“AS NEVES”. Paula ha desaparecido.

F. Lorza

As Neves es un pueblo pequeño de Lugo en el que nieva y hace mucho frío y los adolescentes se juntan en el edificio abandonado del antiguo instituto para hacer botellón y celebrar el carnaval. Durante la fiesta, Erea saca unas setas alucinógenas y en los móviles aparece un vídeo en el que su amiga Paula se besa con otra chica, lo que provocará el malestar de Manu, su actual novio, y el consiguiente corrillo de comentarios (vía móvil, claro). A la mañana siguiente Paula ha desparecido, Manu tiene un corte en el costado y todos recuerdan las cosas con confusión o, simplemente, no se acuerdan.

Aunque el planteamiento inicial es cercano al thriller, a Sonia Méndez (directora, guionista y productora) no le interesa tanto el misterio de la desaparición de Paula como ese mundo de adolescentes, con toda su carga emocional, y como los chavales se mueven y se sienten ante lo que sucede. Así, la película se acerca muchísimo al grupo, especialmente a Erea y a Manu, y nos transmite, en ese devenir de los días posteriores a la desaparición, sus miedos, sus inseguridades, sus incertidumbres, su sentimiento de grupo, e incluso sus hastíos en un pueblo que pocas cosas ofrece y unas redes sociales que tan fácilmente se descontrolan.

Aunque el grupo en sí queda algo desdibujado, Méndez sí logra sacar buen partido del personaje de Erea y de su carácter fuerte y sólido; y sobre todo de Manu, el personaje que más y mejor evoluciona, hasta el punto que se inicia casi como un personaje secundario y acaba llevando el peso del relato en su tramo final.

Los chicos y las chicas están realmente bien y se muestran con una naturalidad total. Acompañan unos diálogos bien escritos, justos y sin estridencias, y unos adultos siempre en fuera de campo o marginados en el encuadre, que solo aparecen en momentos precisos. Se agradece, y mucho, ese gallego natural de los que viven en un pueblo como este, esos paisajes helados, bellamente fotografiados, que proporcionan un ambiente hermoso y amenazador, y esos intereses que manifiestan los jóvenes que me han parecido ajustados, y bastante reales.

Una película pequeña, bien realizada, para disfrutarla.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Sonia Méndez

Guion: Sonia Méndez

Reparto: Andrea Varela, David Fernández, Antía Mariño, Xacobe Bruña, Irene Rodríguez, Diego Caro, Santi Carmena, Jennifer Soto, Adriana Fernández, Lucía Veiga, Patricia Vázquez, Luisa Merelas

“UNA MUJER ITALIANA (CABRINI)”. Migración y pobreza.

F. Lorza

Es esta una de esas películas que, tras su visionado, uno se va directamente a la wiquipedia con dos objetivos: indagar algo más en el personaje que se te ha ofrecido y comprobar que lo que te han contado se ajusta a la realidad (al menos a la oficial). En este caso en concreto, y más por el como te lo cuentan que por el qué, resulta algo difícil creer que una persona sola (la cinta se empeña en ofrecernos la epopeya de una mujer que parece hacerlo todo en solitario), de constitución débil y mujer en una época de tremendo antifeminismo, fuera capaz de hacer lo que, se supone, hizo esta Cabrini; no es que dude del relato pero me da que la película elude circunstancias, personas y hechos que acompañaron a la protagonista y que, seguro, fueron cruciales.

Es este un problema bastante común en ficciones y no ficciones centradas en un único y poderoso personaje, el foco se centra tanto y con tanta intensidad en él, que se olvida del resto de personajes y de buena parte de las circunstancias que lo rodearon. Así, por ejemplo, de las cinco mojas que acompañan a Cabrini solo sabemos el nombre de una de ellas y las cinco funcionan más como cortejo que como personajes; Vitoria, la prostituta que se une a ellas, tiene cierta entidad en sus primeras escenas, pero en el momento que pasa a formar parte del grupo de misioneras se queda sin personalidad propia y sin desarrollo; del resto de personajes poco hay que decir ya que solamente tienen cierta entidad el arzobispo interpretado por David Morse y el Papa León XIII que encarna Giancarlo Giannini (los dos se aguantan por el carisma de sus actores); sin embargo, la figura del alcalde (John Lithgow) es muy esquemática y la del chulo Engo (que parece encarnar todo la maldad del barrio con una simpleza abrumadora) es mero apunte.

Está muy lograda, eso sí, la ambientación del Nueva York de la época, se nota que ahí se han invertido esfuerzos, algo que no ocurre con la banda sonora, que tiene demasiada presencia y muy poca personalidad. Resulta también admirable el esfuerzo que hace Cristiana Dell’Anna para interpretar a la madre Cabrini, una mujer enormemente sacrificada, que nunca sonríe, siempre en el peligroso filo entre la obsesión, la fe y la ambición, y que logra (a pesar de lo plano de su desarrollo) mantener al personaje a flote hasta el final del relato.

Una de esas películas “con mensaje” a la que le hubiera venido bien un metraje más reducido y algo más de coralidad en el planteamiento. Aún así, una película correcta, vistosa e interesante.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Alejandro Monteverde

Guion: Rod Barr

Reparto: Cristiana Dell'Anna, John Lithgow, Giancarlo Giannini, David Morse, Federico Castelluccio, Katherine Boecher, Jeremy Bobb, Patch Darragh, Rolando Villazón, Virginia Bocelli

“AQUELLOS MARAVILLOSOS DÍAS”. Una granja de gallinas.

F. Lorza

Dirigida a cuatro manos y con producción ejecutiva de Martin Scorsese, esta película nos cuenta la historia de tres mujeres que conviven en una casa aislada con granja de gallinas incluida; el título original “Au fil des saisons” (A lo largo de las estaciones) hace referencia al periodo narrado a través de cinco estaciones, y el título inglés “Funny birds” (pájaros divertidos) a las gallinas que crían y de las que viven. Laura, la madre (Andrea Riseborough) está enferma de cáncer y en pleno tratamiento que la dejan destrozada y le hacen perder el pelo; Charlie, la hija (estupenda Morgan Saylor) ha dejado la universidad para cuidarla, y Solange, la abuela (como siempre excelente Catherine Deneuve) que aparece en la casa por sorpresa y tras años de total ausencia.

La película no se mueve del espacio de la casa, la granja y el huerto, y a excepción de la vecina que les ayuda a vender los huevos y del sheriff y su ayudante, no hay más personajes. Interesa, pues, la relación entre tres generaciones de mujeres, que no han logrado nunca convivir con normalidad (porque no estaban o porque no supieron) y que el incidente de la enfermedad de Laura las reúne para descubrir que tienen cosas en común y que, sobre todo, son grandes desconocidas en proceso de descubrimiento.

La Via y Ladoul optan por un tono suave, por la confrontación de baja intensidad, haciendo más énfasis en los caracteres que en los sucesos y en esos pequeños roces diarios que no hacen sangre pero que marcan notables distancias. También huyen (y se agradece) del melodrama desatado y de la catarsis liberadora que solucione el conflicto. El problema está en que la película necesita una fuerza y una profundidad que siempre se está esperando y que no llega, los personajes reclaman un dibujo más complejo y uno se queda con la sensación de que se podían haber tratado temas que tan solo se puntúan: la maternidad y sus conflictos, el abandono, el feminismo, la ecología… incluso el uso de las drogas. Finalmente la cosa sabe a poco y la cinta no acaba de despegar, pero queda una sensación agradable de historia sencilla, sin trampas y con unas actrices que, sin duda, salvan la función. Una película bonita que se ve con gusto.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Marco La Via, Hanna Ladoul

Guion: Marco La Via, Hanna Ladoul

Reparto: Catherine Deneuve, Andrea Riseborough, Morgan Saylor, John Robinson

“DEEP SEA. VIAJE A LAS PROFUNDIDADES”. Todos los colores.

F. Lorza

Sorprende esta producción china de animación porque parece contener elementos del estudio Ghibli, del anime y un colorido impresionista versión 5.0. Y es que lo más relevante y llamativo de la cinta es esa animación poderosamente elaborada, un verdadero espectáculo de colores, texturas y movimientos. Admirable, por ejemplo, los movimientos del agua, tanto la que cae como gotas o torrentes, como las grandes masas del océano y su oleaje. También son destacables los movimientos del pelo de los personajes o las texturas de sus pieles (impresionantes esos planos muy cerrados de caras, bocas y ojos) y, sobre todo, todos esos colores que inundan la pantalla, todos los colores del mundo diría yo, en una especie de alucinación cromática inagotable en la que se ha cuidado hasta el más mínimo detalle. Añadamos un movimiento constante de cámara en la que todo parece ser un torbellino infinito y tenemos un producto agotador, hipnótico, sin descanso y que puede resultar excesivo, muy excesivo.

La trama, por el contrario, es bastante sencilla y va poco más allá de una niña que busca a su madre (o de su espíritu, no queda claro) y que acaba en el fondo de un océano de colorida alucinación donde hay un restaurante submarino, con un curioso jefe de cocina que tiene ciertos poderes, comensales con forma de pez o morsa, una criatura de muy difícil catalogación y un fantasma rojo muy amenazador. El restaurante/barco, por cierto, recuerda mucho al castillo ambulante de Miyazaki en versión barroca y más espectacular.

Me queda, después del visionado, la duda de a qué público va dirigida la película: los más pequeños es posible que se pierdan en un tsunami de formas, colores y movimientos, los más mayores pueden sentirse desbordados por una oferta visual absolutamente desmedida a la que le faltan unos personajes más desarrollados y una trama más consistente.

Queda pues, un espectáculo visual arrollador, un ejercicio de estilo abrumador, una demostración bárbara de lo que China puede llegar a hacer en el terreno de la animación a base de trabajo, tecnología y dinero. Impresionante.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Tian Xiao Peng

Guion: Tian Xiao Peng

Animación

“MARISOL, LLÁMAME PEPA”. Historia de una desaparecida.

F. Lorza

El título no engaña y es una declaración de intenciones: se trata de un documental sobre Marisol, la “niña prodigio” del franquismo, pero también sobre Pepa Flores, la mujer que había, y hay, detrás de figura tan popular. Un intento, pues, de ofrecernos su historia, sus idas y venidas y de explicar por qué lleva treinta años sin dejarse ver, públicamente desaparecida.

Se inicia el documental con la ceremonia de los goya de 2020 donde la cantante había de recibir el goya de honor, con todo el mundo expectante por si, a última hora y en contra de lo que anunció, decidía reaparecer para recoger el premio. No fue así, lo recogieron sus hijas y con este momento acaba la película cerrando así un círculo en el que se intenta abarcar toda una vida nada corriente.

Además de imágenes de archivo se utilizan declaraciones de personajes destacados como su hermana Vicky, la abogada Cristina Almeida, el crítico y director Fernando Méndez-Leite, la escritora Elvira Lindo, la bailaora Cristina Hoyos, el productor Enrique Cerezo, la política Esperanza Aguirre o la cantante Amaia (amplio abanico, como se ve) y una voz en off construida a partir de declaraciones diversas de Marisol que suplen, en cierta medida, la ausencia de la misma.

Encuentro que lo mejor del documental es que, casi sin pretenderlo, se da un repaso a buena parte de lo que supuso la época franquista, especialmente en lo referente al papel de la mujer en ese periodo y a la maquinaria propagandística y de venta de imagen (no siempre de acuerdo a lo real) que, me temo, sigue aún hoy vigente.

Para los que no somos ni fans ni grandes conocedores de lo que ocurrió con Marisol, el documental nos hace una interesante visita guiada por sus años de niña prodigio apropiada por el régimen, su vida junto a Antonio Gades y su posterior beligerancia en el partido comunista. Para acabar en un emotivo final que redondea la joven Amaia interpretando una de sus canciones, muy emotivo.

Un documental bien realizado, entretenido y con bastante jugo.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Blanca Torres

Guion: Blanca Torres

Documental

“AUGE Y CAÍDA DE JOHN GALLIANO”. El genio y la persona.

F. Lorza

Entre los numerosos títulos que ha dirigido Kevin Macdonald hay un documental sobre Whitney Huston (“Whitney”, 2018), otro sobre el rey del reggae (“Marley”, 2012), una serie sobre Oasis (“Oais”, 2017) y otros largos de ficción como “El último rey de Escocia” (2016) o “The Mauritanian” (2021). Experiencia, pues, no le falta.

En este documental que nos ocupa aborda la figura de John Galliano, diseñador de moda nacido en Gibraltar, de padre español y madre francesa, que fue director creativo de Dior entre 1996 y 2011 y que caería en desgracia al ser detenido tras lanzar insultos y amenazas antisemitas en una terraza de París.

El documental nos cuenta, tal y como dice su título, el ascenso a lo más alto del mundo de la alta costura a base de creatividad, ingenio, propuestas arriesgadas y mucho trabajo; y la caída brusca y fulminante a base de comentarios inoportunos, alcohol y otras drogas. Quizás la película peque algo de condescendiente y no parece atreverse a hacer demasiada sangre de los aspectos más escabrosos, pero tampoco los esconde y acaba planteando a Galliano como una víctima de su propio ego y de un ambiente intransigente, durísimo en sus exigencias y, en ocasiones, deshumanizado. Para ello, echa mano de estrellas como Kate Moss, Naomi Campbell, Penélope Cruz o Charlize Theron, y de personajes importantes del mundo de la moda y, sobre todo, de un John Galliano que se enfrenta en solitario a la cámara y se desnuda (o aparenta desnudarse) en un ejercicio de reflexión y de reconsideración de toda una vida. La verdad es que uno llega a empatizar con un personaje que pasa de la arrogancia del hombre de éxito a la humildad del derrotado con notable naturalidad.

Quizás algo denso y repetitivo (las casi dos horas de metraje resultan algo excesivas), pero sin duda, un documental interesante.

Estreno: 10 mayo 2024

Dirección: Kevin Macdonald

Documental

“THE PALACE”. Fiesta de fin de año.

F. Lorza

Si nadie te dice que esta película está dirigida por Polanski, sería muy difícil atribuirle la autoría. Yo, al menos, no he visto nada ni personal, ni propio, ni auténtico del director; es una película que podríamos adjudicar a cualquier artesano con buen oficio al que han puesto en las manos un guion de algoritmo con malas intenciones, el dinero para realizarlo y algún que otro actor de renombre; el resto va a piñón fijo.

El Palace del título es un hotel de lujo en lo alto de los Alpes suizos, al estilo del de “Hotel Budapest”, donde van a celebrar la entrada del año 2000 con las consiguientes paranoias de cambio de siglo, destrucción del mundo, caos informático y otras mandangas. Llegan al hotel toda una recua de personajes a cual más estrambótico, decadente y caricaturesco y en el centro el director del hotel, un Oliver Masucci inagotable que es, con mucho, lo mejor del grupo. Así, tenemos una vieja gloria del cine porno, un grupo de vejestorios con más cirugía plástica que años, el médico que las ha retocado, un potentado venido a menos que quiere aprovechar el efecto 2000 para salir de la ruina, un grupo de rusos con misteriosas maletas que ven como Putin llega al poder, una marquesa obsesionada con la caca de su perro, un noble muy mayor que se ha casado con una chica joven a quien le regala un pingüino, el hijo del facineroso que aparece con toda la familia y no hay donde colocarlos… y luego el director y sus trabajadores intentando servir y complacer a todo el mundo.

Es como si Polanski hubiera querido hacer algo al estilo “Hotel Budapest” versión comedia desmadrada, irreverente y pasada de rosca, pero le ha quedado una película realmente decepcionante, sin gracia y tan poco digerible como los personajes que dibuja. Si se pretendía poner en la picota a determinados estamentos, grupos o situaciones, desde luego no lo ha conseguido. Todo funciona a base de colocar una ocurrencia tras otra sin demasiado criterio, intentando epatar con un absurdo sin recorrido y con una historia que no va a ninguna parte; tras situaciones y personajes no parece quedar nada y si (como es mi caso) el asunto no te resulta gracioso, la cosa termina haciendo aguas por todos los lados.

Es posible que Polanski haya hecho “obligatoriamente” una película para superar los problemas que le han originado sus asuntos judiciales, pero incluso siendo un producto de supervivencia, lo podía haber dotado de algo de dignidad. También es posible que sea, simplemente, una pataleta contra todo y contra todos, incluido el espectador.

Estreno: 26 abril 2024

Dirección: Roman Polanski

Guion: Roman Polanski, Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska

Reparto: Mickey Rourke, John Cleese, Anton Pampushnyy, Joaquim de Almeida, Fanny Ardant, Oliver Masucci

“LA HIERBA DEL DIABLO”. Perdidos en Colombia.

F. Lorza

Si las informaciones no me fallan este es el octavo largometraje de Ángel Ayllon, todos los anteriores son producciones colombianas que, o bien no se han estrenado en nuestro país o bien han pasado sin pena ni gloria; este último es una coproducción entre España y Colombia.

La película que nos ocupa es, a pesar de la experiencia del director, un producto que bien podría ser el de un principiante, con todas sus buenas intenciones, un cierto descaro, algo de frescura, un puñado de deficiencias y las irregularidades propias de una ópera prima.

Cuenta la historia de Mauro y Santiago, el primero un influencer en gira por Colombia y el segundo su manager, los dos españoles. El viaje de Bogotá a Cali deciden hacerlo en coche porque “hay que crear contenido y todo esto es muy bonito” y en el camino encuentran a Érika, una mujer muy atractiva, de propuestas irresistibles que los llevará a su casa donde se encontrarán con misterios poco recomendables. La película se apunta al cine de terror en el que los protagonistas se ven atrapados en un espacio dominado por las fuerzas del mal, por ambientes malsanos y letales y presencias de las que se escabullen entre las sombras y aparecen por las noches como pesadillas.

Uno tiene la sensación de haber visto la historia en demasiadas ocasiones y se pasa el metraje esperando que el guion, o el ambiente, o los personajes, o la puesta en escena… ¡quien sea!, aporte alguna novedad y un punto de interés que levante la película y le dé un toque personal. El problema es que eso no sucede, todo transcurre por los terrenos de siempre, los efectos sonoros y visuales son repetitivos, la ambientación es poco más que la acumulación de puntos de luz y, por si fuera poco, en la parte final el director nos hace un repaso de todo lo que hemos visto (por si nos hemos olvidado o no hemos pillado lo importante), acumula todas las imágenes que aportaban información esencial en una sola escena y echa mano de un policía que nos da las explicaciones que faltan para que todo cuadre. No sé si es prisa, falta de medios, poca confianza en el espectador o simplemente torpeza de guion, pero la cosa no me acabó de convencer, o quizás no me lo he mirado con buenos ojos, todo es posible.

Estreno: 26 abril 2024

Dirección: Ángel Ayllón

Guion: Fernando Ayllón

Reparto: Lina Cardona, Max Marieges, Hamza Zaidi

“LA FUNCIÓN”. El espectador.

F. Lorza

Un hombre deambula por las calles de Madrid, entra en un apartamento, allí le espera una mujer, no sabemos si se conocen o no, ni el motivo de la visita, ni qué ocurre dentro del piso. El trato es cordial pero extraño y él no suelta ni una sola palabra.

Tiene esta película una primera parte muy enigmática que te pone alerta y te hace agudizar los sentidos porque está claro que hay algo que no ves, que no sabes, pero que está ahí, un arranque magnífico. Y si el espectador quiere disfrutar realmente de la película, mejor no seguir leyendo e ir a ver por sí mismo lo que esconde esta propuesta, garantizado que no lo ha visto en ningún otro sitio.

Tras esta primera parte, descubrimos un mundo donde se mezcla la ficción y lo real, lo vivido y lo escenificado; pero es un descubrimiento progresivo, a pequeñas dosis, que convierte la película en un juego sin perder su carácter serio, profundo e íntimo. Poco después aparecerá un tercer personaje, la madre de ella, que aportará un pasado trágico a la historia, un dolor que todavía perdura y que parece matizar el encuentro.

Filmada en blanco y negro, la obra tiene un agradable aspecto de cine independiente, de autor, potenciado por tener solo tres actores, desarrollarse en un único espacio y depender en gran medida de la palabra; podía ser perfectamente una obra de teatro pero hay mucho cine dentro de ella, sobre todo porque la película hace un uso elegante y eficaz de la cámara, con suaves travelling en busca de un posible centro de interés, planos que casi se convierten en planos-secuencias y que hacen el mismo efecto, y que se combinan en un montaje hábil con planos fijos que encuadran puertas y paredes. Añadamos a todo esto unos actores estupendos, que consiguen hacer naturales unos diálogos difíciles y muy teatrales y que acaban transmitiendo un universo de sensaciones, de sentimientos, de ambigüedades y de reacciones decididamente deliciosas.

Una película inteligente, intimista, muy teatral (en el buen sentido del término), personal y diferente.

Estreno: 27 abril 2024

Dirección: José Gasset

Guion: José Gasset

Reparto: Luis Heras, Blanca Parés, Nuria Prims

“LA QUIMERA”. Ladrones de tumbas.

F. Lorza

Si el espectador disfrutó de la anterior “Lázaro feliz”, es muy posible que de esta salga con las mismas o similares sensaciones. Alice Rohrwacher vuelve a echar mano de un personaje que bordea lo mágico sin perder su realismo, lo rodea de una tribu bastante curiosa muy en la línea de los personajes fellinianos y de la comedia clásica italiana, juega con los formatos para mezclar lo onírico, lo espiritual y lo terrenal, y acaba planteando una historia que es sentimiento y sensación puros.

El protagonista es Arthur (Josh O’Connor), un inglés (aunque es posible que sea irlandés) que tiene el don de sentir bajo sus pies tesoros escondidos. Junto con un curioso grupo de “ladrones de tumbas”, se dedica a abrir sepulturas funerarias de miles de años de antigüedad, sacar los abalorios y objetos que encuentran y venderlos en el mercado negro. Alrededor de Arthur encontramos a Italia (Carol Duarte), que tiene dos hijos escondidos, a Doña Sofía (Isabella Rossellini) que vive en un palacio decadente, tiene un montón de hijas y es la madre de la prometida de Arthur, una especie de fantasma que recorre todo el metraje y al que le une un metafórico hilo rojo, un hallazgo visual de lo mejor del film.

A ratos desconcertante, a ratos cómica, inicialmente enigmática, siempre tirando a surreal o a un peculiar realismo mágico, y siempre encantadora, “La quimera” es, como su título indica, la persecución de un sueño: el de recuperar la hija o la amada, o el de salir de la miseria de un espacio degradado y contaminado (literal) mediante el desentierro y la venta de tesoros ocultos que Arthur tiene la habilidad de localizar.

No es una película fácil, no se ajusta a un registro clásico, pero acaba siendo un alegato del empoderamiento femenino: esa comunidad de mujeres que okupan la vieja estación y que aceptan a Arthur como “sirviente”, las continuas referencias a la sociedad etrusca liderada por mujeres, ese Espartaco interpretado por la propia directora, o la figura de Italia, representativa y eje de la historia. Y lo más bonito: una película sobre el amor y los fantasmas que nos persiguen.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Alice Rohrwacher

Guion: Alice Rohrwacher, Carmela Covino, Marco Pettenello

Reparto: Isabella Rossellini, Josh O'Connor, Alba Rohrwacher, Luca Chikovani, Carol Duarte, Milutin Dapcevic, Vincenzo Nemolato, Elisabetta Perotto, Julia Vella, Francesca Carrain

“LA CHICA QUE SANABA”. Retrato de Holly.

F. Lorza

Holly, la protagonista, es una de esas chicas que siempre están solas en el patio, que no logran socializar y a las que acosan e insultan en cualquier momento y sin razón aparente. Un día no acude a clases porque intuye que algo malo va a pasar y su presagio se materializa en un terrible incendio en el que mueren una decena de estudiantes. A partir de aquí descubrimos que Holly es capaz de influir en las personas, de mejorar su estado de ánimo e incluso de su salud. En este proceso de descubrimiento juega un importante papel Anna, una profesora que dedica grandes esfuerzos a ayudar a la gente que lo necesita y que intenta, sin éxito, ser madre.

La película tiene su virtud en lo que no es o no llega a ser: no es un relato de poderes extraordinarios y sus diferentes usos, ni un melodrama de los que tocan la fibra sensible, ni un cuento de terror en alguna de sus múltiples variaciones. Troch opta (supongo que la producción de los hermanos Dardenne también tiene algo que ver) por un relato naturalista y se interesa por el dibujo personal e íntimo de sus criaturas y cómo influyen sobre ellas sus potenciales, sus relaciones y sus expectativas. Así, seguimos muy de carca a Holly, que descubre con cierto desconcierto y una eterna tristeza, sus nuevas habilidades; y con ella a Bart, un joven con lo que parece ser un espectro de autista o similar y una conducta volátil e incluso violenta, a la madre y a la hermana, y sobre todo a Anna en su afán de ser madre y de ayudar a Holly.

Queda una película tremendamente triste, que afortunadamente no cae en el tópico y lo previsible, y que deja un gusto amargo, de felicidad merecida que nunca se alcanza. Un film gratamente diferente.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Fien Troch

Guion: Fien Troch

Reparto: Cathalina Geeraerts, Greet Verstraete, Robbie Cleiren, Karlijn Sileghem, Sara De Bosschere, Els Deceukelier, Felix Heremans, Serdi Faki Alici

“HATE SONGS”. La radio del genocidio.

