ha dirigido tres documentales en España (el último “Hasta el alba”) y dos largos en Méjico (“Finlandia” y “Sobre las olas”). Esta “Fragmentos” vuelve a ser una producción española ambientada en una espectacular y sugerente Lanzarote y es una película intimista, cono solo cuatro personajes que indaga, o pretende indagar, en las relaciones de pareja, en los elementos que las unen y los que las separan y en los papeles que cada uno/a ejerce en la relación.

Una pareja son Alba y Diego (Asia Ortega y Manuel Vega) que, a pesar de su juventud, llevan 9 años casados y están pasando una crisis importante. La otra son Irene y Benito (Emma Suárez y José Luis García-Pérez) los dueños de la casa, y los viñedos, en la que se alojan Alba y Diego pera celebrar su aniversario e intentar reconducir la relación. Y luego está la noria, la de la feria del pueblo, metáfora de vidas en constante movimiento pero siempre volviendo al mismo punto; y esa isla, casi perturbadora, que acoge (o encierra) a unos personajes náufragos de sí mismos.

“Fragmentos” bien podría haber sido una obra de teatro, o una pieza de cámara, porque todo gira alrededor de los contactos, de los roces, de los diálogos en voz baja, casi siempre cercanos, casi susurrados. Una película de esas que en que la acción es mínima y se enriquecen del detalle, de las miradas y de las frases, las que se dicen, las que no y las que se usan como arma arrojadiza.

Finalmente es el retrato de quienes aman mucho (que suelen ser los que más pierden), de quienes necesitan al otro porque no tienen nada más, y de los que aman pero que no saben querer y quieren mal. Puede resultar una película aburrida, incluso insulsa, pero a mí me ha parecido un emotivo viaje al interior de unos personajes perdidos, llenos de carencias y profundamente tristes. Cuestión de si te llega al alma o no, supongo.

Estreno: 12 diciembre 2025

Dirección: Horacio Alcalá

Guion: Frank Ariza

Reparto: Emma Suárez, Manuel Vega , José Luis García Pérez, Asia Ortega, Sonia Almarcha

“ARO BERRIA”. Nueva era.

F. Lorza                                                                        

La nueva era a la que se refiere el título son los años 70 en Guipúzcoa, cuando se produjeron los movimientos alternativos, y revolucionarios, en el seno de la lucha obrera.

La película tiene una primera parte en la que aborda la lucha de los obreros del metal, concretamente los de la fábrica de contadores de agua, para conseguir un convenio colectivo justo y de mejora. Un episodio que ya estaba en el corto “Contadores” del que arranca el largo. Es esta primera parte lo que más me ha interesado del film y el arranque auguraba la recuperación de un periodo que tenemos bastante olvidado. Pero, tras este bloque de menos de media hora, los personajes abandonan el mundo de la fábrica después de la firma de un convenio insatisfactorio y, de manera abrupta y sin apenas continuidad, entran a formar parte de una comunidad alternativa en la montaña, de marcado carácter hippie y en pro de una espiritualidad experimental y alternativa. Hay que reconocerle a Gorostidi la notable documentación que parece tener de este tipo de comunidades (parece ser que sus padres estuvieron en una) y el esfuerzo que hace por sumergirnos en sus rituales exploratorios cargados de trances emocionales, psicológicos y sexuales; y que lo haga en base, únicamente, a la recreación de los mismos, sin guía, ni discursos, ni dogmatismo, con un marcado acento documental. Aunque eso mismo también juega en su contra, porque uno no sabe muy bien para qué se le cuenta la historia y, sobre todo, donde está el mensaje, la intencionalidad, el contraste… qué se persigue.

Queda una película pequeña, con buenas actuaciones, muy personal, valiente y atrevida, que, posiblemente, no logre contactar con su público potencial y se quede más en lo personal que en lo didáctico.

Estreno: 12 diciembre 2025

Dirección: Irati Gorostidi

Guion: Irati Gorostidi

Reparto: Maite Mugerza Ronse, Óscar Pascual López, Aimar Uribesalgo Urzelai, Edurne Azkarate, Jon Ander Urresti Ugalde, Jan Cornet, Oliver Laxe, Javier Barandiaran

“BALEARIC”. Retrato social con incendio al fondo.

F. Lorza                                                                        

Ion de Sosa logró una cierta repercusión con su corto “Mamántula” (2023) nominado a los goya, premiado en el 25 BAFICI y seleccionado en diferentes festivales del género. De la propuesta barroca y perturbadora que supuso el corto, pasa ahora a un retrato social ambientado en la víspera de San Juan y en dos espacios: la primera parte es un grupo de 4 jóvenes que llegan a una casa vacía y, cuando se meten en la piscina, tres perros super agresivos los atacan y no les permiten salir; la segunda parte ocurre en una casa vecina pero alejada en la que un grupo de adultos de clase alta celebra una fiesta/reunión ajenos a todo lo que les rodea, incluido un incendio que devora la arboleda que hay detrás de la casa. Estos últimos también tienen piscina pero nadie se baña (alguien dice que es para marcar nivel, no para bañarse) y el que lo hace sufre un trauma bastante violento.

La propuesta de Ion de Sosa tiene su interés, e incluso resulta osada, se apuntan las diferencias generacionales (los jóvenes en su mundo, los adultos en otro, cercanos pero incomunicados), las de clase (la figura de Antonio que cuida del patriarca), la desidia de una clase que lo tiene todo y que vive de espaldas a todo (un mundo banal e insustancial en sus relaciones) y esas amenazas exteriores (los perros, el incendio) que no parecen afectarles lo más mínimo (hasta ese plano final en el que se intuye que la tragedia, finalmente, los va a alcanzar).

Y siendo una propuesta interesante, uno tiene la sensación de que es una película fallida: la historia de los jóvenes se corta abruptamente y se queda sin el potencial que auguraba, el diseño de personajes es demasiado simple, los diálogos demasiado forzados y el tono general demasiado artificioso, lo que hace que seamos espectadores pero que no nos involucremos en el relato.

Una de esas películas en las que se descompensa lo que se pretende y lo que el espectador capta. De esas que hay que pensárselas en lugar de sentirlas y de las que es fácil salir decepcionado.

Estreno: 12 diciembre 2025

Dirección: Ion de Sosa

Guion: Ion de Sosa, Chema García Ibarra, Burnin' Percebes, Julián Génisson, Lorena Iglesias

Reparto: Luka Peros, Paula Gala, Elías Hwidar, María Llopis, María Llopis.

“LA VIDA FUERA”. Ladrona de historias.

F.Lorza                                                                         

Goliarda Sapienza fue una actriz, poeta y escritora italiana, nacida en Catania en 1924 en el seno de una familia progresista y desde siempre vinculada al mundo de la política. En vida publicó cuatro novelas autobiográficas, pero su gran obra, “El arte del placer”, al principio fue rechazada por muchas editoriales, y finalmente se publicó póstuma en Stampa Alternativa gracias al empeño de su esposo, Angelo Pellegrino. Goliarda Sapienza murió en 1996, ignorada por la crítica y el público de su país.

Esta película podría considerarse un biopic de la escritora ya que nos narra parte de su estancia en la cárcel, apresada por robo de joyas, y las relaciones que estableció, tras su liberación, con las mujeres que conoció en prisión, especialmente con Roberta, una joven rebelde, eterna odiadora de su madre, heroinómana y militante (no se sabe muy bien donde). Goliarda es Valeria Golino, de exultante plenitud, y el fuera del título (“Fuori” en el original) hace referencia a la vida en el exterior de unas mujeres que nunca terminan de salir del todo de prisión.

La película utiliza flashbacks (algunos son casi un destello) del paso de Goliarda por la cárcel, pero el eje de del relato es el descubrimiento que hace la protagonista de las mujeres que conoce y de sí misma, y de la conexión que se establece entre ellas y que la lleva a plantearse una nueva perspectiva de vida e, incluso, a volver a escribir. Tras el visionado uno tiene la sensación de que apenas han pasado cosas, de que ha sido un constante de encuentros y desencuentros, y de que la película tiene un ligero aspecto de deshilachada, como de trazo brusco.

Desde que unos rótulos iniciales nos señalan que Goliarda fue educada en casa, que intentó suicidarse en varias ocasiones y que recibió electroshocks, hasta el final de la película, asistimos a un proceso de reencuentro con la vida y de descubrimiento de lo que podría considerarse una verdadera familia. Si uno se deja llevar por el encanto y la fuerza de estas mujeres, podrá disfrutar de la liberación de Bárbara (Elodie), del torrente vital que es Roberta, de los numerosos matices de Goliarda, en incluso de esas mujeres reclusas (las señoras mayores, impresionantes, la peleona…). Una película de mujeres, fragmentos de una vida, la de una “ladrona de historias” (como ella misma se define), que finalmente, aunque tarde, vio reconocida su valía como escritora. Una forma bastante interesante de dar a conocer el personaje sin caer en el biopic clásico.

Estreno: 12 diciembre 2025

Dirección: Mario Martone

Guion: Ippolita Di Majo, Mario Martone

Reparto: Matilda De Angelis, Elodie, Corrado Fortuna, Francesco Gheghi, Antonio Gerardi, Carolina Rosi, Daphne Scoccia, Francesco Siciliano, Sonia Zhou Fenxia, Ondina Quadri

“EL ÚLTIMO PADRINO”. Mafiosos ilustrados.

F. Lorza                                                                        

Ambientada en la Sicilia de la década de los 2000, esta película está libremente inspirada en la fuga de Matteo Messina Denaro, el último gran capo de la Costra Nostra y el Iddu del título original. A Matteo lo interpreta Elio Germano, pero el verdadero protagonista es Catello Lumpano (Toni Servillo), político de guerra encarcelado por mafioso, al que vemos salir de la cárcel para comprobar que lo ha perdido todo, que ya no tiene ningún cargo ni poder y que el hotel que proyectaba no solo está parado sino que está a punto de ser demolido. El grueso de la película gira alrededor de la colaboración que Catello tiene con la policía para atrapar a Matteo y las maniobras que aquel llevará a cabo para sobrevivir en un espacio que le es adverso y peligroso. 

Sorprende esta película por su tono, alejado de lo que estamos acostumbrados en el género, por el tratamiento que hace de los personajes y, sobre todo, porque la historia acaba sujetándose en el intercambio de cartas que mantienen Matteo y Catello en el que son esenciales la figura del padre del primero (Matteo es el ahijado de Catello), las constantes referencias a la biblia, el nivel “literario” de las misivas (cuando la policía se sorprende por ello, Catello les explica que los mayores lectores son los presos, que tienen mucho tiempo para ello) y las relaciones de poder establecidas y que las apreciamos como si estuvieran fuera de campo. Añadamos también un excelente grupo de secundarios sin desperdicio: el yerno de Catello, conserje del colegio que él dirigió, hombre asustadizo, sencillo, sin demasiadas luces y totalmente fuera del juego de los mafiosos; la hermana de Matteo, mujer resentida, odio puro, que no ascendió en la familia por su condición de mujer; la mujer de Catello, quizás la mejor del elenco, de una presencia impresionante; Rita, la policía que todavía cree en la justicia y que será el complemento preciso de la figura del protagonista; o Lucía, mujer enigmática de notable fuerza que ejerce de “secretaria” de Matteo y nos ofrece una deliciosa ambigüedad.

“El último padrino” nos habla, con lenguaje propio, de las relaciones entre mafia y estado en los primeros años del siglo, sobre el poder y sus métodos implacables pero también sobre sus miedos y sus paranoias. Pero lo mejor es el protagonismo que adquiere la invisibilidad de su personaje, la complicidad generalizada que se intuye en esa sociedad y, sobre todo, esas reflexiones sobre las que sustenta el aplomo y la entereza de personajes encadenados a un destino bastante terrible.

Germano compone un mafioso más clásico, pero el Lumpano de Servillo es deliciosamente atípico y muy disfrutable, al igual que la película si se acepta el juego narrativo que propone.

Disponible en Filmin

Dirección: Fabio Grassadonia, Antonio Piazza

Guion: Fabio Grassadonia, Antonio Piazza

Reparto: Toni Servillo, Elio Germano, Daniela Marra, Rita Mancuso, Barbora Bobulova, Lucia Russo, Fausto Russo Alesi, Emilio Schiavon , Giuseppe Tantillo, Pino Tumino, Antonia Truppo

“ON THE GO”. Viaje a ninguna parte.

F. Lorza                                                                        

Es esta la ópera prima de la venezolana María Giséle Royo y la actriz española Julia de Castro que se estrenó en salas en junio de 2024 y que ahora tiene en Filmin la posibilidad de llegar a un público que seguramente se la perdió en su estreno (esto de la autodistribución es lo que tiene).

La película es una especie de actualización, revisión y puesta al día de “Corridas de alegría” (1982), de Gonzalo García-Pelayo que también era un viaje por Andalucía en un descapotable-cafetera. “On the go” es una road-movie bastante peculiar en la que Milagros (la propia Julia de Castro) y Jonathan (Omar Ayuso) viajan en compañía de una sirena oriental (Chacha Huang) que les hace de guía. Del motivo del viaje o de la meta final del mismo, poco o nada sabemos, pero tampoco parece tener mayor importancia. Jonathan acaba de prender fuego al local de un personaje que le destrozó la vida y es una especie de alma en pena, rebelde, en busca de llenar su gran vacío. Milagros se acerca a la cuarentena y se debate entre ser madre o no y en como escoger al padre perfecto para que la fertilice. Como en toda road-movie, el viaje es la excusa y no sabemos a donde nos lleva, lo importante es el viaje interior, los personajes que encontramos en el camino y el propio camino (en este caso una Andalucía luminosa y llena de música).

Las directoras optan por una filmación en 16 mm (efecto que se reduce notablemente en su visionado en pantalla pequeña) y por una historia absolutamente libre, desprejuiciada, no exenta de humor y en la que se mezcla la comedia, el absurdo, lo fantástico y lo reivindicativo. Se le nota, por supuesto, la escasez de medios, pero la falta de pretensiones y lo natural con que se plantea (a pesar de lo estrambótico de la propuesta) hacen que sea un producto que, visto con una mirada abierta, resulte simpático, bastante divertido y moderadamente sorprendente.

Una película para descubrir y saborear que, además, se limita a unos ajustadísimos 73 minutos. Lo mejor, sin duda, la música y su uso como elemento narrativo. Y es muy fresca.

Disponible en Filmin

Dirección: María Gisèle Royo, Julia de Castro

Guion: María Gisèle Royo, Julia de Castro

Reparto: Julia de Castro, Omar Ayuso, Chacha Huang, Manuel de Blas, Jordi Rosh, Alberto Velasco, Alberto Jo Lee

“ETERNITY”. Mis dos maridos.

F. Lorza                                                                                                           

Hay muchas comedias por ahí que arrancan con una premisa excelente y que, más bien temprano que tarde, terminan agotándose y cayendo en lo manido, lo soso, lo previsible o en cosas peores. “Eternity” tiene ese arranque rozando la genialidad pero, a diferencia de otras, el desarrollo se mantiene vivo e interesante y solo es al final cuando cae, más que en lo manido, en lo convencional (supongo que por esa obsesión de que las pelis han de acabar bien, sí o sí); y es una pena, porque a pesar de lo conservador del planteamiento, la película aporta buenas maneras, tiene su encanto, mantiene una constante línea de interés y acaba resultando bastante simpática.

Se trata de la historia de Larry (Miles Teller) un hombre ya mayor que muere atragantado por una galleta y su llegada, con la edad de un joven, a un curioso limbo más terrenal que divino. Allí deberá elegir a qué eternidad irá para siempre. Tras él llegará su esposa Joan (Elizabeth Olsen) a la que había dejado en la Tierra con un cáncer terminal y los dos se encontrarán con Luke (Callum Turner) el primer marido de Joan que murió en la guerra de Corea, que llevaba 67 años esperándola y del que siempre ha estado enamorada. El grueso del relato girará alrededor de la decisión de con cual de los dos maridos decide pasar la eternidad.

La película tiene sus puntos de humor sin llegar a ser la comedia que busca desesperadamente el gag, un acertado tono de realidad que le confiere cierto atractivo (esas telas que cubren las ventanas y cambian el cielo según el momento del día) y unos personajes en su tono justo que nos permiten comulgar con algunos sinsentidos más o menos aceptables. Imagino que habrá quien no vea más que una comedia tontorrona e incluso empalagosa, pero a mí me ha parecido una apuesta diferente y muy digna y, aunque la hubiese preferido menos convencional y menos conservadora, ha logrado captar mi interés y establecer cierta empatía con sus criaturas. No es para tirar cohetes, pero sí para pasar un rato muy agradable.

Estreno: 5 diciembre 2025

Dirección: David Freyne

Guion: Patrick Cunnane, David Freyne

Reparto: Miles Teller, Elizabeth Olsen, Callum Turner, Da'Vine Joy Randolph, John Early, Christie Burke, Danny Mac, Damon Johnson, Lucy Turnbull, Olga Merediz, Barry Primus, Betty Buckley

“LA TIERRA DE AMIRA”. Viejos, perros y esclavos.

F. Lorza                                                                                                         

En esta luminosa película aparece un momento el tema de la España vaciada y Justino, el protagonista (Manuel Morón) dice que pronto solo quedarán en el pueblo viejos y perros, y al ver pasar a un grupo de temporeros extranjeros añade: y esclavos. Aunque la película habla más de la integración, del acogimiento y de las personas que trabajan en condiciones miserables, la frase sí que marca el tono y las intenciones de la cinta. Se trata de una de esas películas bienintencionadas, que buscan la empatía del espectador con los personajes marginados, los explotados y los que lo han dejado todo en su país para buscar la anhelada tierra prometida que les permita una vida digna a ellos y a los suyos.

Nada nuevo en el horizonte, desde luego. La historia ya la hemos visto antes y los personajes van poco más allá del estereotipo: Justino es un viudo solitario, cascarrabias que se niega en redondo a vender sus tierras al cacique del pueblo para utilizarlos como explotación intensiva bajo los plásticos de los invernaderos; Amira es una joven magrebí, ilegal, que trabaja donde puede por un mísero salario. Justino la atropella accidentalmente una noche y acaba acogiéndola en su casa mientras se recupera, más que nada por empeño de su hermana Araceli, que pone el punto humano y solidario. Los personajes aguantan por las interpretaciones de Morón que logra un Justino arisco pero con buen fondo, de Mina El Hammani que deja una estela de belleza entre la miseria y de Pilar Gómez en un pequeño pero intenso y fresco papel de hermana de bondad sencilla y familiar. Se agradece también la fotografía de Tote Trenas que nos ofrece una Andalucía luminosa de sol radiante y paisajes abiertos.

