FUERA  de  CAMPO

“EL ÚLTIMO SUSPIRO”. La vida al final de la vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Basada en la novela “Le dernier soufflé” de Régis Debray y Claude Grange, esta última película de Costa-Gavras (no perder de vista que tiene 92 años) nos habla de la muerte en el momento en que se hace cercana, visible y amenzante, tema difícil y complejo que, parece, ahora nos va costando menos abordar. Fabrice (Denis Polaydés) es un escritor que ha publicado varios libros sobre el tema desde una perspectiva filosófica y que, al detectarle una pequeña mancha que puede ser el origen de un cáncer, entra en contacto con Agustin (Kad Merad) un médico encargado de una innovadora unidad de cuidados paliativos. Los miedos de Fabrice y los casos a los que se enfrenta Agustin forman un curioso, amplio y emotivo recorrido por diferentes formas de presentarse la muerte y de afrontarla, tanto por parte de los pacientes como de los familiares y el equipo del hospital.

A partir de las historias que Agustin narra y las situaciones a las que asiste Fabrice en calidad de observador, la película adquiere una estructura de cuentos enlazados por su temática (casos reales que podían haber dado para un documental) en los que cada uno aporta un dilema, un conflicto, una disposición: el caso de Mme Léonie (Françoise Lebrun) preocupada por lo que hay más allá de la muerte, el del personaje de gitana de Ángela Molina que retoma el tema de la eutanasia, el de la mujer que se lleva a su marido a casa pero que en realidad es una cuestión de dinero… y todo conforma un mapa para la reflexión que quizás sea algo simple y demasiado deudor de un carismático personajes, Agustin, extraordinariamente bueno pero que (al menos a quien esto suscribe) le pareció un discurso intenso, que aporta muchas e interesantes perspectivas y que logra una emotividad sincera y valiosa.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Costa-Gavras

Guion: Costa-Gavras. Libro: Régis Debray, Claude Grange

Reparto: Denis Podalydès, Kad Merad, Ángela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard, Marilyne Canto, Fabrice Scott, Jochen Hägele, Jade Phan-Gia, Xavier Maly, Agathe.

“LA ISLA DE LOS FAISANES”. Frontera.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hendaya, el río Bidasoa marca la frontera entre Francia y España y en medio del río la Isla de los Faisanes, un condominio que medio año pertenece a España y otro medio a Francia; la aparición de un cadáver en la isla, el día que se hace el intercambio de posesión. Este es el arranque de esta película que nos coloca en un espacio en el que conviven lo francés, lo vasco y lo español y que se centra en tres personajes. El primero es Sambou que es de Irún, habla euskera y trabaja haciendo gigantes, pero que tiene que enseñar su documentación cada vez que cruza el puente porque es negro. El segundo es Laida, la pareja de Sambou con el que también trabaja, es del país y a ella no le piden la documentación. Y el tercero es Nassim, el joven que Laida ha sacado del río cuando estaba intentando cruzarlo junto a su amigo Omar que ha desaparecido.

Una primera parte se centra en la pareja que forman Sambou y Laida y se nos hace un retrato bastante interesante de un espacio de tránsito, fronterizo, donde ha arraigado la multiculturalidad y conviven con naturalidad las tres lenguas sin perder su identidad de población euskera. Tras el rescate de Nassim y la paralización que sufre Sambou, incapaz de lanzarse al agua, la película se centra en los cambios que se producen entre ellos dos y, sobre todo, en los intentos de Laida por encontrar a Omar y ayudar a Nassim. Finalmente, la película opta por un cierre simpático, bastante más optimista que el resto de la cinta, en una ingeniosa combinación de cultura popular, justicia poética y esperanza de futuro.

La película es, por tanto, una propuesta sobre la migración, la búsqueda de un futuro, la imposibilidad de “cambiar el mundo en un solo día” (palabras textuales del personaje de Nere) y la necesidad de hacer pequeños gestos que puedan cambiar el destino de, al menos, una persona.