F. Lorza

Mundo Cero es el proyecto de la productora creada por Ibon Cormenzana que tiene como objetivo fomentar propuestas audiovisuales de índole social. “Hate songs” es el primer largometraje de este proyecto.

La película se centra en la emisora de radio ruandesa RTLM (Radio Télévisión Libre des Mille Collines) desde la que se promovió (con gran eficacia, por cierto) la masacre contra los tutsis en el conocido como genocidio de Ruanda en 1994 (casi un millón de muertos en 100 días, además de violaciones y otras atentados contra los derechos humanos); una emisora que difundió un verdadero discurso de odio aprovechando la audiencia que le proporcionaban los éxitos musicales que llegaban de Europa y EEUU.

La película, en lo que es uno de los grandes aciertos de guion, no se centra en el conflicto, sino en tres personas que acuden a la antigua emisora 30 años después para grabar una radionovela en el marco del programa de reconciliación. Así, las únicas imágenes del conflicto  se ofrecen en la primera escena y dialogan con un presente en el que están representadas las diferentes partes que se vieron involucradas: dos actores ruandeses (impresionantes Nansi Nsue y Boré Buika) como Stéphanie que es tutsi y Ncuti que es hutu, y un técnico belga (un siempre estupendo Àlex Brendemühl con una voz radiofónica espectacular) que encarnaría (en cierto modo) el colonialismo responsable de tantos problemas y espectador pasivo de la barbarie.

Alejo Levis encierra a sus personajes entre las cuatro paredes de la emisora, potencia la sensación de claustrofobia, de encerrona y de situación malsana, de problema que no se ha podido superar pero que se pretende maquillar como resuelto. El uso de la luz, de los espacios, del plano corto, de las doble imágenes en los cristales, de las zonas separadas pero en comunicación… son elementos que intensifican el relato y le dan una fuerza y una profundidad incluso dolorosa. Lejos de un discurso simplista, se nos ofrece un guion muy elaborado, una historia suficientemente compleja, unos personajes excelentemente construidos y un relato sin fisuras, demoledor.

Toda una lección sobre la culpa, el perdón, el remordimiento, las responsabilidades a largo plazo, los planteamientos del poder establecido, y las víctimas, las de todos los bandos. Con un formato de thriller psicológico, un ritmo sorprendente y una puesta en escena exquisita, la película nos recuerda el conflicto sin apenas usar imágenes del mismo, y centra su atención en las consecuencias a largo plazo y la necesidad de cerrar heridas y reparar daños. Todo muy intenso, muy creíble y muy cinematográfico. Sin desperdicio.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Alejo Levis

Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan

Reparto: Àlex Brendemühl, Nansi Nsue, Boré Buika

“ROSALIE”. Una mujer diferente.

F. Lorza

Ambientada en la Francia de finales del XIX, esta película nos cuenta la historia de una mujer (la Rosalie del título) que se casa con el dueño de una taberna agobiado por las deudas en un curioso matrimonio de conveniencia. En una primera parte que juega hábilmente con la falta de información del espectador, nos describen la llegada de Rosalie (con su padre y su dote) a la casa de Abel, el futuro marido, un hombre hosco y parco en palabras al que la guerra le ha dejado bastantes secuelas. Pronto sabremos que las razones que llevan a Abel y a Rosalie a celebrar el matrimonio son razones diferentes para cada uno y que no rebelaré por si el lector acude a la sala con una saludable y recomendable ignorancia al respecto.

Se organiza, a partir de aquí, una situación bastante bien construida, tirando a compleja y difícil, basada en esa diferencia que aporta la protagonista en una sociedad cerrada y reacia a lo desconocido y a todo aquello que no encaje en el modelo establecido. Los hombres que trabajan en la fábrica, el cacique y dueño de esta que funciona como único poder fáctico, las mujeres en su papel de siempre, y esas niñas que viven en el orfanato o que trabajan como adultos, componen el universo humano en el que Rosalie ha ido a parar con el eterno temor de ser rechazada y el deseo de ser madre.

La película presenta una ambientación deliciosa y aprovecha muy bien los espacios, las texturas, las luces y el vestuario, especialmente el de Rosalie, que acompaña, potencia y carga de significado a su personaje. Lejos del posible y fácil melodrama en el que podía haber derivado, o del alegato beligerante en favor de lo diferente, el film se mueve en un tono intimista muy acertado que le da una fuerza y una intencionalidad muy interesantes. Colaboran en ello las actuaciones de Nadia Tereszkiewicz y Benoît Magimel en los papeles de Rosalie y Abel, capaces de hacernos ver a sus personajes en toda su amplitud, bien dibujados y muy creíbles, haciéndonos empatizar, incluso, con el huraño Abel. El punto definitivo lo pone un final abierto, sugerente y tirano a poético.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Stéphanie Di Giusto

Guion: Stéphanie Di Giusto, Alexandra Echkenazi, Sandrine Le Coustumer

Reparto: Nadia Tereszkiewicz, Benoît Magimel, Benjamin Biolay, Guillaume Gouix, Gustave Kervern, Anna Biolay, Juliette Armanet, Eugène Marcuse, Lucas Englander, Aurélia Petit, Serge Bozon

“SPY X FAMILY. CODIGO: BLANCO”. Anime, acción y payasadas.

F. Lorza

Definitivamente no soy un buen espectador de este tipo de películas: sus excesos en las formas, sus gesticulaciones exageradas a base de rostros desencajados y ondulaciones infinitas, su sentido del humor a veces tan pueril, su absoluta desmesura en las escenas de acción, esos personajes femeninos tan tópicos y tan arcaicamente femeninos… me sacan una y otra vez de un relato que gasta demasiado esfuerzo en aspectos demasiado inanes y que acaba por no interesarme.

En esta que nos ocupa tenemos una familia ficticia, creada para una misión secreta, formada por el padre que es espía, la madre una imbatible asesina a sueldo, una niña adoptada capaz de oír el pensamiento de los otros y un perro que puede ver el futuro (los elementos d la saga, vaya). Un par de misiones que se solapan, unos malos en forma de ejército desestabilizador del equilibrio mundial y un microfilm escondido en un bombón forman la oferta a disfrutar.

Lo peor, sin duda, el dibujo que se hace de la mujer que, lejos de la tendencia actual de empoderamiento femenino e independencia frente al varón, se recurre a una mujer que corre tras el caballero, tremendamente preocupada por cumplir como madre y como esposa y que, sin embargo, inicialmente se nos presentaba como asesina y luchadora superpotente.

También me resulta un problema el mal encaje que se hace entre las diferentes escenas, especialmente en la primera parte, con un montaje torpe obcecado en entrar directamente al grano de la acción y el desenfreno visual. Queda una curiosa mezcla de anime, payasada y cine de acción, claramente desenfadada y sin ningún tipo de prejuicio que, imagino, hará las delicias de los amantes de este cine; ya digo, no es mi caso. Sirva como ejemplo la escena en que la niña aguanta la caca frente a los soldados que esperan que evacúe para recuperar el microfilm que se ha tragado con el bombón: excesiva, repetitiva y para mí sin ninguna gracia. Lo dicho, no soy público para esta película.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Takashi Katagiri

Guion: Ichiro Okouchi. Historia: Tatsuya Endo. Manga: Tatsuya Endo

Animación

“DRAGONKEEPER: GUARDIANA DE DRAGONES”. Ping y el huevo de dragón.

F. Lorza

 Salvador Simó Busom, animador formado en Barcelona y Los Ángeles, dirigió en 2018 “Buñuel en el laberinto de las tortugas”, una animación muy interesante que recreaba el rodaje del documental que Buñuel hizo sobre Las Hurdes adaptando el cómic de Fermín Solís. Ahora codirige con Jianping Li (desconocido director chino) esta “Dragonkeeper” ambientada en la China de la dinastía Han donde los dragones, que habían sido aliados de los humanos en su lucha contra los nigromantes, han sido encerrados en mazmorras; una niña (Ping) con ciertos poderes, una fortaleza en las montañas y un tesoro en forma de último huevo de dragón, son los ingredientes para una historia que aporta pocas novedades y que intenta ofrecer un espectáculo de formas, acción y sonido para todos los públicos.

Lo consigue solo a medias, ya que la historia podía haber sido mucho más trepidante y los personajes algo más intensos. Aferrada a los cuentos de dragones y mazmorras, los personajes humanos resultan demasiado “digitales”, excesivamente rígidos, especialmente ahora que estamos acostumbrados a texturas y movimientos mucho más realistas. Los decorados y el dragón, sin embargo, están mucho más conseguidos, saben aprovechar las formas y estilos orientales consiguiendo un punto exótico y mayor dinamismo (posiblemente ha sido en estos apartados donde se han dedicado más esfuerzos). La historia, aunque entretenida, no deja de ser terreno trillado y no sabe (o no quiere) profundizar en los dos temas más interesantes que se plantean: la dualidad siervos-amos y las relaciones dragones-humanos a partir del papel de las criaturas fantásticas en conflictos anteriores. Los malos son muy malos y sin fisuras, y la presencia femenina se limita a la niña protagonista y la abuela con la que vive; hay también un ratoncillo simpático pero sin demasiado recorrido.

Una película más bien de encargo, sin pretensiones autorales, de esas que intentan arrancar una franquicia rentable. Imagino que con cierto atractivo para un público infantil y una aventura (la de la historia y la de la producción) que podía haber dado más juego. Para ser una adaptación de la primera de las seis novelas de la australiana Carole Wilkin (con participación de Atresmedia, Movistar y China Film Animation, y un equipo de cinco guionistas) la cosa se queda más bien corta.

Estreno: 19 abril 2024

Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li

Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Novela: Carole Wilkinson

Animación

“SANGRE EN LOS LABIOS”. Amor, mentiras y sangre.

F. Lorza

Es esta una película que arranca como la historia de un amor lésbico, se va hacia el thriller con aire de viaje lisérgico, para acabar en una cinta de monstruos que recuerda a Hulk. Un periplo un tanto complejo y desorientador que la directora plantea sin prejuicios, con una perspectiva queer que no renuncia al tono brusco y al personaje sucio, y que no le teme al exceso ni al trazo grueso.

El resultado es algo tan desconcertante como hipnótico, desmesurado, sexy y violento. Todo centrado en dos mujeres: Lou (Kristen Stewart) que regenta un gimnasio y pone el desasosiego, la mirada triste y el deseo oculto, y Jack (Katy O’Brian) una culturista camino del campeonato de Las Vegas que aporta el músculo, la violencia física y la locura que lleva finalmente al delirio; completa el triángulo Lou Sr (Ed Harris) el padre de Lou, traficante de armas, criminal sin escrúpulos, la maldad del relato.

Rose Glass monta un aparato oscuro y brillante, donde se puede sentir el tacto de la piel, donde todo está siempre a punto de estallar y, cuando lo hace, se desparraman sin límites ni reservas todo tipo de fluidos: vaginales, sangre, vómitos, sudor… y fuego. Y es en estos estallidos cuando la frontera de lo real y lo soñado se diluye, cuando el músculo ruge en su dilatación, el exterior suena en lenta sordina y aparece ese gigante, casi de cuento de hadas y ogros, para poner fin a la pesadilla de la realidad.

Una película que bebe de muchas fuentes, que toma variadas referencias, que juega al thriller y que se convierte en una apuesta arriesgada, valiente y muy interesante. A destacar una Kristen Stewart prácticamente omnipresente, magnífica, una Katy O’Brien realmente portentosa y un Ed Harris calvo y con pelo largo que da verdadero miedo. El amor, las mentiras y el sangrado del título original a plena pantalla.

Estreno: 12 abril 2024

Dirección: Rose Glass

Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska

Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Ed Harris, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Jena Malone, Eldon Jones, Catherine Haun, Orion Carrington, Matthew Blood-Smyth, Keith Jardine. 

“EL SALTO”. Regreso a Europa.

F. Lorza

Benito Zambrano siempre ha insuflado a sus películas un carácter fundamentalmente reivindicativo, un discurso beligerante en el que no caben ni las medias tintas ni las sutilezas (a excepción de su ópera prima “Solas”, mucho más intimista y, quizás, la más redonda de las que ha realizado).

En esta, aborda la entrada ilegal de personas a través del salto a la valla de Melilla. Lo hace siguiendo el periplo de Ibrahim, un joven guineano que, tras una temporada trabajando en España con documentos ajenos, es expulsado del país y retoma de nuevo el camino de vuelta en un segundo intento de entrar en Europa y reencontrarse con su mujer y su hija recién nacida; la estancia en los bosques cercanos a Melilla y el asalto final a la valla conforman el grueso del metraje.

Poco de nuevo hay en la propuesta de Zambrano, tanto la situación de los CIE como las penurias que pasan los que intentan entrar resultan dramáticamente familiares y la película no aporta ni una perspectiva suficientemente novedosa, ni nuevos datos que ayuden a enfocar la situación. Se agradece, eso sí, que se narre desde un punto cercano a los protagonistas, que no se cebe innecesariamente en la actitud de la policía o en la inhumanidad de las mafias que se enriquecen con los viajes (algo que ya ocurría, más o menos, en la reciente “Yo capitán”, por ejemplo) y que se plantee con naturalidad y buena mano la labor de los que intentan ayudar y reducir en lo posible el sufrimiento de estas gentes.

Después de una primera parte correcta pero que no acaba de despegar, Zambrano demuestra, con las escenas en el bosque y el salto final, que sabe planificar y narrar con fuerza, y consigue un último tercio de película bastante más interesante. Cine necesario, sin duda, para recordarnos que el problema está ahí y que, si se le hubiera dotado de mayor profundidad, habría sido una excelente película.

Estreno: 12 abril 2024

Dirección: Benito Zambrano

Guion: Flora González Villanueva

Reparto: Moussa Sylla, Mariola Fuentes, Mari Paz Sayago, Vicenta N'Dongo, Vicky Peña, Rodrigo Gutiérrez, Eric Nantchouang, Edith Martínez-Val, Nansi Nsue.

“HLM PUSSY”. Nuevas adolescentes.

F. Lorza

Mina, Zineb y Djeneba son tres adolescentes que podemos encontrar en cualquier instituto, forman un grupo de amigas muy compacto y son representativas de una interracialidad que es muy común en Francia y que aquí resulta cada vez menos rara: Zineb es árabe, Djeneba afrofrancesa y Mina es de padre árabe y madre francesa; las dos primeras viven en el suburbio, la tercera es de clase más alta pero las tres estudian en el mismo centro. La película nos las muestra como amigas que han compartido mucho entre ellas y a las que les une una ligazón bastante fuerte. Los problemas comienzan a partir de las pretensiones sexuales  de Zack hacia Zineb, haciendo uso de su prepotencia machista y sin tener en cuenta el deseo de la chica; ante la amenaza deciden grabarlo con la intención de presionarle para detenerlo. Como ocurría con “Sala de profesores”, lo que en un principio parece una solución acaba convirtiéndose en el problema y la situación se complica hasta llegar a niveles muy peligrosos. La directora utiliza el grupo de chicas y, sobre todo, las redes sociales, para hacer que el conflicto se abra en dos frentes distintos: por un lado la situación personal de las jóvenes con la ruptura del grupo y el temor a represalias como principal eje, y por otro lado, la difusión en redes y cómo el hecho se transforma en abanderado de la causa contra las violencias de género, los abusos y otros machismos.

 La película se convierte así en un alegato de actualidad sobre la necesidad de las/los jóvenes de responder a estas violencias y un bonito canto a la amistad entre personas, en principio, tan diferentes. Hourch narra con fluidez y sabe enriquecer la historia dotándola de una fuerza que acaba atrapándote. Y, sobre todo, sabe centrarse en el tema que le interesa sin perder de vista el retrato de sus criaturas, lo que hay de personal e íntimo dentro de ellas. También destacar el excelente papel de las tres jóvenes actrices, que llenan la pantalla y logran que sus personajes sean absolutamente transparentes, cercanos y rotundamente humanos. Una película intensa y necesaria.

Estreno: 12 abril 2024

Dirección: Nora el Hourch

Guion: Nora el Hourch, Éléonore Gurrey, Sara Wikler, Raphaëlle Richet, Violaine Bellet, Nathalie Saugeon

Reparto: Leah Aubert, Médina Diarra, Salma Takaline, Bérénice Bejo, Oscar Al Hafiane, Amélia Lacquemant, Mounir Margoum, Adam Hafsia, Hind Faiz, Paulin Gautier, Steve Achiepo.

“MONKEY MAN”. Patel va de duro.

F. Lorza

Dev Patel se apunta al grupo de actores que pasan a la dirección (lo recordamos de “Slumdog millonaire”, “Chappie”, “lion” o “El caballero verde”) pero no al de los que pretenden cierta autoría y sello personal, más bien a los que quieren pasárselo bien haciendo el cine que les gustaría ver (esto último es pura suposición mía). Y es que “Monkey man” es una de esas películas de mamporros y peleas interminables que ya hemos visto muchas veces y donde la trama se utiliza para unir una escena de violencia con la siguiente y poco más.

Patel dirige y protagoniza una película sangrienta, pretendidamente arrolladora, una historia de venganza donde se mezclan la action-movie (con aires de John Wick y de “Old boy”) con una fábula sobre parias, gurús y poderes económicos hindúes. Lo que no le falta a la cinta es ambición, pero le sobra (también es una impresión muy personal) ese empeño agotador de hacer algo diferente a base de una cámara agotadoramente intranquila, planos de detalle que parecen esconder la acción cuando quieren potenciarla, desenfoques más o menos artísticos, ángulos aberrantes para crear sensación de desequilibrio y un montaje que desmenuza planos y escenas hasta más allá de lo tolerable. El resultado es un producto excesivo a todos los niveles, unas coreografías que, más que verse, se intuyen, y una narrativa tan fragmentada y escurridiza que a uno le vienen ganas de aplaudir en cada momento de calma. Añadamos unos interminables flash-backs, pretendidamente intensos, para explicar la tragedia pasada y el origen de tanto odio por parte de nuestro protagonista. Pero, lejos de profundizar en el tema social de parias y desigualdades, todo se reduce a un simple drama de muertes violentas y grupos marginados de lo más tópico y al que la película vuelve una y otra vez sin aportar apenas nada.

Imagino que habrá quien disfrute con las escenas de lucha en el ring (posiblemente lo más conseguido de la cinta), con las peleas de uno contra cincuenta, y con ese Patel físicamente imparable y mirada triste embaucadora. Tiene toda la pinta de que vamos a tener Monkey Man para rato, si es así, a ver si las siguientes entregas aprovechan lo que se ha quedado de mero fondo en esta.

Estreno: 12 abril 2024

Dirección: Dev Patel

Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee

Reparto: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash, Sobhita Dhulipala, Sikandar Kher, Vipin Sharma, Ashwini Kalsekar, Adithi Kalkunte, Makarand Deshpande

“MENUDAS PIEZAS”. Salvación por el ajedrez.

F. Lorza

Las piezas del título, además de la expresión que todos conocemos, hacen referencia a las del ajedrez ya que la película arranca de un hecho real: el de un jubilado entusiasta del tablero que entrenó a un grupo de chavales de un colegio humilde de Zaragoza y que lograron ganar el campeonato de España. “Menudas piezas” no pretende ser una crónica de esa hazaña, ni un homenaje a quienes la hicieron posible, y usa el hecho más como excusa que como objetivo. Así, el señor jubilado es ahora una mujer joven (Alexandra Jiménez) que, después de trabajar en un colegio muy pijo, aterriza en el aula de apoyo de un instituto muy obrero con un grupo de adolescentes conflictivos (un predelincuente, un absentista, una embarazada, otra emocionalmente inestable, un pendenciero…) que, a través del ajedrez descubrirán que no son los fracasados e inadaptados que todo el mundo da por hecho que son. Todo muy previsible, muy para generar situaciones de conflicto, hacer cuatro chistes y tocar la fibra sensible, muy de comedia gruesa y muy alejada de cualquier posible realidad. Está claro que no se trata de hacer un planteamiento social, ni de analizar el modelo educativo actual. Es básicamente un producto para vender, como ya eran las anteriores películas de G. Velilla con producción de Mediaset: “Mañana es hoy”, “Por los pelos”, “Villaviciosa de al lado” o “Perdiendo el norte”. Hay que decir, eso sí, que al menos no es una película vergonzante, el guion no chirría demasiado (excluyendo a todos los que hayan trabajado de cerca con adolescentes), los actores y las actrices están bastante bien (Alejandra Jiménez da dignidad a un personaje que podía haber sido patético, se agradecen las intervenciones de Callejo, Orella o Rellán, y los chavales están bastante naturales y dignos), el montaje está bastante cuidado y se incorporan más o menos bien las postales de Zaragoza y los temas musicales encabezados por el de Amaral (acento maño la verdad es que no se aprecia).

Una película para hacer caja, imagino que del gusto de una amplia mayoría, y que seguramente no hará mucha gracia a los profesores y educadores que trabajan cada día con chavales conflictivos. Pero claro, esto es cine, no la vida.

Estreno: 12 abril 2024

Dirección: Nacho G.Velilla

Guion: David S. Olivas, Marta Sánchez, Nacho G. Velilla

Reparto: Alexandra Jiménez, María Adánez, Francesc Orella, Miguel Rellán, Alain Hernández, José Manuel Poga, Luis Callejo, Rocío Velayos, Pablo Louazel, Verónica Senra, Kiko Bena.

“TIZIANO, EL IMPERIO DEL COLOR”. El pintor empresario.

F. Lorza

Tiziano Vecellio di Gregorio fue uno de los mayores exponentes de la Escuela Veneciana, de vida longeva (nació entre 1488 y 1490 y murió en 1576) fue reconocido ya por sus contemporáneos por su uso del color, sus interpretaciones de temas religiosos, mitológicos y, especialmente, por sus retratos.

El documental nos descubre también, aunque no profundice en ello, su aspecto empresarial, su capacidad para venderse, para encontrar los medios con los que pintar, e incluso se nos cuenta que tenía una empresa de maderas con su hermano.

Como es habitual en este tipo de documentales, el relato se apoya en muchas imágenes de los cuadros del autor, en declaraciones de expertos (entre ellos el director de El Prado) y alguna reconstrucción de la época para entrar en materia. Todo con una excelente calidad de imagen y un montaje acorde al discurso, como de costumbre. No hay, por tanto, novedades en la propuesta, ni pretendidas innovaciones o apuestas arriesgadas; se trata de explicar, lo más didácticamente posible, la vida del pintor, algunas de sus influencias y sus repercusiones en el arte posterior. También se aprovecha para ofrecer una Venecia de postal dejando bien claro que en el siglo XVI fue la Nueva York de Europa y la ciudad de Tiziano.

Un documental para los amantes de la pintura que no necesitan profundizar en el tema y para los que quieran descubrir al artista.

Estreno: 15 abril 2024

Dirección: Laura Chiossone, Giulio Boato

Guion: Marco Panichella, Lucia Toso

Documental

“PEQUEÑAS CARTAS INDISCRETAS”. Insultos epistolares.

F. Lorza

Es esta una película con un agradable gusto de cine clásico (en el buen sentido del término), de esas que se hacen a la usanza tradicional y que incorpora, de manera natural, aspectos más modernos. Se trata de una historia real acontecida en un pueblo costero de Inglaterra en el que alguien enviaba cartas llenas de improperios e insultos a una mujer abnegada, religiosa, soltera y cuidadora de sus padres; las culpas enseguida recayeron sobre una joven de comportamiento poco ortodoxo, lenguaje rudo y espíritu libre. La acción gira alrededor de la acusación, juicio y esclarecimiento de la verdad y se narra en un tono casi de comedia que hace más liviano ese fondo amargado, represivo, enfermizo e irrespirable que es, al final, la base y el sentido del relato.

Como toda narración de este estilo, hay un trabajo impecable de ambientación con unos interiores sórdidos muy sugerentes y un ambiente muy conseguido de calle de suburbio. Aunque la baza más potente es la de sus actores y actrices, magníficos: Olivia Coleman vuelve a demostrar que es capaz de ensalzar cualquier personaje que se le pida y aquí crea uno absolutamente atormentado en el que dibuja con precisión lo que el personaje es y lo que le hubiera gustado ser; Timothy Spall está inmenso en la piel de un soberbio patriarca, castrador y humillador hasta niveles inhumanos; Jessie Buckley encarna con luminosidad y encanto a una falsa culpable con la que resulta fácil empatizar; entre el resto de personajes una encantadora Anjana Vasan como “agente femenino de policía” y un grupo de secundarios poco desarrollados pero todos con ese puntito de interés personal.

Queda pues, una película muy agradable, entretenida y de factura impecable, que nos trae un grito sincero y efectivo contra esa marginación que la mujer ha sufrido durante tanto tiempo (en la familia, en el trabajo, en el vecindario…) y que ha provocado tantas víctimas y tantos personajes rebeldes y anónimos. Para disfrutarla.

Estreno: 5 abril 2024

Dirección: Thea Sharrock

Guion: Jonny Sweet

Reparto: Olivia Colman, Jessie Buckley, Anjana Vasan, Timothy Spall, Joanna Scanlan, Hugh Skinner, Malachi Kirby, Gemma Jones, Lolly Adefope, Eileen Atkins, Alisha Weir, Jason Watkins, Paul Chahidi

“MAYDAY CLUB”. Miedo a volar.