Quizás se le podía haber pedido algo más de profundidad y, sobre todo, de sorpresa ya que la historia sabe a demasiado previsible y convencional, especialmente viniendo de un Roberto Jiménez que hasta ahora se ha dedicado al guion y a la producción (aunque lo que ha escrito tampoco resulta muy relevante). La película se queda así, en una agradable historia de descubrimiento y aceptación del diferente, con sus puntos de melodrama y de toque sensiblero para rematar la historia. Una película, eso sí, hecha con cariño, que se queda algo corta, bienintencionada y de agradable visionado para quien solamente requiere una bonita historia correctamente narrada.

Estreno: 5 diciembre 2025

Dirección: Roberto Jiménez

Guion: Pedro García Ríos, Rodrigo Martín

Reparto: Mina El Hammani, Manuel Morón, Pilar Gómez, Jorge de Juan

“ME HAS ROBADO EL CORAZÓN”. La chica y el ladrón.

F. Lorza                                                                                                           

Uno acude a esta película con toda su carga de prejuicios en la cabeza: el título, protagonizado por Mario Casas, un póster publicitario en plan “historia de chicos guapos” y una sinopsis que augura una comedia romántica pasada de dulce y destinada a un público adolescente. Y aunque hay bastante de eso, la película se desmarca del modelo más previsible y nos ofrece una historia bastante bien montada, con unos personajes creíbles y un encaje bastante afortunado entre una historia de ladrones y una comedia romántica de amor juvenil.

Se nos cuenta la historia de Erik/Nacho (Óscar casas), un joven ingeniero que, tras años de trabajar en busca de una posición laboral aceptable, ve como le niegan lo prometido y decide robar un banco. Su historia se mezcla con la de Vera, una joven de clase alta, futura abogada, con una madre controladora hasta el delirio, y un prometido que la engaña el mismo día que deciden la fecha de la boda. Después, lo previsible, los dos caminos se cruzan y los dos jóvenes acabarán juntos (no es espóiler, se ve venir a la legua). Lo que salva a la película es, como digo, la naturalidad de sus protagonistas, lo trabajado de la relación que se establece entre ellos, algunos giros que mantienen vivo el interés, unos secundarios que completan el envoltorio (Arturo Valls al principio, Luis Zahera en la segunda mitad…), las canciones sembradas a lo largo del metraje, y los carnavales de Verín, algo forzados pero que dan color y dinamismo a la huida de los protagonistas.

Queda una película que da lo que promete, un entretenimiento ligero, agradable de ver, ágil y bien planificado. A estas alturas poco más se le puede pedir.

Estreno: 5 diciembre 2025

Dirección: Chus Gutiérrez

Guion: Alberto Arruty

Reparto: Óscar Casas, Ana Jara, Luis Zahera, Antonio Pagudo, Miguel de Lira, Ana Milán, Arturo Valls, Alba Gutiérrez, Mario Marzo, Pol Granch, Xurxo Carreño, Francis Lorenzo

“PAPELES”. …de Panamá.

F. Lorza                                                                                                         

Seguro que todo el mundo conoce el asunto de “los papeles de Panamá” acaecido en 2016 tras la filtración de casi 12 millones de documentos confidenciales de las sociedades offshore de ese país creadas para el movimiento ilegal de dinero de todo el mundo. Supongo que visto ahora, también es lógico preguntarse qué fue de todo aquel asunto y por qué ya nadie habla del tema.

La película nos habla de Ana Méndez (Megan Mortimer) directora del bufete jurídico número dos del mundo en ventas de sociedades offshore (de jefes hacen Antonio Dechent y Carlos Bardem, por aquello de la coproducción) en clara referencia a Mossack Fonseca, que verá como todo se derrumba a su alrededor y las amenazas tras la filtración de los documentos.

Dos cosas que no encontrarán en la película: un mínimo análisis de lo que fue aquella movida, ni un mínimo estudio para entender qué son y cómo funcionan las sociedades offshore. Y es que solo hay dos aspectos que parecen interesar al film: la historia de Ana, en pretendido thriller de economía avanzada y su caída en desgracia por un lado; y por otro lanzar el mensaje de que en el fondo, Panamá no fue más que una víctima de las grandes potencias económicas que también hacen lo mismo pero a las que nadie se enfrenta; ni ética, ni legalidad, ni tesis en el horizonte de sus objetivos.

Y lo que tampoco van a encontrar es buen cine. La película no llega ni a telefilm de sobremesa: tiene un guion pobre que funciona a fuerza de frase caprichosa, está mal planificada y peor montada y pretende tensionar al espectador con torpes huidas y situaciones artificiosas; las subtramas no se sostienen y algunas resultan incluso ridículas (todo lo referente al colegio de las hijas, o las escenas de los directivos en la cárcel, p.ej.), y el alegato final parece más una imposición de Panamá para lavarse la cara que un final coherente con la historia.

Una película que suena y se ve mal a pesar de los fichajes españoles, absolutamente fallida y digno ejemplo de lo que no se debe hacer con un tema tan trascendente y complejo como el de estos dichosos papeles… de Panamá.

Estreno: 5 diciembre 2025

Dirección: Arturo Montenegro

Guion:  Andry J. Barrientos, Andrés Clemente, Arturo Montenegro

Reparto: Megan Montaner, Carlos Bardem, Antonio Dechent, Gustavo Bassani, Jaime Newball, Verónica Ortiz, Nick Romano, Agustín Della Corte

“SUPERNATURAL”. Ciencia y magia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Busco al protagonista de este documental en internet y encuentro: “André Malby (nacido como André Malby Gómiz, el 4 de septiembre de 1943 en Orán) fue un escritor, investigador español y francés de origen argelino, especializado en filosofía y medicina herbolaria, habiendo participado como miembro del Comité Directivo del Institut Métapsychique International de París y en diversos programas de radio y televisión como tertuliano dedicado al debate de temas esotéricos”. Luego, la sinopsis de la película nos habla de su hijo Mathu, como figura radicalmente opuesta a su padre y de Anna Alarcón, actriz española que superó una seria anorexia siendo niña gracias a la intervención, a distancia, de Malby y que ahora organiza un homenaje en Las Cuevas de luz, donde vivió y que ahora alberga la biblioteca que él mismo creó.

Ante tal panorama, especialmente si se es escéptico en estos asuntos de las sanaciones, las energías y los esoterismos, uno se teme lo peor y que la cosa pueda ir desde un panfleto sobre nuevas medicinas hasta un alegato de espiritualidades varias. Pero los temores son infundados, sin duda. La película aborda el asunto como una indagación en realidades y vivencias más que en creencias, se muestra respetuosa e inteligentemente neutra con los hechos y las ideas y nos ofrece un dibujo amplio, coral y honesto.

La cosa arranca con Anna Alarcón y su vivencia con la anorexia infantil, es ella la que pone en marcha la maquinaria del documental y sirve de elemento aglutinador. El otro eje fundamental es Mathu, el hijo de André, médico convencional, hombre de ciencia, fotógrafo de pájaros y arquero; de su posición respetuosa y distante inicial pasaremos al retrato de un hombre muy inteligente que todavía arrastra la carga de un padre difícil, que abandonó a su mujer y a su hijo y cuya sombra vuelve en forma de nubarrón negro. Después está la figura de André Malby, dibujada a base de entrevistas en televisión (la que Sánchez Dragó le hizo en su mítico “El faro de Alejandría”), de referencias de los que lo conocieron, de sus amigos y, por supuesto, de su hijo. Así, la película se desmarca del documental al uso, adquiere cierto tono de dramatización de lo real y acaban siendo las personas las que nos interesan y a las que queremos entender después de descubrirlas. Finalmente, no importa demasiado si las curaciones fueron cuestión de magia, de sugestión o de poderes supernaturales del sanador; lo importante viene a ser la conciencia de uno mismo, de la situación en que se vive y del aprovechamiento de lo que tenemos alrededor y dentro de cada uno. La ciencia, la magia, el esoterismo son, en definitiva y fundamentalmente, formas de enfrentarse a la vida, personales y únicas.

Estreno: 5 diciembre 2025

Dirección: Ventura Durall

Guion: Ventura Durall

Documental

“EL PRIMER ASESINATO”. El FBI danés.

F. Lorza                                                                                                         

Christoffer Boe ya dirigió en 2018 la cuarta entrega de Los casos del departamento Q , “Expediente 64”, además de, entre otras, “Un bocado exquisito” (2021). Ahora nos ofrece un producto más en la línea de la primera, ambientado en la Dinamarca de 2027 y en una Unidad Especial de la policía recién creada como cuerpo de élite encargado de controlar los numerosos casos de incendios que han proliferado en el país y que amenazan con arruinar a las aseguradoras. El incendio en una cabaña con cadáver incluido será el inicio de la primera investigación del grupo, la que hace referencia el título, y que, debido al uso de las nuevas tecnologías (principalmente el uso de la fotografía y el de recogida e identificación de huellas), les valdrá el apodo de “FBI danés”.

La película tiene la misma estructura y aspecto que las series de cierta calidad a las que nos tienen acostumbrados el noir nórdico: una puesta en escena muy vistosa con una elaborada y efectiva fotografía llena de oscuros y contrastes, una ambientación impecable atenta al detalle en exteriores, vestuarios, mobiliario, útiles, coches…, un guion bien elaborado y un montaje impecable que dotan a la trama de una agilidad y un desarrollo sin fisuras, y unos personajes bien definidos sin demasiadas complicaciones. Así, lo mejor de la cinta son esos aspectos de policía incipiente que nos invitan a dar un paseo por los orígenes de lo que ahora vemos en series policiales televisivas, y esos puntos en los que las mujeres intentan hacerse un hueco en un espacio dominado y restringido a los hombres (la secretaria que se incorpora el equipo y la periodista que asume competencias en su periódico).

Queda una película muy entretenida, visualmente muy atractiva y con un tono que engancha. Excelente para una velada de tarde en la que uno no quiere complicarse la existencia y opta por un entrenamiento que no insulte al espectador.

Disponible en Filmin

Dirección: Christoffer Boe

Guion: Lasse Kyed Rasmussen, Christoffer Boe. Libro: Jacob Jonia

Reparto: Alex Høgh Andersen, Mathilde Arcel Fock, Mille Hoffmeyer Lehfeldt

“NÚREMBERG”. El nazi y el loquero.

F. Lorza                                                                                                         

Coincidiendo con el 80 aniversario de los primeros juicios internacionales contra la alta jerarquía nazi que sobrevivió a la guerra, se estrena “Núremberg”, adaptación del libro “El nazi y el psiquiatra” escrito por Jack El-Hai y publicado en 2014. Recordar también que sobre estos juicios celebrados en 1948 Stanley Kramer dirigió “Vencedores o vencidos: el juicio de Núremberg” protagonizada, entre otros, por Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark y Marlene Dietrich.

Esta que nos ocupa, como indica el título del libro, es, más que la historia del juicio, la de la relación entre Herman Göring (inmenso Russell Crowe), mano derecha y claro sucesor de Hitler, y Douglas Kelley (Rami Malek) psiquiatra estadounidense encargado de analizar el estado de los acusados y de prevenir posibles suicidios. De hecho, el juicio no empieza hasta bien pasada la primera mitad de la película y su primera parte, de un desarrollo excelente, funciona como imprescindible preámbulo para lo que en realidad se quiere contar: que eran personas como otras cualquiera, con enorme capacidad de mando y liderazgo, y que cualquier persona puede llegar a acciones terribles llevadas por el ansia de poder, de control o de otras motivaciones. Así, Göring se convierte en el centro y motor de la trama y todo se desarrolla alrededor de su personalidad (amplificada por la impresionante interpretación de Crowe) y el intento de buscar las señales del mal en el interior de alguien capaz de cometer semejantes atrocidades. Se supone que la figura de Kelley, el psiquiatra, también había de tener un nivel similar, pero se queda bastante más corta porque Malik se pierde en una gestualidad ineficaz y no aporta ni la profundidad ni el carisma que el personaje requería.

La película funciona bastante bien y logra un buen equilibrio entre narración y mensaje; también es verdad que algunas cosas se simplifican demasiado (el juicio en general, los secundarios, alguna subtrama como la de la mujer de Göring…) pero no afectan demasiado al buen hacer del global; y el hueco que deja Malik lo llenan con creces Crow y Leo Woodall, el sargento que hace de traductor y que resulta un papel realmente gratificante.

Una película muy interesante y entretenida; muy recomendable, sobre todo, para quien no esté al tanto o sea un negacionista de esa parte de la historia.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: James Vanderbilt.

Guion: James Vanderbilt. Libro: Jack El-Hai

Reparto: Rami Malek, Russell Crowe, Michael Shannon, Leo Woodall, Colin Hanks, Richard E. Grant, John Slattery, Wrenn Schmidt, Lotte Verbeek, Steven Pacey, Andreas Pietschmann

“ZOOTRÓPOLIS 2”. La conejita, el zorro y la serpiente.

F. Lorza                                                                                                         

La “Zootrópolis” original, estrenada en 2016, dejó el listón muy alto ya que Disney nos ofreció un producto muy bien elaborado, bien escrito, que aprovechaba el carácter de sus personajes y construía una bonita y entretenida película de aventuras; incluso se llevó el óscar a mejor película de animación de ese año y recaudó más de mil millones de dólares a nivel mundial, aunque tampoco es eso garantía absoluta de nada, claro.

Esta segunda parte vuelve a estar protagonizada por Judy y Nick, la conejita policía y el zorro callejero que unen fuerzas para resolver casos y salvar la ciudad de Zootrópolis. Ahora la trama gira sobre un misterio que hay alrededor del origen de los muros climáticos que permiten que convivan climas y diferentes especies y, sobre todo, el conflicto que los mamíferos tienen con las serpientes, animales que no se ven por la ciudad desde hace 100 años y que son los “malditos” de la historia. Sin ser una trama demasiado original, funciona bien como base para ofrecernos una trepidante y entretenida aventura que prácticamente no da respiro y viene trufada de personajes variados, muy atractivos y que funcionan de maravilla. Quizás haya perdido algo del humor de la original y, como pasa en segundas entregas, bastante de la frescura y  la sorpresa que aportaba aquella, pero sigue siendo una cinta impecable, de magnífica animación y que atrapa con facilidad, de esas de pasar un rato muy ameno aunque a la larga quede más bien poco.

Destacar, como digo, el diseño de personajes, más variados que en la primera, el ritmo de las escenas de acción y, sobre todo, esa voz que Jason Baterman ha otorgado al personaje de Nick, especialmente en la primera parte, llena de unas modulaciones deliciosas que lo convierten en el principal estímulo de la película. Tampoco faltan algunos guiños cinéfilos (a nadie se le escapará el laberinto a lo “El resplandor”) y una gran variedad de decorados a todo color que hacen imprescindible su visionado en pantalla grande.

Seguro que funciona como la de 2016 y se convierte en la película de Disney para estas vacaciones. Como entretenimiento, desde luego, impecable.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: Jared Bush, Byron Howard

Guion: Jared Bush

Animación

“SINGULAR”. IA y duelo.

F. Lorza                                                                                                           

Segundo largo de Alberto Gastesi que en 2022 nos ofreció “La quietud en la tormenta”, una ópera prima de notable interés. “Singular” es una propuesta completamente diferente que nos habla de la inteligencia artificial y del duelo. Lo hace a partir de la historia de Diana (intensa Patricia López de Arnáiz) y de Martín (efectivo y sutil Javier Rey), una pareja que perdió a su hijo 12 años atrás y que se vuelven a reunir en la casa donde vivieron los tres al lado de un lago. Diana trabaja en un proyecto de IA y Martín hace tiempo que dejó ese terreno. Tras un accidente con el coche que obliga a Diana a permanecer en la casa, aparece un joven extraño, Andrea (Miguel Iriarte) de misterioso parecido con el hijo muerto y que será el desencadenante del resurgir de secretos, sospechas y otras extrañezas que no desvelaremos.

La película comienza como un drama sobre el duelo para luego derivar a un tono más fantástico en el que la trama se enrevesa, se retuerce sobre sí misma y da un sinfín de giros utilizando la confusión entre realidad y elementos creados con IA, los sucesos del pasado y las perspectivas de futuro.

Hay que reconocer lo arriesgado y valiente de la propuesta y, sobre todo, el abordaje que se hace de los conflictos emocionales por un lado y de los derivados del uso de la IA por otro; todo ello desde una perspectiva bastante novedosa y con una dimensión muy interesante. Así, el duelo se convierte en el motor de la trama y la creación de vida artificial en un artefacto generador de posibles soluciones, futuros inciertos y conflictos morales varios. Gastesi aborda el tema sin enjuiciamientos ni discursos ni moralinas, dejando que sea el espectador quien se posicione y juzgue. El problema está en que la trama se enrosca demasiado y gira demasiadas veces hasta que el espectador (al menos este que suscribe) se desorienta y se pierde, como quien sale por una boca de metro desconocida y no acierta a saber donde está ni hacia donde mira.

Una película interesante, sin duda, que da mucho que pensar pero que no logra atinar a un objetivo asequible.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: Alberto Gastesi

Guion: Alex Merino, Alberto Gastesi

Reparto: Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Iriarte

“BARCELONA, MON AMOUR”. En francés, si us plau.

F. Lorza                                                                                                           

Sandra vive en Barcelona y trabaja en una editorial donde, parece ser, fue colocada a dedo lo que le proporciona ciertas rencillas con su jefa; Sandra está cerca de la cuarentena y anda preocupada por si se le pasa el reloj biológico y no pueda tener hijos; en esas está cuando una adivina le echa las cartas del tarot y le dice que el hombre de su vida será un francés.

La película se apunta a la comedia romántica, sin demasiadas pretensiones, con más ganas de hacer un producto amable y entretenido que de tratar cualquier tema; así, los personajes no evolucionan más allá de lo que los acontecimientos van dictando, todo gira alrededor de la protagonista y sus pequeñas desgracias sentimentales y el resto de personajes solo tienen el desarrollo que el relato necesita para ir tirando adelante. Queda, por tanto, una película sencilla, ligera y, afortunadamente, poco pretenciosa

Lo mejor, sin duda, son sus actores: excluyendo a los que hacen de franceses (demasiado caricaturescos y bobos) tanto la protagonista, Núria Florensa, como el grupo que interpreta a las amigas y Tucho Garçon, que hace de Miquel, están muy naturales, aguantan a sus personajes y hacen que sus diálogos y reacciones sean bastante creíbles. Después está, claro, Barcelona, de fondo y con cierta presencia, y la música, con algunos temas bastante bien colocados y algún tema de saxo quizás demasiado presente en algunos momentos.