Urbieta pone la película en manos (más bien el rostro) de Jone Laspiur y resulta muy fácil embarcarse en el viaje que nos propone, en ese constante fluir del río y en el cruzar el puente que hace de frontera invisible (de esas que creamos las personas). Todo con un tono pausado y sin estridencias, una fotografía bastante oscura que acentúa ese ambiente siempre húmedo y lluvioso de Euskadi y unos diálogos bien ajustados que saben hacer silencio cuando sobran las palabras. Queda una película para saborear, suave pero contundente, de las que te atrapan.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Asier Urbieta

Guion: Asier Urbieta, Andoni de Carlos

Reparto: Jone Laspiur, Sambou Diaby, Ibrahima Kone, Ximun Fuchs, Itziar Ituño, Aia Kruse, Jon Olivares, Rodonny Perriere

“SUJO”. Huérfanos de un país en llamas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Producción mejicana dirigida por dos mujeres, Fernanda Valadez y Astrid Rondero, que nos habla, como dice la dedicatoria final, de los huérfanos de ese país en llamas. Nos cuenta la historia de Sujo (muy bonito cuando descubrimos el porqué del nombre), un chaval al que le mataron el padre, un sicario, cuando era pequeño; después de su muerte, Sujo queda bajo el cuidado de su tía en un lugar apartado en el campo y, tras algunos trabajos en el tráfico de drogas, acabará en Méjico DC trabajando y acariciando el sueño de acudir a la universidad. A su alrededor, el conocido ambientes de clanes y mafias con escaso apego a la vida ajena y bastante al tráfico ilegal y el dinero fácil; y unas mujeres, aquí encarnadas en las dos tías y la fantástica profesora de la universidad que interpreta Sandra Lorenzano, que suponen el lado humano, protector y resiliente ante tanto incendio.

Un relato de madurez en medio de una de las mayores barbaries del planeta (aunque aquí la violencia queda casi siempre como aterrador telón de fondo), para nada convencional, que basa su fuerza en esa atmósfera amenazante y en el terror en sordina que apenas permite la dignidad y la esperanza. Una película que plantea, fundamentalmente, la posibilidad y la necesidad de cambiar el destino.

Peca la película de un metraje excesivo, las más de dos horas de duración se podían haber recortado sin problemas, lo que provoca algunos momentos repetitivos y la sensación de que le cuesta avanzar. En la segunda parte la película coge fuerza y crece hasta convertirse en una cinta brillante, intensa y dura.

Estreno: 25 abril

Dirección: Fernanda Valadez, Astrid Rondero

Guion: Fernanda Valadez, Astrid Rondero

Reparto: Juan Jesús Varela, Yadira Pérez, Alexis Varela, Sandra Lorenzano, Jairo Hernández, Kevin Aguilar, Karla Garrido

“MI VIDA A LO GRANDE”. Cosas de adolescentes.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Las películas en stop-motion tienen una gran ventaja: suavizan los mensajes más duros y hacen mucho más queribles a unos personajes que, a pesar de su artificiosidad, nos acaban resultando cercanos, entrañables, vulnerables, simpáticos…

Esta producción checa es buen ejemplo de ello. Es la historia de Ben, un adolescente con problemas de obesidad, de amores y de bullying escolar, que intenta superar la situación a base de ingenio, buen humor y haciendo dieta para conquistar a ala chica de sus sueños. Lo mejor de la propuesta es que el protagonista no se plantea como una víctima total, que es lo que acostumbramos a ver, sino que es un personaje que responde con sarcasmo e ingenio, que no se rinde, que tiene su encanto (no se recurre ni a la pena ni al victimismo) y que desarrolla una gran autonomía y una personalidad consolidada. También es de agradecer que la trama no se centre solamente en uno o dos hilos fundamentales y que se trate al personaje con cierta complejidad. Así, están muy bien descritas la pasión por la música y lo que ello comporta como estilo de vida, el despertar al amor adolescente, la pandilla con la que crece, madura y en la que se apoya, la relación con la madre (una muy peculiar veterinaria), con el padre divorciado y su nueva novia, los continuos choques con los matones del cole, inteligentemente matizados, y, sobre todo, su proceso de autoafirmación, su visión de sí mismo y su autoestima.

Una película deliciosa, plásticamente realista a pesar de la dureza del diseño de las caras, hecha con muchísimo cariño (se nota) y que se degusta con auténtico placer.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Kristina Dufková

Guion: Petr Jarchovský, Barbora Drevikovska, Anna Vásová. Novela: Mikael Ollivier

Animación

“TODO LO QUE NO SÉ”. Angustioso proyecto de vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Ópera prima de Ana Lambarri, “Todo lo que no sé” nos cuenta la historia de Laura (estupenda Susana Abaitua), una mujer en constante crisis: laboralmente se ha quedado sin financiación para continuar con un proyecto informático de esos de diseñar algoritmos, sentimentalmente su relación con Xavi empieza a hacer aguas, y familiarmente está padeciendo la enfermedad terminal del padre y la convivencia se agrava por el autoritarismo de una hermana controladora y exigente y por una madre que no parece ejercer demasiado de madre; para rematarlo la amiga con la que vive ha decidido casarse y tendrá que abandonar el piso que comparte con ella. Ante tanta adversidad bien podría haber sido una comedia al uso, o un drama de los que no tienen piedad con su personaje sometiéndolo a todo tipo de desgraciadas. Nada de eso le interesa a Lambarri, más preocupada por el retrato de Laura, por su incapacidad para comunicarse y para tomar decisiones cruciales en los momentos importantes.