F. Lorza

Es esta una de esas películas que arrancan de una situación bien definida y la retuercen a base de hacerle a sus personajes mil y una perrerías y aplicar aquello de “si algo puede salir mal, saldrá mal”. En este caso es un grupo variopinto de personas que se han apuntado a un curso para superar el miedo a volar y que, como práctica, toman un avión a Islandia con billete de ida y vuelta. Del grupo inicial, al avión solo subirán un veterano de las fuerzas especiales (siempre único Timothy Spall), una promotora inmobiliaria que quiere ir a Cabo Verde con su novio y la hija de este, y una pareja formada por una influencer y su fotógrafo; todos acompañados por un guía/profe inexperto y algo torpe. El viaje, claro está, se torcerá, se quedarán atascados en un hotel balneario y se irán sumando las situaciones imprevistas y desastrosas muy del género.

Al ser una estructura en la que se van sumando acontecimientos, azares y otros elementos, la aceptación y disfrute de la oferta depende más de la capacidad e interés del espectador en admitir excentricidades, salidas de tono y algún olvido de las leyes naturales, que en los logros o errores de la propia película. Si uno entra en el juego de estos pasajeros atrapados, poco le importa que el guion sea algo tramposo o que se pueda correr en ropa interior en medio de una ventisca en Islandia; y si, por el contrario, la historia no engancha, todo puede parecer un despropósito más falso que un duro sevillano.

A mí me ha parecido una película divertida, entretenida, y no me han molestado esos agujeros oscuros de la historia. Me ha gustado que el tono no se desmadre demasiado, que se compaginen con habilidad las diferentes tramas y que los personajes tengan suficiente entidad como para parecer moderadamente creíbles. El guion, sin ser una maravilla, ofrece una historia con bastantes variantes, no resulta demasiado previsible y aprovecha bien los tiempos y los espacios (el avión, el hotel, los exteriores helados…). Unas cuantas notas de humor y la intención de no herir a nadie, la convierten en una película simpática, agradable y disfrutable.

Estreno: 5 abril 2024

Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Guion: Halldór Laxness Halldórsson, Tobias Munthe, Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Reparto: Timothy Spall, Lydia Leonard, Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, Gina Bramhill, Sverrir Gudnason, Björn Hlynur Haraldsson

“FREELANCE”. El cachas, la periodista y el dictador.

F. Lorza

Es esta una película para explotar la figura del tío cachas, exsoldado, que reparte estopa a diestro y siniestro sin que nadie pueda con él, con su puntito ingenuo, sus toques de humor y su historia de amor generalmente en crisis. El de esta ocasión es John Cena, ex agente de las fuerzas especiales que responde a la perfección al arquetipo, aquí encargado de proteger a una periodista de renombre (Alison Brie) que va a hacer una entrevista a Juan Venegas, un dictador de claras referencias latinas (Juan Pablo Raba).

Uno suele salir de este tipo de películas con la sensación de no sobrepasar el puro simplismo, incluso lo infantiloide, y de que todo se hace para justificar las escenas de acción estratégicamente colocadas en el relato; y aunque esta viene a ser algo parecido y el producto es bastante insulso y predecible, queda un algo de la historia que le da cierto gustillo: la figura del presidente/dictador Venegas, de impoluto traje blanco en plena selva, con un curioso sentido del humor y, en contra de lo previsible, con una ligera vuelta de tuerca a costa de las multinacionales que quieren explotar los recursos naturales del país. No es que sea un tratado sobre el capitalismo y su afán devorador, pero al menos este villano tiene un mínimo de dibujo, Raba lo hace simpático y supone un giro de guion algo más original. También es verdad que uno puede ponerse quisquilloso y algo paranoico y hacer una lectura del asunto que nos lleve a entender el mensaje de que, ante una amenaza de malvados capitalistas sin escrúpulos, una solución puede ser la intervención de un “buen dictador”, o sea, el mensaje simplista y peligroso de determinadas ideologías.

La película reúne todos los tópicos del cine de acción con héroe salvador: desde el conflicto familiar y el pasado más o menos doloroso que le lleva a la misión, hasta las situaciones inverosímiles en las que jamás se acaban las balas y el bueno sobrevive sin despeinarse y acabando con todo un ejército de enemigos. No falta la chica a la que hay que salvar (esta vez se han olvidado del empoderamiento femenino) ni el complot traicionero contra nuestro hombre, ni la escena erótica ni el puñado de chistes que nunca hieren a nadie. Queda un producto bastante anodino, de algoritmo, sin demasiada química entre sus protagonistas, con un villano que reclama más protagonismo y un conflicto, finalmente, bastante simple. Eso sí, si no le pides más de lo que promete puede resultar incluso entretenida.

Estreno: 5 abril 2024

Dirección: Pierre Morel

Guion: Jacob Lentz

Reparto: Alison Brie, John Cena, Juan Pablo Raba, Alice Eve, Christian Slater, Marton Csokas, Julianne Arrieta, Molly McCann, Daniel Toro, Sebastián Eslava, Roberto Cano

“ANIMAL/HUMANO”. Toro y torero.

F. Lorza

Quizás no es muy buen momento para producir una película sobre la tauromaquia, teniendo en cuenta la polarización social que hay respecto al tema y lo enfrentados que llegan a estar los sectores más convencidos y beligerantes de cada parte; y sobre todo si se opta por una historia en la que no queda demasiado claro el posicionamiento ideológico al respecto.

Se nos cuenta la historia de Matteo, un joven italiano con una peculiar mirada, desde niño, hacia la muerte: su madre regenta una funeraria hasta que muere, le impacta el entierro de un niño y, tras ver la cogida mortal que sufrió José Antoni Iniesta decide que él quiere morir de esa manera; en un viaje escolar a España descubre una escuela de toreo y es ahí donde lo vemos en su juventud preparándose para novillero.

Lo mejor de la película, sin duda, son la imágenes que, paralelamente a la vida de Matteo, vemos en el interior de una dehesa donde vive el verdadero protagonista del relato: un novillo (primero becerro, claro) con muy buena planta, de nombre Fandango, que crea una historia paralela a la del joven torero, con algunos puntos de conexión (el más bonito y sugerente el de la amistad que se produce entre los dos novillos por un lado y la de Matteo y César, el hijo de un reconocido torero mejicano, por otro). Son estas escenas, cercanas al documental, lo más interesante, sugerente y original de la película, narradas con mucha calma y bastante dulzura y que nos descubren todo un universo que hubiera valido la pena explotar más a fondo.

También tiene su punto de interés la historia de César que, aunque un tanto previsible, pone sobre el tapete la repetida historia del hijo que se ve abocado al mundo del padre sin tener ningún interés personal en ello. Y me ha parecido muy atractiva, aunque está muy poco desarrollada, la historia del mayoral de la dehesa, un personaje silencioso, absolutamente dedicado a su trabajo y con una carga humana muy interesante. Curiosamente, la historia de Matteo, que es el eje sobre el que pivota el relato, se queda un poco en terreno de nadie y finalmente resulta demasiado previsible.

Queda una película de visión agradable, sencilla, hecha con mucho cariño y evitando planteamientos maniqueos o dogmáticos; se echa de menos algo más de profundidad y de intensidad en personajes y situaciones pero, aún así, es una historia que vale la pena.

Estreno: 5 abril 2024

Dirección: Alessandro Pugno

Guion: Natacha Kucic, Alessandro Pugno

Reparto: Guillermo Bedward, Donovan Raham, Antonio Dechent, Antonio Estrada, Silvia Degrandi, Juan Quiñones, Ian Caffo

“LA FUNCIÓN”. El espectador.

F. Lorza

Es esta una de esas películas hecha a base de empeño, de la búsqueda de apoyo económico en un buen número de mecenas de Verkami y el empujoncito de algunas instituciones, aquí el ayuntamiento de Madrid y la ECAM. Una película, además, con la clara intención de innovar, de proponer algo nuevo y valiente; lo que se dice un proyecto independiente y muy personal. Estamos pues ante una cinta de muy pocos actores (tres más una pequeña aparición del propio del director), un único espacio y un blanco y negro que, además de potenciar esa sensación de irrealidad le da también el tono de cine “pequeño”.

Si uno acude a verla sin ningún tipo de información, se encuentra con una situación inicial bastante desconcertante en la que un joven llega a una casa donde se supone que le esperan y, sin decir casi ni una palabra, se ve inmerso en un mundo compuesto por Blanca y su madre, con la reciente muerte del padre en el ambiente y un más reciente traslado imponiendo un cierto caos físico. Y es ese caos, que parece dominar la historia, en el que el espectador se ve envuelto y al que se suma esa indefinición de lo que es realidad y lo que es ficción, de lo que es vida real y vida dramatizada, de lo que es presente y de lo que es pasado. Más tarde, cuando el relato nos deja claro la función de cada personaje, descubrimos que el orden se ha trastocado, que alguien ha hecho lo que no debía y la linealidad de la representación se ha convertido en otro caos. Parece complejo pero Gasset monta bien su artificio y, al final del metraje, la cosa queda bastante clara, os lo aseguro.

Queda una película muy teatral, o quizás teatralizada, de planos que se alargan y una cámara que se mueve con suavidad entre los personajes para colocar al espectador en el centro físico del relato, con unos actores estupendos que hacen creíble unos textos bastante duros y que apoyan los vaivenes de la historia con gran variedad de matizaciones. “La función” es una propuesta de juego, de apuesta para atrapar y separar lo real y lo fingido y que, lejos de agotarse en su premisa inicial, se hace cada vez más compleja, más intrigante y más sólida. Una grata sorpresa.

Estreno: 5 abril 2024

Dirección: José Gasset

Guion: José Gasset

Reparto: Blanca Parés, Luis Heras, Nuria Prims

“UN HIPSTER EN LA ESPAÑA VACÍA”. Política en positivo.

F. Lorza

Uno ve esta película y capta de inmediato las buenas intenciones del relato, los lugares comunes que transita y la necesidad de meter en 100 minutos lo que hubiera dado para una saga o una serie completa. Es la historia de Quique, un nuevo político al que le encargan liderar el proyecto de la España vacía (o vaciada) en un pueblo de Teruel (por razones políticas y no tan políticas), y que llega allí con su discurso de manual y conceptos absolutamente ajenos al espacio que pretende mejorar; o sea, el eterno choque entre urbanistas y rurales en un tono de comedia ligera, mucha verborrea y ambientación rural sin moscas ni polvo; toda aparentemente divertido e ingenioso pero tremendamente artificial y tan desconectado del mundo como el personaje de Quique.

Martínez-Lázaro, que ya probó el terreno con las sobrevaloradas 8 apellidos vascos y catalanes, vuelve más o menos al mismo terreno pero con algo menos de pretensiones cómicas y basa la historia en el contraste de personalidades, la situación de encerrona del protagonista y la historia de amor/relación que se bifurca entre la novia compañera de partido y la dueña del bar del pueblo. Todo bastante previsible una vez planteado y, la verdad, bastante poco ingenioso. Se mantienen algunos momentos aislados que funcionan bastante bien (excelente la escena en que los hombres de la partida de cartas se enfrentan a la obligación de que estas sean paritarias), algún personaje con algo de gancho (el mejor, sin duda, el de Lourdes) y otros muy desaprovechados como el cura que interpreta Manuel Manquiña y algunos toques a la comedia rural tipo “Amanece que no es poco”.

Durante el metraje no pude quitarme de encima esa sensación de que había un planteamiento inicial potente, pero que luego todo se simplifica hasta la extenuación en aras de un humor ligero y asequible, destrozando una historia que, bien desarrollada, hubiera dado mucho juego: el nombramiento del alcalde, el cambio en las medidas, los elementos utilizados para ganar popularidad, la resolución de los conflictos… todo rozando un simplismo tirando a vergonzoso que a mí me sacó de la película. Supongo que a aquellos que les encantó los “8 apellidos” estas cosas les tendrán sin cuidado y disfrutarán de este humor inofensivo, de esta historia pretendidamente política que, en su rollo de optimismo no va a ninguna parte. ¡Y lo que hubiera dado de sí un episodio entero dedicado en exclusiva a Lourdes!.

Disponible en Prime Video

Dirección: Emilio Matínez-Lázaro

Guion: Daniel Castro. Libro: Daniel Gascón

Reparto: Berta Vázquez, Lalo Tenorio, Paco León, Macarena García, Roberto Bodegas, Tito Valverde, Miguel Rellán, Manuel Manquiña

“LAS COSAS SENCILLAS”. Alejado del mundo.

F. Lorza

Eric Besnard, director, ya hizo un ejercicio de estilo visualmente fantástico en “Delicioso” (2021), también con el protagonismo de Grégory Gadebois y donde se narraba la historia del primer restaurante moderno en la Francia de 1789. Ahora la historia es de actualidad y ocurre en plena montaña francesa donde Vincent (un excelente Lambert Wilson) va a parar, tras una avería en su coche, a la cabaña de Pierre (inmenso, como siempre, Gadebois), un personaje solitario, arisco y enigmático que vive solo y, parece ser, aislado voluntariamente de casi todo. Lo que parece que va a ser un choque entre el urbanita, empresario de éxito, y un alma libre en plena comunión con la naturaleza (por tirar de tópico) pronto da un giro más que interesante, se aleja de la historia a la que parecía abocada y la película se convierte en una bonita y menos tópica historia de amistad con trasfondo romántico y apuntes sobre la vida moderna y sus diferentes esclavismos.

Así, la película fluye sin sobresaltos, nos va descubriendo las interacciones, las motivaciones y las personalidades de cada personaje y todo queda enmarcado en un magnífico decorado de montaña que acaba siendo otro personaje más. Huyendo del melodrama, de la confrontación abierta y del mensaje facilón, Besnard hace que sus personajes se muestren con una complejidad muy agradable, que sus relaciones fluyan de forma natural, no tira de trampas de guion y hace que la historia de amor sea más una excusa para afianzar una amistad, en principio improbable, que una subtrama con entidad propia.

Al final, uno empatiza sin remedio con estas criaturas en lo que es una historia sencilla, casi un cuento, de muy buen rollo, simpática y nada empalagosa. Para dejarse encandilar por su luminosidad, su buen humor y su encanto, sin más.

Estreno: 27 marzo 2024

Dirección: Eric Besnard

Guion: Eric Besnard

Reparto: Lambert Wilson, Grégory Gadebois, Marie Gillain, Betty Pierucci Berthoud, Magali Bonat, Antoine Gouy, Déborah Lamy, Pascal Gimenez

“GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO”. Titanes.

F. Lorza

En el reparto de esta película aparece Rebeca Hall y unos cuantos más, pero no hay que llevarse a engaño, los verdaderos protagonistas son los titanes, los monstruitos, y no tan solo Godzilla y Kong que encabezan el elenco sino también esa especie de lobos-tigre del principio, los monos con villano feroz, su monito engañoso y algo parecido a Godzilla en plan esclavo, e incluso una superserpiente que acaba de tapa para el simio gigante. Los humanos sirven para ir encajando los diferentes enfrentamientos entre los titanes (que es, al fin y al cabo, lo que se busca) y la película termina siendo como una de aquellas de serie B del siglo pasado pero con un presupuesto desorbitado y unos efectos especiales espectaculares.

La historia, por tanto, viene a ser lo de menos, aunque se agradece algún que otro rato de calma entre tanta lucha, tanto montaje sincopado, tanto ruido y tanta ciudad hecha añicos (pirámides incluidas). Los que vayan buscando espectáculo visual y atronamiento acústico van a salir bien servidos; los que prefieren calma, contenido e historias más consistentes mejor se abstienen. La película es la continuación del “monsterverse” que la productora Legendary iniciara con “Godzilla” (2014) y “Kong: La isla Calavera” (2017) y es una secuela de “Godzilla vs. Kong”, el enfrentamiento de 2021 entre los dos gigantes.

Aún sin haber visto las anteriores, uno puede disfrutar del espectáculo si no le pide demasiado al contenido y tiene el umbral de tolerancia al exceso más bien alto. Se ha de reconocer que los guionistas se han currado una historia que no da descanso y que ofrece un variado muestrario de espacios, situaciones y criaturas; esto, unido a una planificación trepidante que apenas pierde el tiempo en otras cosas, da como resultado un producto muy entretenido, absorbente y de fácil consumo; una de esas películas de las que sales con la exclamación ¡qué pasada! en los labios y poca cosa en el cerebro. Para arrasar taquillas

Estreno: 27 marzo 2024

Dirección: Adam Wingard

Guion: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Historia: Terry Rossio, Simon Barrett, Adam Wingard

Reparto: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen 

“MILLI VANILLI: GIRL YOU KNOW IT’S TRUE”. Cuestión de imagen.

F. Lorza

Milli Vanilli, dúo musical formado por el alemán Robert Pilatus y el francés Fabien Morvan que lograron un gran éxito entre el público adolescente (y un Grammy) con el tema que da título a esta película. Pero si por algo se conoce al grupo es porque fueron la más sonada caída al abismo tras descubrirse que no habían cantado nunca ni una sola nota de sus canciones; el responsable, en realidad, el productor musical Frank Farian que los diseñó y los lanzó al mercado.

La película nos cuenta las vicisitudes de estos dos jóvenes y como llegaron al estrellato, especialmente las de Robert Pilatus, de quien se nos hace un retrato algo más amplio empezando por su infancia en una familia de adopción. Y lo hace posicionándose en “la otra parte de la historia”, la de Robert y Fabien, dejándolo claro desde buen principio haciendo que ellos dos, sentados en un sofá, se dirijan al espectador en diversas ocasiones para dejar claro que son ellos los que cuentan su historia.

Así, Rob y Fab se nos presentan como dos jóvenes agradables, guapos, incluso ingeniosos, que solo pretendían vivir de la música y que se vieron involucrados en una serie de acontecimientos que les superaron y en los que eran poco más que marionetas; se nos habla de sus escarceos con las drogas, de la buena vida a la que se apuntaron y de algún arrebato de ira, pero siempre se nos dibujan como dos personas bastante normalillas y sin rastro de crueldad. La pieza clave fue, por tanto, Franz Farian quien fabricó el grupo (también lanzó a los Boney M) y que fue el artífice del engaño; pero incluso este personaje se nos pinta sin rasgos de malvado, más bien como un pequeño genio capaz de crear aquello que la gente quiere comprar y eso, en un principio, no es malo y en ningún caso ilegal. Así pues, estamos en una película sin villanos, que centra sus dianas en un sistema donde el éxito y el consumo son la guía y que pretende ofrecer un retrato de dos personajes que, en definitiva, también fueron víctimas y que no quiere profundizar en mayores críticas o exploraciones sociales; el relato de los hechos y poco más.

Por otro lado, las actuaciones están bien montadas y todos los personajes resultan creíbles e identificables, las escenas musicales tienen garra y hay un notable esfuerzo de ambientación. Interesante propuesta para conocer algunos entresijos de la producción musical y pasar el rato.

Estreno: 27 marzo 2024

Dirección: Simon Verhoeven

Guion: Simon Verhoeven

Reparto: Tijan Njie, Elan Ben Ali, Matthias Schweighöfer, Bella Dayne, Graham Rogers, Natasha Loring, Mitsou Jung, Lara Mandoki, Tijan Marei, Darlene Tejeiro, Joshua Kantara.

“LA ABADESA”. Mujeres recluidas.

F. Lorza

Ambientada en el siglo IX, la película narra la historia de Emma, una joven de 17 años nombrada abadesa tras la muerte de su padre, el conde Guifré. Emma llegará al lugar con la intención de repoblar y recristianizar el territorio (es época de guerra contra los sarracenos) y chocará con los intereses de las monjas por un lado y con los de los nobles por otro.

Chavarrías plantea una historia de formas clásicas, fotografía cuidada (de esas que colocan las velas por decenas en cualquier lugar y a cualquier hora), de decorados bien aprovechados (en este caso el castillo de Loarre en Huesca) y un efectivo trabajo de vestuario (interesantes los efectos que se consiguen con el negro de los vestidos de las monjas). Más que el retrato de una época, Chavarrías busca plantear algunos conflictos que, de hecho, son muy actuales: las dificultades de la mujer en un mundo de hombres, el eterno dilema entre religión y cultura, las imposiciones dogmáticas frente al pensamiento más libre, la perpetuación de los sistemas de poder, la miseria del pueblo llano o la reducción de la mujer a un mero elemento de decoro. Todo ello alrededor de la figura de una abadesa y un lugar donde las mujeres han sido recluidas a la fuerza y donde el elemento religioso tiene solo una función de pretexto, nada que ver con el concepto de convento que tenemos actualmente.

Pero, lo que más me ha interesado de la película ha sido la dualidad que plantea el enfrentamiento entre la nueva abadesa y la hermana Eloisa. La primera, convencida del dogma religioso, de su misión salvadora y su empeño en ayudar a la gente del pueblo; la segunda, encerrada por haber tenido una vida en busca del placer, del amor carnal y del gozo de vivir; y ambas, enfrentadas a una sociedad tremendamente machista, represora y clasista. Sin ser el eje principal del relato (aunque hubiera merecido serlo) sí que creo que es lo más interesante y novedoso de la propuesta.

Queda una película algo lenta en su desarrollo, de marcado carácter teatral,  y aunque nos habla de hace siglos resultada ajustada a unos tiempos modernos de reivindicación femenina.

Estreno: 22 marzo 2024

Dirección: Antonio Chavarrías

Guion: Antonio Chavarrías

Reparto: Daniela Brown, Blanca Romero, Carlos Cuevas, Ernest Villegas, Oriol Genís, Joaquín Notario, Berta Sánchez, Anaël Snoek, Eric Godon, Olivia Auclair, Fabrice Boutique

“LOS NIÑOS DE WINTON”. Álbum de recortes de Praga.

F. Lorza

Viene a ser esta película como una “Lista de Schindler” pero con niños evacuados, ambientada en Praga y Londres, y en los días de la invasión de Austria por parte de Hitler. Nicky Winton era un corredor de bolsa londinense que, ante la trágica situación de muchos refugiados en la Praga de finales de los años 30, organizó un sistema de visados, trenes y familias de acogida que logró llevar a Inglaterra a 670 criaturas (por cierto, una de ellas Karel Reisz, director de cine del movimiento Free Cinema Británico).

La película se desarrolla en dos momentos diferentes: en la Praga previa de la II Guerra Mundial y en la Inglaterra de finales de los 80. En la primera, para narrar el proceso de evacuación de los niños y en la segunda (que podía haber sido la más interesante y novedosa) para explicarnos la situación de Winton ya anciano. Hawes echa mano de una narrativa y un formato clásicos y aprovecha bien los decorados naturales, otorgando una dinámica interesante centrada en los esfuerzos del grupo de personas que participaron. Como contrapunto, la casa de Winton, la enorme cantidad de material que ha acumulado en diferentes acciones humanitarias a lo largo de los años, su situación familiar ante el inminente nacimiento de su nieto, y ese álbum de recortes de Praga, cargado de recuerdos y de datos y que será la base de una última parte de la cinta tirando a lacrimógena pero, sin duda, muy emotiva.

Uno no puede dejar de pensar en qué hubiera sido la película si se hubiera centrado y profundizado en esta época actual, si hubiera indagado en las consecuencias actuales de esos hechos, si se hubiera permitido hacer un planteamiento sobre los medios de comunicación actuales y su uso de las noticias más por lo impactante que por intereses sociales. Claro, que hubiera sido una película diferente, posiblemente menos vendible y con otros intereses, pero más difícil y más actual, y nos hubiera permitido disfrutar más (si cabe) de un siempre inmenso Anthony Hopkins y una (algo desaprovechada) Lena Olin como la esposa de Winton.

Queda una película de corte clásico, que sabe aprovechar sus valores, no resulta ni demasiado condescendiente ni demasiado melodramática, se ve con gusto y nos descubre uno de esos personajes históricos que siempre vale la pena recuperar.

Estreno: 22 marzo 2024

Dirección: James Hawes

Guion: Lucinda Coxon, Nick Drake. Biografía sobre: Nicholas Winton. Libro: Barbara Winton

Reparto: Anthony Hopkins, Johnny Flynn, Lena Olin, Helena Bonham Carter, Romola Garai, Alex Sharp, Samantha Spiro, Jonathan Pryce, Adrian Rawlins, Marthe Keller, Ziggy Heath.

“CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO”. Aquí unos fantasmas, aquí una familia.

F. Lorza

No soy yo muy amigo de este tipo de sagas cinematográficas, pero he de reconocer que los dos únicos títulos que había visto hasta ahora, el “Los Cazafantasmas” original de 1984 dirigido por Ivan Reitman y “Cazafantasmas: más allá” que dirigió Jason Reitman en 2021 (desconozco la segunda parte de 1989 y la de Paul Feig de 2016) me parecieron productos muy entretenidos, moderadamente ingeniosos, muy dinámicos, y con un agradable punto de novedad y buen humor. La jugada parecía bastante hábil: el regreso de 2016 venía maquillado por el protagonismo de las mujeres y el de 2021 por el de unos niños (y la familia, claro) que le daban al conjunto cierta frescura y encanto. Ahora, este “Imperio helado” nos llega dirigido por Gil Kenan (el de “Monster House” y “City of Ember: en busca de la luz”) y los Reitman continúan en labores de guion y de producción.