No sé si se le puede pedir más a una producción tan pequeña como esta, pero se echa de menos algo de ingenio en el guion que sorprenda al espectador (todo es demasiado previsible y, por momentos, algo insulso) y un poco de chicha que añadir a una historia demasiado convencional.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: Jaume Fargas, Roser Texidó

Guion: Roser Texidó

Reparto: Núria Florensa, Tucho Garçon, Agnès Busquets, Anna Barrachina, Jean Claude Ricquebourg, Julien Paschal, Magali Mestre, Iker Montero, Oscar Mellado, Elisabet Hereu

“RUIDO”. Batallas.

F. Lorza                                                                                                         

Ópera prima de Ingride Santos (directora del corto “Beef” que estuvo nominado al goya en 2021), de esas que se agradece el esfuerzo y las ganas por contar una historia personal y con una nueva perspectiva; de esas que quieren hablar de muchas cosas, en este caso de raperos, de su barrio, de migración, de machismo, de racialidad, y el abrazo termina corto y dejando la mayor parte en el aire. La película pasó por el festival de Málaga y también estuvo en el de Seattle.

Nos cuenta la historia de Lati, una adolescente que vive en Barcelona, hija de migrantes de Malí y cuyo padre murió dejando un gran hueco en la familia (la película plantea también la problemática derivada de que su padre no está enterrado de acuerdo a sus creencias religiosas). Lati estudia para higienista bucal pero su pasión es el rap y lo que quiere es participar en alguna batalla freestyle importante (de rap, se entiende) y meterse en el mundillo de esa cultura. A Lati la encarna Latifa Drame (la cuestión del nombre ya es una declaración de intenciones) una actriz no profesional que le da al personaje un interesante punto de veracidad y de diferenciación, y a través de ella se intenta hacer un retrato del universo urbano en el que se mueve.

Santos establece una línea narrativa alrededor de las relaciones familiares de Lati con su madre (para lo cual utiliza un formato cásico casi cuadrado, imagino para potenciar el aspecto limitador que ejerce la madre y sus creencias) y por otro lado el de la calle y del rap (para el que usa un formato panorámico proporcionando mayor sensación de amplitud y apertura) a través de la figura de Judith (Judith Fernández Vargas) que ejercerá de anfitriona, guía, entrenadora y reflejo de las dificultades para salir adelante entre tanto machito.

Todo en general es bastante correcto: los actores aguantan sus personajes con bastante solvencia, la fotografía va acorde con el aire urbano de la temática, las canciones (siempre presentes) tienen letras con cierto interés y el desarrollo es más o menos creíble. La sensación final es la de que es un producto digno, bienintencionado y bastante fresco, al que falta algo de fuerza y empaque y le sobra ese final artificioso y forzadamente feliz más cercano a los productos estándar made in USA que a una obra que se pretende joven, rebelde y nueva. Sin ser una película decepcionante uno se queda con ganas de guerra, de la de verdad; aunque seguramente sea porque no soy el público al que parece ir destinada.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: Ingride Santos

Guion: Ingride Santos, Lluís Segura

Reparto: Latifa Drame, Judith Álvarez Vargas, Asaari Bibang

“BELLA”. Violencia de manual.

F. Lorza                                                                                                        

Esta película está inspirada en la historia real de Ana Bella, una mujer sevillana con cuatro hijos que, tras 11 años de malos tratos por parte de su marido, dio ese paso tan difícil de salir de casa, buscar ayuda y denunciar.

La película, de una duración inusual de 61 minutos, aborda el tema sin aportar nada nuevo, la trama es la de una violencia de manual: chica de 18 años se encandila con un hombre de 26 que la hace sentirse querida y única, y tras el matrimonio él corta todas las relaciones que ella tiene y ejerce sobre ella todo tipo de violencia; finalmente ella huye con sus hijos y se apoya en sus familiares y amigos superando ese complejo de culpabilidad tan característico.

La película cuenta la historia con solvencia y, a pesar de la sencillez de la animación, funciona bien, especialmente porque las voces suenan muy naturales y efectivas (ella es Michelle Jenner y él Víctor Clavijo). Pero hay una clara falta de guion que otorgue a la cinta cierta profundidad y que nos aporte algo nuevo, algo de valor al relato que le proporcione un poco más de sentimiento, de fuerza y de interés.

Queda una película que parece más bien un anuncio de la Fundación Ana Bella. Red de mujeres supervivientes y que, a pesar de las buenas intenciones, la cosa sabe a poco.

La cinta se vio en la Seminci, en un estreno bastante especial en el que la mayoría del público eran chavales. Al respecto Amparo Martínez Barco declaraba: “es muy emocionante porque este es el público al que se dirige “Bella”. Por eso utilizamos un lenguaje sencillo, directo… intentando abrir una puerta en los chavales”. Desde esta perspectiva y teniendo en cuenta lo que buena parte de los jóvenes opinan sobre la violencia de género, la película adquiere una fuerza y un valor indiscutible como herramienta pedagógica.

Estreno: 28 noviembre 2025

Dirección: Manuel H. Martín, Amparo Martínez Barco

Guion: Manuel H. Martín, Carmen Jiménez

Animación

“CIUDAD SIN SUEÑO”. La gente de La Cañada.

F. Lorza                                                                                                         

Guillermo Galoe realizó en 2023 el corto “Aunque es de noche” con el que ganó el Goya y el Forqué a mejor cortometraje de ficción. En él se hacía un retrato de Toni y Nasser, dos adolescentes que viven en La Cañada Real, el asentamiento irregular más grande de Europa, en el momento en que Nasser está a punto de marchar a Francia.

“Ciudad sin sueño” recupera estos personajes (aunque Nasser es ahora Bilel) y también La Cañada sin agua ni luz, las historias de un futuro de colores contadas a la luz del fuego (siempre hay fogatas por todos lados), la condición de chatarrero de Toni y la chiquillería que juega en la calle. Hora y media da para muchos más que 17 minutos, así es que Galoe introduce la historia de la galga Atómica, la del abuelo que recoge chatarra y que ejerce de patriarca, profundiza en las mujeres, en el tema de la droga y, sobre todo, en el desmantelamiento del poblado y el realojo de las familias.

La película conserva, e incluso enfatiza, el tono documental de la propuesta y los actores vuelven a interpretarse a sí mismos utilizando sus propios nombres y su propia jerga (los subtítulos en castellano son, por momentos, muy de agradecer). Se trata de hacer una exposición, una ficción a partir de la realidad de este joven que tiene como puntos de apoyo el liderazgo del abuelo, la amistad profunda con Billel y la relación incondicional con su perra. Y aquí está la grandeza de la película: como logra ficcionar una realidad sin traicionarla ni deformarla.

Entre la ficción, la fabulación y el documental, Galoe ofrece una historia sin prejuicios ni juicios de valor, alejándose del tópico, realista y sin concesiones. Un difícil ejercicio que logra captar la esencia de sus criaturas sin ornamentos ni abalorios, que saca partido a los filtros de colores del móvil y que sorprende por su dureza y su ternura.

Estreno: 21 noviembre 2021

Dirección: Guillermo Galoe

Guion: Guillermo Galoe, Víctor Alonso-Berbel

Reparto: Antonio Fernández Gabarre, Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Luis Bértolo

“LA BALA”. Memoria.

F. Lorza                                                                                                         

Caros Iglesias nos sorprendió en 2006 con una grata ópera prima titulada “Un franco, 14 pesetas”; lo que vino después, “Ispansi (¡Españoles!)”, “2 francos, 40 pesetas” y “La suite nupcial” no tuvieron ni la repercusión de la primera ni su nivel.

Ahora nos ofrece “La bala”, la historia de un sacerdote, Julián (el propio Iglesias), que decide recuperar los restos de su tía María, enfermera voluntaria de la División Azul, muerta durante la II Guerra Mundial en algún lugar de Rusia. Lo que en un principio parece ser una mera recuperación y repatriación del cadáver se convierte, tras el análisis de la bala que la mató, en una investigación sobre la tragedia de una familia sometida en pleno franquismo por la avaricia y la impunidad de los vencedores.

La película empieza con la marcha de María hacia Alemania para después ir al frente ruso y, en paralelo, con el encuentro de Julián con el grupo de personas que intentan repatriar los cadáveres de soldados de la División Azul. Lo que parece va a ser un alegato sobre la memoria histórica en el terreno de los franquistas pronto se decanta por un horizonte más amplio y pone el foco en un pasado oscuro, silenciado y tristemente generalizado en nuestro país.

A la película le falta algo de profundidad, de reflejo de la complejidad del contexto, pero funciona bien como historia de descubrimiento, de reparación y de memoria. Sin ser demasiado beligerante, pero sí muy honesta y sincera, la película lanza un discurso impecable e invita a la reflexión y al conocimiento como vía de sanación y superación en contra de la idea de “pasar página” o la de “remover el pasado” como algo negativo.

Iglesias recupera el tono suave, agradable y limpio de “Un franco, 12 pesetas”, se rodea de un elenco excelente y nos ofrece una historia sencilla pero estimulante, excelente para entrar en materia y abrir una lección más profunda de historia.

Estreno: 21 noviembre 2025

Dirección: Carlos Iglesias

Guion: Carlos Iglesias

Reparto: Carlos Iglesias, Silvia Marsó, Paula Iglesias, Carlos Hipólito, Eloisa Vargas, Roberto Álvarez, Manuel Morón, Miguel Rellán, Luisa Gavasa

“SUEÑOS EN OSLO (DREAMS)”. Primer amor.

F. Lorza                                                                                                           

Última entrega de la trilogía que Dug Johan Haugerud ha realizado en 2024 sobre el amor y las relaciones. No he visto “Love” (titulada aquí “Amor en Oslo” y disponible en Filmin) pero sí “Sex”, una más que interesante reflexión sobre la identidad sexual y los roles de género masculinos a partir de la historia de un hombre hetero que le confiesa a su mejor amigo haber tenido una relación puntual con otro hombre (también está disponible en Filmin).

“Dreams” nos cuenta la historia de Johanne, una adolescente que se enamora locamente de su profesora de francés en lo que será el descubrimiento (un encontronazo más bien) del amor y el deseo sexual. Johanne decide escribir sus experiencias para procesar sus sentimientos y recordar lo sucedido, lo que da como resultado un relato escrito que podría ser un libro y que servirá para que, la abuela primero y la madre después, sean conscientes de lo que Johanne ha vivido.

Quizás un poco excesiva en su metraje, la película tira de la voz en off con la que Johanne nos comunica lo que escribe, especialmente en la primera parte, centrándose en el personaje principal casi exclusivamente y echándose de menos un tratamiento de la imagen algo más creativo; aún así, Haugerud consigue dibujar con nitidez e intensidad el universo personal de Johanne y permitir que luego, con la entrada en pleno de los adultos en la narrativa, la película crezca, se haga más compleja y más interesante.

Estamos ante una singular coming of age en la que el frío nórdico contrasta con la calidez de un personaje conociéndose a sí misma e intentando encajar en una realidad (de adultos) que poco o nada tiene que ver son sus sueños de adolescente. Una película de mujeres en la que solo aparece un hombre (el psicólogo del final) dirigida por un varón y cargada de sensibilidad.

Estreno: 21 noviembre 2025

Dirección: Dag Johan Haugerud

Guion: Dag Johan Haugerud

Reparto: Ella Øverbye, Selome Emnetu, Ane Dahl Torp, Anne Marit Jacobsen, Silje Breivik, Ingrid Giæver, Valdemar Dørmænen Irgens, Andrine Sæther

“REINA MADRE”. La familia de Nouma.

F. Lorza                                                                                                         

Segunda película de Manele Labidi; su ópera prima se titulaba “Un diván en Túnez” (2019) y era una interesante obra sobre la vuelta a los orígenes contada a través de una joven psiquiatra que volvía a Túnez después de varios años en Francia para montar un consultorio justo después de la “Primavera árabe”. Esta “Reina Madre” que nos ocupa tiene un tono parecido, aunque bastante más oscuro, también un personaje femenino enérgico y potente y un universo de personajes muy bien dibujados. La historia se centra en la familia de Amel (una enérgica y encantadora Camélia Jordana) y Amor (Sofiane Zermani) que tienen dos hijas, una de ellas adolescente, de nombre Mouna y con algunos problemas de bulliyng en el colegio. La familia vive en un pequeño pueblo de las afueras en unas condiciones bastante aceptables, que se verán en peligro cunado el propietario les anuncie que tendrán que abandonar la vivienda en unos meses. La película se centra en el conflicto que surge ante la pérdida de la casa, el resurgir del deseo de volver al país de origen, la relación del matrimonio (siempre queriéndose y siempre discutiendo) y esa especie de amigo invisible que Nouma encuentra en un personaje histórico, Charles Martel (un siempre genial Damien Bonnard) , guerrero medieval que, se supone, detuvo el avance de los árabes en Poitiers, allá por el 732,  y que tras la explicación del suceso en clase de historia se le aparecerá como amenaza primero y luego como amigo y apoyo. Es este personaje, sin duda, un gran acierto del relato que podía haber caído en lo simple o lo chabacano pero que encaja perfectamente en la historia y la dota de un punto muy dulce y divertido.

“Reina Madre” es una de esas películas que fluyen con suavidad pero nunca a trompicones, siempre cuidando a sus personajes y dotándolos de gran humanidad y ofreciéndoles su propio espacio dentro del relato. La película juega también al contraste de personalidad y se enriquece de la energía imparable y explosiva de Amel, el espíritu amable y conciliador de Amor, la fascinación de Nouma ante lo que rodea y lo que se le aparece y el divertido anacronismo de Charles Martel.

Queda una película amable, muy agradable de ver, en la que es fácil empatizar con sus criaturas y que deja tras de sí un listado de temas más sugeridos que tratados: el racismo incrustado en la sociedad, la integración en un país ajeno, el deseo de superar la pertenencia a una clase humilde, la reinterpretación de la historia, la adolescencia y sus fantasmas… Para disfrutarla.

Estreno: 21 noviembre 2025

Dirección: Manele Labidi

Guion: Manele Labidi

Reparto: Camélia Jordana, Sofiane Zermani, Damien Bonnard, Rim Monfort

“WICKED: PARTE II”. Brujería simplista.

F. Lorza                                                                                                         

He de reconocer que he visto la primera “Wicked” pero que apenas la recuerdo más allá del colorido, los vestidos de los personajes y esas canciones a las que no les pillé la gracia; y esta segunda parte creo que va camino de lo mismo. Salgo del cine con la sensación de haber visto algo larguísimo, que se tira la última hora (de los 137 minutos que dura) rematando una historia que nunca ha cogido vuelo y que no sabe como poner el punto final; toda ella me ha resultado tremendamente vacía, de un simple abrumador y de desarrollo caprichoso, por no decir caótico, y la música, pues como la anterior, sin carácter ni atractivo. ¡Ojo! Es muy probable que no sea problema de la película, especialmente viendo las maravillas que otros ha encontrado en ella, y que sea yo quien no acabe de entrar en los musicales, especialmente si tienen un planteamiento tan clásico como este.

Sí que me ha parecido un acierto cómo se incluyen en el relato los elementos de la historia clásica que todos conocemos: Dorothy y su perro haciéndose con los zapatos de la bruja y la muerte de esta, el hombre de hojalata creado a partir de un personaje propio, el hombre de paja como evolución del prometido de Glinda, o el camino de baldosas amarillas como pretexto para exponer la tiranía del mago. También están bien las referencias a la ignorancia del pueblo y a los mecanismos de mantenimiento de un régimen dictatorial, pero son elementos aislados, meros apuntes sin profundidad en una trama que me ha dejado indiferente y bastante agotado.

Imagino que quien disfrutó de la primera parte, encontrará aquí una digna continuación, y lo mismo pasará con aquellos a los que les basta el colorido, los escenarios vistosos, las grandes coreografías y las escenas animadas a base de golpe sonoro. Yo que, ya digo, no soy amigo del musical, y que prefiero el clásico de 1939, creo que no iré a la siguiente entrega que, seguramente, nos llegará tarde o temprano.

Estreno: 21 noviembre 2025

Dirección: Jon M. Chu

Guion: Winnie Holzman, Dana Fox

Reparto: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Marissa Bode

“LA HISTORIA DE FRANK Y NINA”. Y Gollum.

F. Lorza                                                                                                         

Es esta una película narrada en primera persona y con la voz en off casi permanentemente de un personaje que no habla y que se expresa a través de las frases que escribe, con spray blanco, en paredes y muros; frases que toma “prestadas” de los más variados literatos. Nuestro personaje es Carlo, un joven de 18 años al que todos llaman Gollum por el sonido que emite cuando intenta pronunciar alguna palabra. Gollum está prendado de Nina, una adolescente de 16 años que tiene una criatura y un marido, el Duce, que la maltrata y la anula; y Frank es su gran amigo, un curioso personaje, inteligente, rebelde, que no calla y que también está coladito por Nina.

La película juega con diferentes texturas: color, blanco y negro, imágenes de baja resolución… y lo hace de una manera bastante anárquica, sin un patrón que la justifique, pero el resultado no resulta caótico y acaba enriqueciendo el relato. Como ejes complementarios de la trama: la relación de Nina con su marido, sus deseos de acabar los estudios y conservar la tutela de su hija; la relación de Gollum con sus padres; y las peripecias de Frank con su abuelo y su madre.

Con un cierto aire a “Jules et Jim” de Truffaut, homenaje incluido en póster y en la escena en que corren hacia el metro, Randi compone una historia de amistad y de amor de tres personajes en los límites de la marginalidad, en un suburbio donde domina la diversidad (Nina es de raza gitana) y la delincuencia (la película empieza con una incursión en una nave industrial abandonada para robar el cobre que queda) y en un presente del que intentan escapar.

El encanto de la película reside en el contraste de sus tres protagonistas, de personalidades muy diferentes pero que se complementan y enriquecen, uno no llega a poner en duda el amor de los chicos hacia Nina y su fuerte vínculo de amistad. Es muy bonito que Gollum no hable pero que piense mucho y que nos haga partícipes de sus pensamientos sin necesidad de subrayados ni artificiosidades, y todo apoyado por una propuesta visual muy atractiva gracias a la excelente fotografía de Matteo Carlesimo.

Queda una interesante película de paso a la edad adulta, muy personal, yo diría que muy italiana y con el encanto de las historias que acaban haciendo que sus personajes nos sean cercanos y queribles.