La película viene a ser una secuela, o segunda parte, de su predecesora, imagino que aprovechando que sus protagonistas no han crecido demasiado, y hace más hincapié en el tema de la familia, su unión y su aceptación aunque no haya lazos de sangre, algo que ya se sabe que es muy del gusto del cine yanqui. El problema es que el producto ha perdido la frescura y sus personajes no son capaces de desarrollarse ni de ofrecer nuevos perfiles; un poquito de madurez y otro de ingenio les hubiera ido de maravilla. Así, la película se hace más pesada e irregular, las escenas más espectaculares son más escasas y menos impactantes y, lo peor, los fantasmas podían haber dado un juego increíble y se quedan en más bien poca cosa a pesar de que hay ideas tirando a brillantes: los juguetones bichitos blancos Mini-Pufts , la fantasma Melody adolescente en llamas, el bicho verde del desván, el supermalvado Garraka con cuernos y todo… El provecho que se le podía haber sacado, por ejemplo, al personaje de Nadeem/Amo del fuego es innegable pero uno se queda con la sensación de que lo han dejado para una nueva entrega, ya se sabe, por si la cosa funciona.

Queda una película que seguramente funcionará bien en taquilla, moderadamente entretenida, de pocas aportaciones nuevas y, posiblemente, un reflejo de lo agotada que puede estar la saga.

Estreno: 22 marzo 2024

Dirección: Gil Kenan

Guion: Gil Kenan, Jason Reitman

Reparto: Mckenna Grace, Carrie Coon, Paul Rudd, Finn Wolfhard, Annie Potts, Emily Alyn Lind, Bill Murray, Ernie Hudson, Dan Aykroyd, Patton Oswalt, Kumail Nanjiani

“EL SUCESOR”. Regreso a la casa del padre.

F. Lorza

Empieza esta película con un bonito plano cenital en el que el público que asiste a un pase de moda forma una espiral, una especie de pequeño laberinto por el que desfilan las maniquíes con la última colección de Ellias Barnès, un prometedor y destacado modisto que se perfila como el sucesor del cabeza de la firma. Dos hechos terminan de arrancar la historia: un ataque de pánico de Ellias en forma de infarto (o al revés, no se sabe muy bien) y la muerte del padre que le obliga a viajar a Canadá para hacerse cargo de los bienes y del funeral. Ellias es un genio en su trabajo, pero un desastre en sus relaciones personales: es huraño, jamás sonríe, no tiene amigos y sus relaciones con las personas parecen exclusivamente profesionales; con su padre hace años que no se relaciona.

El viaje a Quebec se convierte en una metáfora de un viaje hacia sí mismo y, especialmente, a su miedo a parecerse a su padre, ¿los motivos? los descubriremos, a la vez que el protagonista, en la casa que ha dejado el difunto; y es que Ellias no solo será el sucesor de la firma de moda, también parece condenado a ser el sucesor de su padre… o al menos esa parece ser la intención del relato.

Legrand logra transmitirnos desde buen principio ese carácter difícil y algo malsano de su protagonista y, ante la aparente normalidad de lo que le rodea, se crea una atmósfera de incertidumbres y ocultaciones que no llegamos a vislumbrar con claridad. Todo bien, incluso excelente, si no fuera porque como espectador no se llega a entender la reacción del personaje ante lo que encuentra en su viaje, un comportamiento ilógico, sin justificación, que resulta básico para el desarrollo de la acción y el desencadenamiento de los acontecimientos; supongo que algo se ha quedado en el tintero, quizás en alguna página de la novela de Alexandre Postel en la que se basa o en la sala de montaje. La cuestión es que se hace difícil olvidar la falta y el personaje cae en picado cuando deberíamos acompañarlo en su personal viaje a los infiernos.

Queda una película que se estanca a las puertas del cine de intriga, incluso de las del terror, y que desaprovecha una excelente oportunidad (en maneras y contenido) para indagar en la violencia masculina y la herencia que los padres dejan (o endosan, más bien) a sus hijos. Una verdadera pena.

Estreno: 22 marzo 2024

Dirección: Xavier Legrand

Guion: Alexandre 

Reparto: Marc-André Grondin, Yves Jacques, Laetitia Isambert-Denis, Anne-Élisabeth Bossé, Blandine Bury, Vincent Leclerc, Louis Champagne, Mireille Naggar, Marie-France Lambert.

“ARNASA BETEAN. A PULMÓN”. Mujeres cineastas.

F. Lorza

Tres mujeres buceando en el mar, a pulmón, es la imagen recurrente (y una hermosa metáfora) de este documental que nos habla de mujeres cineastas vascas, desde veteranas pioneras en un espacio dominado por los hombres como Isabel Herguera (“El sueño de la sultana”), Arantxa Echevarría (“Chinas”) o Ana Díez (“Ander eta Yul”), hasta nuevos valores reconocidos como Alauda Ruiz de Azúa (“Cinco lobitos”), Estibaliz Urresola (“20.000 especies de abejas”), María Elorza (“A los libros y a las mujeres canto”). Todas ellas, como si fueran una única voz, nos hablan de sus películas, de sus miradas, de sus esfuerzos por salir adelante y sacar sus proyectos.

El documental combina las diferentes declaraciones (algunas a cámara, otras charlando entre ellas) con imágenes de sus películas y con las tomas de las buceadoras.

La película incide en temas que ya se han abordado en otras ocasiones y nos vuelve a dar las mismas conclusiones: la mujer, por el hecho de serlo, lo ha tenido siempre más difícil, la mujer aporta una nueva mirada y una nueva forma de hacer, y todavía queda mucho camino por recorrer hacia una sociedad plenamente igualitaria de oportunidades y derechos.

Queda un documental sincero, cuidado, hermoso por momentos, delicioso en esa combinación de castellano y euskera. Muy del tiempo en que nos movemos.

Estreno: 22 marzo 2024

Dirección: Bertha Gaztelumendi, Rosa Zufía

Guion: Bertha Gaztelumendi, Rosa Zufía

Documental

“AMERICAN FICTION”. Morir de éxito.

F. Lorza

Es esta una película más bien pequeña, de esas que se cuelan en las listas de los óscars casi por la puerta de atrás y que no suelen llevarse ningún galardón o, como es el caso, el de guion adaptado o alguno similar; de esas que no llegan a las salas de cine y se estrenan directamente en plataformas. Y es una pena, porque es una obra muy interesante, yo diría que muy redonda y muy por encima del nivel medio de buena parte de las premiadas.

Nos cuenta la historia de Moke, un talentoso escritor negro que, a pesar de la calidad de sus escritos, no consigue vender sus libros ni tener un mínimo de repercusión, ya que parece ser que no responde al prototipo de “escritor afroamericano” que se espera. Su carácter bronco y poco diplomático lo aparta temporalmente de la docencia, lo que unido a la muerte inesperada de su hermana y al alzhéimer creciente de su madre, le crean un panorama bastante complicado. Un poco por todo ello y en un arrebato de casi venganza, decide escribir una novela brutalmente irónica usando todos los tópicos y lugares comunes que se esperan de una novela “de negros” y que, sorprendentemente, acabará siendo un éxito de ventas con película y premio literario incluido.

Lo que podía haber sido una simple comedia sobre el éxito, es aquí una compleja y rica disección sobre aspectos más profundos e interesantes: la literatura como cultura (¡o no!), la industria editorial y sus negocios lucrativos, las relaciones familiares y sus complejas influencias, el papel del cine y la televisión, la soledad y el carácter asocial de los genios…

Para ello, Cord Jefferson y la novela de Percival Everett, aportan un personaje (genialmente encarnado por Jeffrey Wright) realmente intenso, sólido y en cierto modo encantador, y no se olvidan de lo importante y esencial que son todos los que le rodean: la madre y esa actitud tan práctica y contundente, el hermano que supone un elemento elegantemente disruptivo, la figura del padre que no vemos pero que siempre está presente, la mujer con la que inicia una relación y, en menor medida, la gente de los medios y las editoriales. Todo un mundo bien dibujado, con entidad y mucho trasfondo.

Queda una película sorprendente, de diálogos impecables, ritmo ágil y contenido intenso. Una pequeña joya para disfrutar, incluso en pantalla pequeña.

Disponible en Prime Video

Dirección: Cord Jefferson.

Guion: Cord Jefferson. Novela: Percival Everett

Reparto: Jeffrey Wright, Adam Brody, Tracee Ellis Ross, John Ortiz, Erika Alexander, Leslie Uggams, Sterling K. Brown, Keith David, Myra Lucretia Taylor, Issa Rae, Nicole Kempskie.

“HOW TO HAVE SEX”. Excesos y desconciertos.

F. Lorza

En la isla griega de Creta hay una ciudad costera llamada Malia que tiene un ambiente de jóvenes británicos de borrachera y sexo descontrolado igual que los de Magaluf, con una calle idéntica llena de bares, garitos y locales de comida rápida que amanece cada día como si hubiera habido un sunami. Esta película cuenta los días de vacaciones que tres chicas inglesas de 16-18 años pasan en la isla después de acabar el bachillerato y antes de empezar la universidad. Excepto el balconing, aquí se dan todos los ingredientes tópicos del fenómeno: descontrol absoluto de consumo alcohólico de forma compulsiva y sin límites, sexo ocasional sin demasiado miramientos y mucha música y discoteca.

El tema se podía haber orientado de mil maneras, pero Molly Manning Walker, en esta su ópera prima, opta por centrarse en un grupo de tres chicas que llegan a la isla con ganas de comerse el mundo, con el grito permanente en la boca, cierto descaro y una seguridad que pronto se desvanece. Enseguida la película se centra en una de las chicas del grupo, la Tara que interpreta Mia McKenna-Bruce, y a través de ella la directora nos plantea ese mundo de contrariedades, de falsas expectativas, de actitudes que son más ritos colectivos que opciones personales y, sobre todo, de esas frustraciones que se generan en un espacio carente de personalidad y que acaba siendo un sin sentido total. Lo mejor de todo es que la película ni juzga ni sentencia, no tiene ninguna intención moralista y se limita a plantear unas situaciones (que todos conocemos más o menos) y dejar que sean ellas las que encierren, constriñan, perturben y acaben hiriendo a una adolescente inexperta, desconcertada y, finalmente, tristemente insatisfecha.

Mia McKenna-Bruce hace una composición excelente de su personaje y logra transmitir sus anhelos, su incertidumbre y su dolor con apenas un gesto; la directora arma a su alrededor un aparato muy funcional, lleno de ritmo, música y fuerza, que sabe transmitir el ambiente denso, cargado, excesivo y un punto malsano en el que los jóvenes sobrepasan los límites casi más por obligación que por deseo propio. Quedan, eso sí, algo desdibujados los personajes que acompañan a la protagonista, especialmente el grupo con el que entablan más relación, y aunque las amigas tienen algo más de entidad, tanto unas como los otros, podían haber dado algo más de juego. Aún así, la película funciona como un reloj de precisión, nunca cae en el tópico ni en el terreno fácil del melodrama o la tragedia y, al final, la película se convierte en un retrato valiente, verídico y notable de la adolescencia que hemos creado entre todos. Es Grecia, pero podía ser perfectamente Mallorca o Gerona; son adolescentes ingleses, pero también podrían ser los de casa.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Molly Manning Walker

Guion: Molly Manning Walker

Reparto: Mia McKenna-Bruce, Lara Peake, Samuel Bottomley, Shaun Thomas, Enva Lewis, Laura Ambler, Daisy Jelley, Eilidh Loan.

“EL CASO GOLDMAN”. Ladrón sí, asesino no.

F. Lorza

 Es esta una de esas películas que te descubren (o te recuerdan) uno de esos personajes singulares, con página en la Wikipedia, pero bastante desconocidos. Se trata de Pierre Goldman, icono de la izquierda revolucionaria francesa, combatiente en la guerrilla en Venezuela, de familia de origen judeo-polaco y participante en tres atracos a mano armada. Acusado de asesinato de dos farmacéuticas y condenado a cadena perpetua, se revisó el juicio y fue absuelto de las muertes, no así de los atracos de los que siempre se declaró autor. La película es, literalmente, este segundo juicio.

Cédric Kahn podía haber optado por el formato del documental, pero lo hace por el de cine judicial en el más clásico sentido, sin apenas salir de la sala de vistas del tribunal que revisó la sentencia. La cinta se apunta de lleno al género y el protagonismo se lo llevan el presidente del tribunal, fiscal y abogado de la acusación, abogados defensores y, sobre todo, un potente e impresionante Arieh Worthalter dando vida al controvertido, irascible y extraordinario Goldman. Un film en el que los diálogos son constantes, intensos y fundamentales, y donde juega un papel esencial el carisma de un personaje complejo y atractivo.

A lo largo de las sesiones se van desgranando, por un lado, el pasado del personaje, sus problemas de salud mental, sus vinculaciones con la guerrilla… y, por otro lado, las irregularidades de la investigación policial, maniobras institucionales para endosarle las muertes, actitudes antisemitas y llenas de prejuicios y los funcionamientos de un sistema claramente racista.

Me ha parecido un acierto la fuerza con la que Goldman confiesa abiertamente unos delitos y se proclama inocente de otros de una manera tan visceral y tan “filosófica”; y es que nos alejamos de la figura del falso culpable para meternos en terrenos más pantanosos, más complejos y mucho más interesante.

El cine judicial puede ser farragoso, pesado y repetitivo. Pero esta película (como también lo era “Saint Omer. El pueblo contra Laurence Coly”, Alice Diop, 2022) es portentosa, intensa, arrolladora y muy interesante.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Cédric Kahn

Guion: Nathalie Hertzberg, Cédric Kahn

Reparto: Arieh Worthalter, Arthur Harari, Jeremy Lewin, Christian Mazucchini, Stéphan Guérin-Tillié, Aurélien Chaussade.

“TRATAMOS DEMASIADO BIEN A LAS MUJERES”. La novia ensangrentada.

F. Lorza

Es esta una ópera prima, pero no es la obra de una novata ya que Clara Bilbao es directora de vestuario, tiene tres goyas, ha realizado varios cortos y parece gozar de buena posición en el sector a juzgar por los actores que ha logrado reunir. Se trata de una película basada en la novela de Raymond Queneau pero en lugar de localizarse en Irlanda, lo hace en el Pirineo y en una época posterior a la Guerra Civil; se sigue a un grupo de maquis que huyen hacia Francia y que se ven acorralados en una estafeta de correos donde han retenido a varios rehenes, entre ellos una mujer que ha ido a buscar su traje de novia y que interpreta Carmen Machi.

Podría parecer una obra más sobre el conflicto, y en cierto modo lo es, pero también se plantea como una película diferente, tirando a inclasificable y, en cierto modo, transgresora. Opta la película por un tono coral en el que todo acaba girando alrededor de la figura de Remedios, la mujer que interpreta la Machi, huye del enfrentamiento bélico puro y duro y está más interesada en dibujar personajes variopintos y muy diversos que en retratar una situación de guerra. Así, la película se pasea por diferentes géneros sin que logre predominar ninguno: es una cinta bélica, sin duda, una comedia negra, tiene algunos puntos de suave humor tirando a surrealistas (tirando bastante hacia el cine de Cuerda) y, finalmente, un punto fantástico que funciona más para justificar un final diferente que como colofón de un relato.

Uno sale de la proyección con sensaciones algo contradictorias. Por un lado, me parece todo un acierto el dibujo de personajes, respaldados por unas interpretaciones excelentes (con semejante elenco…) y cada uno con una construcción propia y bastante ingeniosa (imagino que es mérito de una buena adaptación), y, a pesar de que no hay momentos muy relevantes, la narración no se estanca. Por otro lado, hay algo que la película no termina de lograr y que le impide coger el vuelo y la garra necesaria para ser una obra notable, y es que el guion no siempre está acertado y peca en algunos momentos de un cierto simplismo, y la película parece pedir a gritos centrarse en un tono más contundente, más intenso y más sorprendente; un giro potente y decidido hacia un fantástico más intenso, o hacia un enfrentamiento total de posiciones o personajes, o incluso hace un humor más absurdo y desgarrado, creo que le hubiera sentado muy bien.

Queda una película para ver con agrado, para dejarse llevar por unos personajes muy interesantes (genial el de Óscar Ladoire, por ejemplo) y disfrutar de una nueva directora a la que habrá que seguir la pista con atención.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Clara Bilbao

Guion: Miguel Barros. Novela: Raymond Queneau

Reparto: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Luis Tosar, Isak Férriz, Óscar Ladoire, Julián Villagrán, Diego Anido, Cris Iglesias.

“RADICAL”. Educar y salvar.

F. Lorza

Matamoros, Méjico, una ciudad en la frontera con Texas de alrededor de medio millón de habitantes. Estamos en 2011 y la violencia está siempre presente en las calles, junto a la pobreza y la miseria. Sergio, no se sabe muy bien porqué, ha pedido la plaza de maestro que ha quedado vacante en un colegio de primaria y está empeñado en cambiar de sistema: ante el silencio, la obediencia y la disciplina impuestas, él ofrece elección personal, explorar el potencial de los alumnos y trabajar lo que a ellos les interese. Y parece ser que ocurrió realmente y que profesor, alumnos y escuela existieron.

Hay en la película un tratamiento bastante simplista del hacer cotidiano en el aula (películas como “Sala de profesores” o “El maestro que prometió el mar” nos han acostumbrado a cosas mucho mejores y han dejado el listón muy alto) pero no creo que eso impida disfrutar de un personaje totalmente entregado a su profesión y a sus ideas. Además, Eugenio Derbez está magnífico como protagonista y, después de una primera parte un tanto peculiar donde uno se acuerda de Cantinflas, el personaje coge vuelo, fuerza y contenido y lo sentimos mucho más cercano, coherente y creíble. A destacar también el excelente trabajo de unos niños y niñas absolutamente geniales, capaces de transmitir verdadera emoción: Paloma y su genialidad escondida en una chabola junto al vertedero, Nico acechado por los grupos del narco como único futuro posible, o Lupe, una niña-mujer encantadora que cuida de sus hermanos pequeños como una madre. Es a través de estos personajes que la realidad se cuela en la película y le otorga la calidad de un drama social sin apenas concesiones y de algún asomo de optimismo para algunos de ellos.

Sostiene este profesor que los niños aprenden solos, lo mismo que clamaba el Antonio Benaiges de “El maestro que prometió el mar”, pero la película nos concluye que no pueden salvarse solos, que hay que sacarlos del abandono. Un film, sin duda, valioso.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Christopher Zalla

Guion: Christopher Zalla

Reparto: Eugenio Derbez, Jennifer Trejo, Daniel Haddad, Danilo Guardiola, Mía Fernanda Solis, Gilberto Barraza, Victor Estrada

“STELLA. VÍCTIMA Y CULPABLE”. Traición y supervivencia.

F. Lorza

 Stella Ingrid Goldschlag fue una judía alemana que durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para la Gestapo como “Greiferin” (capturadora), encargada de localizar judíos escondidos en Berlín que luego eran apresados y enviados a los campos. Hija de un periodista, director y compositor y de una concertista, la película nos la presenta, en sus escenas iniciales, como una joven entusiasta, solista en un grupo de música que toca swing y bastante despreocupada por la situación que los nazis han provocado en el país. Después vendrá un periodo de acoso y de condiciones de vida muy difíciles, la imposibilidad de salir de Alemania, los trabajos forzados en la fábrica de armas y su arresto y tortura, su encierro junto con sus padres en el campo de Grobe Hamburgue Strabe y su posterior conversión en “greiferin”; una parte final, algo presurosa, nos explica el juicio al que se le sometió después de pasar diez años prisionera en Rusia.

La película se centra casi exclusivamente en la figura de Stella, por lo que una rubia y luminosa Paula Beer está permanentemente en pantalla y su expresiva mirada logra matizar un personaje en el que, a pesar de las dos horas de metraje, no llegamos a profundizar. Y es que la cinta opta por un extraño montaje que provoca cierto desconcierto: buena parte de los acontecimientos (algunos demasiado importantes) se narran con demasiada celeridad, apresuradamente, en unos pocos planos que se amontonan y dejan caer la información a toda prisa y sin desarrollo; luego el relato se demora en determinadas escenas (la del bombardeo a la ciudad, las de la localización de los judíos…) que ocupan la mayor parte del metraje pero que no aportan demasiado. Así, uno tiene la sensación de que el ritmo se atasca o se acelera de forma arbitraria y, aunque la historia se sigue con normalidad, se pierde un poco el alma y la intensidad del relato. Uno echa de menos que, ante un planteamiento como este, no se haya profundizado más en ese personaje tan narcisista, tan ambiguo y que tanto juego podía haber dado a nivel histórico, moral, ético y humano; el eterno dilema de hasta donde se está dispuesto a llegar para sobrevivir o el de la culpa, están presentes pero, sin duda, faltos de desarrollo; la dualidad de víctima y verdugo en un personaje como este daba para mucho más.

Queda una película que se ve con agrado, soportada por una actriz impecable, con una bonita ambientación y algunas escenas dignas de ser recordadas: la citada del bombardeo, las primeras escenas del grupo musical, la de la tortura a Stella tras ser detenida… y otras claramente fallidas (la relación con el oficial nazi al que atacan, las del encierro con los padres…). Una película interesante para descubrir al personaje pero que poco o nada aporta a lo que ya conocemos sobre nazismo, IIGM y holocausto. 

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Kilian Riedhof

Guion: Marc Blöbaum, Jan Braren, Kilian Riedhof

Reparto: Paula Beer, Jannis Niewöhner, Katja Riemann, Joel Basman, Maeve Metelka, Nadja Sabersky, Julia Anna Grob.

“EL CLAN DE HIERRO”. Familia y lucha libre.

F. Lorza

Es esta una de esas películas basadas en hechos reales, con foto final de los personajes verdaderos incluida, que nos cuenta la historia de una familia tejana, los Von Erich, que fueron toda una institución en el mundo de la lucha libre de los años 70 y 80.

Lo de la lucha libre, por estas latitudes nos pilla un poco lejano, pero en USA es un espectáculo muy arraigado y que mueve masas de gente y de dinero, entre otras cosas porque esas peleas acordadas y coreografiadas de antemano son un espectáculo que encaja con aquella cultura pero muy poco con la nuestra. A esto, añadamos una familia muy tradicional: padre autoritario que decide sin posibilidad de crítica, religiosidad incuestionable (aunque aquí se reduzca a un plano de un crucifijo en la pared, un par de frases de la madre y alguna escena de iglesia), familias numerosas con fuertes y estrechos lazos de unión, y esa obsesión tan yanqui por el triunfo y por ser número uno (ser el segundo ya nos es triunfar, y así les va).

Así, la película se centra en la carrera deportivo-profesional de los cuatro hijos de la familia y, sobre todo, en esa especie de maldición que parecen padecer y que convierte la historia en una verdadera y creciente tragedia.

Quizás la historia se hubiera podido narrar en menos tiempo (los 130 minutos de metraje son demasiado minutos) pero el conjunto funciona bastante bien y todo va evolucionando con bastante fluidez. Del protagonismo del padre y unos hijos entrando en el mundo de la lucha, pasamos a una larga época de intentar progresar profesionalmente por parte de cada uno de los hermanos, hasta que el tono trágico se apodera plenamente del relato, el hermano mayor queda como protagonista y la película parece salir de esa espiral malsana.

Un producto bien cuidado que mima el montaje de las escenas de lucha y los rostros en las familiares; de diálogos bien construidos y unas interpretaciones impecables que dan verosimilitud y potencia a un relato sobre la familia, el patriarcado y la fe (no necesariamente religiosa) como motor de vida. Intensa.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Sean Durkin

Guion: Sean Durkin

Reparto: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Lily James, Holt McCallany, Maura Tierney, Stanley Simons, Michael Harney, Scott Innes, Kevin Anton, Chavo Guerrero Jr.

“NUESTRO ÚLTIMO BAILE”. Asumir lo emprendido.

F. Lorza

Es esta una película sencilla, agradable, de esas que no hacen historia ni despuntan entre la producción anual, pero que dejan un sabor agradable y esa sensación, siempre bienvenida, de producto bien elaborado, simpático e incluso entrañable.

Nos cuenta la historia de Germain, un hombre mayor ya jubilado que pierde a su mujer repentinamente y que, siguiendo el acuerdo que tenían, decide continuar el proyecto que ella había iniciado con muchísima ilusión: bailar en un espectáculo de danza contemporánea dirigido por La Ribot con bailarines profesionales y amateurs. El grupo acepta a Germain en el montaje, a pesar de su edad y de sus escasas cualidades y él lo mantiene en secreto frente a sus hijos y nietos creyendo que, en su afán por atenderlo hasta la extenuación, no le permitirán que dedique su tiempo y esfuerzo a los ensayos y preparativos.