Estreno: 21 noviembre 2025

Dirección: Paola Randi

Guion: Paola Randi

Reparto: Gabriele Monti, Ludovica Nasti, Samuele Teneggi, Marco Bonadei, Bruno Bozzetto, Anna Ferzetti, Margherita Di Rauso, Giuseppe Dave Seke

“TODOS LOS LADOS DE LA CAMA”. La boda de los hijos.

F. Lorza                                                                                                           

Tercera película de esta serie de comedia musical tras los dos títulos que dirigió Emilio Martínez Lázaro: “El otro lado de la cama” (2002) y “Los dos lados de la cama” (2005). Ahora dirige Samantha López Speranza en su primer largo tras algunas series como “Asuntos internos” o “La favorita 1922”. También repiten como actores Ernesto Alterio, Pilar Castro, María Estévez, Guillermo Toledo, Alberto San Juan o Secun de la Rosa.

La fórmula vuelve a ser la misma: una comedia musical con historias de amor de fondo en la que los sentimientos se expresan con canciones y con un tono desenfadado y ágil. Ahora se añade el toque juvenil que le otorgan Lucía Caraballo, Jan Buxaderas y Sergio Abelaira que aportan, además ese tratamiento normalizado de los diferentes tipos de relación.

La labor de los actores es, con mucho, lo mejor de la oferta. Los jóvenes están muy bien, pero son los veteranos los que cargan con el peso de la película y con los giros que aporta el guion: un San Juan estupendo en su papel de hermano fantasma, un genial Alterio que no para de acudir a urgencias en lo que es el mejor hallazgo de la historia, una encantadora Pilar Castro o un Willy Toledo sin desperdicio.

No soy muy amigo del musical y quizás por ello los números musicales me han parecido más una pausa para coger aire que un elemento importante del relato, y que, a pesar del encanto que tienen, sin ellos la película hubiera funcionado igual (creo).

La historia es sencilla: Óscar y Julia se enamoran y deciden casarse, el padre de él y la madre de ella no lo ven con buenos ojos (les parece un retroceso en los avances conseguidos) y deciden boicotear la boda. Al final, una excusa como otra cualquiera para dibujar unos personajes bastante inestables, cada uno con su mochila y sus frustraciones y todos entre lo entrañable y lo divertido. No hay malos ni se les necesita.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Samantha López Speranza

Guion: Carlos del Hoyo, Irene Bohoyo

Reparto: Ernesto Alterio, Pilar Castro, Jan Buxaderas, Lucía Caraballo, Sergio Abelaira, Leire Aguiar, María Esteve, Secun de la Rosa, Natalia Verbeke, Alberto San Juan, Guillermo Toledo

“LOS COLORES DEL TIEMPO”. Una casa familiar.

F. Lorza                                                                                                         

Es este el 14 largo de Cédric Klapisch (“Un paso adelante” 2022, “Tan cerca, tan lejos” 2019, “Una casa de locos” 2002…), una comedia coral que se mueve en dos épocas, la actual y a finales del siglo XIX. El nexo de unión es una casa familiar cerrada desde 1944 y a la que acudirán los descendientes de su dueña, Adèle Meunier, para decidir si la venden al ayuntamiento que quiere construir allí un “ecoparquing”. La película, así, nos habla del presente y de la historia, de los orígenes de una familia que se ha desperdigado con el tiempo y que los reúne la casualidad, el afán inmobiliario y, finalmente, un cuadro olvidado dentro de la casa en cuestión.

El título original, “La venue de l’avenir” (La llegada del futuro) pone el énfasis en los personajes del XIX, Adèle, el pintor y el fotógrafo que encuentra en su viaje a París cuando en busca de su madre y, sobre todo, remarca esa modernidad, ese nuevo futuro, que latía con las que gentes que rodearon a la madre de Adèle: pintores impresionistas, los primeros fotógrafos de la historia y alguna pincelada del cine que estaba naciendo; todo ello en un París con una torre Eiffel recién inaugurada y bastante más idílico y de postal de lo que en realidad era. Por otro lado, la familia actual enseguida delega en cuatro de sus miembros para que gestionen el tema de la casa: un profesor de secundaria a punto de jubilarse, una moderna mujer de negocios recién divorciada, un joven creador de contenidos digitales y un apicultor que pone la nota ecológica y activista del grupo.

La película arranca con una significativa escena en la que el joven hace una sesión de fotos en una sala con enormes murales de los jardines de Monet y la modelo fotografiada propone cambiar enpostproducción los colores del cuadro porque no combinan con el color del vestido; la segunda escena es la familia descendiente de Adèle reunida ante una comisión del ayuntamiento para comenzar las gestiones sobre la casa. Una vez abierta la vivienda, aparecerán fotografías, cartas y un cuadro que darán pie al retroceso en el tiempo. A partir de aquí, la película combina el retrato de los cuatro personajes asignados por la familia con los flash-backs que nos llevan a la historia de Adèle buscando a su madre.

Los cambios temporales se ofrecen de manera ágil y natural y, en algunos momentos, con hallazgos visuales realmente deliciosos. La sencillez y el buen tono con que se nos presentas unos y otros convierten la película en una historia realmente deliciosa, amable, muy dulce y hace que sea muy fácil interesarnos por sus personajes y sus circunstancias y, sobre todo, sus sentimientos. Escenas como la despedida del profesor en el instituto, alguna conversación del joven Seb con su abuelo, el paseo con Monet por sus jardines, o cuando este pinta el amanecer que se ve desde la ventana, son representativas del tono que domina la cinta y de lo entrañable y acogedor de su narrativa. Una película muy bonita, viva, dinámica e incluso tierna.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Cédric Klapisch

Guion: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena

Reparto: Suzanne Lindon, Abraham Wapler, Julia Piaton, Vincent Macaigne, Zinedine Soualem, Paul Kircher, Vassili Schneider, Sara Giraudeau, Cécile de France, Olivier Gourmet

“LA LARGA MARCHA”. Caminar sin meta.

F. Lorza                                                                                                           

La idea original de esta película tiene cierto paralelismo con la de “Los juegos del hambre”, quizás por eso se la han encargado a Francis Lawrence, que dirigió todas las entregas de la serie excepto la primera. Se trata, en los dos casos, de un grupo de jóvenes en un mundo distópico elegidos para luchar por un premio final si logran sobrevivir. En esta que nos ocupa son cincuenta jóvenes (uno por estado) que se han presentado voluntarios (aunque el asunto de la voluntariedad se pone varias veces en tela de juicio) para una larga marcha a pie, sin meta, en la que han de mantener un ritmo mínimo, si no lo mantienen reciben un aviso y si lo reciben más de tres veces son eliminados allá mismo; el ganador recibe un premio sustancioso en dinero y el cumplimiento de un deseo.

La película está basada en un relato que Stephen King escribió a los 18 años y que firmó con seudónimo por, parece ser, razones de saturación del mercado. La trama se centra en un pequeño grupo de jóvenes que participan en la prueba y, por supuesto, no hay ni rastro de mujeres. Sin efectos de ningún tipo y apenas un par de planos a modo de flash-back, la cámara sigue permanentemente a estos caminantes y el relato se basa fundamentalmente en los diálogos entre ellos, las formas en que van superando las dificultades y las diferentes “bajas” que se producen. Y es curioso, porque a pesar de que los personajes son bastante estereotipados y que la acción es limitada, repetitiva y, podríamos decir, en un único escenario (la carretera), el relato se hace bastante ameno, se logra mantener la atención, y la tensión, y uno acaba interesándose por los personajes sin que sea demasiado importante quien logre ganar; diríamos que más que una historia de supervivencia, la película se convierte en una extraña y apocalíptica road-movie donde los personajes van creciendo y descubriéndose y donde cogen más fuerza el tema de la amistad y el de la familia que el deseo de enriquecerse y dejar atrás la pobreza de un país desbastado, se supone, por una guerra anterior y una clase dominante sin escrúpulos.

Queda una película muy yanqui (eso del uno, del único, del mejor lo contamina todo) algo simple en algunos planteamientos y algunos personajes, con un cierto gusto a cine del siglo pasado y una historia, finalmente, bastante atractiva y entretenida.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Francis Lawrence

Guion: J.T. Mollner. Novela: Stephen King

Reparto: David Jonsson, Charlie Plummer, Cooper Hoffman, Mark Hamill, Judy Greer, Ben Wang, Roman Griffin Davis, Joshua Odjick, Jordan Gonzalez, Keenan Lehmann, Teagan Stark, Tut Nyuot

“LA DONCELLA DEL LAGO”. La aldeana y el tornero.

F. Lorza                                                                                                         

Premio del Jurado Joven al mejor largometraje en el Festival de Gijón, “La doncella del lago” es una película japonesa dirigida por Masahazu Kaneko (sus dos films anteriores no nos han llegado) que bien pudiera haber sido un trabajo de animación (tal y como lo es su inicio durante los créditos de entrada) debido a la luminosidad, el colorido y la naturaleza del relato.

Se inicia en 1958, en un pueblo amenazado por tifones en el que vive Yucha, un niño de 10 años. Un día su abuela le da dinero para ir a escuchar a un cuentacuentos y este les narra la historia de una joven aldeana (Oyo) que se enamora de un tornero de las montañas que hace unos cuencos de madera que fascinan a Oyo, en lo que parece un amor imposible a lo Romeo y Julieta. Yucha, inmerso en el relato y la leyenda popular, irá al estanque de las montañas donde desapareció Oyo para devolver el cuenco que ha encontrado y evitar, así, el tifón.

La película sorprende por su gran sencillez, tanto de trama como de personajes y uno se ve inmerso en lo que podría ser un dulce cuento para niños o una amable y muy naif historia de amor. Todo ello en un paisaje grandioso y delicioso, de bosques inmensos que cubren las laderas de las montañas donde resuenan los golpes de los leñadores y el correr de los ríos y manantiales, realmente precioso.

Se combinan, así, la historia de amor, en inicio imposible, de la chica de la aldea y el joven de la montaña, y la del niño que hace de nexo entre los dos mundos y los dos tiempos: el hermano de Oyo y el pequeño Yucha.

Uno no sabe bien a quien va dirigida la película: quizás demasiado simple para un adulto y demasiado elaborada para un niño, pero tiene su encanto para los dos públicos y, si admitimos como algo agradable y estimulante su sencillez, se puede disfrutar de este relato amable, preciosista y entrañable. Lo que se dice una bonita historia de amor, tradición y ecología.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Masakazu Kaneko

Guion: Masakazu Kaneko, Genki Yoshimura

Reparto: Sanetoshi Ariyama, Asuka Hanamura, Yo Aoi

“AHORA ME VES 3”. Jóvenes y veteranos.

F. Lorza                                                                                                         

¿Qué esperar de la tercera entrega de una serie como esta? Pues que ofrezca más de lo mismo, con alguna que otra novedad y que no te aburra ni suene a “esta película ya la he visto yo”. Y hay que reconocer que la película, sin ser nada del otro mundo, cumple.

A los famosos “jinetes” de las películas anteriores se les han añadido tres personajes jóvenes que, curiosamente, asumen bastante protagonismo en la historia y alcanzan el mismo nivel que los veteranos. Como hay que justificar el armazón y crear un trasfondo trascendente, se trata de desenmascarar a la hija de un exnazi, explotadora de minas de diamantes en Sudáfrica (y, se supone, de las gentes de la zona y trabajadores) y blanqueadora de dinero negro procedente de todo tipo de malvados globales, léase señores de la guerra, mafias y corruptos en general. La excusa inicial es un gran diamante de enorme valor que los nuevos magos y Daniel Atlas (Jesse Eisenberg) han de robarle a la malvada Veronika Vanderberg (una interesante Rosamund Pike); luego se sumará el resto de magos veteranos y el guion jugará a dar un giro tras otro huyendo de lo más simple y aprovechando el grupo de siete guionistas que aparecen en los créditos. Se agradecen los esfuerzos por dar credibilidad a los trucos que vemos en pantalla, aunque se haga con una explicación posterior que desvela el mecanismo del engaño (en realidad también esto es un engaño: se explican solo algunas de las artimañas y uno se cree que le han aclarado todo lo visto).

Como era de esperar, la cinta deja abierto el camino para una cuarta entrega (seguramente bastante renovada) en la que puede caber de todo. Queda una película entretenida, bien realizada, con una trama aceptable; una propuesta para consumir con gusto y olvidar más bien pronto.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Ruben Fleischer

Guion: Seth Grahame-Smith, Gavin James, Michael Lesslie, Eric Singer, y 7 más

Reparto: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Rosamund Pike, Morgan Freeman, Mark Ruffalo, Dominic Sessa, Ariana Greenblatt

“DIE MY LOVE”. Depresión postparto.

F. Lorza                                                                                                         

Quinto largometraje de la directora de “Tenemos que hablar de Kevin” (2011), quizás lo mejor de su filmografía en la que ya planteaba una temática difícil: la maternidad frente a un hijo tremendamente conflictivo, y se esmeraba por ofrecer imágenes elaboradas y un tratamiento sonoro tirando a sorprendente.

En esta que nos ocupa se nos cuenta la historia de Grace (Jennifer Lawrence), casada con Jackson (Robert Pattinson), que adquieren una casa en la que, se supone, ella va a poder escribir su novela. Cuando llega el bebé, Grace sufre un complejo proceso de depresión, de pérdida de control, y se ve inmersa en un mundo interior caótico, descontrolado y doloroso.

Lynne Ramsay hace grandes esfuerzos para adaptar la novela de Ariana Harwicz (un larguísimo monólogo interior sin apenas puntos y aparte) en la que se basa y lo hace sin recurrir a la voz en off e intentando que sean las imágenes y los cuerpos de los actores los que comuniquen los complejos estados de ánimo y emocionales. Pero la cosa no sale del todo bien: la directora se pierde en su empeño de autoría, absolutamente innecesario, y no logra transmitir la intensidad de un mundo interior que se desmorona, confundiendo lo repetitivo con lo profundo y lo excesivo con lo intenso. La película acaba haciéndose larga, subrayada y demasiado distante.

“Die my love” es, sobre todo, un artefacto para el lucimiento de la Lawrence, que además de protagonizar produce la película; uno de esos productos con el que las actrices y los actores intentan demostrar que abarcan diferentes registros. De hecho, las actuaciones son lo mejor de la película (la de Pattinson y la de la siempre estimulante Sissy Spacek también tienen su punto y Nick Nolte se queda en poco más que un cameo) y son ellos los que evitan la desconexión total con lo narrado.

Queda una película con algunas ráfagas interesantes y de buen cine, un tratamiento de la depresión tras el nacimiento del bebé interesante pero insatisfactorio.

Estreno: 14 noviembre 2025

Dirección: Lynne Ramsay

Guion: Lynne Ramsay, Enda Walsh, Alice Birch. Libro: Ariana Harwicz

Reparto: Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Lakeith Stanfield, Nick Nolte, Sissy Spacek, Gabrielle Rose, Clare Coulter, Kasmere Trice Stanfield, Zoe Cross, Sarah Lind

“REVERSION”. La habitación cerrada.

F. Lorza                                                                                                           

De la mano de Jacob Santana (hasta ahora director de series y videos musicales) nos llega esta coproducción entre España y República Dominicana (lo que explica la variedad de escenarios y el acento de algunos personajes) que se apunta al thriller psicológico versión “intriga hasta el final”.

Se nos cuenta la historia de Mario (Jaime Lorente) un hombre que se muda su nueva casa justo a sus padres (Belén Rueda y Fernando Cayo)) y a su hermano mayor David (Manuel Vega). La normalidad inicial enseguida se ve trastocada por una habitación cerrada a la que no se debe entrar, ruidos sospechosos y un anómalo comportamiento por parte del hermano y de sus padres. Lo que sigue (que por supuesto no desvelaremos) es una serie de giros y acontecimientos inesperados, más o menos ingenioso, difíciles de prever, bastante bien planteados, que logran mantener vivo el interés del espectador y hacer que la película funcione dentro de los parámetros en los que decide moverse: una historia intrigante, por momentos inquietante y que, a excepción de algunos omentos menos conseguidos (la persecución en el mercado, por ejemplo) funciona bastante bien.

Los actores también ayudan, bastante bien en general, algo teatrales (cosa que la trama justifica con creces), y el guion está lo suficientemente bien armado como para hacer creíble una trama que hubiera podido ser caótica o inverosímil. No es que tenga demasiada profundidad y el tema de la amnesia y la reconstrucción de lo sucedido son más bien excusas para montar la intriga que interesa desarrollar: es significativo, por ejemplo, esa habitación cerrada que podía haber sido la metáfora de una mente cerrada, bloqueada, y que, finalmente, es tan solo un espacio urdido para consistencia del guion.

Queda una película a modo de ejercicio de estilo, entretenida, de las que atrapan y sorprenden pero no de las que dejan huella.

Estreno: 7 noviembre 2025

Dirección: Jacob Santana

Guion: Frank Ariza, Marco Lagarde, Jacob Santana

Reparto: Jaime Lorente, Manuel Vega , Belén Rueda, Fernando Cayo, Jonathan Maravilla, Manny Perez, Eva Llorach

“PREDATOR: BADLANDS”. Yautja.

F. Lorza                                                                                                         

 Dan Trachtenberg (“Calle Cloverfield 10”) es también el director de “Predator: Asesino de asesinos” (2025) y “Predator: La presa” (2022), parte de las secuelal del “Predator” original de 1987 dirigido por John McTiernan e interpretado por Arnold Schwarzenegger. En comparaciones no me meto, que las de Trachtenberg no las he visto y la de McTiernan bien poco tiene que ver con la que ahora nos ocupa y que es la séptima de la serie principal y la novena de la franquicia en general.

Badlands pretende ser una entrega independiente de la serie y para ello el lingüista que creó el idioma na'vi para la película Avatar (2009) desarrolló un lenguaje para los Depredadores; además, Dek, el depredador deja de ser el antagonista y la trama gira alrededor de la misión que él mismo se impone de atrapar al más temible de sus enemigos para poder entrar en el clan, convertirse en un verdadero yautja y poder disponer del arma que les permite hacerse invisibles. Le acompañará una robot interpretada por Elle Fanning a la que encontraremos sin piernas y que es, con mucho, lo mejor de la película.

A pesar de los cambios y de la aparente novedad del planteamiento, la película acaba siendo más de lo mismo: una historia que pretende impactar visualmente a fuerza de diseño de producción, trajes y maquillajes, espacios abiertos inmensos y cerrados muy recargados y un verdadero arsenal de efectos digitales para apabullar a un público sediento de ruido y parafernalia luminosa. La historia, la de siempre, la de un marginado que intenta integrarse en el grupo y demostrar su valía con una epopeya única y que, oh sorpresa, finalmente encuentra su propio camino y algunos valores personales. En un claro intento de ampliar target y llegar a un público más amplio, todo se ha suavizado y, a la par, se ha hecho más anodino. Supongo que el producto entretendrá y hará las delicias de un determinado público pero a mí me aburrió y me abrumó a partes iguales. Se supone que los “yautjas”, son depredadores extraterrestres, honorables cazadores de trofeos  que se rigen por un estricto código y valoran la emoción de la caza; yo, lo del código y la honorabilidad no lo he visto por ninguna parte, pero ¿acaso importa?

Estreno: 7 noviembre 2025

Dirección: Dan Trachtenberg

Guion: Dan Trachtenberg, Patrick Aison

Reparto: Elle Fanning, Dimitrius Koloamatangi

“LA PRINCESA ORGULLOSA”. Y el jardinero.

F. Lorza                                                                                                         

En el cine, y en los cuentos, encontramos princesas prometidas, princesas guerreras, princesas cisne, durmientes, rojas, de España, en incluso Mononokes y princesitas. Esta que nos ocupa lleva el título de orgullosa pero es realidad es más bien engreída, un aspecto del personaje que sirve para el desarrollo de la trama, además del amor del rey, claro.

Estamos ante una producción de la república checa, aunque la intención es hacer un producto bastante internacional: rasgos convencionales, diálogos originales en inglés, trama de lo más clásica y personajes sin identificación nacional. Y se trata de tirar de una historia muy popular, de esas que conocen chicos y grandes, personajes que todo el mundo identifica y de los que, incluso, se recuerdan frases que se han hecho célebres. La película pretende ser una adaptación y una modernización de la inmortal historia de Bozena Nemcova de la cual también hay una famosa versión de culto en el cine de Borijo Zeman.

La historia es sencilla: la princesa del título recibe retratos de pretendientes para elegir con quien casarse, cuando recibe el del rey Benjamin, lo rechaza. Enamorado de la princesa, el rey Benjamin decide hacerse pasar por jardinero y encandilarla con sus buenas artes. En el lado de los malos, los malvados consejeros que han hecho del país de la princesa un lugar triste y pobre en el que no se puede cantar y se pagan impuestos abusivos que luego los mismos consejeros se encargan de robar. Nada nuevo y que no hayamos visto pero la película, a pesar de ello, funciona bastante bien.

Hay un esfuerzo loable por dotar a la cinta de un ritmo vivo y ágil, lo consigue sobre todo en las escenas de acción, bien diseñadas y con bastante garra. Los personajes son bastante tópicos y la animación utilizada deja bastante que desear en cuanto a la expresividad de sus caras, aún así, resultan simpáticos y es fácil que el público infantil al que va dirigido empatice con ellos. A destacar el diseño y la presentación de los espacios abiertos y naturales, bastante más logrados que las figuras humanas, que proporcionan un escenario realmente bonito y agradable. La modernización, por supuesto, también llega al tratamiento del personaje femenino que, sin perder la esencia de lo que han sido las princesas hasta ahora, no renuncia a su capacidad de decisión, su autonomía y sus valores.

Queda una película entretenida, para ofrecer a los más pequeños un producto bien pensado (4 guionistas y una historia clásica), bonito de ver y de trama ágil.

Estreno: 7 noviembre 2025

Dirección: Radek Beran, David Lisy

Guion: Radek Beran, Henryk Bloch, Oldrich Kautský, Borivoj Zeman. Historia: Bozena Nemcová

Animación

“LOS TIGRES”. Gente de mar.

F. Lorza                                                                                                         

Desde su debut en el año 2000 con “El factor Pilgrim” y con películas como “7 vírgenes” (2005), “Grupo 7” (2012), “La isla mínima” (2014) o “Modelo 77” (2022), Alberto Rodríguez se ha mostrado como un excelente narrador, capaz de crear historias, mundos y atmósferas sólidos y epatantes y, sobre todo, manejar con soltura las claves del thriller adaptándolas con plena solvencia a los espacios y personajes que retrata. Esta “Los Tigres” no es una excepción y seguro que satisfará a los seguidores del director.

Se nos cuenta la historia de Antonio (Antonio de la Torre) y de Estrella (Bárbara Lennie), dos hermanos de Huelva que trabajan de buzos cuyas vidas han estado siempre ligadas al mar. Antonio es el mejor buzo de la zona pero un verdadero desastre en tierra, que parece mantenerse en pie gracias a Estrella con la que vive. Ante la posibilidad de perder totalmente a sus dos hijas por no pasar la pensión de manutención, Antonio decide echar mano de la droga que transporta regularmente uno de los barcos en los que hacen reparaciones y mantenimiento, metiéndose en un espacio que no le corresponde, que desconoce y del que saldrá bastante mal parado.

La película tiene una potente primera parte en la que, sin prisa alguna, se nos dibuja a los personajes, la situación en la que se encuentran y el ambiente de la zona donde viven y trabajan. Una segunda parte toma como eje narrativo el asunto de las drogas y nos ofrece un thriller intenso, de los que enganchan y de los que logran ponerte tenso y con el corazón encogido.

Rodríguez filma con maestría tanto fuera como dentro del agua, hace un dibujo preciso de sus personajes y consigue un relato ágil, dinámico y sin fisuras. Antonio de la Torre y Bárbara Lennie, como ya nos tienen acostumbrados, dotan de intensidad, cercanía, humanidad y veracidad a sus personajes, y nosotros sufrimos con ellos en sus desgracias e infortunios.

Un drama disfrazado de thriller, agotador en algunos momentos, asfixiante en otros, duro e intenso siempre. Una película tremendamente triste y efectiva.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Alberto Rodríguez

Guion: Rafael Cobos, Alberto Rodríguez

Reparto: Antonio de la Torre, Bárbara Lennie, Joaquín Núñez, José Miguel Manzano Bazalo , Silvia Acosta, Jesús del Moral, César Vicente

“RECIEN NACIDAS”. Jóvenes madres.

F. Lorza                                                                                                        

La última película de los hermanos Dardenne aborda el tema de las chicas jóvenes, todavía adolescentes, que se enfrentan a un embarazo y al cuidado de un hijo. La cinta se sitúa en un centro maternal donde se les ayuda a cuidar de la criatura o a ofrecerla en adopción, pero nunca se encargan de aquellas labores que debe hacer cada madre.

Las cuatro chicas que forman la historia representan diferentes situaciones que, sin duda, son fáciles de encontrar en la vida real: una chica que junto a su novio han logrado salir de las drogas e intentan iniciar una vida con su bebé; otra que se ha criado en orfanatos y que ahora, antes del nacimiento de su hija, busca razones en su madre adoptiva; la que confía en que el padre de la criatura le ayudará a cuidar del bebé pero enseguida se ve que no lo hará; y la que lo ha tenido porque es su madre quien lo deseaba y se ha visto en un ambiente familiar agresivo y alcoholizado.

La película bien podría haber sido un documental, los Dardenne, con su inconfundible estilo realista y cámara al hombro, parecen limitarse a seguir a sus criaturas, reflejar sus miedos, sus esperanzas y sus tragedias. También nos dejan alguna puerta abierta a un futuro, quizás mejor, para Alba, Lili, Noe y Mira, los cuatro bebés que dan título español al film y nos ofrecen un retrato honesto, sincero y duro de estas jóvenes madres del título original.

Sin juzgar ni manipular, la película resulta conmovedora e incluso tierna, muy en la línea de lo que Pilar Palomero nos ofreció en “La maternal”.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Reparto: Elsa Houben, Babette Verbeek, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi

“TOGETHER”. Amor y horror.

F. Lorza                                                                                                         

Es esta una película australiana que se apunta al horror corporal (body horror en moderno) haciendo una extraña, inteligente e interesante mezcla con el amor romántico y las crisis de pareja. La apuesta, sin duda, resulta estimulante, yo diría que novedosa y los resultados no defraudan.

Estamos ante la historia de una pareja, Tim (Dave Franco) y Millie (Alison Brie) en una cierta decadencia sentimental; él es músico y ella maestra de primaria, y han adquirido una casa en el campo cerca de un pueblo donde ella trabajará en un colegio y él, se supone, se dedicará a componer. Un día de ruta los llevará a caer en un agujero del que saldrán totalmente cambiados y sufriendo fenómenos extraños (mejor no desvelar nada más porque la trama tiene su intríngulis y vale la pena irla descubriendo).

Lo mejor de la película reside en un guion bien trabajado que, en lugar de echar mano del clásico terror producido por fuerza extrañas, se decanta por un terror muy corporal, instalado en el interior de los personajes, menos tangible, del que nunca descubrimos su naturaleza pero sí claramente sus efectos. Sin necesidad de sustos o efectos de ruido y griterío, la película desarrolla una intriga inquietante, de las que te atrapan y no te sueltan y, a pesar de algunas salidas de tono que no llegan a estropear el conjunto, nos ofrece una historia sólida a partir de la manifestación de uno de los personajes que, refiriéndose a Platón, explica cómo los humanos teníamos 2 cabezas, 4 brazos y 4 piernas y que los dioses, temerosos del poder que eso conllevaba, nos dividieron en dos y se creó el reto de encontrar nuestra otra mitad.

Shanks aprovecha el buen hacer de sus actores, Brie y Franco estupendos, y hace un uso excelente de la fotografía y los escenarios: el interior de la casa y la cueva en la que caen. Y también, sorpresa, nos ofrece un final inteligente, adecuado a la historia y que la remata con elegancia.

Cine para disfrutarlo, sin duda.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Michael Shanks

Guion: Michael Shanks

Reparto: Dave Franco, Alison Brie, Damon Herriman, Mia Morrissey, Karl Richmond, Jack Kenny, Francesca Waters, Aljin Abella, Sarah Lang, Rob Brown, Ellora Iris, Michael Shanks (II)

“THE MASTERMIND”. Desdichado ladrón.

F. Lorza                                                                                                         

De la filmografía de Kelly Reichardt seguramente se recordará esa pequeña maravilla en forma de western que realizó en 2019 y de título “First cow”. Ahora, con un tono parecido, pero sin los resultados de aquella, nos ofrece el retrato de James (Josh O’Connor), un carpintero en paro, de Massachusetts, hijo de juez, aficionado al arte, que organiza el robo de cuatro cuadros a plena luz del día y con un par de cómplices. La película aplica aquello de “si algo puede salir mal, saldrá mal” y somete a su protagonista a todo tipo de infortunios y malas coincidencias en un robo chapucero e ingenuo.

Lo mejor de la película es esa media vuelta que se le da a los lugares comunes del cine de robos y de ladrones de guante blanco, ofreciéndonos un ladrón absolutamente desdichado del que irremediablemente acabamos compadeciéndonos, y eliminando cualquier épica o romanticismo del relato para crear un antihéroe cuando menos singular.

El planteamiento es, pues, bastante curioso y atractivo y, de hecho, la primera parte logra tener bastante encanto y crear unas excelentes expectativas en el espectador. Pero luego, una vez familiarizados con el tono y habiendo entrado en tan patética epopeya, la película no crece, no nos ofrece elementos de interés y se genera una sensación de vacío, de falta de contenido que le quita el brillo inicial. Aún así, si uno se deja llevar por el carisma del protagonista (algo difícil porque resulta complicado empatizar con semejante personaje), se toma todo un poco a chufla, y no le pide demasiada chicha, es posible que disfrute de esta historia anómala, diferente, que podía haber sido una pieza divertidamente gamberra, rompedora y cínica. Una pena que se quede a medio camino y nos acaba dejando bastante fríos.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Kelly Reichardt

Guion: Kelly Reichardt

Reparto: Josh O'Connor, Alana Haim, Gaby Hoffmann, John Magaro, Bill Camp, Hope Davis, Rhenzy Feliz, Matthew Maher, Cole Doman, Margot Anderson-Song, Eli Gelb

“MONSIEUR AZNAVOUR”. El caché de Sinatra.

F. Lorza                                                                                                         

Es este un biopic bastante convencional en el que se repasa prácticamente toda la vida del cantante y compositor Charles Aznavour, desde su infancia en el seno de una familia de refugiados armenios (su apellido original era Aznavourian) hasta su muerte en 2018 en Mouriés. Dividida en cinco capítulos (“Les Deux Guitares”, “Sa jeunesse”, “La Bohème”, “J'me voyais déjà” y “Emmenez-moi”), se inicia en un momento en que la ambición de Aznavour le ha llevado al fracaso y a la ruina y emocionalmente se apoya en su hermana, un elemento importante en la vida del artista. De la infancia pasamos a los primeros trabajos como autor y cantante, al dúo que formó con Pierre Roche, a su encuentro con Edith Piaf con la que tuvo una relación vampírica muy curiosa, su éxito como cantante a pesar de su nariz (que se operó por recomendación de la Piaf), su voz rota y su origen armenio que desató innumerables ataques xenófobos, su relación con sus tres esposas y con los hijos que tuvo con ellas (especialmente con Patrick, que reconoció cuando el crío tenía ocho años y que acabaría suicidándose) y, finalmente, el éxito absoluto, la consagración como artista y la creación de un icono representante de la cultura y la música francesa. Hay una escena en la que Aznavour está con Frank Sinatra y aquel le dice que un día le igualará el caché; esta película viene a ser la puesta en escena del proceso en que logró hacerlo.

La dirección corre a cargo de Mehdi Idir y Grand Corps Malade, la pareja de directores que en 2019 nos ofrecieron la muy interesante “Los profesores de Saint-Denis”. En esta que nos ocupa han logrado un ritmo bastante ágil que compensa las innecesaria dos horas largas que dura la película y, sobre todo, una ambientación bastante elegante, tirando a preciosista, basada en una fotografía densa, muy agradable y bastante funcional. A Aznavour lo interpreta Tahar Rahim, el Mohamedou Ould Slahi de “The mauritanian” y lo hace un tanto forzado, bastante pasado de maquillaje y exagerando algunos de los gestos característicos de su personaje; uno no sabe si es por el desarrollo de la película o por la interpretación de Rahim, pero el personaje se queda algo corto, poco intenso y no logra transmitir con la fuerza necesaria la ambición casi desmesurada y el sufrimiento de un personaje eternamente insatisfecho.

Queda una película suficientemente interesante, que dibuja con firmeza un periplo vital más que singular, que ofrece un buen puñado de canciones del autor que suenan de maravilla y que, sin meterse de lleno en las sombras y las zonas oscuras, logra un biopic bastante completo y didáctico. No soy yo seguidor de Monsieur Aznavour, pero he de reconocer que la película me acabó atrapando.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Guion: Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Reparto: Tahar Rahim, Bastien Bouillon, Marie-Julie Baup, Camille Moutawakil, Narine Grigoryan, Hovnatan Avédikian, Ella Pellegrini, Petra Silander, Luc Antoni, Nicolas Chupin

“A PESAR DE TI”. Traición y tensión sexual por resolver.

F. Lorza                                                                                                         

En la primera parte de este, supuesto, drama romántico, se nos presentan los personajes principales: cuatro jóvenes en el final del instituto emparejados “de forma equivocada” y con una clara tensión sexual/romántica no resuelta; entonces sabremos que una de las protagonistas está embarazada y nos iremos a 17 años después. Primer problema: los jóvenes del inicio y los adultos de después (incluidos un par de flash backs) están interpretados por los mismos actores sin ningún tipo de efecto o caracterización, y eso que todos (las personas reales) están por la cuarentena.

La trama gira alrededor de Morgan (Allison Williams), la embarazada del principio, de su hija de 17 años, Clara (Mckenna Grace) que empieza a tener una relación con Miller (Sam Morelos) que vive con su abuelo que le ha hecho de padre, y Jonah (Dave Franco) que tiene un bebé con Jenny, la hermana de Morgan (Willa Fitgerald) y una historia secreta con Chris (Scott Eastwood, exacto, el hijo de Clint) que saldrá a la luz tras un accidente y que se convertirá en el eje dramático de la historia.

La película juega a compaginar la tragedia que supone el accidente, la latente historia de amor que ha habido desde el instituto entre Morgan y Jonah, la relación de Clara con Miller y el rechazo por parte de la madre de aquella y el futuro universitario que les espera a los jóvenes (una como actriz y el otro como cineasta). Digo que juega pero en realidad lo que hace es ir acumulando las situaciones que, supongo, estaban diseñadas en la novela y que se ven venir a la legua (el final es fácilmente imaginable) y que se narran con cierta solvencia pero con una absoluta falta de emoción o profundidad. Tanto el “drama” de los adolescentes, como el de los adultos resulta, finalmente, de una superficialidad bastante insustancial, que poco o nada aporta de nuevo y que parece ser más un lucimiento de actores y actrices que una verdadera historia de traiciones y tensiones no resueltas (es significativo que nada se sepa de la historia de los adúlteros ni de sus motivaciones, por ejemplo).

Queda una historia de chicos y chicas tremendamente guapos, de esas que están llenas de temas musicales que puntúan los momentos supuestamente álgidos y que, imagino, hará las delicias de jóvenes con ganas de historias romanticonas sin recovecos y cargadas de tópicos. La factura es, eso sí, bastante digna y las actuaciones correctas, pero sus casi dos horas de duración se hacen (al menos a quien esto firma) demasiado largas. Al final, los problemas entre esta madre y esta hija no están mal del todo, pero no logran que sean nuestros problemas, ni de lejos.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Josh Boone

Guion: Susan McMartin. Novela: Colleen Hoover

Reparto: Allison Williams, Mckenna Grace, Dave Franco, Mason Thames, Sam Morelos, Scott Eastwood, Willa Fitzgerald, Clancy Brown

“LA SABANA Y LA MONTAÑA”. Una mina de litio.

F. Lorza                                                                                                         

Covas de Barroso es un pueblecito de unos trescientos habitantes, en el norte de Portugal, donde la empresa británica Savannah Resources intenta construir la mina de litio a cielo abierto más grande de Europa; las primeras acciones empezaron sin estudios ambientales ni la autorización y pusieron a los vecinos en pie de guerra; lograron paralizar el proyecto, que no evitarlo.

Esta curiosa película, curiosa mezcla de documental y elementos ficcionados, quiere ser una especie de crónica y alegato en defensa de esos vecinos y su lucha contra un gigante invisible (en los créditos finales se comunica que “ningún enemigo ha sido filmado”) con algún toque de western y una banda sonora a base de las canciones protesta de un músico local.