La película se mueve en un terreno de comedia amable, de buen rollo, donde no hay gente mala ni situaciones trágicas, y tampoco parece interesarle echar mano de un humor de contrastes o de trazo grueso. Así, el duelo se convierte en algo etéreo, casi melancólico, que es sustituido por un intento de realizar un sueño ajeno y por el aprendizaje del control de los sentimientos entre bambalinas y gente recién descubierta. Por otro lado, se nos dibuja una familia que está a punto de caer en la caricatura pero que, debido a un tratamiento bastante superficial, no acaba de caer en ella (a excepción, quizás, de la vecina que le proporciona cantidades ingentes de comida diaria). Lo mismo pasa con la joven a la que ayuda con las tareas del colegio, un personaje que tiene su puntito pero que podía haber dado bastante más juego.

Al final, la cinta se aguanta en una magnífica interpretación de François Berléand en el papel de Germain, una puesta en escena sencilla pero funcional y efectiva (marca de la casa del cine francés), y un guion que no se complica demasiado pero que logra construir un relato dulce, encantador y muy agradable. La Ribot también tiene su puntito.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Delphine Lehericey

Guion: Delphine Lehericey

Reparto: François Berléand, Kacey Mottet Klein, La Ribot, Déborah Lukumuena, Jean-Benoît Ugeux, Astrid Whettnall.

“IMAGINARY”. Ositos y arañas.

F. Lorza

Hay algo muy perturbador en utilizar aquello que se ha concebido para ser tierno, divertido y achuchable para provocar el miedo y el desasosiego; me refiero, claro está, a los peluches, a los payasos, a lo infantil. “Imaginary” se apunta al cine de terror (aunque la verdad es que no da miedo) a partir de un osito de peluche y la encarnación de un amigo invisible bastante despiadado que, en un momento de la película, se identifica con el “coco” de la cultura latina y otras imaginarias de culturas diversas.

Arranca la película con todos los tópicos del género: familia que intenta reestructurarse, mudanza a casa nueva que esconde algo, osito de peluche encarnando el mal, padre que tiene que ausentarse, madrastra (buena, en este caso) que se queda sola con las niñas, e incluso abuela con presencia enigmática tras la ventana. Así, la primera hora es un cúmulo de lugares comunes y situaciones previsibles que más bien poco aportan; luego, una vez que “el mal” se materializa, llega una segunda hora cargada de explicaciones (sobre todo por parte de la señora mayor y algunas cosas que descubre la protagonista) y lo que parece querer ser el plato fuerte de la función: un viaje al universo de esos amigos invisibles/cocos que dominan la imaginación y la creatividad de los niños, un universo al que se accede (¡cómo no!) por una puerta en el sótano y que se conforma como un laberinto de pasillos y puertas, digamos, mágicas. El hallazgo visual es interesante y sustenta esa larga escena de acción final con la típica lucha entre el bien y el mal; aunque, finalmente, todo lo que se apuntaba sobre universos malsanos, fobias y miedos infantiles, o criaturas que se alimentan del ingenio y la creatividad, se queda en una mera excusa visual que no nos lleva ni va a ninguna parte. Inútil, por otra parte, reclamar coherencia a algo destinado a incomodarnos para luego solucionar la papeleta con el obligado final feliz.

En fin, lo dicho, que no da miedo y perturba más bien poco, pero es un producto bien facturado que te tiene pendiente del relato aunque solo sea por ver como se las apañan las chicas para salir airosas.

Estreno: 15 marzo 2024

Dirección: Jeff Wadlow

Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow

Reparto: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegan Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón, Betty Buckley

“DAMSEL”. Dragones y princesas.

F. Lorza

Parece ser que el cambio ha llegado para quedarse: las mujeres, y con ellas las damiselas de los cuentos, ya no necesitan al caballero valeroso que las salve y, como es el caso, se las apañan solitas para salir del atolladero.

Fresnadillo, que nos maravilló con su excelente “28 semanas después” (2007), tras algunos trabajos bastante anodinos al otro lado del océano, la emprende con una producción para Netflix que arranca con todos los tópicos y las estéticas de las películas épicas de mujeres apresadas, reinos en peligro y monstruo amenazador. La diferencia está en que Elodie, la princesa en el laberinto del monstruo, es ahora una mujer independiente, con criterio propio y que tiene claro que la salvación depende de ella misma. No es que la película sea un tratado sobre el nuevo rol de las féminas en el género, pero sí que el planteamiento le otorga una actualización y un giro que le sientan muy bien.

Pero, sobre todo, “Damsel” es una película de aventuras, de cuidada producción, que sabe aprovechar decorados, vestuario y espacios, y que está narrado con pulso firme, con mucha garra y un ritmo que nunca decae. Fresnadillo sabe lo que se hace y cumple con sobresaliente su función de buen artesano y saca buen provecho de sus dos ejes principales: una protagonista que no se rinde y un dragón digno del mejor fantástico; los demás se quedan algo esquemáticos (la madre que interpreta Angela Basset, el padre o la hermana) o no logran superar el típico personaje malvado necesario para avanzar la trama (la reina que interpreta Robin Wright y su hijo) pero aún así, la película funciona bien y resulta un entretenimiento en toda regla, fácil de ver y disfrutar (también fácil de olvidar) y que hubiera valido la pena visionar en pantalla grande, de sala de cine, donde se podría haber disfrutado realmente del espectáculo de fuegos de artificio que la película propone y del cuento de hadas (princesas, quiero decir) que sabe que, a pesar de todo, sigue siendo.

Disponible en Netflix

Dirección: Juan Carlos Fresnadillo

Guion: Dan Mazeau

Reparto: Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Nick Robinson, Shohreh Aghdashloo, Angela Bassett, Robin Wright.

“STOP MAKING SENSE”. Recuperar los Talking Heads.

F. Lorza

 Era 1984, nada de digital ni de equipos ligeros de filmación, Jonathan Demme rodaba en cuatro noches y con siete cámaras el documental que es más bien un concierto ya que no hay ni voz en off, ni entrevistas, ni informaciones adicionales… solamente un tema tras otro de los Talking Heads, nada más y nada menos.

Hay quien dice que hubo un antes y un después de esta película en lo referente a los conciertos filmados y la verdad es que, cuarenta años después, sigue siendo todo un espectáculo. La película va al grano, a la música, y no se pierde en otras cuestiones, la energía y la potencia de David Byrne es el eje y base de lo que vemos y oímos y termina arrastrándonos con él en un viaje musical único. La puesta en escena y el montaje son aparentemente sencillos pero muy funcionales y efectivos: resulta todo un acierto arrancar con un primer tema con Byrne solo en el escenario desnudo con una guitarra y un radiocasete, para añadir el bajo en el segundo tema, la percusión en el tercero y el resto de músicos y voces en los siguientes, a la vez que se va armando el escenario y las proyecciones en pantallas del fondo; Demme consigue que parezca sencillo algo que, sin duda, necesitó de una planificación exhaustiva, milimétrica.

Como ya viene siendo habitual, la remasterización es impecable y se ve y se oye de maravilla (en sala de cine, se entiende). Sí se echan en falta los subtítulos de las canciones que ayudarían a entender, además de sentir, a los que no nos llega el conocimiento del idioma.

Quedan 88 minutos arrolladores, imparables, deliciosos, para disfrutarlos incluso (como es mi caso) si no eres muy fan de los Talking Heads.

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Jonathan Demme

Guion: Jonathan Demme

Documental

“LA BESTIA EN LA JUNGLA”. Algo va a pasar.

F. Lorza

 Adaptación libre del libro de Henry James, es una historia que transcurre durante 25 años en una discoteca (inicialmente sin nombre y luego con el del título del libro y de la película) donde un hombre y una mujer (May y John), que se conocieron años antes en una fiesta de verano, coinciden cada sábado y esperan, sin hacer nada, algo que pasará, que cambiará radicalmente sus vidas y que no saben qué es pero que él está convencido que va a ocurrir y que ha sido elegido para ello. Alrededor de estos personajes, los amigos y la pareja de ella, una portera-fisonomista y un vigilante de los baños bastante lynchnianos, y una atractiva guardarropa. Todos en medio de continuos bailes tirando a lisérgicos que suponen un verdadero compendio de la música disco en más de dos décadas, vestuarios de lo más variado de acuerdo con cada época musical (excepto el de John, que siempre va con la misma y anodina ropa) y una banda sonora que logra unificar y dar viveza al relato.

Lo mejor, sin duda, la presencia de Anaïs Demoustier que encarna a una May absolutamente hipnotizadora y que logra matizar un personaje cuyas motivaciones están en la parte menos visible. Por el contrario, cuesta aceptar a un personaje como John, interpretado por un Tom Mercier demasiado rígido, quizás por exigencia del propio papel, pero al que se le podía haber dotado de algo más de sutileza, sugerencia y magnetismo. Funciona muy bien, ya digo, la banda sonora y la ambientación en el interior de la sala donde transcurre la casi totalidad del metraje y la película ofrece momentos realmente intensos y una atmósfera casi onírica y de rítmica irrealidad muy atrayente.

Pero, no queriendo desvelar ni concretar aquello que ha de ocurrir y que motiva a los protagonistas, se corre el peligro de no llegar a descifrar/interpretar el secreto y acabar sin saber a donde quiere llevarnos la película y qué esperan con tanta trascendencia John y Mary. Así, la película puede llegar a resultar repetitiva, demasiado críptica y quedarse en relato sin demasiado sentido; la intensidad de lo narrado y la magia resultante depende pues, de la capacidad del espectador para entrar en el juego e interpretar sus señales.

Una película ambiciosa, diferente y, para quien esto suscribe, incompleta.

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Patric Chiha

Guion: Patric Chiha, Jihane Chouaib, Axelle Ropert. Novela: Henry James

Reparto: Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer, Sophie Demeyer, Pedro Cabanas, Mara Taquin, Bachir Tlili

“LA EXTORSIÓN”. La maleta del piloto.

F. Lorza

Es esta una película de lo más convencional, una historia que se ajusta a las necesidades del relato y echa mano del cine de suspense y el de personaje sin culpa acorralado por fuerzas superiores. Aquí, el susodicho es un piloto de aviación civil argentina, comandante de vuelo veterano, referente de sus colegas que, un buen día, recibe la visita de unos agentes de Inteligencia Nacional (o al menos eso dicen ellos) que lo extorsionan para que lleve maletas, de contenido desconocido, hasta Madrid. Como es de esperar, la cosa se va complicando, la encerrona es cada vez más peligrosa y el asunto se llega a hacer casi insostenible hasta que… lo dicho, todo bastante convencional.

La película ofrece una primera parte bastante interesante, sobre todo porque la presencia de Guillermo Francella (en la piel de Alejandro, el piloto extorsionado) dota al personaje de encanto y credibilidad y porque el resto de actores hacen lo propio: Andrea Frigerio como la esposa de Alejandro con una presencia muy potente, Pablo Rago como un excelente y maquiavélico Saavedra, o un inmenso Carlos Portaluppi como el director de la policía portuaria. Como es habitual en el cine argentino, los diálogos son impecables, ligeros, contundentes y precisos, y la planificación acompaña con efectividad la narrativa.

Tras una primera parte realmente apetecible, la película quiere convertirse en un thriller intenso pero no logra generar el ritmo y la intensidad que el giro necesitaba; aunque todo parece estar en su sitio, hay demasiada corrección en el planteamiento, la película no remonta y uno no termina de entrar en ese juego del gato y el ratón que se propone y que podía (debía) haber sido mucho más vivo y delirante.

Queda una película correcta, entretenida, de esas en las que los poderosos, finalmente, siempre siguen con sus dominios y sus negocios a pesar de los pequeños logros conseguidos contra ellos. Se agradece, eso sí, no caer en el final fácil y edulcorado.

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Martino Zaidelis

Guion: Emanuel Diez

Reparto: Guillermo Francella, Pablo Rago, Andrea Frigerio, Alberto Ajaka, Guillermo Arengo, Carlos Portaluppi, Mónica Villa

“KUNG FU PANDA 4”. Dar caña.

F. Lorza

Al igual que buena parte de la gente que conozco, recuerdo haber disfrutado con el sencillo encanto de los personajes de la primera entrega, tengo un recuerdo más bien borroso de una segunda parte algo menos interesante, no he visto la tercera y acudo a ver esta cuarta con las perspectivas bastante bajas.

En esta ocasión Po, ya consolidado como Guerrero del Dragón, deberá buscar un sustituto porque él ha de convertirse en el líder espiritual del Valle de la Paz. Pero la aparición de la malvada Camaleona le llevará a vivir su última aventura. Además de esta nueva villana, la película introduce otro personaje femenino, la zorrita Zhen, una ladrona que se convertirá en su compañera y la causa de los principales giros de la trama.

Como ya todo el mundo conoce a los personajes, y los nuevos funcionan más como motor de la trama que como personajes con entidad propia, la película se dedica a engarzar una escena de luchas tras otra salpicadas levemente por algunos momentos, pocos, en los que parece querer recuperar el tono y el humor de los primeros títulos. Así, asistimos a un eterno recital de piruetas, llaves de kung-fu, golpes, caídas, persecuciones, vuelos y algún que otro toque de magia y brujería con sus respectivos destellos luminosos, o sea, un Po con más ganas de dar caña que de repartir proverbios.

La animación, claro está, es técnicamente impecable y el montaje rápido y abrumador, el colorido impresionante y los decorados preciosos. Pero cuando uno lleva una hora de enfrentamientos y luchas, está deseando que la película se calme y el guion nos ofrezca algo más calmado, interesante y novedoso. Afortunadamente la cinta dura unos ajustados 94 minutos y se acaba antes de que la saturación llegue a niveles nocivos.

En las voces originales encontramos a Jack Black (Po), Awkwafina (Zhen), Viola Davis (La Camaleona) e incluso Dustin Hoffman (Shifu) y la verdad es que suenan bien, pero casi que recomendaría (sin que sirva de precedente) visionarla en versión doblada con la voz de Florentino Fernández a la cabeza y disfrutar del color y del movimiento.

Por último, no sé yo si es una película muy apropiada para los más pequeños, es posible que más de uno termine algo acelerado y con ganas de hacerle un par de llaves a su osito o a su hermano/a.

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Mike Mitchell, Stephanie Stine

Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger

Animación

“POR TUS MUERTOS”. Los rockeros nunca mueren.

F. Lorza

 Sayago Ayuso es uno de esos rostros que nos resulta muy familiar, que relacionamos con los programas de sketches de José Mota (sobre todo los de fin de año y similares) pero al que difícilmente ponemos nombre. Ahora presenta su primera película (codirigió la serie de TV “Chic-cas” en 2012) en la que participan también Marta Belenguer y José Mota, supongo que a estas alturas compañeros y amigos.

La historia nos habla de un grupo de rock de los 80, los “Metralla”, que se disolvió justo antes de su despegue hacia el éxito y al que, treinta años después, le ofrecen subirse de nuevo al escenario por una cantidad respetable y la posibilidad de un contrato para el guitarrista y ex líder del grupo, Miguel (José Mota).

Un arranque bastante prometedor nos ofrece, en formato de falso documental, unas pinceladas sobre el grupo musical para luego iniciar la búsqueda de todos los componentes por parte de Miguel. Hay una segunda parte que tira hacia la road-movie, con furgoneta incluida, y un final de historia en lo que, se suponía, iba a ser el concierto de marras.

El problema de la película es que personajes y situaciones funcionan bien sobre el papel, pero en pantalla todo resulta forzado, falto de dinámica e incluso torpe; cada fundido a negro es un salto inexplicable que te lleva a una situación nueva y arbitraria, por puro capricho de un guion empeñado en encontrar la situación graciosa y poco más. Hay también, creo yo, un problema de casting (difícil creerse a Marta Belenguer como ex dura rockera o a Mota en un papel “serio” con pinta de Fito Cabrales), de dirección de actores (todos ellos demasiado de comedia televisiva) y una falta total de inconsistencia en unas criaturas que, se supone, tienen un pasado musical salvaje y pasado de rosca pero que (a excepción del batería que encarna Jorge Sanz) ni asoma ni se le espera.

Queda una película que, posiblemente, mucha gente encuentre divertida, pero a quien esto suscribe no le ha logrado sacar apenas un par de sonrisas, con personajes dispares y poco trabajados, situaciones sin encanto, actuaciones forzadas y un montaje torpe a base de bloques que no terminan de fluir entre ellos. Es posible que sea yo y mi sentido del humor, y probablemente la película funcione como lo hacen esas comedias que copan las taquillas, pero a mí me ha parecido una película sin alma, tontorrona, con poca gracia y sin música (de espíritu musical, ni hablamos).

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Sayago Ayuso

Guion: Sayago Ayuso, Paco Mateo, Juanjo Ramírez

Reparto: José Mota, Jorge Sanz, Marta Belenguer, Carles Francino

“ZARATA”. Reflexionando.

F. Lorza

Es esta una de esas películas pequeñas, independientes y que hacen bandera de su independencia, de su bajo presupuesto y de su no alineación con el cine comercial, una obra pretendidamente diferente.

La película arranca con un primer plano de un caballo, un plano más abierto de unas caballerizas y otro del cajón de salida del hipódromo de Lasarte, sobre las imágenes la voz en off de un cineasta haciendo referencia a lo que hay que “colocar” en un guion para recibir subvenciones, de lo que él quiere hablar en su película y de la posibilidad de tener relaciones con algunas mujeres gracias a la película. En blanco y negro, con un formato 2:35, 60 minutos de duración, mucha voz en off, mucho plano fijo y largos planos secuencias, la película ofrece conversaciones telefónicas sobre el amor y el sexo, paseos sobre un puente, una cámara instalada en el salpicadero de un coche por una carretera de montaña, o un actor ensayando el papel de director entre otras cosas de no fácil interpretación y de dudoso engarce lógico. Al final, un discurso bastante curioso sobre las relaciones de dominación, las sexuales, la creación de un guion o de una película y, sobre todo, una reflexión sobre ese ruido que da título al film que, en ocasiones, no deja oír lo que los personajes dicen y que siempre acompaña (a decir de la voz) el proceso de creación de un film. Al final del metraje, la directora rompe la cuarta pared y, junto a su mesa de montaje, se dirige a cámara para plantearnos sus congojas y preocupaciones.

Una película, sin duda, a contracorriente que se puede ver como un ejercicio de propuesta innovador o, simplemente, como una impostura con aires de obra independiente. Al final, todo queda en la posibilidad de que el espectador le encuentre sentido a la propuesta y acepte esta reflexión sobre el ruido y el discurso cinematográfico y los dardos lanzados contra las jerarquías en el cine, el #metoo de estas latitudes o el sistema de subvenciones. Peligroso recomendarla, pero interesante su visionado.

Estreno: 8 marzo 2024

Dirección: Tamara García Iglesias

Guion: Tamara García Iglesias

Reparto: Ainara Gurrutxaga, Erika Olaizola, Javier Barandiaran

“NEGU HURBILAK”. La espera.

F. Lorza

Firma esta película el Colectivo Negu (invierno en euskera), compuesto por la actriz Jone Laspiur y los cuatro jóvenes que dirigen el film, tres compañeros de carrera de la SCAC al que se unió un actor de uno de sus cortos; uno de esos grupos que la amistad y las circunstancias les une y les brinda la oportunidad de trabajar juntos. Y la sintonía debe ser buena, a juzgar por el resultado.

“Negu hurbilak” es un documental ficcionado o una ficción-documental, según se mire, en el que todo gira alrededor de un pequeño pueblo del norte de Navarra (Zubieta en concreto) junto a la frontera francesa, donde una joven (se supone que de ETA, aunque no se dice en ningún momento) en los días de la proclama del alto el fuego definitivo de la banda, espera en la clandestinidad poder cruzar la frontera.

La película opta por un ritmo lento, contemplativo, en el que prácticamente no pasa nada y se combinan imágenes fijas con planos enmarcados por paredes y puertas y suaves travellings que, en realidad, no van a ningún sitio, como la protagonista. Así, la montaña, sus laderas, la niebla, el bosque, algún árbol solitario, el rebaño, las calles del pueblo con la serrería y el grupo de chicas jugando a pelota, son tan protagonistas como la joven que espera.

No hay en todo el metraje ni un solo diálogo explicativo y las escasas conversaciones son escuetas, cotidianas, sin aparente trascendencia, incluso las que mantienen las personas de las casas en las que se esconde; todo queda de fondo: el conflicto, la huida y sus causas, el problema político, ETA… Un extraño magnetismo y una bonita melancolía dominan este no-relato encerrado en rústicos y sombríos interiores y asomado a la claridad exterior de puertas y ventanas que nunca se cruzan.

Finalmente aparecen los carnavales (los propios de Zubieta e Iturren que se celebran la última semana de enero). La verdad es que la fiesta, la tradición, irrumpe un poco a saco y uno no sabe muy bien cual es su relación con la historia que se nos cuenta; pero, después de la espera, las imágenes (ahora sí, puro documento) resultan un estimulante epílogo.

Una película para acomodarse frente a la pantalla, sin prisas, y dejarse llevar.

Estreno: 23 febrero 2024

Dirección: Colectivo Negu

Guion: Ekain Albite, Mikel Ibarguren, Nicolau Mallofré, Xalba Ramirez, Adrià Roca

Reparto: Jone Laspiur

“POLÍTICAMENTE INCORRECTOS”. Comedia polarizada.

F. Lorza

Después de la valiosa “Chinas” (2023), Arantxa Echevarría vuelve a la comedia de opuestos que ya abordó en “La familia perfecta” (2021) y lo hace también con la misma escritura de trazo grueso y volviendo a demostrar que la sutileza no es lo suyo. Si en aquella eran dos familias de clases diferentes, una obrera y a otra de alta burguesía, unidas por la futura boda de sus hijos, aquí los opuestos son dos jóvenes de partidos políticos diferentes, una de Nueva Izquierda y el otro de España Liberal, que coinciden en la campaña de elecciones, pasan a formar parte de la lista electoral y se encuentran formando cada uno parte de los polos políticamente opuestos pero atraídos sentimentalmente.

Así, la película hay que verla desde dos puntos de vista diferentes: 1) como comedia de enredo, de esas que usan el “ni contigo, ni sin ti” como eje principal, aportan más bien poco y, aunque tiene algunos momentos divertidos y algunas ocurrencias ingeniosas, no pasa de ser un producto al uso ya visto, con demasiados estereotipos y personajes demasiado planos o, simplemente caricaturescos. Y 2) como ironía política o reflejo de una sociedad como la nuestra, se agradece el intento de dibujar esa polarización tan en candelero, pero las “figuras políticas” y los mecanismos de campaña que se ofrecen no van más allá de la excusa para el enfrentamiento, el avance de la narración y la justificación de la historia. Elena Irureta aún tiene cierta gracia con un personaje fácilmente identificable, pero Gonzalo de Castro y su equipo son pura caricatura, yo diría que incluso torpe. Lo mejor, en este aspecto, Las pullas que meten los periodistas desde esa masa de informadores que cubre la campaña.

Queda una película entretenida, con algún momento gracioso, que podría haber dado mucho más de sí y que, posiblemente sea fiel reflejo del nivel de calidad que tiene hoy nuestra política y la forma de entenderla por parte de la ciudadanía. Lo pienso bien y veo que, con la risa, me resulta preocupante y bastante penoso (la situación, digo); uno no sabe si el vacío de contenido del discurso político (tres palabras y cuatro trajes folclóricos para la derecha, una pretendida postura ecológica para la izquierda) es parte del gag de comedia, crítica a la actualidad o simplemente reflejo de lo que hay. Triste, de cualquier manera.

Estreno: 23 febrero 2024

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Olatz Arroyo

Reparto: Adriana Torrebejano, Juanlu González, Gonzalo de Castro, María Hervás, Elena Irureta, Pepa Aniorte, Raúl Cimas

“GUARDIANES DEL MUSEO”. Roedores de arte.

F. Lorza

Es esta una película de animación que, bien por querer dirigirse a un público infantil, bien por intentar explotar el buen rollo y las buenas intenciones, se queda en un terreno en el que no acaba de aprovechar sus potencialidades. Sorprende que, siendo un guion escrito a ocho manos, no se despegue del tópico, del terreno trillado y de la trama más bien previsible; imagino, sin embargo, que esto poco o nada importará a los espectadores más pequeños.

Centrado en la aventura de un gato y un ratón que acaban en el Hermitage, el gato pasando a formar parte de los legendarios guardianes del museo (un grupo de felinos que existe realmente en el museo) y el ratón intentando comerse la Mona Lisa. La cosa arranca con un dinámico y atractivo prólogo en una pequeña isla y acaba con el típico mensaje de salvar las diferencias, entendernos unos a otros y la colaboración como clave para superar las dificultades.

La animación está bien, se ve que se han dedicado esfuerzos al movimiento de los personajes y a las texturas de los pelajes, pero el doblaje es bastante desastroso y arruina una película que, en la versión original, funciona bastante bien.

Sorprende que en estos tiempos en los que se pone tanto cuidado y énfasis en los roles de género, la película adopte un modelo demasiado caduco en el que solo hay papeles masculinos y el único femenino sea el de la chica (la gatita en este caso) guapa que enamora al protagonista y cuya única función es contonearse y ser salvada.

Queda una película que se ve con facilidad y que aguanta a base de escenas dinámicas, un humor ligero y sencillo y una trama sin sobresaltos que no pierde demasiado el tiempo. Imagino que a los pequeños les gustará su colorido y su ritmo y los adultos saldrán con esa idea de que la experiencia no ha sido un sacrificio.