Ya desde la primera parte, que nos presenta el entorno natural, vemos que la cosa va a ser, de alguna manera, diferente: unos extraños zooms que ya nadie usa y que parecen incluso torpes, una cortinilla circular totalmente desfasada, y unos personajes que se interpretan a sí mismos y que recitan sus líneas sin ningún tipo de perjuicio. Pero pasada la primera sorpresa, entra en juego ese enemigo invisible y las acciones de lucha se mezclan con la vida cotidiana, las fiestas populares o los trabajos ordinarios. Y la película consigue sumergirte en ese pequeño vecindario que se enfrentará con sus tractores, sus herramientas de campo y sus derechos, a una empresa que ni siquiera sabe que existen y que lo único que quiere es mineral para fabricar sus coches eléctricos.

Queda una película que es todo un grito de guerra para sostener el territorio y la vida de sus gentes a base de lucha colectiva. Un espacio declarado Patrimonio Agrícola Mundial por las Naciones Unidas en 2018 donde los caballos se ponen nerviosos ante la llegada del capitalismo explotador y la gente sencilla sale de su rutina para luchar por sus derechos y sus tierras. Otra vez cine necesario.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Paulo Carneiro

Guion: Paulo Carneiro, Alex Piperno

Reparto: Carlos Libo, Paulo Sanches, Daniel Loureiro, Aida Fernandes, Maria Loureiro, Lúcia Esteves, Nelson Gomes, Benjamin Goncalves

“JOAN DAUSÀ, LA GRAN BOGERIA”. Un reto tras otro.

F. Lorza                                                                                                         

Preestrenada en el festival “In-Edit” de Barcelona (con presencia de buena parte del equipo y un numeroso público) Filmin ofrece este documental que gira alrededor de los dos grandes conciertos que Dausà ofreció en 2024 y en los cuales logró llenar el Sant Jordi (16.000 personas) y, sorprendentemente, el Vista Alegre de Madrid (más de 11.000). El documental nos habla de los preparativos, de las actividades antes y durante los conciertos, pero sobre todo nos habla de la forma de ser de Joan Dausà, de su manera de afrontar la vida, de vivir la música, de relacionarse con los suyos. Y, al acabar, uno tiene la sensación de haber asistido al retrato de un personaje en constante apuesta consigo mismo, en un desenfrenado ritmo vital de asumir un reto cuando todavía se está inmerso en el anterior, un personaje siempre en busca de nuevas aportaciones, originales propuestas y, sobre todo, colaboraciones absolutamente geniales e incondicionales (su equipo de músicos, su amigo y manager, su pareja, el Mago Pop, Víctor Manuel, Clara Segura, Santi Balmes o Luis Enrique); toda una constelación que parece girar alrededor de este encantador de serpientes al que nadie parece ser capaz de negarle nada que, sin duda, es capaz de reunir y emocionar a un extenso y entregado público que, como dice un personaje de la película, llega a parecer una secta.

El documental sabe el material que tiene entre manos y el carisma de su protagonista, por

ello se dedica a mostrarnos su mejor cara, a buscar que empaticemos y nos emocionemos y a vendernos esa bogeria del título como un acto creativo, honesto y compartido. Y la verdad es que lo consigue y no se necesita ser seguidor o fan del cantante para disfrutar de un producto ágil, muy bien montado, muy entretenido y entrañable. Aplausos finales.

Disponible en Filmin

Dirección: Pol Fuentes

Documental

“CUANDO LOS AMOS DUERMEN”. Los siervos del vampiro.

F. Lorza                                                                                                         

Imaginemos que los protagonistas de Los santos inocentes sirviesen a unos vampiros, cambiemos el cortijo por un palacete tirando a gótico y la caza de conejos y ciervos por la de humanos desprevenidos y tendremos, más o menos, el arranque de esta peculiar película de vampiros que se presentó en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y que ahora llega a Filmin.

También presenta ciertas semejanzas con “Lo que hacemos en las sombras” (Taika Waititi, Jemaine Clement, 2014) aunque sin el tono de comedia y sin pizca de humor, o con “Solo los amantes sobreviven” (Jim Jarmusch, 2013) pero con presupuesto mucho más reducido y miras más limitadas.

La película arranca con una escena bastante hitchcockiana en la que Olga (Manuela Velasco) acaba en las garras de Víctor (Iván Massagué), un vampiro que se alimenta de sangre de malvados. Pero los verdaderos protagonistas son Samuel (Juanjo Pardo) y Lourdes (Diana García) los fieles sirvientes de este señor de las sombras solitario y de aire aristocrático. La llegada de Zlatan (Juli Fábregas Elías), un muy malvado vampiro, hijo del Gran Barón, y de su lacaya Ivana (Llum Barrera) trastocará la vida tranquila y estable de la casa provocando ese festival de sangre y muertes que se espera de cualquier cinta del género. Como trama secundaria, la historia de amor de Samuel y Lourdes que intentan tener un hijo que perpetue una dinastía consagrada a la servidumbre del señor.

La película se toma a sí misma, quizás, demasiado en serio, y los toques de comedia y humor negro que parecen aportar los malvados Zlatan e Ivana, más que dar un toque desenfadado provocan una cierta disonancia, a modo de chirrido, que no funciona demasiado bien, aunque tampoco anulan el producto global. Hay, eso sí, un verdadero esmero en la ambientación, en la producción de arte y se nota que se le ha sacado buen partido a los pocos recursos de los que disponía la película (una producción claramente independiente); la opción de dar predominio a una iluminación a base de velas y poco más, y la de reducir el espacio escénico a prácticamente un único lugar, además de ser un acierto, ayuda a esa sensación de claustrofobia y encierro. También funcionan bastante bien las interpretaciones de unos actores que lo dan todo y consiguen mantener a sus personajes en un aceptable tono de credibilidad y cercanía.

Una película modesta pero resultona, para ver sin demasiadas pretensiones y pasar un rato agradable.

Disponible en Filmin

Dirección: Santiago Alvarado Ilarri

Guion: Santiago Alvarado Ilarri, Ramón Salas

Reparto:

“LA HERMANASTRA FEA”. Cuento perverso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Estamos ante una película noruega, ópera prima de Emilie Blichfeldt, que se apunta a la moda de transformar en relato de terror, tirando al gore, personajes e historias de cuentos populares e historias infantiles. En este caso se trata de tomar el cuento de Cecinienta y someterlo a una serie de variaciones perversas, cuando menos, inquietantes. Así, la historia pasa a centrarse y tomar el punto de vista de la hermanastra, la fea del título, dejando a la Cenicienta en segundo plano (ya va bien puesto que la conocemos todos) y poniendo énfasis en las presiones que la protagonista Elvira (una excelente sufridora Lea Myren) padece en una sociedad donde el rol de la mujer está absolutamente acotado y sometido a la implacable tiranía del aspecto físico: lo importante es ser la más guapa, la más atractiva y que el príncipe te elija como esposa y te proporcione todos los bienes materiales necesarios (de amor, felicidad, o realización personal, por supuesto, ni se habla).

La pobre Elvira soporta una ortodoncia que hace verdadero daño cuando se la retiran, se somete a una salvaje operación de cirugía estética para corregir una nariz “defectuosa”, otra casi peor para colocar pestañas postizas (estas sí que duelen de verdad) y ella misma se implanta un terrible sistema de adelgazamiento brutal y peligroso o se somete a automutilaciones. Todo ello en un proceso de ilusiones, ansiedades y fracasos que hacen de la pobre muchacha un compendio de sufrimientos, degradaciones y, finalmente, una caída en la más absoluta devastación.

A pesar de la negrura del planteamiento y del enfoque gore de algunos episodios, la película sabe aprovechar el conocimiento que el espectador ya tiene de la historia, los decorados y el vestuario de época que crea una atmósfera cerrada y malsana pero no excesivamente desagradable (al menos para quien esto suscribe). También me ha parecido un acierto que los malvados (sobre todo la madre de Elvira a la cabeza y el doctor Esthétique que lleva a cabo los tratamientos) no caigan en la caricatura ni en los excesos y que sean parte de ese sistema que estriñe y finalmente destruye a todas las mujeres que Elvira encarna. Personalmente me hubiera gustado un tratamiento más amplio de la hermana, Alma (Flo Fagerli) que podía haberse convertido, con más fuerza, en el contrapunto y la posibilidad de un futuro diferente.

Una película bastante cruel, sin concesiones, narrada con pulso firme e, imagino, no apta para todos los estómagos.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Emilie Blichfeldt

Guion: Emilie Blichfeldt

Reparto: Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gårdinger, Ralph Carlsson, Isac Aspberg, Albin Weidenbladh, Oksana Czerkasyna

“SUJÉTAME EL CUBATA”. Monologuistas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

¿Qué esperar de una película que se titula “Sujétame el cubata”, que está protagonizada por J.J. Vaquero y en la que hay un buen puñado de cameos e intervenciones de monologuistas famosos (de Morgade a Piedrahita) y algún actor conocido amigo de Vaquero? Pues eso, una obra que utiliza una pequeña historia como excusa, que pretende tirar de rostros populares (sobre todo en TV) y del gusto por el monólogo, los monologuistas y su tono.

J.J. Vaquero se interpreta a sí mismo (y no le sale del todo bien), dueño de un bar de monólogos que es más bien ruinoso. Cuando aparece un inspector de hacienda reclamando una deuda de 120.000 €, el protagonista tendrá 15 días para conseguir el dinero. Añadamos un pequeño conflicto familiar con su mujer (partidaria de vender el negocio) y una hija adolescente bastante enfadada; y algunos personajes secundarios como sus empleados del bar y algunos amiguetes.

La propuesta podía haber sido interesante e imagino que a los seguidores de Vaquero y compañía les bastará con sus gracias y los fragmentos de monólogos que se diseminan por el metraje. Pero olvida que esto es cine y comete serios errores: confía en profesionales del monólogo (Vaquero a la cabeza) pero no funcionan como verdaderos personajes; hay otros actores que lo hacen francamente mal, especialmente los niños y Carolina Noriega que interpreta a la colega que trabaja en el bar; los diálogos no surgen con naturalidad y la trama es tópica y previsible; por no hablar de una planificación bastante torpe y acartonada.

Queda una película que se pretende graciosa, pero que resulta rígida, poco ingeniosa y, como mucho, graciosilla. Un pretendido homenaje a esta gente de la nueva farándula, poca cosa más.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Fernando Ayllón

Guion: J.J. Vaquero, Carolina Noriega

Reparto: J.J. Vaquero, Patricia Conde, Goyo Jiménez, Fernando Albizu, Carolina Noriega, Nadia Torrijos, Jorge Cremades, Ana Morgade, Dani Rovira, Luis Piedrahita, Álex Clavero, David Cepo.

“LA CASA DE MUÑECAS DE GABBY: LA PELÍCULA”. Brillo y magia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Brillo y magia es lo que propone esta adaptación a pantalla grande de la serie de televisión destinada fundamentalmente a niñas (lo de la igualdad de sexos todavía va para largo) no mayores de 8-10 años. Lo que sí se nota es que viene de la mano de Dreamworks Animation, lo que le da una factura bastante potente y no le deja caer en lo inane o lo ridículo.

La Gabby del título tiene una casa de muñecas mágica que le regaló la abuela (una Gloria Stefan con un puntito latino muy agradable) y a la que es capaz de entrar cuando se miniaturiza convirtiéndose en personaje animado. En un viaje a GatFrancisco (los nombres con referencias a los gatos abundan) donde vive la abuela, la casa se pierde y cae en manos de Vera, “la loca de los gatos”, personaje más o menos malvado que ha dejado de jugar con los muñecos para pasar a coleccionarlos. La historia, como es de esperar, es la de la recuperación de la casita de juguete y, de paso, del espíritu infantil de juego con el brillo y la magia de los niños antes de convertirse en adultos.

La cinta se ofrece como una historia de aventuras, con su tono fantástico, sus números musicales, sus personajes sin aristas y unas cuantas rupturas de la cuarta pared invitando al público a participar en algunas canciones que ayudan a resolver algún conflicto. Por supuesto se echa mano de un gran colorido con predominio del rosa, de un montaje ágil no demasiado apabullante, de una historia que se sigue con facilidad, de unos personajes fácilmente identificables y de un final feliz, edulcorado y en positivo.

No es una película para adultos, desde luego, pero sí puede resultar una buena opción para satisfacer a los más pequeños y no padecer en el intento.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Kirk DeMicco, Faryn Pearl, Ryan Crego

Guion: Kirk DeMicco, Faryn Pearl, Elisa Bell

Reparto:  Laila Lockhart Kraner, Kristen Wig, Gloria Estefan, Donovan Patton, Eduardo Franco

“HASTA QUE ME QUEDE SIN VOZ”. En primera persona.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Imagino que fans y seguidores/as de Leiva recibirán con entusiasmo este documental que les acercará a su figura, a su persona y les mostrará importantes elementos de su vida.

La película, y creo que es un gran acierto, utiliza la voz del propio Leiva (¡qué mejor narrador!) que va desgranando buena parte de su pasado y de su presente, las diferentes etapas de su carrera como músico y, sobre todo, esa extraña afectación que tiene en una de sus cuerdas vocales que le obliga a pasar por quirófano antes de cada gira y que le hace temer, quizás en un futuro bastante cercano, ese quedarse sin voz que da título a la cinta.

Leiva nos habla de su infancia como niño travieso que siempre andaba con algo roto, sus inicios con Mala Yerba, su caída tras el éxito, su remontada como músico en solitario, o su gran amista con Joaquín Sabina con quien le vemos componer y disfrutar. Resulta significativo y muy bonito como él mismo reconoce que la suerte llamó a su puerta varias veces marcando su vida.

Leiva se nos ofrece como alguien realmente estimado por los que le rodean, un hombre que abraza mucho y con sentimiento, y también en su faceta de personaje solitario, en las habitaciones de hoteles, en su casa de campo cultivando el huerto o caminando por la montaña, y nunca le vemos en vida de pareja (que parece guardar muy celosamente) aunque sí son bastante emotivas las escenas con sus padres.

Aunque uno no sea entusiasta del músico (yo mismo) seguro que disfrutará de este retrato sincero, bien expuesto y muy ágil. Personalmente me hubiera gustado algo más de su música e intuyo que algunos de los personajes que aparecen fugazmente en la escena final hubieran podido tener un espacio mucho más relevante.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Lucas Nolla, Mario Forniés

Guion: Lucas Nolla, Sepia

Documental

“EL RUGIR DE LAS LLAMAS”. Alrededor del fuego.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

A uno de los personajes de este documental, un trabajador de las brigadas antiincendios, le preguntan por las diferencias entre los fuegos de antes y los de ahora; además de las diferencias consabidas (virulencia, impredecibilidad, tamaño…) añade el sonido y dice que ahora algunos fuegos rugen. La película nos acerca a ese rugido, de una forma valiente, hermosa incluso, pero sin olvidar todo lo que hay alrededor de ese fuego devastador.

Así, forman parte del relato un par de niños que juegan en el monte uno de los cuales está aprendiendo de las actividades propias del entorno, una veterinaria que recorre los montes localizando los caballos salvajes, la gente del pueblo que mira el incendio, trata con los caballos o participa de la extinción, miembros de las brigadas sorprendentemente inmunes al peligro mientras controlan humedad, intensidad y posibles progresos del fuego, mujeres que conversan o grupos de hombres enlazando los caballos para la famosa rapa. Todo ello alrededor de un fuego que hace acto de presencia de manera intermitente pero permanente, un fuego que se filma como si de una obra de arte se tratara, con una fotografía y un encuadre mimados al máximo, con una plasticidad abrumadora que llena largos planos estáticos, hermosos y aterradores.

También se filman de esta manera caballos y ovejas en la libertad del monte o en el encierro de los rediles, los paisajes neblinosos, las montañas soleadas, las calles de los pueblos, los niños jugando, las crías naciendo o la gente en sus tareas cotidianas. Todo en un montaje que no tiene prisa por cambiar de plano, que se niega tozudamente a mover la cámara y que nos deja sumergirnos en cada detalle de cada imagen (no se la pierdan en pantalla grande, si es posible). El resultado es un bonito documental, más sugerente que explicativo, una exposición sin sentencias ni ensalzamientos, que compone el presente de un pueblo, el del sur de Galicia, condenado a vivir con una amenaza cada más fiera.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Robin Petré

Guion: Robin Petré

Documental

“FRANÇOIS TRUFFAUT: MI VIDA EN UN GUION”. Las cicatrices de un cineasta.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

No es este un documental al uso, aunque lo parezca, es más bien una especie de diario-repaso de las emociones, traumas y cicatrices de un director que nos habla en primera persona y que hace un ensayo sonoro y visual de lo que debería haber sido sus memorias recuperando las grabaciones que Truffaut compartió con su amigo Claude de Givray antes de su muerte para unas memorias que habían de titularse “El guion de mi vida”.

El documental no sigue una narrativa cronológica pero sí va abordando mediante bloques los aspectos de su vida que resultan más significativos y que más influyeron en una filmografía bastante autobiográfica, arrancando de “Los 400 golpes” en la que se refleja su infancia y la relación con sus padres que fue particularmente desastrosa.

David Teboul, para construir el relato de la vida del director, echa mano de abundante material de archivo, buen número de fragmentos de las películas del director y de cartas personales que Truffaut intercambió con personajes como André Bazin, este, pieza clave en la vida del director y que él consideraba como un padre en el amplio sentido del término.

Vemos una película que se mueve por terrenos de plena intimidad, que adopta un aspecto de confesión y de reflexión personal, y que nos muestra un Truffaut cuyas películas se convierten en mecanismos de superación y de supervivencia. Y así, el espectador pasa a ser el confidente de una figura clave del cine a quien se le invita a dar un paseo por su obra y por su persona.

Una película indispensable para cualquier seguidor de François Truffaut y una buena oportunidad (quizás algo densa) para quien quiera descubrirlo. Yo me quedo con ese personaje que acabó siendo actor en la película de Spielberg y que escribe a sus hijas firmando como Frank Truf; pocas veces se hace un retrato tan humano de un personaje tan ilustre,

Disponible en Filmin

Dirección: David Teboul

Guion: David Teboul, Serge Toubiana

Documental

“KARMELE”. Represalias del franquismo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Uno tiene la sensación de que, de alguna manera, se está potenciando el cine en euskera y producido en Euskadi; hace poco se estrenaba la excelente “Maspalomas”, anteriormente “Jones, a veces”, y ahora nos llega esta “Karmele”.

Se trata de una historia ambientada en la guerra civil española y su posguerra, centrada en el personaje de Karmele Urresti (personaje real), una joven enfermera que sufre la represalia del franquismo a partir de la deserción de su hermano que huye del reclutamiento forzoso de los nacionales. Karmele pasará por Francia, por Venezuela y regresará a Euskadi tras el final de la II Guerra Mundial con la vana esperanza de que unos aliados vencedores acaben con la dictadura de Franco. Karmele también es el nombre del barco del padre de la protagonista, su medio de vida y su gran pasión, un barco que queda varado en dique seco como represión política y que bien puede erigirse como metáfora de un pueblo amordazado, silenciado y, finalmente, sometido.

No cabe duda de las buenas intenciones del film, y de la voluntad de tratar el tema de la represión franquista (de la prohibición de hablar euskera hasta el encarcelamiento y asesinato de disidentes, pasando por la imposición de una cultura en castellano, patriótica y católica) desde un punto de vista actual y en clave vasca; se intuyen, aunque no se mencione explícitamente, el inicio de la lucha armada y el nacimiento de ETA.

Siendo un film interesante y de buena realización, lo encontré algo acartonado, demasiado académico y, aunque ocurren muchas cosas, le falta algo de agilidad y de la intensidad que se espera de un drama de este nivel. Sí que hay un notable esfuerzo en las interpretaciones y en la ambientación, en lo que acaba siendo una cinta interesante, con bastante jugo e incluso necesaria en los tiempos que corren. Personalmente disfruté de las pinceladas de música y danzas populares que aparecen en el tramo que se desarrolla en Francia y que, además de la excusa para universalizar una imagen de un Euskadi con carácter propio, podría haber servido para dotar a la película de un aire mucho más personal.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Asier Altina

Guion: Asier Altuna. Novela: Kirmen Uribe

Reparto: Jone Laspiur, Eneko Sagardoy, Nagore Aranburu, Javier Barandiaran, Paul Berrondo, Iñaki Beraetxe, Asier Oruesagasti

“VIEJA LOCA”. ¿Qué hiciste, abuela?

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un ejercicio de estilo que no le dejará indiferente, una película de terror al estilo de “Misery” pero más castizo y bastante más bruto. Además, una película avalada en la producción por J.A. Bayona y que participa en el festival de Sitges.

Nos cuenta la historia de Alicia (Carmen Maura con medio acento argentino), una mujer con demencia que está empezando a hacer cosas raras. Su hija Laura (Olivia Nuss) está de viaje para llevar a su hija con su padre cuando descubre que la enfermera ha dejado sola a Alicia; es entonces cuando llama a Pedro, su ex (Daniel Hendler) para que vaya a acompañarla mientras ella vuelve. Lo que en un principio era un encargo simple, se convierte en una experiencia aterradora.

La película comienza con una excelente escena en la que Laura conduce con la niña dormida detrás y tiene varias conversaciones telefónicas con Alicia en las que se muestra el deterioro mental de esta a través de un recurso tan simple, divertido y efectivo como la receta de unos alfajores. El resto se desarrolla, prácticamente, en la casa de Alicia a donde llega Pedro.

La película se aguanta en una intensa actuación de Carmen Maura que hace que su personaje, a pesar del exceso y de sus cambios, no caiga en la caricatura o en lo inadmisible; también en un buen respaldo de Hendler, una ambientación muy adecuada y un ritmo que no decae en ningún momento. De esta manera, es fácil dejarse llevar por la trama, aceptar algunos tonos bastante subidos (estamos ante un terror bastante desprejuiciado) y disfrutar de esta propuesta que lleva el tema de la demencia y de la violencia al límite. Para sufrir disfrutándola.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Martín Mauregui

Guion: Martín Mauregui

Reparto: Carmen Maura, Daniel Hendler, Olivia Nuss

“BALA PERDIDA”. Cuidado, muerde.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Parece que a Aronofsky le va eso de coger un personaje, centrarse en él hasta la obsesión y someterlo a todo tipo de perrerías y desgracias. Lo hizo en “El luchador” (2008) con un Mickey Roorke sometido a un nivel casi insoportable de sufrimiento (tanto para él como para el espectador), en “Cisne negro” (2010) con una Natalie Portman sacrificada por la danza, en “Noé” (2014) con un Russell Crowe religiosamente abnegado, o en “La ballena” (2022) con un Brendan Fraser encerrado en su inmensa obesidad. Ahora el turno es de Austin Butler, que interpreta a Hank, un simple camarero que por culpa del azar (materializado en un vecino metido en un asunto ilegal de mucho dinero y su gato) se ve perseguido, apaleado, amenazadas todas las personas que le son cercanas y envuelto en una excesiva y sangrienta espiral de violencia absolutamente apabullante y desmesurada.

La película está basada en la novela de Charlie Huston (que también ejerce de guionista) y uno tiene la impresión de que Aronofsky la leyó con sumo gusto y que se ha divertido lo suyo adaptándola. Lo que ha conseguido es un producto muy bien construido, que sabe trasladar al guion los meandros de la novela y que consigue crear unos personajes que van de lo entrañable a lo absurdo pasando por la demencia, la brutalidad y la caricatura. Se añade, además, un elemento clave, un gato, observador y elemento recurrente que dota a la narración de una ligereza que le va muy bien frente a la brutalidad de lo que se narra; es ese “cuidado, muerde” que se repite en varias ocasiones y que perfila el tono y las intenciones de la cinta.

Una película muy entretenida, de las que te enganchan y que, sin las pretensiones de anteriores productos del director, te ofrece una buena historia muy bien narrada. Yo pasé un rato realmente bueno.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Darren Aronofsky

Guion: Charlie Huston. Libro: Charlie Huston

Reparto: Austin Butler, Zoë Kravitz, Vincent D'Onofrio, Liev Schreiber, Matt Smith, Griffin Dunne, Regina King, Bad Bunny, George Abud, Dominique Silver, Nikita Kukushkin

“MARIO”. Las historias que nos montamos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una comedia, con un puntito de negrura, que nos cuenta la historia de un cumpleaños. El homenajeado es el Mario del título, al que no le vemos hasta bien entrado el metraje; el resto de personajes son su novia Antonia y los invitados al evento: la hermana, el cuñado, el sobrino y el padre de Antonia, una pareja de amigos de Mario y un compañero de trabajo. Cada personaje tiene una característica bien marcada que será crucial para el desarrollo de la trama: Antonia parece tener algunos problemas sentimentales y de relación, su sobrino padece algún trastorno de conducta que marca los intereses y la actitud de sus padres, el padre de Antonia acaba de padecer un ictus y a su limitación física añade una falta total de filtros, los amigos aterrizan en un terreno en el que no entienden nada y el compañero de trabajo parece un tipo tirando a raro.

La película se apunta enseguida al rollo de “aquí pasa algo extraño, las cosas no encajan” y todos (incluido el espectador) se ven inmersos en un juego de apariencias, temores varios, indicios ambiguos, prejuicios y conclusiones tomadas demasiado a la ligera que creerán una beligerancia y una conflictividad cuando menos pintoresca.

Hay que reconocer que el guion está bien trabajado y que resulta fácil dejarse enganchar por las trampas que se nos tienden: uno acaba, irremediablemente, elaborando juicios sobre la situación a partir de lo que se nos cuenta y llegando a ideas que la película se encargará de confirmar que son erróneas. También están muy bien los actores, cada cual con las cadacualadas de su personaje; me quedo con la Antonia que interpreta Gloria March, la novia necesitada, posiblemente el personaje con mayor arco dramático, y con la Julia de Raquel Ferri la amiga que fue ex de Mario y que es una agradable muestra de naturalidad y saber estar.

Se agradece el esfuerzo por ofrecer un final coherente y alejado del tópico, rematado con ese plano final sorprendente y sugerente que invita a seguir construyendo el personaje de Mario. Una obra muy entretenida, compacta, bien hecha y muy disfrutable.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Guillem Miró

Guion: Guillem Miró, Ana Inés Fernández

Reparto: Gloria March, José Pérez Ocaña, Raquel Ferri, Miquel Gelabert, Daniel Bayona, Alba Pujol, Aimar Vega, Jaume Madaula

“TRON: ARES”. Puro envoltorio.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Tercera entrega de la saga “TRON” tras la inicial de 1982 que dirigió Steven Lisberger y que supuso una apuesta bastante arriesgada que se quedó en poco, y su secuela “TRON: Legacy” dirigida por Joseph kosinski, poco más que una fotocopia algo actualizada del original. En las tres aparece Jeff Bridges para comprobar lo bien que le tratan los años.

Este nuevo TRON vuelve a ser una apuesta fundamentalmente visual y a lo grande que parece querer justificarse con alguna reflexión sobre la IA que no va muy lejos: las dos empresas pioneras en el terreno de su desarrollo son representantes de los dos posibles usos de la tecnología, la buena y humana que piensa en las personas, y la mala y bélica que piensa en las ganancias; todo demasiado simple y esquemático, nada de tesis o planteamiento con algo de cuerpo.

Sí que funciona muy bien como película de aventuras, de esas que hay un malo al que batir y unos buenos con los que empatizar; y así como el malo (Evan Peters haciendo de Julien Dillinger sin escrúpulos) es bastante plano y simple, los buenos tienen algo más de sustancia, especialmente Ares, un guapísimo Jared Leto que nos recuerda el dilema de los sentimientos de “Blade Runner”.

Después están el vestuario, los gadgets, las máquinas y los vehículos varios que aciertan a actualizar algunos elementos de la cinta original conservando ese aire ochentero y colocando alguna referencia bastante entretenida, especialmente a costa de los “Depeche Mode”.

Si uno acude al cine sin ninguna pretensión, seguramente saldrá satisfecho de esta película que es más envoltorio que otra cosa; si se le pide algo de profundidad, innovación o sorpresa, la cosa será difícil que funcione.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Joachim Rønning

Guion: Jesse Wigutow, Jack Thorne

Reparto: Jared Leto, Jodie Turner-Smith, Evan Peters, Cameron Monaghan, Gillian Anderson, Greta Lee, Jeff Bridges, Hasan Minhaj, Sarah Desjardins, Arturo Castro

“EL CASO FRIEDA”. Matar al hijo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El caso de Frieda Keller fue un sonado acontecimiento en la Suiza de 1904, cuando los derechos de la mujer no existían, las presiones sociales en nombre de la moral eran un verdadero mecanismo de represión y los agresores sexuales salían indemnes porque ni se contemplaba el delito.

La película nos habla de un proceso judicial que fue pionero, que levantó importantes protestas contra las injusticias de género y la pena de muerte, que no sería abolida en el país hasta 1944 (nosotros tardaríamos bastante más). Y lo hace construyendo el relato de una mujer que mató a su propio hijo porque sufrió casi todas las violencias posibles: la machista, la jurídica, la económica y la social. El relato no se centra tanto en los hechos como en la situación que sufre Frieda, costurera humilde, trabajadora, buena persona, mujer angustiada y superada por las circunstancias que se encontró sin salida y sin futuro.

La película acierta a no olvidarse del entorno, de los que la rodean, y se enriquece dando voz y protagonismo a otros personajes: el fiscal que la investiga, la mujer de este que parece tener tanto poder como él y más sentido de la justicia, el abogado defensor que supone una nueva forma de entender el sistema judicial, y otros personajes menores como la hermana y su marido, la directora del orfanato o la compañera de trabajo.

Una película dura, intensa, que sabe encauzar el relato, generar personajes de interés e involucrarnos en el conflicto que plantea. Una revisión histórica para recordarnos que hay progresos que no se deben perder.

Disponible en Filmin

Dirección: Maria Brendle

Guion: Maria Brendle, Robert Buchschwenter, Michèle Minelli, Stephan Puchner

Reparto: Julia Buchmann , Stefan Merki, Rachel Braunschweig, Maximilian Simonischek, Marlene Tanczik , Bigna Körner, Liliane Amuat, Peter Hottinger, Ramona Saluz, Susanne-Marie Wrage

“PARECIDO A UN ASESINATO”. Trocear la historia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Antonio Hernández, en activo como director desde 1980 en que dirigiera “F.E.N.” (si usted sabe a qué se refiere esa Formación del Espíritu Nacional es que tiene sus añitos), con una extensa obra más bien poco relevante (quizás se recuerde “Lisboa” de 1992, “En la ciudad sin límites” de 2002 o la versión del Capitán Trueno de 2011), nos ofrece una adaptación de la novela de Juan Bolea con guion de Rafael Calatayud Cano (“Puntos suspensivos”). Nos cuenta la historia de Eva (Blanca Suárez), su nueva pareja Nazario (Eduardo Noriega) un escritor de éxito y la hija de este, Ali (Claudia Mora). El aparente momento feliz se ve perturbado por la aparición de José (Tamar Novas) exmarido de Eva, policía posesivo y violento cuya relación le ha dejado un verdadero trauma. Se añade, además, la dolorosa muerte de la madre de Ali y un comportamiento misterioso y difícil de la joven.

Supongo que tomado de la estructura de la novela, la historia se nos cuenta desde tres perspectivas diferentes que se unen en la escena de la fiesta de cumpleaños de Nazario. Inicialmente, y la que sienta la base del relato, es la historia de Eva, centrada fundamentalmente en la relación con su hijastra y el aparente acoso a que la está sometiendo José; después se añade información relevante a través de Nazario y se acaba con la que aporta Ali y que supone el giro final de la historia. No es del todo un cambio de perspectiva, más bien es una forma de dosificar la información y hacer que el espectador entre en este juego de posibles culpables que finalmente resulta bastante sorprendente (o no). Si como espectador te prestas al juego, puede acabar realmente intrigado y preguntándote donde está la maldad y quien es o no culpable.

Hernández dispone de todos los elementos para ofrecer una película de las que dejan huella, empezando por un elenco de primera fila y acabando por una trama bastante bien elaborada. Pero no logra dirigirlos y compactarlos con estilo propio ni crear la atmósfera malsana y perturbadora que se requeriría; aún así, me parece una obra correcta y entretenida, un ejercicio habilidoso de artesano profesional con mucha escuela.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Antonio Hernández

Guion: Rafael Calatayud Cano. Novela: Juan Bolea

Reparto: Blanca Suárez, Eduardo Noriega, Tamar Novas, Claudia Mora, Marian Álvarez, Raúl Prieto, Joaquín Climent, Andy Povega, Susana Merino

“LA SOSPECHA DE SOFÍA”. A vueltas con la guerra fría.

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La verdad es que de un cineasta tan experimentado como Imanol Uribe y con títulos en su haber como “Días contados” o “La muerte de Mikel” era de esperar un producto mucho más elaborado, intenso y apetecible. Pero no ha habido suerte.

La película nos cuenta la historia de Daniel y Klaus, dos hermanos gemelos separados de bebés y que el destino y las circunstancias políticas los hacen coincidir en plena guerra fría. Daniel pertenece a una familia burguesa de la España franquista y Klaus a una humilde de la RDA de la represión, el control y el poder desproporcionado del estado. Alrededor de los personajes principales se conforma una trama de intrigas, espionajes y suplantación de identidades que podía haber dado para una historia truculenta, de esas de mecanismo de relojería que encajan sus múltiples piezas y juegan con el espectador, con lo que sabe, lo que ignora y lo que siente. Pero no ha habido suerte.

El mecanismo, definitivamente, no funciona, las piezas encajan a golpe de guion, los personajes no están dotados de hondura, la trama resulta simple y poco tractiva y uno no sabe muy bien cual es el objetivo del relato. El tema de guerra fría no se trata con una mínima profundidad, las motivaciones de los personajes (especialmente las de Klaus) resultan en ocasiones bastante confusas, el asunto de las adopciones ilegales es más una excusa que un tema, y todo se desarrolla con una cadencia y una atmósfera propia de un serial de tarde.

Por cierto, la sospecha del título me pareció irrelevante.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Imanol Uribe

Guion: Gemma Ventura. Novela: Paloma Sánchez-Garnica

Reparto: Álex González, Aura Garrido, Irina Bravo, Yaiza Guimaré, Daniel Kovacs, Mario Leon, Zoe Stein, Arturo Martínez Vázquez, Carmen Molinar, Carla Pastor, Stefan Weinert

“DOLORES IBARRURI. PASIONARIA”. De vida y de lucha.

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Dolores Ibárruri, la Pasionaria (1895-1989), política española, secretaria general y presidenta del Partido Comunista de España, primera mujer en dirigir un partido político y una de las figuras claves en la historia social y política de España.

El documental es un repaso profundo y exhaustivo de Pasionaria como pieza clave en las movilizaciones sociales, en la lucha antifranquista, en la de los derechos de la mujer y en la legalización del PCE tras la muerte de Franco. Pero tampoco olvida el aspecto humano del personaje y se esfuerza en retratarnos su vida familiar, sus relaciones personales y, en general, su visión del mundo; para ello utiliza el testimonio de gente que la conoció y, especialmente, el de su nieta Lola que nos ofrece esa visión humana y entrañable. Todo ello contribuye a que el documental se convierta en un sentido homenaje y que tenga algunos momentos realmente emocionantes.

También participan en la película expertos universitarios, su biógrafo, políticos, escritores, personas que trabajaron con ella e incluso Julieta Serrano. Además de imágenes de archivo que ayudan a contextualizar y dibujar aspectos de la época, se echa mano de unos cuantos temas musicales, muy reconocibles y en versiones muy interesantes, y de diferentes poemas, de Lorca, Alberti o Machado, que proporcionan a la cinta un aire muy delicado, más profundo y mucho más sensorial.

Sin ofrecer grandes novedades a nivel cinematográfico, la película presenta una factura impecable, un buen montaje y un excelente tratamiento de las voces y las músicas. Un documental muy valioso que pone de manifiesto toda una vida y toda una lucha en pro de las mejores laborales para los trabajadores, de las libertades individuales y de los derechos de la mujer; algo muy valioso en esta época en que el auge de la extrema derecha nos indica que andamos bastante mal de memoria y peor de conciencia social y de clase.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Amparo Climent

Guion: Amparo Climent

Documental

“LA DIVINA SARAH BERNHARDT”. Extraño biopic.

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Es esta una película que, da la impresión, está pensada para el lucimiento de Sandrine Kimberlain, para demostrar que es una actriz de registros capaz de ir más allá de las comedias francesas en las que la hemos visto hasta ahora; y es, repito, solo una impresión.

La película aborda la vida de Sarah Bernhardt, actriz de teatro y cine, lasmás famosas de finales del siglo XIX y principios del XX (su funeral congregó a seiscientas mil personas en París en 1923), pero no con ánimo de biopic que nos explique su vida, sino con el afán de hacer un retrato de mujer adelantada a su tiempo, independiente, haciéndose valer en un mundo de hombres, desinhibida y libre en sus actitudes sexuales. Para situarla en contexto, aparecen a su alrededor personajes como Freud o Emile Zola pero no hay un retrato de la época más allá de los decorados y el vestuario (ambos excelentes en un esfuerzo notable de dirección de arte que le valieron dos nominaciones a los premios césar). Lo que acaba interesando en la película es la historia sentimental (y al parecer bastante contradictoria) con sus diversos amantes (alguna mujer incluida) y especialmente con Lucien Guitry y con su hijo.