Estreno: 23 febrero 2024

Dirección: Vasiliy Rovenskiy

Guion: Elvira Bushtets, Fyodor Derevyanskiy, Vasiliy Rovenskiy, Gerry Swallow

Animación

“PRISCILLA”. La chica del Rey.

F. Lorza

la autora de “Lost in translation” o “Las vírgenes suicidas” (por citar las dos que más me gustan de su filmografía) aborda un biopic donde la figura conocida es Elvis Presley pero el foco de atención permanente es Priscilla Beaulieu, la chica del cantante, y su noviazgo que empezó cuando ella tenía 14 años, en una base militar de Alemania Occidental, se convirtió en matrimonio siete años después y, tras una turbulenta relación acabaría en divorcio en 1973. La película está basada en las memorias “Elvis and me” escrita por Priscilla y publicadas en 1985, es por tanto el punto de vista femenino (el de Priscilla y el de Coppola) el que marca la narrativa y el interés.

Coppola emplea una caligrafía impecable, como ya hiciera en “El seductor” o en “María Antonieta” y dota al relato de un elegante clasicismo y una atractiva puesta en escena. También se apoya en una excelente interpretación de Cailee Spaeny, en el papel protagonista, que sabe comunicar con naturalidad la fragilidad e inmadurez inicial de su personaje y ese proceso de dependencia, encandilamiento y posterior maduración e independencia. La base es ese papel femenino, que se ve orbitando exclusivamente alrededor de su pareja, en una anulación casi total en la que predomina el modelo de mujer que él impone y la jaula de oro que acaba siendo la mansión de Graceland.

Coppola parece hacer esfuerzos por no caer en los tópicos del género y rehúye cualquier atisbo de dramatismo o exaltación de la figura de Elvis, como figura popular y como persona. Así, se le dibuja como un devorador que no levanta la voz, que la trata con mimo pero que, finalmente, solo pretende crear un modelo de mujer a su medida sin renunciar a todo que él tiene y disfruta más allá de Graceland. Es curioso que no se oiga música de Presley, parece ser que no consiguieron los derechos, lo que acrecienta esa focalización en Priscilla y hace el personaje de él más etéreo y, en consecuencia, más diabólico.

Yo diría que la apuesta, aunque interesante, no le sale del todo bien a la directora. Aunque es una película delicada y muy bien planteada (marca de la casa), le falta la dureza y la hondura que uno espera de una historia como esta, y el espectador (al menos quien esto suscribe) se siente demasiado ajeno a lo que ocurre en pantalla y sin posibilidad de participar plenamente en las sensaciones con que se juega. Aunque posiblemente sea solo un problema de perspectiva y haya que darle a la cinta una segunda visión en busca de otras sensibilidades.

Así, en este primer visionado, la película se queda en terreno de nadie, el mensaje femenino no acaba de llegar con fuerza y el drama se escapa tras unos fotogramas hermosos demasiado perfectos. Una película que, sin embargo, se te queda en la memoria y te deja un poso intenso, algo difícil de definir y misteriosamente potente.

Estreno: 14 febrero 2024

Dirección: Sofia Coppola

Guion: Sofia Coppola. Memorias: Priscilla Presley

Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Emily Mitchell, Deanna Jarvis, R Austin Ball, Luke Humphrey, Jorja Cadence, Ari Cohen

“BOB MARLEY: ONE LOVE”. Música y mensaje.

F. Lorza

Más que un biopic, es esta película un intento de capturar el porqué de una música, de un estilo, de una reivindicación, de un personaje que dedicó su vida y su obra a proclamar un mensaje de vida. De esta manera, los datos biográficos en sí parecen quedar en un segundo plano y se tiende a centrarse en los ideales, en sus sentimientos y en sus frustraciones. En este sentido, me parece que la opción de Ben-Adir como protagonista no es un buen acierto: demasiado guapo, demasiado rígido y falto de ese puntito de expresividad que nos permita indagar en su interior; al contrario de lo que ocurre con Lashana Lynch y su papel como Rita Marley que, a pesar de lo poco que la profundiza el guion, sí que compartimos con ella sus penurias.

Lo mejor, sin duda, el aprovechamiento que hace el film de las canciones de Marley y, por supuesto, de sus letras, tanto las que escuchamos (y disfrutamos) en conciertos y grabaciones, como las que toca y canta en grupos de amigos, familiares o tremendamente solo. Uno tiene la agradable impresión de que hay mucho más contenido y esencia en esas letras que en las imágenes. Sirve también la película como producto didáctico para descubrir algunos aspectos de un músico esencial (los más oscuros y escabrosos hay que buscarlos en otra parte) y recuperar algunos temas que no acostumbran a estar en los “The best of…”. Y por supuesto darlo a conocer a aquellos que todavía no lo han descubierto que, imagino, los habrá.

Queda una película muy viva, enérgica, quizás algo dispersa y un poco repetitiva, pero de un dinamismo contagioso, ambientaciones muy logradas y esa música que aporta un mensaje de unión (más que de igualdad, como dice el autor) y de paz hoy más necesario que nunca. Una hagiografía apadrinada por la familia del cantante que nada nos dice de su enorme y dispersa prole de hijos, sus devanes con las drogas u otros aspectos conflictivos; se trata, pues, de su música y de su mensaje, sus luces sin sus sombras.

Estreno: 14 febrero 2024

Dirección: Reinaldo Marcus Green

Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin.

Reparto: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Anthony Welsh, Michael Gandolfini, Umi Myers.

“BUSCANDO A COQUE”. La pareja y el ídolo.

F. Lorza

Si esta fuera una película yanqui, posiblemente estaría llena de quiebros de guion, dramas a partir de infidelidades, rupturas, reencuentros, y “momentos musicales” a base de temas supervendibles. Pero como es, afortunadamente, una película de aquí, se inclina más hacia el tono indie de pareja que habla, más intimista y realista que el de comedia romántica con rostros conocidos. Así, el guion sigue una línea bastante natural, la relación entre los personajes conserva cierta solidez, no hay momentos trágicos de ruptura ni finales reparadores, y la música, no podía ser de otra manera, son canciones de Coque Malla(o de Los Ronaldos).

Es la historia de la pareja formada por Teresa y César (Alejandra Jiménez y Hugo Silva), ella ha tenido una noche tórrida con Coque Malla (que también sale), ídolo de él, por lo que deciden ir a Miami buscar al cantante y hablar con él sobre lo sucedido. Como es previsible, el objetivo no es tanto el encuentro final con el ídolo, como la evolución de una relación de pareja tocada de muerte por un hecho puntual, “ese día que cambia la historia”, como dice César.

Podía haber sido una película con muchos gags y situaciones estrambóticas, también un drama sobre la infidelidad, la mentira y el engaño, incluso una comedia de persecución del ídolo como modelo… pero los directores (que también se llaman Teresa y César) han preferido un tono bajo, mucho más natural, con diálogos bien construidos y situaciones siempre verosímiles, cosa que a un servidor le parece todo un acierto pero que habrá a quien le parezca que todo es muy soso y sin garra.

Necesitaba la propuesta un par de actores con cierta química, capaces de mantener sus personajes sin artificios, sin caer en lo burdo o el trazo grueso, conservando los pocos matices que la historia ofrece. Y la verdad es que lo consiguen, tanto Jiménez como Silva hacen creíbles sus criaturas, resulta fácil empatizar con ellas y compartir sus miedos y penurias.

No es una obra totalmente redonda, pero sí muy digna, entretenida y recomendable. Tiene su puntito.

Estreno: 14 febrero 2024

Dirección: Teresa Bellón, César F. Calvillo

Guion: Teresa Bellón, César F. Calvillo

Reparto: Alexandra Jiménez, Coque Malla, Hugo Silva

“EL DESHIELO”. La felicidad que no fue.

F. Lorza

Eva es una joven veinteañera que trabaja como ayudante de fotografía en Bruselas. Eva es una mujer triste, hosca, asocial, enfadada con el mundo y que vive una angustia constante, diríase atormentada. Cuando su hermana (único lazo afectivo que tiene) la deja sola en el piso que comparten, y en Facebook ve la noticia de un homenaje a un antiguo conocido, decide volver al pueblo de su infancia. Se inician entonces, una serie de flash-backs en los que Eva tiene 13 años, dos mejores amigos, una madre alcoholizada y una mirada limpia natural y tierna hacia las cosas. Mejor no contar más.

Es esta una película que mezcla lo iniciático de unos niños entrando en el mundo adulto, lo social de una familia desestructurada que vive en un pueblo pequeño (ya se sabe, pueblo pequeño, infierno grande), y el cine de venganzas (en su proceso inicial, sin violencias) que parece plantearse en la primera parte de la historia. Baetens aprovecha con sabiduría el potencial del relato original (la exitosa novela de Lize Spit) y consigue un retrato de personajes muy sólido, un planteamiento honesto y naturalista pero muy contundente en las situaciones y, sobre todo, una parte final absolutamente demoledora, que te deja noqueado, sin echar mano de excesos, pornografía sentimental, imágenes escabrosas o cosas similares. Todo en su justa medida para ofrecernos una vida marcada por los traumas infantiles, por la soledad de una niña que no encuentra donde aferrarse, por una familia que no ejerce y por una sociedad que, ante la tragedia ajena, mira a otro lado y protege únicamente a los suyos.

Una cuidada fotografía y unas actuaciones impecables (especialmente la de Rosa Martchant como Eva de niña) completan esta oferta intensa, muy dura, sin concesiones a los estereotipos, categórica y tremenda. Una película no apta para los que buscan risas y entretenimiento básico.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: Veerle Baetens

Guion: Veerle Baetens, Maarten Loix. Libro: Lize Spit

Reparto: Charlotte De Bruyne, Rosa Martchant, Sebastien Dewaele, Spencer Bogaert, Naomi Velissarioui, Amber Metdepenningen

“EL COLOR PÚRPURA”. Negra, pobre, fea y mujer.

F. Lorza

Tengo un vago recuerdo de la versión que Spielberg hizo en “El color púrpura” en 1985 de la novela de Alice Walker, y no conozco el musical de teatro del cual arranca esta nueva versión. Con respecto a la versión de Spielberg, se ha rebajado  considerablemente el tono blando y lacrimógeno y se ha hecho una notable actualización en cuanto al papel de la mujer, los malos tratos, los abusos, las conductas machistas y la sororidad más beligerante; el tema del racismo parece haber perdido fuerza y la presencia de los blancos, con su trato hacia los negros bien marcado, se limita a una escena con la mujer del alcalde y otra a la salida de la cárcel (más por cuestiones de trama que por colocar contenido social). Lo más contundente, en este sentido, es cuando la protagonista verbaliza aquello que todos ya hemos visto: el hecho de ser “mujer, negra, pobre y fea” es lo que define su presente y su futuro.

Están excelentemente elaborados los números musicales, con unas coreografías muy vistosas y resultonas, incluso sorprendentes, y unos temas de ritmos, estilos y talante muy variados. Como ocurre en los buenos musicales, los diferentes números apoyan la historia, potencian los sentimientos a transmitir y los estados de ánimo de los personajes, y no suponen un lastre al ritmo de la narración. Acompaña una cuidada fotografía y una ambientación atenta a cada detalle, así como unas esmeradas actuaciones que hacen creíbles a unos personajes que podían haber caído fácilmente en el estereotipo vacío, en el cliché o en el trazo grueso.

Queda una película vistosa y muy entretenida (incluso para los que no somos entusiastas del género), que sabe combinar el espectáculo de Broadway, la novela original y la película de 1985, consigue una interesante actualización del relato sin perder el encanto de la época y hace gala de una contagiosa energía (musical sobre todo) y una gran humanidad. Para dejarse llevar y disfrutarla.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: Sam Blitz Bazawule

Guion: Marcus Gardley, Marsha Norman. Novela: Alice Walker

Reparto: Taraji P. Henson, Danielle Brooks, Colman Domingo, Corey Hawkins, H.E.R., Halle Bailey, Aunjanue Ellis, Fantasia Barrino.

“FERRARI”. El hombre, las carreras, las mujeres.

F. Lorza

Es este un biopic con aire de clásico que intenta hacer un retrato de Enzo Ferrari a través de lo acontecido en el verano de 1957, cuando el empresario está en plena crisis (laboral y de pareja) y pone todos sus esfuerzos en ganar la carrera de la Mil Millas para poder salvar la empresa mediante una inversión externa.

Mann, director de acción capaz de generar una potente narrativa visual, nos ofrece, sin embargo, una historia bastante plana que saca poco provecho de un personaje tan carismático y en el que Adam Driver hace lo que puede. Uno espera un personaje cercano a la excepcionalidad, complejo y con muchas aristas, pero, quizás por no querer ser incorrecto, este “commendatore Ferrari” se queda en poco más que un hombre con cierto poder, con un dilema familiar y con una marca. Donde sí se nota el pulso del director es en las escenas de carreras, narradas con brío y contundencia, sin grandes alardes pero con gran eficiencia, como muestra, la escena del accidente con la muerte de varios espectadores, formidable.

Curiosamente, y a pesar de ser Ferrari el protagonista absoluto, lo mejor son las mujeres que le rodean, especialmente Penélope Cruz, capaz de transmitir todo el dolor, la tristeza, la rabia y el odio hacia su marido pero dejando tras su mirada la claridad de esos sentimientos que algún día tuvo hacia él, sencillamente magnífica y cada vez más cercana a la gran Anna Magnani. Me ha gustado también Shailene Woodley como la mujer con la que debería vivir y que se mantiene como un personaje íntegro y esencial durante todo el metraje, y Daniela Piperno en un desaprovechado papel como madre del protagonista.

Queda una película algo anodina, un tanto plana, que seguramente no satisfará a los amantes de los coches y las carreras pero que se ve con agrado e interés. Sería un buen ejercicio leer la novela “Enzo Ferrari: The Man, The Cars, The Races, The Machine” de Brock yates en que se basa y ver qué se ha perdido en el camino.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: Michael Mann

Guion: Troy Kennedy-Martin. Libro: Brock Yates

Reparto: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Patrick Dempsey, Jack O'Connell, Sarah Gadon, Gabriel Leone

“LAS CUATRO HIJAS”. Mujeres en familia.

F. Lorza

Es este un documental diferente, de esos que aportan un contenido intenso y que encuentran una forma personal y muy apropiada para contarlo.

Se nos muestra la historia de una familia tunecina, la de Olfa y sus cuatro hijas, las dos menores que todavía viven con ella y las dos mayores que, como dice Olfa, “se las comió el lobo”.

Ben Hania juega, con habilidad, a mezclar realidad con ficción haciendo que dos actrices interpreten a las hijas desaparecidas y que una tercera ocupe el lugar de la madre en algunos momentos demasiado duros o difíciles. Así, en una escena inicial, que he encontrada estupenda, se nos presenta el armazón dispuesto para crear la película en la que hay intervenciones de la directora, escenas recreadas, interrupciones de los personajes reales para orientar a los actores… nada de bustos parlantes, ni voz en off explicativa. Una combinación muy elaborada en la que siempre se ve con claridad lo que es ficción y lo que es realidad sin perder intensidad o fuerza.

El resultado es una película bastante novedosa, cercana a lo que ahora viene a llamarse teatro documental,, que nos hace un repaso de las penurias que han padecido estas mujeres y que resultan un compendio terrible de lo que puede llevar consigo ser mujer en una sociedad como la tunecina: matrimonios pactados, absoluto desamparo de una madre para sacar adelante a su prole, violencia de género, abusos en el seno familiar, conflictos culturales o generacionales, y, quizás lo más destacado, las consecuencias del radicalismo religioso y la captación de jóvenes.

La película es trágica y dura, y uno no puede menos que ver a esas criaturas, hermosas y frágiles, como flagrantes víctimas de un sistema anquilosado que las oprime y condiciona. Los momentos emotivos se combinan con los más duros y con otros de felicidad más o menos pasajera basada en los estrechos lazos que las unen. Y como buen documental, la cámara y el equipo de rodaje queda en un fondo silencioso para que olvidemos su presencia y nos centremos en rostros, ojos, lágrimas y sonrisas. Un gran documental, sin duda.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: Kaouther Ben Hania

Guion: Kaouther Ben Hania

Documental

“ALEMANIA”. Lola y familia.

F. Lorza

Es este un retrato de adolescencia en esos años en que no había digitalización y la música se escuchaba en casete y walkman. Como buena coming of age, la familia, la escuela, los amigos y algún que otro trabajillo, conforman el mundo de la protagonista y todo se mueve entre la convivencia en la casa de los padres y las salidas y los sueños a realizar, aquí un viaje a Alemania en un intercambio de estudios; a lo que hay que añadir una hermana mayor con problemas mentales, la amistad con Tati y los primeros amores.

Zanetti no busca el impacto ni la situación desestabilizadora, y opta por una película sencilla, sin estridencias, pero honesta y sensible, atenta al detalle y preocupada por definir claramente la estructura familiar, la resiliencia ante la adversidad, los mecanismos de relación entre iguales y el peso de la responsabilidad (especialmente la afectiva). Podría parecer, pues, una película poco expresiva, que no termina de coger la fuerza necesaria, pero las emociones acaban apareciendo detrás de lo cotidiano, del día a día en el que se conjugan un aprobado en el cole, una crisis de la hermana en casa y una agradable clase de conducción, por ejemplo.

Finalmente, la directora logra que seamos partícipes del mundo de Lola, que formemos parte (en cierta manera) de su familia y de su grupo de amistades, y podemos disfrutar de esta pequeña historia que es, otra vez, un avance hacia la madurez y la independencia, hacia esa Alemania que se convierte en metáfora de un futuro personal.

Por cierto, entre tanto argentino, nos encontramos una Vicky peña haciendo de abuela sin necesidad de forzar el acento.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: María Zanetti

Guion: María Zanetti

Reparto: Maite Aguilar, Miranda de la Serna, María Ucedo, Vicky Peña, Walter Jakos, Andy Pruss

“LA PISCINA”. Aguas negras.

F. Lorza

Viene esta película precedida por las expectativas que ha generado la colaboración en ella de sus dos productoras, la Blumhouse y Atomic Monster (la de James Wan), hoy por hoy lo mejorcito del panorama de terror internacional. Así que sorprende bastante no encontrar los atrevimientos y apuestas valientes de la primera ni las estructuras bien armadas y tirando a complejas de la segunda.

Se dan cita en la película todos los tópicos y artimañas del género: una presencia maligna a la que prácticamente no vemos y que se manifiesta de diferentes formas, un espacio contaminado por ella (la piscina del título y las aguas negras que desprende), un grupo de personas como víctimas inocentes (o no tanto), sobresaltos a base de repentinos golpes de efecto (sonidos imprevistos, apariciones veladas, fallos de luz, movimientos del agua…) y una pelea final contra la maldad de la que se saldrá más o menos airoso.

La verdad es que la película es bastante entretenida aún siendo tan poco original, tiene una buena factura, no chirrían demasiado los golpes de guion, los personajes tienen una cierta consistencia (en gran parte por el buen hacer los actores) y el ritmo no decae a lo largo del metraje. Una pena que no se hayan explotado algunos aspectos que se apuntan pero que no llegan a tener un mínimo peso específico en la trama, sobre todo esa dualidad que tiene el agua de la piscina que le otorga cualidades positivas como la capacidad de sanar y negativas como buen ente demoníaco y terrible. También hay algunos momentos realmente muy logrados, como la escena en que la madre se encuentra con el cuerpo de la niña ahogada o la de la barbacoa que organiza la familia para conocer a los vecinos.

Queda una película como ejercicio de estilo para una ópera prima de un director con futuro (la cinta se basa en un corto de él mismo y de mismo título) al que no parece haber afectado apenas la influencia de productores tan potentes, que se ve con gusto y, me temo, se olvida con bastante facilidad. Para amigos del género sin demasiadas exigencias.

Estreno: 9 febrero 2024

Dirección: Bryce McGuire

Guion: Bryce McGuire

Reparto: Wyatt Russell, Kerry Condon, Amélie Hoeferle, Gavin Warren, Nancy Lenehan, Ben Sinclair, Jodi Long, Eddie Martinez.

“POBRES CRIATURAS”. Experimentos y experiencias.

F. Lorza

Sorprendente esta última película de Lanthimos en la que indaga, sin ningún tipo de prejuicios, en la condición de mujer, en las convenciones sobre el sexo, la ciencia, la dominación e, incluso, sobre la desigualdad social. Abandonando la estética austera y realista de sus obras anteriores, y siguiendo con el camino más recargado y colorista iniciado en “La favorita”, nos ofrece todo un ejercicio de barroquismo, colorido e imagen llevado al límite con un vestuario sorprendente, unos decorados tan creativos como impresionantes y ese uso (ya como sello personal) de grandes angulares que puntean la narración sin saberse muy bien a qué vienen a cuento pero que ni chirrían ni resultan extraños. Añadámosle una historia que, arrancando del mito de Frankenstein, nos cuenta una historia de un ser con cuerpo de una mujer adulta y el cerebro de su propio hijo no nato, nos habla de aprendizajes, de maduración, de descubrimiento del placer, del sexo y ¿del amor?, poniendo en la picota convencionalismos y tabús sociales, especialmente en lo referente a la mujer.

Visualmente es una película que no da descanso. Un blanco y negro realmente hermoso y elegante, un color vivo y saturado, unas ambientaciones que nos pasean por Lisboa, París, Londres, Alejandría y un barco que son un universo en sí mismas. Y unos actores en verdadero estado de gracia: no solo Emma Stone, que mantiene el suyo a unos niveles exquisitos, también Willem Dafoe, con su ciencia y su perverso historial o Mark Ruffalo y su prototípico hombre conquistador. Destacables también Ramy Joussef (el ayudante Max McCandles), Hanna Schygulla y Jerrod Carmichael en papeles más pequeños pero igual de deliciosos.

Queda una película excesiva, muy creativa, hipnotizante, con su punto radical y sus notas provocativas que, finalmente, aboga por la libertad del individuo, las relaciones basadas en la sinceridad y el afecto y un cierto humor hacía todo aquello que, aparentemente, no podemos cambiar. Absolutamente nueva y arrolladora.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Yorgos Lanthimos

Guion: Tony McNamara. Novela: Alasdair Gray

Reparto: Willem Dafoe, Emma Stone, Margaret Qualley, Mark Ruffalo, Kathryn Hunter, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael

“LOS TRES MOSQUETEROS: MILADY”. Capa y espada y mucho lío.

F. Lorza

segunda entrega de esta adaptación de la novela de Alejandro Dumas tras “Los 3 mosqueteros: D’Artagnan” que se estrenó en abril de 2023 y que se realizaron simultáneamente. Para los que disfrutaron de aquella, seguro que también encontrarán interesante y atractiva esta que nos ocupa. Repetimos equipo, claro está: Martin Bourboulon en la dirección, Cassel, Civil, Duris y Marmaï como los mosqueteros y Eva Green como Milady vuelven a dar a sus personajes ese punto de encanto y ese trasfondo de ingenuidad, tormento, elegancia o rusticidad a cada personaje. A mí me ha parecido que han mejorado Garrel y Krieps como Louis XII y su esposa Ana de Austria, ya que tienen algo más de recorrido y de entidad. También se repite esa producción de arte esmerada en reproducir un vistoso y ampuloso siglo VXIII y ese intento de coreografiar de forma viva y elegante las escenas de lucha, algo que consigue mayoritariamente (pienso en la escena del asalto y el ataque a los barcos) pero para lo cual abusa de una cámara excesivamente nerviosa y largos planos sin corte que producen algo de desconcierto.

Narrativamente no sé qué aspectos son de la novela original y cuales están aportados por el guion de la película, pero tengo la impresión que, queriendo ofrecer varias entregas, se han añadido subtramas que no terminan de encajar o no se han adaptado correctamente: la hermana de Aramis, algunos aspectos de Milady, el hermano del rey, el papel de los ingleses… al final, entre tanto complot, alianzas veladas, secuestros y asesinatos, uno percibe todo con cierto desorden y acaba un tanto saturado, aunque también puede ser que yo hubiera preferido una historia más de aventuras  en el término más clásico del concepto.

Queda una película con clara vocación de blockbuster, que guste a todo el mundo, que entre fácilmente y se quede un rato en la retina tras el chocar de las espadas, el vuelo de las capas y el trote de los caballos. Y, claro, un final abierto por si hay que preparar la tercera.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Martin Bourboulon

Guion: Martin Bourboulon, Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas

Reparto: Vincent Cassel, Eva Green, Romain Duris, Louis Garrel, Vicky Krieps, François Civil, Pio Marmaï, Lyna Khoudri

“UN MAL DÍA LO TIENE CUALQUIERA”. Una noche muy dura.

F. Lorza

Ópera prima de la actriz, presentadora, comediante y locutora Eva hache, en una producción de Atresmedia y Movistar+ y de la mano de Álex de la Iglesia y Carolina Bang. Y las óperas primas, ya se sabe, suelen ser estimulantes, irregulares, con ese puntito de haber puesto mucha pasión y esfuerzo y, si el creador es inteligente, ajustada a las limitaciones de alguien, por lo general falto de experiencia.

Esta película que nos ocupa responde bastante bien a este estereotipo. Hache nos ofrece una historia relativamente sencilla: una mujer que expondrá su tesis doctoral al día siguiente se ve, durante toda una noche, perdida en las calles de Madrid sin llaves, sin teléfono, sin dinero y sin documentación; como cabe esperar, las cosas se le irán complicando y la película funcionará por acumulación de desdichas pasando de un realismo inicial a una comedia pelín exagerada, algo desmadrada, tirando a surrealista y divertidamente trágica en su tramo central; y para rematar, el consabido desenlace final para dejar buen sabor de boca.

Para narrarla se apoya en una Ana Polvorosa permanentemente en plano que mantiene la dignidad y la credibilidad de su personaje, siempre a punto de caer en la caricatura, pero que logra mantener un tono y una integridad admirable. También hay un guion bien trabajado que le permite pasar de una situación a otra con bastante naturalidad y, sobre todo, unos personajes secundarios bastante bien elaborados que, a pesar de sus excentricidades (o quizás por eso mismo), encajan bien en el relato: la amiga que la deja en la calle, el camarero del bar donde pierde las llaves, el grupo de chicas juerguistas y los policías (una escena memorable), les modernes y su performance (algo más forzado), la voluntaria de la iglesia (quizás lo más flojo del relato), la taxista a quien pilla cenando y, sobre todo, ese guardia de seguridad que interpreta Agustín Jiménez que permite el final prometido.

En contra de lo que suele suceder en este tipo de propuestas, la acción no funciona a trompicones, es fácil empatizar con los personajes sin necesidad de ofrecer un antagonista insufrible, la película toma un ritmo ágil y estable y nos ofrece un ejercicio de correcta caligrafía, digno, entretenido y, es de suponer, del agrado de una gran mayoría.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Eva hache

Guion: María Elena Morales García

Reparto: Ana Polvorosa, Goize Blanco, Ariana Martínez, Aníbal Gómez, Bàrbara Mestanza, Albert Green, Juriji Der Klee

“RODEO”. Pistones y tribu.

F. Lorza

La primera escena de esta película nos presenta a su protagonista, Julia, a la bronca, enfrentándose a todos después de haber roto una puerta. Eso y que su gran pasión son las motos, son los únicos datos que tenemos de esta joven, enfadada con el mundo, malcarada, malhablada, que dice tener un pistón por corazón y que no gasta nada porque todo lo que necesita lo roba, incluidas las motos que conduce. Julia llega con su última adquisición al lugar donde una verdadera tribu de moteros marginales hacen caballitos, queman rueda y comenten mil y una imprudencias sin casco y sin ninguna protección: un accidente grave y la rápida reacción de Julia abren una posibilidad de que el círculo se abra y ella puede pertenecer al grupo que, como es de esperar, es profundamente machista y no parece dar cabida a una chica.

La película se centra en las relaciones que Julia empieza a establecer con algunos de los miembros del grupo, los trabajos que le encarga Domino, el que dirige el grupo desde la cárcel y el encuentro con Ophelie, la mujer de Domino, y su hijo pequeño que parece abrir una puerta hacia un mundo más humano y algo más cariñoso.

Funciona bastante bien la primera hora de la cinta, en la que conocemos a los personajes y las primeras situaciones; tiene garra esta joven rechazada por todos, absolutamente carente de todo, que solo parece ser feliz subida a una moto (la película, afortunadamente, no cae en el tópico de hacerla una piloto excepcional y darle posibilidades futuro) y que desprende (junto al resto de jóvenes varones) esa naturalidad que tienen los actores no profesionales que se interpretan a sí mismos. Una vez que personajes, espacios y estructuras nos son familiares, la película parece que se atasca, no llega a ofrecernos una línea narrativa sólida y, solo al final, cuando coge protagonismo Ophelie, parece que la historia nos va a hablar de lo que realmente le interesa. Así, como documento sobre estos ambientes tan marginales, rozando la ilegalidad o directamente delictivos, es un producto interesante, bien planteado y diría que, incluso, valiente. Pero como retrato de una joven atrapada en un mundo interior y exterior sin perspectivas, se queda algo corta y uno echa de menos la película que podía haber sido.

Queda una película con claras resonancias del cine independiente (cámara en mano muy nerviosa, planos muy cortos de los personajes, fotografía oscura, diálogos escuetos…) de esas que quieren ser reflejo de realidades olvidadas o marginales y que quieren dar voz a quien generalmente nunca se le da. Interesante y viva.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Lola Quivoron

Guion: Antonia Buresi, Lola Quivoron

Reparto: Julie Ledru, Yannis Lafki, Antonia Buresi, Cody Schroeder, Louis Sotton, Junior Correia, Ahmed Hamdi

“VIVE DENTRO”. El monstruo en un tarro.

F. Lorza

Es esta una de esas películas que responden, sin apenas variaciones, a los códigos, las formas y las temáticas del género, de terror, claro. Arrancamos con un hecho trágico: un par de cadáveres, algo terrorífico en fuera de campo, un pasillo, un alarido… en una casa sin identificar para pasar luego a la luz y la calma de la vivienda de los protagonistas, aquí una adolescente de familia hindú llamada Samida, o Sam en su intento de integrarse plenamente en la cultura del país. Luego viene la chica con problemas, otra joven de origen hindú, con un tarro en la mano donde tiene retenido al demonio que hará de amenaza. Lo demás es fácil de imaginar y responde, como digo, al esquema más típico. La película adquiere algo más de personalidad propia al tomar como base elementos de la mitología india y, por tanto, los nombres, el origen y las características del “bicho” son más exóticos aunque siguen respondiendo a los parámetros de siempre.

La película presenta una factura impecable y todo parece encajar bien: la fotografía oscura en sus momentos de terror, la música para acompañar cada atmósfera, unos personajes sencillos pero más o menos coherentes y bien interpretados, y una parte final para poner el colofón, dejar sabor de carne rajada, sangre y polvo negro, y ese último plano de “esto no se ha acabado” por si la cosa funciona bien en taquilla y se ve rentable una continuación, o secuela, o precuela.

Se hubiera agradecido algo más de indagación en los elementos propios de la cultura que la familia protagonista representa, diferenciarla de lo que ya hemos visto tantas veces y, de paso, aprovechar el enfrentamiento con una sociedad más nueva y, supuestamente, más moderna. Hubiera sido, sin duda, una película más interesante.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Bishal Dutta.

Guion: Bishal Dutta. Historia: Ashish Mehta

Reparto: Megan Suri, Neeru Bajwa, Mohana Krishnan, Betty Gabriel, Vik Sahay, Gage Marsh

“FARO”. Grietas y fantasmas.

F. Lorza

Se inicia esta película con unas bonitas e idílicas imágenes del fondo submarino y con una familia que pasa unas vacaciones en su barco. Un banco de medusas, la ausencia en ese momento del padre y el bloqueo de la hija provocan la muerte de la madre. Después vendrá el duelo que no se supera, los problemas mentales de la hija y la decisión (no se sabe muy bien por qué) de pasar una temporada viviendo en el faro del abuelo, donde dominan las grietas (como las de los personajes) el moho (como el del ambiente), el mar embravecido y la incomunicación (como la del duelo).

Sin ser novedosa, puesto que el faro como lugar de retiro, aislamiento, amenaza y locura lo hemos visto bastantes veces, la propuesta inicial es atractiva y hay elementos que están muy bien conseguidos: el aprovechamiento de los espacios del faro, las imágenes del mar (tanto las de la costa como las submarinas), la visualización de las pesadillas de Lidia, los cuadros que parecen pintarse solos y, en algunos momentos, esas presencias fantasmales que parecen dominar el faro. El problema es que la película se demora demasiado en ese duelo que parece rozar la locura, en un aparente intento de derivar hacia el terror, en las desavenencias entre padre e hija (poco naturales, al contrario de lo que ocurre con las muestras de afecto), en las pretendidas simbologías con algunos elementos religiosos, y con esas amenazas y presencias fantasmagóricas. Hernández dedica dos terceras partes del relato a ello, cuando le hubiera bastado con la mitad, por lo que la narración se hace repetitiva, cansina, pierde fuerza y, sobre todo, sutileza. Después, en la parte final, la acción se precipita, emergen casi de la nada elementos que cambian el tono y la dirección de la película y la derivan hacia el thriller con asesino y todo acaba en un cliché sin garra ni ingenio.

Una pena, podía haber sido una película muy interesante y se queda en una oferta anodina y superficial. Eso sí, los actores están bien y los paisajes y la imagen son excelentes.

Estreno: 26 enero 2024

Dirección: Ángeles Hernández

Guion: Ángeles Hernández, David Matamoros, José Pérez Quintero

Reparto: Hugo Silva, Zoe Arnao, Sergio Castellanos, Irene Montalà

“LA ZONA DE INTERÉS”. Al otro lado del muro.

F. Lorza

Aunque el tema del holocausto y de los campos de exterminio parezca agotado, siempre hay quien nos ofrece una nueva mirada, un nuevo enfoque, otra perspectiva que, sin necesidad de ofrecer nuevos datos (da la impresión de que ya todo ha sido planteado y expuesto), nos obligue a mirar de nuevo algo que no debemos olvidar; lo hizo Spielberg en la preciosista “La lista de Schlindler”, también László Nemes en su dolorosa “El hijo de Saúl”, y lo vuelve a hacer Jonathan Glazer con esta cinta ambientada en una idílica casa situado al otro lado del muro del campo de Auschwitz, donde vive el comandante Rudolf Höss (el que dirige el campo y, por tanto, la masacre) con su nutrida familia (mujer, cinco hijos y, ocasionalmente, la suegra) y el servicio que son judíos sino gente de la zona.

Queda, por tanto, el campo y sus actividades en un permanente fuera de campo sostenido por una banda de sonido muy cuidada en la que identificamos gritos, disparos, llantos, golpes… por el omnipresente muro y su alambrada, ese humo que se ve constantemente en el horizonte y esas cenizas que obligan a cerrar las ventanas o a salir corriendo del río donde el comandante pesca y sus hijos se bañan; la presencia de presos se reduce a un par de personajes que acarrean materiales o limpian las botas que Höss deja en la puerta.

Así, la zona de interés es esa casa que Hedwig, la mujer del comandante, ha modelado a su gusto, ese enorme jardín con piscina, huerto e invernadero donde los ecos del campo pasan sin dejar huella (excepto en el personaje de la madre) y que ella está convencida que es el cumplimiento de los sueños pequeñoburgueses prometidos por el führer.

No es una película para todos los espectadores, su cadencia, sus largos y abiertos planos, su “no pasar nada relevante” puede resultar hipnótico y sugerente para algunos, pero también pesado y cansino para otros, yo me apunto al primer grupo. Y gran parte de ese interés me lo despierta Hedwig y la excelente interpretación de Sandra Hüller, que se nos muestra inicialmente como esposa sumisa y bondadosa, y luego descubrimos en ella las verdaderas bases de un fascismo terrible que ni siquiera considera la existencia del otro. Todo sugerido, casi en silencio, sin prisas y, posiblemente, exasperante.

Una película de tono aséptico, fría y difícil. Notable tratado sobre la banalidad del mal y la indiferencia sobre lo ajeno. Perturbadora y dolorosa.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Jonathan Glazer

Guion: Jonathan Glazer. Novela: Martin Amis

Reparto: Christian Friedel, Sandra Hüller, Freya Kreutzkam, Ralph Herforth, Max Beck, Imogen Kogge, Ralf Zillmann

“CUANDO ACECHA LA MALDAD”. El embichado.

F. Lorza

Flamante ganadora del premio a mejor película en Sitges, es esta una historia argentina de posesiones (encarnados y embichados en aquellas tierras) de profundo sentido rural y ambientada en una pampa que le proporciona una atmósfera de no lugar, de espacio perdido, abandonado y aislado de todo. Se nos cuenta la historia de dos hermanos, de su pequeña comunidad en la que ha aparecido un embichado, un hombre poseído por algo maligno y el cadáver seccionado del “limpiador” que había de matarlo sin dejar escapar el mal que hay dentro de él.

Una vez hecho lo que no se debe hacer en estos casos, la película se centra en el intento de huida de estos hermanos que pretenden llevarse también a los hijos de uno de ellos y, como es de esperar, el mal acecha, no da tregua y no hay forma de salvarse.

La historia en sí no es novedosa, y en algunos aspectos es incluso predecible, pero el encanto (terrorífico encanto) está en cómo Rugna logra crear un espacio de desconcierto y desasosiego utilizando unos pocos elementos muy contundentes y colocarlos de manera estratégica en el relato: la muerte de Ruiz y su mujer tras la ejecución de la cabra, el perro de los niños, la madre de los hermanos que supone un agradable y divertido paréntesis, el juego tan interesante entre muertos y no muertos, o el papel de la policía absolutamente corrupta e inoperante.

Todo ello sin materializar ni dotar de presencia visible un mal que se anuncia desde el título y que sentimos pero que nunca llegamos a ver, como un virus letal con connotaciones sobrenaturales o supersticiosas.

No sé si es tan potente como para un premio de esa categoría, pero sí que es un producto muy coherente, muy bien realizado, que te atrapa y te impide coger aire. Una pena ese acento tan cerrado de algunos personajes que hace de algunos diálogos algo casi ininteligible, la verdad que unos subtítulos habrían venido bien. Aún así, engancha y zarandea, fuerte además.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Demián Rugna

Guion: Demián Rugna

Reparto: Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Silvina Sabater, Luis Ziembrowski, Marcelo Michinaux, Emilio Vodanovich

“SLOW”. El sexo y el afecto.

F. Lorza

Ahora que parece que hemos roto con el monopolio de la pareja hetero tradicional y que en el cine tenemos representación, más o menos significativa, de otros modelos de pareja, nos llega esta película de producción lituana para otra opción, perspectiva o modelo de relación. Y lo hace magistralmente, además.

Elena es profesora de baile pero no responde al prototipo clásico de bailarina, tiene un físico alejado de la delgadez típica, un cuerpo de lo más normal (muy chula la escena en la que la madre cuenta que la apuntó a baloncesto para que no hiciera danza). Dovydas es un intérprete de lenguaje de signos que un día acude a la clase de Elena para hacer de traductor de un grupo de alumnos sordos. Entre ellos dos se establece una bonita relación hasta que Dovydas le confiesa que es asexual. A partir de ese momento la vida de pareja toma derroteros curiosos y nosotros, como espectadores, asistimos a esta situación de compleja sostenibilidad pero que siempre conserva su lado humano, amable y cariñoso. El fantasma de si una relación sin sexo es posible planea constantemente pero, en contra de lo predecible, logra sacar a flote otros aspectos que enriquecen la relación y el relato y que parecen demostrar que sí es posible.

Y es ahí donde está el acierto de la película, no se trata de crear situaciones dramáticas y catárticas, tampoco de ser beligerante en favor de una diversidad de complicado encaje, sino de ofrecernos a dos personajes movidos por el afecto y la ternura, que podía haber sido una bonita historia de amistad pero que aquí se convierte (por vía de un sexo que no se materializa) en un grito de aceptación del otro y de valoración de lo que se ofrece por encima de lo que se carece.

Planteada con una aparente gran sencillez, la película nos ofrece un retrato intenso y preciso de sus personajes, unas situaciones complejas pero reconocibles y reales, y plantea la diversidad sexual desde una perspectiva de aceptación y disfrute. La cinta acaba siendo pura emoción, tierna y delicada, con un punto de humor y otro de agradable extrañeza. Pocas veces la intimidad ha sido tan bien retratada.

Mejor dirección-drama Sundance 2023.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Marija Kavtaradze

Guion: Marija Kavtaradze

Reparto: Greta Grineviciute, Kestutis Cicenas, Pijus Ganusauskas, Laima Akstinaite, Vaiva Zymantaite, Mantas Barvicius

“LA FLORISTERÍA DE IRIS”. Amor, amistad y renuncia.

F. Lorza

En los días que corren supongo que siempre habrá quien esté tentado de aplicar la consabida cultura de la cancelación y dejar de lado o rechazar esta película por el hecho de ser una producción israelí, cada uno sabrá. Quien haga esto se perderá una bonita historia de amor, enriquecida con otra de amistad y con un proceso de renuncia que elevan la película a niveles poco vistos últimamente.

Se nos cuenta la historia de Eli, un entrenador de natación (al que no le interesa la competición) que vuelve a Tel-Aviv tras la muerte de su padre; allí se reencuentra con Yotam, el amigo de toda la vida con el que tiene un fuerte vínculo (telepático lo califica la madre de Yotam) y conoce a Iris, su prometida, con quien ha montado la floristería del título. Un accidente en una excursión al arroyo donde iban de niños, un cuerpo en coma durante muchos meses y su posterior recuperación marcarán el devenir de unos hechos bastante predecibles pero narrados con suavidad, elegancia y mucho encanto. La película gana enteros cuando se hace referencia al pasado de los personajes, cuando se toman decisiones drásticas y difíciles sin recurrir al sensacionalismo ni a la lagrimita y cuando son las miradas y los cuerpos los que se expresan sin apenas palabras, deliciosa.

La película juega también con los olores, la salvia o la menta, y los asocia a cada personaje, casi que podemos olerlos y se convierten en metáfora de lo que une a los personajes. También el color, el de los paisajes, el de la floristería y, sobre todo, el de la casa de Iris, con vivos rojos y amarillos que contrastan con el eterno blanco de las casas israelíes. Destacar también la actuación de Michael Moshonov en el papel de Eli, con ese eterno gesto de arrastrar más de una desgracia y con esas sutiles variaciones capaces de expresarlo todo con lo mínimo.

Queda una película suave, sincera, de ritmo tranquilo, unos personajes que resultan cercanos y entrañables y, como digo, una de las mejores historias de amistad que he visto en mucho tiempo.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Ofir Raul Graizer

Guion: Ofir Raul Graizer

Reparto: Michael Moshonov, Oshrat Ingadashet, Ofri Biterman, Moni Moshonov, Irit Sheleg, Evelyn Kaplun, Ruba Blal

“VIAJE HACIA EL DESIERTO”. Los amores de la poeta.

F. Lorza

En general, suele ser conveniente acudir a ver una película con el mínimo de información previa sobre ella y dejarse así sorprender por historias y personajes. Sin embargo, en esta es recomendable abordarla conociendo de antemano al personaje que se nos ofrece: Ingeborg Bachmann (1926-1973), poeta y novelista austríaca, destacada escritora en alemán, renovadora de la lengua y modelo de independencia femenina.

La película recoge la época en la que Bachmann fue pareja del dramaturgo Max Frisch, con quien mantuvo una relación de libertad e igualdad que no pudo superar ni los celos de él, ni los prejuicios de la época. No se hace apenas referencia a la obra de la escritora y todo gira alrededor de sus sentimientos, sus estados de ánimo, sus deseos, sus aspiraciones y sus luchas por mantener su independencia y su valor como autora y como persona.

Von Trotta intenta ofrecer una película de pesada carga emocional y para ello se apoya en la siempre magnífica Vicky Krieps, en una puesta en escena preciosista que diríase de otro tiempo, un ritmo narrativo sobrio y elegante tirando a lento, un dramatismo algo impostado, una fotografía muy cuidada (especialmente los parajes filmados en el desierto) y unos saltos temporales muy bien construidos que se mueven con agilidad entre los tres hombres alrededor de los cuales gira su relación:  Max Firsch, Adolf Opel (escritor con el que viaja al desierto) y Hans Werner Henze (compositor y amigo que musicaliza sus poemas). Lo mejor, sin duda, Vicky Krieps.

Queda, finalmente, una película demasiado morosa, que parece atascarse en algunos momentos, demasiado repetitiva en otros y que busca una hondura emocional que se intuye pero que no llega a sentirse. Uno no termina de entender el porqué de algunas reacciones y decisiones de la poeta y echa en falta algo más de referencia a su obra. Una película, eso sí, hermosa y triste y una muy buena oportunidad para descubrir a una de esas mujeres que son historia pero que desconocemos.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Margarethe von Trotta

Guion: Margarethe von Trotta

Reparto: Vicky Krieps, Ronald Zehrfeld, Tobias Samuel Resch, Basil Eidenbenz, Luna Wedler, Marc Limpach, Roberto Carpentieri

“L’HOME DELS NASSOS”. Demasiada mezcla.

F. Lorza

Viendo esta película, uno recuerda la reciente “El hombre del saco”. Las dos tiraban de mito popular infantil para vender una historia de terror en “El hombre del saco” y de postguerra en esta que nos ocupa. Ambas se apoyaban en el protagonismo de un grupo de niños fascinados por el personaje ficticio e inmersos en una realidad de adultos más o menos conflictiva. Y ambas pecan de lo mismo: todo queda deshilachado, los niños no terminan de encajar en una historia que claramente les viene grande, no se acaba de encontrar el tono, lo referente a los niños resulta torpe y sin magia, y lo de los adultos falto de consistencia, profundidad y emoción.

Se nos cuenta la historia de la familia Monsó en un pequeño pueblo de Cataluña, ya se sabe, de esos en que los odios y las rencillas parecen eternos e irresolubles. Tras un pequeño preámbulo con dos escenas ambientadas en 1929 y 1938, el grueso del relato arranca en los días finales de 1968 cuando un misionero trae al pueblo una niña negra, nieta de los Monsó y a partir de la cual se articula la figura de l’home dels nassos y del descubrimiento de lo que pasó durante la guerra, el destino de algunos personajes de la familia y la causa de tanto odio hacia los Monsó.

Hay un notable esfuerzo de ambientación y lucen bastante bien los exteriores (Vallviva en la película, Mura, en la comarca del Bages, como lugar de rodaje) y unos interiores bastante bien aprovechados. El problema está en un desarrollo algo caótico que impide que la película fluya con naturalidad y en una superposición de tramas que no llegan a tener fuerza por sí solas ni logran formar un global bien armado: los problemas de adaptación de Clara, los desprecios del pueblo hacia la familia, las diferentes posturas de la abuela y de la tía, el personaje de Lali que además de una Monsó está “tullida”, la relación homosexual entre Joan y Pau… y, claro, ese home dels nassos de presencia fantasmal. Uno tiene la sensación de que todo podía haber dado mucho más de sí y que no llega a ser la película que pretende. Aún así, es una historia con puntos interesantes y algunos aciertos (la fotografía, las actuaciones, el arranque de la historia, algunas escenas intrigantes…), bastante correcta y, si no se es muy exigente, entretenida.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Abigail Schaaff

Guion: Eric Moral, Núria Velasco

Reparto: Pablo Derqui, Iván Benet, Mercè Llorens, Pep Munné, María Molins, Jeannine Mestre, Jorge Motos, Berner Maynes

“¡FELICES 50!”. Reunión de amigos.

F. Lorza

Las películas sobre el grupo de amigos que se reúnen en un sitio concreto con cualquier excusa es, en sí, todo un subgénero. Generalmente se aborda el tema desde la comedia y las hay que logran un retrato potente del grupo (extrapolable a una visión del mundo) y las que se quedan en el mero encontronazo entre los diferentes tipos de personajes. Esta que nos ocupa, curiosamente, se queda a medio camino entre las dos categorías. Por un lado, la película parece en muchos momentos que va a coger vuelo y fuerza, pero apenas logra algún destello de personalidad propia. Por otro lado, no es la típica comedia en la que todo se enreda hasta el delirio y que busca desesperadamente el gag.

La historia se centra en los personajes masculinos, dejando a las mujeres en un segundo plano, desdibujadas y con intervenciones solo cuando la trama necesita su refuerzo; y es una pena porque se intuyen personajes más ricos en ellas que en ellos. Los varones, como suele ocurrir, responden cada uno a un estereotipo y se mueven más por golpes de efecto que por una evolución lógica; aún así, resultan bastante atractivos y cada uno tiene su puntito de interés.

Lo que no logra la película es que sintamos esos lazos de amistad que unen a los personajes en lo que, se supone, es un grupo de amigos sólido y con lazos duraderos. No vemos esa ligazón capaz de superar cualquier dificultad y de hacer un grupo consistente entre tanta heterogeneidad.

Salvan la función unos actores muy en su papel, un tono comedido, un guion correctamente trabajado y una planificación sencilla pero efectiva que logra un ritmo aceptable. No es una gran obra, pero se ve con agrado.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Eric Lavaine

Guion: Eric Lavaine, Héctor Cabello Reyes

Reparto: Lambert Wilson, Franck Dubosc, Guillaume De Tonquedec, Caroline Anglade, Lionel Abelanski, Lysiane Meis

“CUALQUIERA MENOS TÚ”. Enemigos, amantes y guapos.

F. Lorza

¿Qué se le puede pedir a una comedia romántica made in USA sobre gente guapa, que no tiene ningún problema económico, donde todos poseen físicos de excelente y sus únicas preocupaciones son lo bien que quedará la boda o el eterno “ahora me quiere, ahora no me quiere”? Pues exactamente eso, que sea fiel al modelo, que ellos y ellas sean lo más guapos que se puede ser, que nos muramos de envidia admirando caserones y entornos paradisíacos, que no nos incordien con asuntos terrenales (léase sociales y similares), que de vez en cuando encontremos alguna ocurrencia que nos haga gracia, algún giro que nos provoque la lagrimilla y, sobre todo, que todo acabe bien para podernos ir satisfechos y contentos a nuestra casa (o la de nuestros padres, que ya se sabe que, fuera de la pantalla, esto de la emancipación está difícil).