La película se mueve en tres épocas: 1915, 1896 y 1886, pero ello no proporciona una narrativa más rica, más bien al contrario. Y es que uno tiene la sensación de que a Nicloux le faltan datos, que se mueve siempre alrededor de un único personaje que no evoluciona y que, finalmente, le sobra armazón para tan corto mensaje. Kiberlain pone fuerza y entusiasmo, y los secundarios están correctos pero muy vacíos, lo que hace que al relato le sobre entusiasmo y le falte encanto. Y si buscas a la figura histórica de la actriz tampoco la vas a encontrar, solo una primera escena interpretando “La dama de las camelias” y otra ejerciendo de directora, poca cosa para una figura tan importante.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Guillaume Nicloux

Guion: Nathalie Leuthreau, Guillaume Nicloux

Reparto: Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Amira Casar, Pauline Etienne, Mathilde Ollivier, Laurent Stocker, Grégoire Leprince-Ringuet, Clément Hervieu-Léger, Sébastien Pouderoux

“MÜNTER Y EL AMOR DE KANDINSKY”. Pintores revolucionarios.

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Quien más y quien menos conoce, o ha oído hablar, de Vassily Kadinsky (1866-1944), pintor ruso, teórico de arte, precursor del arte abstracto y cofundador del grupo de artistas “El jinete azul”. A quien seguramente no se conocerá es a Gabrielle Münter (1877-1962) pintora y fotógrafa alemana, también creadora del movimiento “El jinete azul” y que desarrolló un estilo abstracto propio. Münter y Kandinsky (ese el título original) fueron pareja hasta que la I Guerra Mundial obligó a Kandinsky a volver a Rusia.

La película nos presenta a Ella Münter (una juvenil y fresca Vanessa Loibl) su relación un tanto tumultuosa y difícil con el pintor ruso, su participación en el movimiento de lo abstracto que supuso toda una revolución cultural y los años que vivió sola y escondió buena parte de la obra de Kandinsky de unos nazis que lo expoliaban todo.

“Münter y el amor de Kandinsky” es una película de aire pretendidamente clásico, académica en su planteamiento (el director tiene en su haber un buen número de películas pata TV y de series), bastante plana y penosamente larga (sus 122 minutos de metraje llegan a hacerse pesados y repetitivos). Uno sale del cine con la sensación de que falta sentimiento y profundidad y que todo se podía haber narrado con una mayor economía. La película tiene, eso sí, una acertada y trabajada ambientación y sus actores cumplen con creces (muy agradable la aparición de Marianne Sägebrecht a la que hacía mucho que no veíamos).

Una película que gustará a los amantes del cine de época, pero que se queda algo corta como retrato de estos pintores (burgueses) que iban de revolucionarios y rompedores.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Markus Rosenmüller

Guion: Alice Brauner

Reparto: Vanessa Loibl, Marianne Sägebrecht, Vladimir Burlakov, Monika Gossmann, Felix Klare, Sidsel Hindhede, Julian Koechlin, Hendrik Heutmann, Bruno Eyron, Peter Rappenglück

“MALEFICIO (LA REGLA DE OSHA)”. Un puzle que no encaja.

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Cuando tienes una producción de bajo presupuesto y no quieres que haga aguas por todos los costados, hay que dotarse de una idea ingeniosa, un guion bien armado, unas actuaciones convenientes, un montaje bien medido y algo de ingenio que compense la falta de medios. No es aquí el caso.

“Maleficio” es un pastiche de diferentes piezas (ninguna de ellas particularmente original) que no logran encajar unas con otras, a saber: una profesora que trabaja en un centro ocupacional y que arrastra un trauma personal; un joven miembro de una banda que se mueve en el negocio de la droga; la hermana pequeña de este, a su cuidado desde que muriera la madre de ambos; y una especie de secta que dirige las bandas y que hace magia negra. Como proceso de aceptación del protagonista en el grupo, se hace un ritual que provocará la presencia de seres malignos y la posesión de la hermana pequeña por el demonio correspondiente.

La cuestión es que se podía haber sido una película interesante, incluso divertida y/o con cierto contenido social, pero uno asiste a la proyección desde una insalvable lejanía y entre la perplejidad de la osadía y el desencanto de cuando casi nada funciona.

Las piezas, que inicialmente parecen atractivas, no encajan, y para cuando la película se convierte en el producto de terror que aspira a ser uno ha perdido todo el interés y la cinta toda credibilidad. Las actuaciones son más bien flojas y los personajes carecen de entidad y de fuerza. La trama no termina de arrancar y es incapaz de atraparnos. No hay ritmo, ni atmósfera ni sorpresa. Todo queda en un producto bienintencionado, fallido, de película de sobremesa para ver y olvidar.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Ángel González

Guion: Ángel González, Sara Vicente Laguna

Reparto: Mariela Garriga, Blas Polidori, Édgar Vittorino, Noakis Salazar, Felipe Londoño, Adil Koukouh, West Dubai

“MASPALOMAS”. Vejez y sexualidad.

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La sexualidad en la tercera edad no es un tema fácil de abordar, el que y el como permiten poco margen de maniobra y el porqué acostumbra a ser difícil de encontrar. Los Moriarti (el grupo formado por Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño que se reparten las funciones en las películas que producen y dirigen: “Loreak”, “Handia”, “La trinchera infinita”, “Marco”) ya abordaron el tema en su primeriza “En 80 días” (2010) en la que Axun, una mujer de 70 años descubría el amor lésbico en el reencuentro con una amiga de la adolescencia.

En “Maspalomas” también encontramos un septuagenario, Vicente (un espléndido José Ramón Soroiz) que vive en Maspalomas (ya se sabe, el paraíso gay de las Islas Canarias) con su amigo Ramón. Vicente salió del armario cuando tenía 50 años y se enamoró de Esteban con el que estuvo viviendo 25 años, ahora su relación se ha roto y está algo perdido. Durante la primera media hora de metraje vemos a Vicente deambular en busca de sexo, tomar el sol, salir, no hacer nada… hasta que un ictus lo deja bastante tocado y ha de regresar a una residencia de San Sebastián cerca de su hija Nerea (una también soberbia Nagore Aranburu) a la que no ve desde hace 25 años. El grueso de la película lo conformará la relación con ella, con su compañero de habitación, Xanti (Kandido Uranga que no desmerece de sus compañeros de reparto) y, sobre todo, consigo mismo.

La película se convierte, así, en el retrato de un hombre que después de salir del armario tiene que volver a encerrarse en él y a enfrentarse a ese pasado en el que abandonó a su familia por aferrarse a esa identidad que ahora vuelve a esconder. El personaje, lejos de simplificarse en uno o dos aspectos significativos, se nos ofrece con una excelente y hermosa complejidad en la que se mezclan deseos, sentimientos de culpa, miedos, afectos y desafectos. Un retrato que se refuerza con el de las personas que lo rodean y que lo complementan y lo enriquecen: Nerea que asume el cuidado de su padre en una relación áspera y difícil pero no exenta de cariño; Xanti que se nos presenta como la otra masculinidad (heterosexual, machista, votante de Vox…) pero que evoluciona y acaba mostrándose como la persona sencilla y honesta que es; e incluso personajes mucho más pequeños como Iñaki, su inicial asistente y también gay, su amigo Ramón que lo acoge en su casa incondicionalmente, la psicóloga de la residencia o el nieto que encuentra casualmente; todos forman un universo alrededor de Vicente que nos ayuda a entenderlo y empatizar con él.

Una película valiente, valiosa, de esas que te llevas a casa y que se te quedan en la retina; un retrato algo áspero y emocionante, que no duda en llamar a las cosas por su nombre pero sin caer en la pornografía sentimental, el discurso fácil o la superficialidad de sentimientos mal entendidos. Aquí, y hay que aplaudirlo, senectud y sexualidad encajan con sencillez, elegancia y rotundidad.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: José Mari Goenaga, Aitor Arregi

Guion: José Mari Goenaga

Reparto: José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga, Zorion Egileor, Kepa Errasti

“EL VENGADOR TÓXICO”. Más que un remake.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Si no conocen la franquicia, o la tienen muy lejana, les aconsejo que antes de ver esta película revisen el original, el que dirigieron Michael Herz y Lloyd Kaufman en 1984 y que se puede ver en youtube. Recordar también que hubo tres entregas más (“El vengador tóxico II”, “El vengador tóxico 3: La última tentación de Toxie”, las dos de 1989, y “El vengador tóxico 4: Ciudadano Toxie” de 2000) todas ellas dirigidas por la pareja Herz y Kaufman excepto la 4 que la firmó en solitario Kaufman y que en esta actual hace funciones de producción y de fotografía.

Más que un remake, se propone una actualización donde las referencias directas al original son más bien pequeños guiños a un espectador ya metido en arena: el inicio es prácticamente idéntico, el protagonista sufre deformaciones similares, utiliza el mismo tema musical… pero las diferencias son notables. Por supuesto, el presupuesto es bastante más amplio y el aspecto “cutre” es más cuestión de estilo que de necesidad, se han suprimido elementos ochenteros que ahora encajarían mal (el gimnasio desparece y con él las chicas en bikini, los malos atropellando niños o el protagonista haciendo de idiota baboso) aunque la banda sonora mantiene ese mismo estilo, se han introducido elementos que den cierto sentido a lo narrado (el papel de la familia, el tema de la ecología o los abusos de las grandes empresas…) y, como viene siendo habitual, las mujeres tienen un papel más activo y significativo.

Así, queda una película con un guion bastante bien armado, unos personajes tirando a  la caricatura grotesca pero de dibujo más que aceptable, un estilo ochentero que se aprecia bastante actual y un grupo de actores que aguantan sus difíciles personajes. Si la película está o no en su punto justo, si abusa o no de efectos, escatologías y salidas de tono, o si el humor es el adecuado y acaba teniendo gracia o resulta insípida, es algo que cada espectador tendrá que decidir por sí mismo. Personalmente, y sin ser muy amigo del género, me ha parecido una película digna, bastante entretenida, con algunos puntos de humor acertados y, sobre todo, una pieza simpática, que no se toma en serio a sí misma, que logra captar lo más interesante del espíritu original al que se homenajea con cariño y cierto desparpajo. En palabras del crítico del New York Times: "Una parodia gonzo moderna, sangrienta, divertida y segura de su propia ridiculez".

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Macon Blair

Guion: Macon Blair. Personaje: Lloyd Kaufman, Joe Ritter

Reparto: Peter Dinklage, Jacob Tremblay, Taylour Paige, Kevin Bacon, Elijah Wood

“RELAY”. Enfrentarse a los grandes.

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David Mackenzie

 (“Comanchería”) dirige un artefacto muy efectivo en el que prima un tono comedido, bastante frío, pero que engancha y dota a la película de un aire elegante y un suspense bastante atractivo.

Ash (Riz Ahmed) es un negociador solitario especializado en hacer que las empresas con manejos ilegales a sus espaldas dejen en paz a empleados que se han hecho con documentación comprometedora. La película nos introduce en el asunto con una primera escena, magnífica, en la que logra un acuerdo definitivo y seguro entre un trabajador y una empresa farmacéutica que se ha saltado algunos protocolos de investigación. Después hace su aparición Sarah, una joven que tiene en su poder pruebas de la ocultación de efectos secundarios en una experimentación con cereales. El grueso del metraje se centra en este caso y en la relación que se establece entre Sarah y Ash, hasta el giro final, que no desvelaré y que resulta bastante ingenioso y efectivo.

Siendo una película de género, un ejercicio de estilo, se agradece el dibujo de los personajes protagonistas y las actuaciones de Riz Ahmed, que llena ese espacio de soledad en el que se mueve, y de Lilly James que nos hace cercana y entrañable la vulnerabilidad de Sarah.

Un thriller conspiranoico que lanza sus dardos contra la omnipotencia de las grandes empresas, su despreocupación por el bien social, e incluso las consecuencias que sus actividades ilegales y/o inmorales pueden tener en sus empleados y la población general. Una película muy entretenida, de las que te atrapan y dejan muy buen sabor de boca, como en “Comanchería”.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: David Mackenzie

Guion: Justin Piasecki

Reparto: Riz Ahmed, Lily James, Sam Worthington, Willa Fitzgerald, Jared Abrahamson, Pun Bandhu, Eisa Davis, Matthew Maher, Seth Barrish,

“SIGUE VOLANDO”. La mujer infiel.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Cuenta esta película la historia de una mujer casada, Wataka, que tiene una aventura con otro hombre. Suelen verse los jueves, o se van de gampling (una combinación de las palabras "glamour" y "camping", que se refiere a una forma de acampar con un nivel de lujo y comodidad muy superior al del camping tradicional) el fin de semana. Tras una de esas escapadas el amante es atropellado y muere. A partir de aquí surge el duelo, las emociones y la realidad con su marido, su amiga o la familia de su amante.

Quizás demasiado lenta, descoloca que gente que son pareja no se toquen, casi ni se miren y ello hace que no terminemos de entrar en la historia de amor e infidelidad que se nos propone. Todo queda bastante extraño y uno (desde la perspectiva de una cultura occidental en la que abrazos, besos, caricias y contactos en general resultan esenciales en una relación y en una historia de amor) asiste al relato con cierto desconcierto y sin llegar a entender lo que mueve a sus personajes ni lo que sienten en cada momento.

La sobriedad, lo estático y los silencios marcan una historia más preocupada por los encuadres bonitos de los lugares que recorre que por la profundidad en el dibujo de personajes y situaciones. Así, queda una película elegante, abrumadoramente sencilla y con cierto encanto que se llevó el premio Luna de Valencia en el festival Cinema Jove de 2024.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Takuya Katô

Guion: Takuya Katô

Reparto: Mugi Kadowaki, Shota Sometani, Haru Kuroki, Kentaro Tamura, Kanji Furutachi

“LA ASTRONAUTA”. Cuarentena.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segundo largo de la también actriz y guionista Jess Valery (“Phobias”, 2020) en el que aborda un thriller de ciencia ficción a través de la historia de Sam (una entregada Kate Mara que aguanta con notable el peso de la película), una comandante de la NASA que regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial: en la maniobra de entrada a la Tierra se perdió el contacto y se le ha rescatado con el casco roto pero con vida. Sam se somete a cuarentena en una casa aislada y de alta seguridad donde se darán cita fenómenos extraños y, aparentemente, destructivos.

“La astronauta” es una de esas películas pensadas desde su final, en las que todo el desarrollo está calculado para desembocar en ese desenlace sorprendente que te ha de dejar, cuando menos, asombrado/a. La fórmula narrativa es válida, desde luego, pero se requiere construir con habilidad esa parte inicial que envuelva al espectador, crear la atmósfera y el cuerpo de la resolución y aportar los datos necesarios para construir con fuerza el relato; en este caso lo que se hace, más bien, es esconder información, tener al espectador en ascuas y, aunque funciona, no deja de ser una trampa en la que cabrá casi cualquier final.

Aparte de eso y de algunos detalles que se le escapan a un guion no demasiado elaborado (no entendemos que Sam se quede sola en la casa, o que su exmarido y su hija acudan de noche a una zona de seguridad, por ejemplo) la película es entretenida, resulta fácil dejarse enganchar por la trama (Mara y Fishburne ayudan lo suyo, sin duda) y la resolución resulta, realmente, sorprendente e interesante.

Intenta la película crear un mundo sonoro potente (me da que se acerca más a lo estridente) para suplir la falta de recursos visuales en la primera parte (¿cuestión de presupuesto o de falta de imaginación?) que la acercan al terror y que ayuda a salir con esa sensación de película tramposa y algo perezosa.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Jess Varley

Guion: Jess Varley

Reparto: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Reza Diako, Ivana Milicevic, Macy Gray, Scarlett Holmes

“SKETCH. CUIDADO CON LO QUE DIBUJAS”. Dibujar el dolor.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Si uno se deja llevar por la publicidad de esta película, es decir, el estilo ochentero del póster, el subtítulo que han añadido en el título en castellano (el original es un escueto “Sketch”) o lo que nos vende el tráiler, posiblemente se acerque a la sala esperando una de aventuras infantiles con dibujitos incluidos. Y algo de eso hay en la película: bastante del espíritu infantil y juguetón de Spielberg, otro poco del de Joe Dante y, por supuesto, unos dibujos que en algún momento se convierten en protagonistas de la función. Pero, lejos de ser un producto meramente infantil, la película opta por acercarse al cine de terror, no renuncia a la parte más oscura de la propuesta y aunque finalmente se impone un tono más suave y asequible, no seré yo quien la recomiende para ir con las criaturas, al menos las más pequeñas.

La protagonista es una familia que ha perdido a la madre y que todavía no ha superado el duelo: el padre (un Tony Hale encantador) intenta pasar página quitando fotografías y recuerdos, el hijo mayor, Jack (Kue Lawrence) aporta el papel maduro de un adolescente sereno y Amber (Bianca Belle) es la hermana que canaliza sus miedos y su dolor a través de dibujos que hace en una libreta y acabarán haciéndose reales mediante los “poderes mágicos” del agua de un estanque cercano a su casa.

Tras una primera parte en la que se nos presentan personajes y situación y la música parece indicarnos que es una cinta de terror, la película parece querer decantarse por la aventura infantil en la que un grupo de niños han de enfrentarse a las nuevas criaturas, pero el guion nunca se olvida de los personajes que ha creado, incluidos los adultos, y parece más interesado en utilizar los bichos amenazantes como excusa para hablar de ese duelo y de la forma de abordarlo. Así, uno asiste a un espectáculo un tanto peculiar, en el que lo fantástico se cuela en un tono natural que nunca desaparece y todo queda bajo una capa de humor ligero y pesadilla para todos los públicos.

Queda una película muy interesante a la que es conveniente acudir sin ninguna idea preconcebida, ponerse el espíritu del niño que todos llevamos dentro y dejarse llevar por esa atmósfera de polvos de tiza, bestias pintadas a la cera y trazos de rotulador que acaban cogiendo forma. Una película bien escrita, bien planificada y con unos jóvenes actores y actrices que resultan (en la versión original) francamente estupendos. Una recomendable fábula sobre el duelo y el dolor para todos los públicos.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Seth Worley

Guion: Seth Worley

Reparto: Tony Hale, D'Arcy Carden, Bianca Belle, Kue Lawrence, Kalon Cox, Jaxen Kenner, Genesis Rose Brown, Randa Newman, Allie McCulloch, Nadia Benavides, Dajanae Cole, Josh Inocalla