Aquí la excusa para la historia de amor es un encuentro fortuito entre Bea (Sydney Sweeney) y Ben (Glen Powell) que llevará a una primera cita un tanto curiosa (duermen juntos pero no hay ni un solo beso) pero bastante en el tono del puritanismo yanqui, los consiguientes malentendidos y la convivencia forzosa (y desastrosa) en una boda a la que han de acudir los dos; boda que, bonito detalle, es entre dos mujeres; esto último y la forma de marcar los diferentes capítulos integrando los rótulos en el decorado, es lo mejor de la cinta.

La película se sale poco, casi nada, del terreno trillado y, si tiene algún valor propio, es el de plantear algunas situaciones con cierta elegancia, que no se le ven demasiado las costuras a los giros de guion y que hay un claro intento de distanciarse de los roles clásicos de género, presentando a ella como una persona inteligente, que parece tener las cosas claras y que incluso nada mejor, sin necesidad de dibujarnos a su lado a un patán que es solo cuerpo. Los toques de humor, además de los tres o cuatro fregados en que se mete la pareja, vienen por parte de los familiares: los padres de las novias, el novio surfero de la ex de él, el perro con nombre de fármaco, las tramas imposibles para juntarlos…

Imagino que los amigos de este tipo de comedia le pillarán el punto y encontrarán los ingredientes suficientes para disfrutarla (en la sala se oyeron incluso algunas risas), pero a mí me pareció, al final, más de lo mismo, no me hizo ninguna gracia y, aunque no me resultó ni molesta ni ofensiva, se me hizo bastante larga. Lo de siempre, cuestión de gustos.

Estreno: 19 enero 2024

Dirección: Will Gluck

Guion: Will Gluck, Ilana Wolpert. Historia: Ilana Wolpert

Reparto: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, Darren Barnet, Bryan Brown, Joe Davidson, Rachel Griffiths

“EL VIDEOCLUB DE KIM”. Películas, obsesiones y cintas de video.

F. Lorza

Es este un documental cargado de energía, retazos de películas, mucho amor al cine y un homenaje sentido a aquellos videoclubs de VHS y CDs que eran verdaderas colecciones del séptimo arte.

Nos cuenta la historia del Kim’s Video, un videoclub montado por el coreano Yongman Kim y que David Redmon intenta localizar, junto con los 55.00 vídeos que había en él, en Nueva York. Redmon ha “huido” de Texas a NY buscando saciar su sed de cine, convencido de que las películas le hablan y que en ellas están las soluciones a muchos problemas reales; una primera parte nos ilustra sobre ello. Luego, el documental intenta seguir los pasos de la colección hasta llegar a un pueblo de Sicilia a quien Kim la donó y donde se han mezclado con la mafia y la dejadez política. Una última parte nos narra las peripecias para traer de vuelta las cintas a los Estados Unidos.

No se le puede negar pasión a este cinéfilo, ni tampoco una energía desbordante que se transmite a todo el metraje y que le hace pasearse por Italia, Corea y buena parte de EEUU, siempre cámara en mano y, aparentemente, filmándolo todo. Una pasión que se contagia con facilidad al espectador que termina participando de su aventura y empatizando con un personaje que nunca vemos.

Aunque abusa un poco de la voz en off del propio director, la película tiene un ritmo ágil y está salpicada de gotas de humor que la hacen bastante placentera (los Coen que deben 600 dólares al videoclub, algunos personajes que encuentra en Italia…), y de un buen número de fragmentos de películas colocadas con precisión en el relato y que, agradable detalle, están identificadas con un rótulo con su título, año y director/a. Se echa en falta, eso sí, no aprovechar más el personaje de Kim, en principio un ente invisible al que todo el mundo parecía temer, después hombre de negocios que no quiere saber nada con su pasado y, finalmente, colaborador necesario en un trato con las autoridades italianas que sugiere un mundo de intereses bastante poco decente.

Quizás la cosa daba más de sí en un formato de ficción que hubiera potenciado el carácter de thriller y los apuntes de comedia que tiene el documental, pero es un producto muy interesante que es capaz de mezclar géneros y estilos sin que chirríe, hacer una reflexión sobre el cine, manifestar un amor obsesivo por las películas y recuperar la nostalgia de aquellas estanterías cargadas de estuches con cine de todo tipo a la espera de ser alquiladas. Enérgica y deliciosamente cinéfila.

 Disponible en Filmin

Dirección: David Redmon, Ashley Sabin

Guion: David Redmon, Ashley Sabin

Documental

“PERFECT DAYS”. Hirayama en su mundo.

F. Lorza

 Es esta una película que se mueve en un tono y unas cadencias a las que ya no estamos acostumbrados y, aún así (o precisamente por ello), es una cinta deliciosa, entrañable, intensa, una maravilla.

Nos cuenta el día a día (esos días perfectos del título) de Hirayama, un hombre maduro que trabaja limpiando los lavabos públicos de Tokio. Con su mono de trabajo y su furgonetilla, el protagonista pone un extraordinario esmero (casi parece una cuestión pasional) en dejar impecable cada rincón de esos lavabos de diseño moderno, magníficos, dignos de un tour turístico propio. La película se toma su tiempo en describir sus rutinas: levantarse, recoger el tatami, el café de la máquina, mirar al cielo, la foto en el parque, la comida, la visita al bar, la lectura, la comida del fin de semana…  Wenders lo va trufando con pequeñas historias, algunas son simples anotaciones (el niño perdido en el lavabo, la joven que come junto a él…) y otras, con algo más de entidad, dan consistencia al relato (el compañero de trabajo y el niño que es amigo de sus orejas y la visita de la sobrina principalmente). Luego hay dos elementos que más que narrativos, son pura sugerencia y que he encontrado magníficos: por un lado esos temas musicales que lleva en casetes (cuando la sobrina le pregunta si están en Spotify, él dice que no conoce esa tienda) y que se oyen cada vez que hace un desplazamiento en la furgoneta; y por otro lado, esos sueños en blanco y negro que son como sombras que se superponen y que no llegan a tener una definición clara y concreta.

Añadamos una actuación magnífica de Koji Yakusho como protagonista, un personaje que apenas habla (hay momentos en que parece una película muda), un formato casi cuadrado que encierra un Tokio sorprendente, una fotografía muy bonita y un montaje que dota al relato de una dinámica suave y agradablemente rítmica.

Quien esto suscribe ha disfrutado mucho con un retrato tan humano y cálido que huye de toda artificiosidad y encuentra en lo cotidiano, en lo sencillo y en lo mínimo la grandeza y su razón de ser. Magnífica.

Estreno: 12 enero 2024

Dirección: Wim Wenders

Guion: Takuma Takasaki, Wim Wenders

Reparto: Koji Yakusho, Yumi Aso, Tokio Emoto, Sayuri Ishikawa, Tomokazu Miura, Arisa Nakano, Min Tanaka, Aoi Yamada

“EL RAPTO”. Con la Iglesia hemos topado.

F. Lorza

 A Bellocchio hay que apuntarlo en el paquete de directores octogenarios (84 concretamente) que siguen en activo y que aún son capaces de ofrecer películas interesantes. Hace unos años vimos “El traidor” (2019), con un inconmensurable Pierfrancesco Favino, y ahora nos llega esta película que nos habla de una iglesia inquisidora, que se cree con derecho a todo (o casi todo) en aras de una evangelización/conversión como mandato divino y que se aplica, si es necesario, a sangre y fuego.

Nos cuenta la historia (real) de Edgardo, un niño de familia judía en la Bolonia de mediados del XIX, que es arrebatado de los brazos de sus padres alegando que fue bautizado por la sirvienta de la casa cuando, años atrás, estuvo a punto de morir. El inquisidor que determina el rapto y el Papa Pío IX que lo usa como emblema de su poder, son los pilares visibles de esta institución despiadada, envuelta en continuas guerras y conflictos, jerarquizada como un ejército y bastante deshumanizada. También es verdad que el retrato que se hace de ellos es demasiado monocolor, sin aristas y, por tanto, excesivamente simple, que Bellocchio no se anda con sutilezas y nos presenta un inquisidor al que solo le faltan los cuernos y la cola y un Papa más cercano al dictador ególatra y perverso que a un personaje religioso.

Se apoya la película en una exquisita ambientación y una iluminación preciosa que saca buen provecho de unos interiores magníficos, unas actuaciones muy sólidas (el niño que interpreta a Edgardo está fenomenal) y un guion que no cae en lo fácil ni tira por caminos previsibles. El contraste entre los ritos cristianos y los judíos, y una parafernalia religiosa muy bien colocada hacen el resto.

Quizás le sobren algunos minutos, pero es una película intensa, beligerante, clara e incluso hermosa.

Estreno: 12 enero 2024

Dirección: Marco Bellocchio

Guion: Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli, Edoardo Albinati, Daniela Ceselli

Reparto: Fabrizio Gifuni, Filippo Timi, Barbara Ronchi, Fausto Russo Alesi, Corrado Invernizzi, Alessandro Fiorucci

“PALACIO ESTILISTAS”. La peluquera cinéfila.

F. Lorza

Es esta una película con claras pretensiones de producto kitsch y colorista tirando al cine de Almodóvar pero que se queda en algo cercano a lo hortera y bastante deshilachado. También tiene algunos toques gamberros y otros algo absurdos pero no dejan de ser apuntes aislados en una global que no termina de armarse y formar un conjunto coherente. Al menos, a quien esto suscribe, le ha parecido una película cargada de buenas y divertidas intenciones, que tiene elementos interesantes en sí mismos pero que no logra un tono concreto y se queda en tierra nadie; seguro que hay a quien esto no le importe lo más mínimo y disfrute con esta propuesta modernilla sin demasiadas pero pretensiones, pero a mí su planteamiento y su montaje no me ha dejado entrar en la historia ni disfrutar de sus vericuetos, cuestión de gustos, supongo.

Se nos cuenta la historia de Juana (Goya Toledo) una peluquera que quiere hacer su segunda película y que intenta hacer chantaje a un empresario (Juanma Lara) que ha contaminado un río en Méjico y la de la boda de la hija de este (Sandra Martín) con un pringadillo (Álex Peral) al que quieren endosar el muerto, todo aderezado con el enamoramiento de la ayudante de Juana, la pitonisa interpretada por Lolita, el padre de Álex (Carlos Hipólito), un matón de tres al cuarto con acento argentino e incluso un desenlace a lo telenovela sudamericana. No dudo que todo ello tenga su gracia, y uno diría que los actores se lo han pasado bien interpretando a unos personajes tan alejados y un pelín estrambóticos, pero es que la cinta es un “puedo pero no me atrevo” y se queda a medio camino de todo aquello que apunta: no tiene el encanto de una comedia almodovariana ya que sus personajes no adquieren ninguna profundidad, no llega a ser lo gamberra, sarcástica, mordaz o surrealista que podía haber sido y tampoco logra un lenguaje o tono propio que la haga diferente e interesante. Al final no se sabe si es un vodevil de tono controlado o, simplemente, que no ha sabido llevar la cosa a su punto justo.

Estreno: 12 enero 2024

Dirección: Moisés Martín

Guion: Moisés Martín

Reparto: Goya Toledo, Carlos Hipólito, Pastora Vega, Lolita Flores, Julia Fernández, Juanma Lara, Sandra Martín, Ramiro Blas.

“BEEKEEPER. EL PROTECTOR”. Todo por la colmena.

F. Lorza

De David Ayer recuerdo con agrado “Corazones de acero” (2014), una película trepidante con un tanque y un Brad Pitt muy en su sitio, pero el resto de su filmografía creo que se apunta al cine anodino, ruidoso y de consumo fácil, “Escuadrón suicida” (2016) incluido. Esta que nos ocupa ahora también se apunta al grupo. De Jason Statham, ya se sabe, mucho rictus amenazador, mucho físico y muchos muertos y heridos.

Aquí Statham es un miembro retirado de los Beekeeper, un grupo de élite, secreto (por supuesto) encargados de mantener el equilibrio en la colmena, o sea en USA, perdón, en el mundo. Su tranquilidad como apicultor (así se afianza la metáfora) se ve rota cuando un grupo de ciberdelincuentes estafan a su vecina (la única persona que ha cuidado de él, ¡oh ternura!) y la mujer no puede superar haber perdido y lo suyo y lo ajeno que ella administraba. Después, ya se sabe, el amigo de las abejas dará su merecido a los avispones malvados (seguimos con la metáfora) y todos contentos a casa sin tener que preocuparnos por nada.

Intenta la película coger un poco de profundidad con esto de la colmena/sociedad y el rollo de cambiar la reina cuando esta no cumple con corrección su función, pero no pasa de ser un mero pretexto para lo que realmente interesa, ya se sabe, cómo se las arreglará para poner orden, cuantos cráneos, piernas, brazos y costillas va a romper y cuantos cadáveres van a quedar tendidos cuando se marche en cámara lenta del escenario arrasado. El hecho de que el malo (un eficiente Josh Hutcherson) termine siendo el hijo de la presidenta de EEUU tiene su qué pero tampoco va mucho más allá, al igual que la presencia de un Jeremy Irons que pasaba por allí y de un par de agentes del FBI totalmente desubicados.

Hay que reconocerle, eso sí, que la película da lo que se espera de ella: mucha acción, poca charla, muchos excesos, un sonido atronador, un montaje aceleradísimo y una impecable fotografía. Otras cosas hay que buscarlas en otras propuestas.

Estreno: 12 enero 2024

Dirección: David ayer

Guion: Kurt Wimmer

Reparto: Jason Statham, Josh Hutcherson, Jeremy Irons, Emmy Raver-Lampman, Bobby Naderi, David Witts, Michael Epp

“YANNICK”. Un espectador con pistola.

F. Lorza

Viniendo del autor de “Fumar provoca tos”, “Mandíbulas”, “La chaqueta de piel de ciervo” o “Rubber”, uno espera una película gamberra, inclasificable, fuera de tono, sorprendente e incluso irreverente; y sin embargo se encuentra con una pieza sencilla, pequeña, incluso amable, en la que acaba reinando una ternura algo incómoda, donde la falta de cariño y la soledad dominan un relato que no hace sangre, no termina de desmadrarse y nos deja boquiabiertos, un tanto perplejos, agradablemente perplejos.

En unos muy ajustados 64 minutos de metraje se nos cuenta la historia de Yannick, un joven vigilante de parquin que acude a ver una función de teatro para la que ha pedido un día libre; ante lo que él considera una falta de calidad artística y una falta total de respuesta a sus expectativas de entretenimiento, decide detener la obra, expresar su malestar y, posteriormente y pistola en mano, obligar a los actores a representar lago que escribe él mismo.

Sin salir del teatro, Dupieux juega hábilmente con la ambigüedad de un Yannick siempre a caballo entre la locura, el desequilibrio, la fragilidad y el encanto. No hay malos en esta película de personajes melancólicos y tristes, y Yannick se nos presenta con una mochila bastante grande de vida desgraciada pero, a pesar de todo, con un toque humano muy entrañable que nos hace empatizar con él. El humor se cuela sutilmente a  y la película se escapa del terreno conocido, de lo previsible, sin salirse nunca de una normalidad aparente que le otorga un ritmo y una atmósfera muy suaves, agradables, incluso delicados. Siendo prácticamente un mediometraje, la historia no necesita profundizar ni enroscarse en ningún hilo narrativo: de la duda inicial de si se trata de la propia obra o es realmente un espectador enfadado, pasamos a un impasse en el que Yannick toma las riendas de la representación, hace participar al público y luego pone a los actores frente a su propia y triste realidad, para desembocar en un final un tanto amargo, triste y hermosamente sugerente.

Excelente la interpretación de Raphaël Quenard, que nos ofrece un Yannick encantadoramente desquiciado y de un Pio Marmai que hace creíble un personaje al borde de la caricatura. Una planificación efectiva y un ritmo ágil configuran esta sátira tan tierna como contundente sobre las soledades, el arte y un público que no se mueve de sus butacas aunque no les guste la obra.  Una película llena de vida y muy entretenida.

Disponible en Filmin

Dirección: Quentin Dupieux

Guion: Quentin Dupieux

Reparto: Raphaël Quenard, Blanche Gardin, Pio Marmai, Sébastien Chassagne.

“THE BEACH HOUSE”. De juerga en Magaluf.

F. Lorza

Es esta la historia de tres jóvenes, más bien adolescentes, que han ido a la casa de uno de ellos en Magaluf a disfrutar de la bebida sin freno y de las extranjeras con ganas de juerga y sexo, al menos eso creen ellos. Como la parte de debajo de la casa está alquilada a turistas, deciden instalar unas cámaras para ver lo que allí ocurre; esto, unido a un par de rusas de muy buen ver, las consabidas borracheras y un grupo de mafiosos, serán los ejes (o la excusa argumental) de una historia sin demasiado recorrido y que únicamente coge una cierta fuerza en su tramo final.

Sin ser una película torpe, más bien todo lo contrario, la historia resulta demasiado esquemática y superficial, tirando la mayor parte del metraje de tópicos del turismo de borrachera y sin trascender la simple línea de unos chavales babeando por chicas a las que nunca logran tener acceso y una pequeña historia de enamoramiento bastante simpática que tiene en su final (de nuevo) lo más interesante.

Los actores protagonistas logran dar a sus personajes un grado aceptable de naturalidad y resultan más o menos convincentes, pero ninguno de los secundarios tiene entidad propia y no parece haber ningún interés en indagar en ciertos comportamientos, motivaciones o conflictos de las que llevan a estos adolescentes a excederse con el alcohol, el sexo, las drogas y barbaridades como el balconing; todo ello presente en el relato pero más como puro argumento narrativo que como tema a tratar.

Así, todo resulta demasiado ligero, epidérmico, y en algunos momentos incluso repetitivo. Como digo, le salva ese final valiente, tirando a terrible en el que desemboca esta película más bien anodina aunque disfrutable y, según como, interesante.

Disponible en Filmin

Dirección: Hèctor Hernández Vicens

Guion: Hèctor Hernández Vicens

Reparto: Albert Carbó, Francesc Colomer, Martí Atance, Nina Guseva, Mirela Balic, Tony Corvillo

“FALLEN LEAVES”. Trabajadores en precario.

F. Lorza

Uno está viendo esta película y se pregunta (por enésima vez con el cine de Kaurismäki) cómo es posible que con unos personajes tan esquemáticos, unas situaciones tan sencillas (simples también sería adecuado) y una planificación tan minimalista y estática, logre captar el interés del espectador, acercarnos a sus criaturas, empatizar con ellas y, encima, hacernos padecer y, sobre todo, reír.

Se nos cuenta la historia de Ansa (Alma Pöysti) y Holappa (Jussi Vatanen), ella trabaja en un supermercado, de reponedora, y él en un almacén de piezas de desguace limpiándolas de óxido. Un día coinciden en un karaoke y se inicia una relación dificultada por el alcoholismo de él, un problema que le ha costado varios puestos de trabajo; dos claros ejemplos de trabajo precario y de esta población, cada vez más numerosa, que componen los trabajadores que no salen de la pobreza.

Como en el mejor cine de Kaurismäki, aquí se habla poco, cada escena parece un bodegón humano donde solo se mueve lo imprescindible, los personajes se relacionan a base de silencios y frases mínimas, las situaciones son de un simplismo desbordante y el humor se cuela entre todo ello de forma abrupta, sin previo aviso, sin ningún tipo de acompañamiento pero de forma muy efectiva.

Domina en el retrato esa condición de trabajadores precarios, de faenas nada gratificantes, sueldos escasos, contratos basuras (de cero horas le dice Ansa a su encargado) y despidos exprés por cualquier motivo. Entre la precariedad laboral y la precariedad sentimental, Kaurismäki vuelve a ofrecernos una comedia romántica clásica, absolutamente atípica en el como, con una mirada desoladora sobre una humanidad deshumanizada y unos personajes que, a pesar de todo, acaban siendo entrañables. Historias que, sin saber como, te llegan al corazón y dignifican a unos trabajadores en precario que podían ser caricaturas de ellos mismos y de cualquiera de nosotros, y que acaban siendo melancólicos espejos de nuestros días.

Premio del jurado en Cannes 2023.

Estreno: 27 diciembre 2023

Dirección: Aki Kaurismäki

Guion: Aki Kaurismäki

Reparto: Alma Pöysti, Jussi Vatanen, Janne Hyytiäinen, Nuppu Koivu, Alina Tomnikov, Martti Suosalo, Maria Heiskanen

“DISCO BOY”. Soldado o clandestino.

F. Lorza

Aleksei (Franz Rogowski) es bielorruso y junto con su amigo Mikhail aprovechan un visado de tres días para ir a un partido de fútbol a Polonia para escapar hacia Francia; una vez allí, se alistará en la legión extranjera donde prometen la nacionalidad francesa y el pasaporte al cabo de unos años.

La huida hacia París, la formación en la legión, una misión de rescate en Níger, un episodio intermedio en este país africano protagonizado por Jomo, líder de un movimiento rebelde del delata del Níger que lucha contra la explotación petrolera desbocada y la corrupción política del país, y la vuelta a Francia serán los bloques que configuran esta película de difícil clasificación.

La cinta aborda temas de migración, colonización, explotación de países subdesarrollados, bélicos y, sobre todo, la influencia de todo ello en un personaje migrante por necesidad y soldado como única vía para dejar de ser clandestino. Y lo hace en un tono extraño, sin demasiadas explicaciones, simplemente siguiendo a su personaje, tan taciturno, silencioso y opaco como la propia película. Así, la narración parece, en algunos momentos, algo errática y da la impresión de no tener claro el objetivo que persigue, uno no sabe bien si se escatima información, si es que no quiere moverse del exclusivo punto de vista de su protagonista, o si se trata de compartir con él un continuo estado de presión y de poca perspectiva de futuro (o todo a la vez).

Sin embargo, y a pesar de la extrañeza que provoca, Franz Rogowski logra, en la piel de Aleksei, hacernos partícipe de su infierno particular, la película acaba dibujando un universo terrible y tangible y, finalmente, nos logra vender ese mundo difícil y casi fantasmal en el que Aleksei se ha visto inmerso.

Extraña, incómoda y muy sugerente. Ganadora en Berlín 2023 del Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente por la fotografía de Hélène Louvart.

Estreno: 27 diciembre 2023

Dirección: Giacomo Abbruzzese

Guion: Giacomo Abbruzzese

Reparto: Franz Rogowski, Morr N'Diaye, Laetitia Ky, Robert Wieckiewicz, Leon Lucev, Ash Goldeh, Matteo Olivetti

“LA SOCIEDAD DE LA NIEVE”. Cine impecable.

F. Lorza

No se le puede negar a Bayona la maestría para realizar un producto impecable, sin fisuras, de formas casi perfectas, escenas bien montadas y un conjunto que funciona de forma precisa. Todos sabemos la historia, así es que conocemos el desenlace y, a grandes rasgos, lo que ocurrió en esos más de dos meses perdidos en la montaña a esos 45 pasajeros que volaban de Uruguay a Chile. Dado que el qué es de dominio general, el atractivo ha de estar en el como, por supuesto. Y en ese como, lo que más destaca (además de la precisión narrativa) es la contención con que Bayona ofrece los elementos esenciales de la historia: la relación entre los personajes, las decisiones que hay que tomar, los dilemas que se presentan, los roles dentro del grupo, las tragedias de cada día, la solución de problemas… dejando lo grandilocuente, lo espectacular, para las dos escenas más vistosas y espectaculares (el accidente del avión y la avalancha de nieve) y esos paisajes a vista de dron que nos muestran una naturaleza inmensa y un grupo de personas reducidos a simples puntos negros sobre un blanco infinito.

Después queda un blockbuster de libro, en el que se ofrecen todos los elementos necesarios para un producto de todos los gustos, que no hiera a nadie y que deje esa sensación de haber visto una gran historia. Así, y sin necesidad de ser reiterativo o recalcar lo obvio, adquiere notable importancia el valor del grupo, la necesidad de liderazgo y la igualdad de todas las personas que conviven/sobreviven; los momentos emotivos y los trágicos están milimétricamente colocados y tienen una funcionalidad precisa; los flash-backs son puntuales y muy escuetos de manera que no interrumpen la narrativa; y solo faltaría la historia romántica que, por razones obvias no tiene cabida en el relato.

Destacar, por último, un espectacular diseño de sonido, que junto a la banda sonora de Michael Giacchino y el uso de primerísimos planos y grandes angulares, logran completar esa atmósfera de contrastes: lo enorme de la naturaleza frente a la pequeñez humana, el frío de la montaña frente a la calidez de los cuerpos, la belleza del paisaje frente a su amenazadora infinitud…

Queda pues, una película técnicamente admirable pero que no aporta grandes cosas, un film que no va más allá de su propia historia y que no logra, y seguramente tampoco pretende, convertir su relato en algo más que una historia de amistad y supervivencia que ya conocemos y que ya hemos visto otras veces.

Estreno: 15 diciembre 2023

Dirección: J.A. Bayona

Guion: J.A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marqués, Nicolás Casariego. Libro: Pablo Vierci

Reparto: Rafael Federman, Enzo Vogrincic, Fernando Contingiani, Matías Recalt, Esteban Bigliardi, Agustín Pardella, Felipe Ramusio, Simon Hempe, Felipe González Otaño, Juan Caruso