Tiene la película un tono muy acertado, que se sustenta ante todo en la notable interpretación de Abaitua capaz de matizar cada gesto, cada situación y cada giro emocional; es ella la que proporciona cierta profundidad al relato y le impide caer en lo obvio y previsible. Sin embargo, la historia pedía algo más de garra y de intensidad y se queda un poco a medio gas; uno se queda con la sensación de una historia que daba para más, de que algo le falta, o quizás es simplemente que, a pesar de ser una propuesta interesante y bien planteada, no logra sorprendernos o llegarnos al alma, que es lo que hubiéramos deseado.

Queda una interesante ópera prima, capaz de meternos en el mundo difícil de un personaje que intenta levantar un proyecto de vida que resultará angustioso porque no consigue darle la perspectiva adecuada; y lo hace sin caer en lo simple ni en lo facilón y creando un universo bastante sólido. Habrá que seguir la pista a la directora, que promete.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Ana Lambarri

Guion: Ana Lambarri

Reparto: Susana Abaitua, Natalia Huarte, Francesco Carril, Andrés Lima, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Fran Cantos, Mark Schardan

“THE END”. Distopía en la mina de sal.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

A Joshua Oppenheimer le debemos dos interesantes documentales sobre los escuadrones de la muerte indonesios, “The act of killing” (2012) y sus víctimas, “La mirada del silencio” (2014). Ahora se descuelga con una curiosa película que quiere ser un musical (hay canciones pero apenas hay coreografías, no al menos en el sentido clásico) que nos habla de una familia que vive en un lujoso búnker dos décadas después del fin del mundo. El búnker, que es una casa con todos sus detalles (con piscina y gran cantidad de obras de arte en las paredes incluidas), está construido en el interior de una mina de sal, lo que proporciona unas imágenes realmente espectaculares, hermosas y sugerentes, y permite, sin salir al exterior, crear esa atmósfera distópica que contrasta con el clasicismo y el ambiente natural de la casa. La llegada al lugar de una chica de color que ha dejado atrás a su familia provocará la agitación de la apacible vida familiar, el interés del hijo que nunca ha visto el exterior y el descubrimiento de algunos pasados inconfesables.

La idea es buena, muy buena diría yo, y en un principio resulta atractiva, interesante y bastante inquietante, pero llegados a la mitad del metraje uno descubre que casi todo es ruido, que es más una cuestión de pose que de chicha, y la película comienza a resultar repetitiva, anodina y, lo peor, aburrida.

Una vez pasada la primera sorpresa, y a pesar del esfuerzo de unos actores totalmente entregados, las dos horas y media de duración se vuelven tediosas y agotadoras y a los temas planteadas no se les otorga ningún desarrollo (y eso que la idea de que los habitantes de la casa son, en realidad, responsables de la catástrofe, daba mucho juego). Una pena, podía haber sido una película para celebrar y a uno le queda, solamente,  ese buen sabor de un escenario impresionante y esa imagen de unas enormes mangueras de aire hinchándose.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Joshua Oppenheimer

Guion: Rasmus Heisterberg, Joshua Oppenheimer

Reparto: Moses Ingram, Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Tim McInnerny, Lennie James, Bronagh Gallagher, Danielle Ryan

“UNA NOCHE EN ZOÓPOLIS”. Mascotas zombis.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hay que reconocerle a esta producción animada dos esfuerzos: el primero, el intento de hacer una película luminosa (a pesar de la temática) con mucho color, personajes simpáticos y un ritmo de los de no dar descanso; el segundo, la osadía de contar una historia para público infantil pero echando mano de zombis y elementos propios del terror (no apurarse, nada peligroso, que son animalitos y eso marca distancia, da margen de juego y acaba suavizando) un riesgo que, posiblemente, impida encontrar su público en esa franja de edad.

La trama se explica mejor desde el título original, “Noche en Zoopocalipsis” (más o menos) ya que nos cuenta una noche en un zoo (que recuerda bastante al de “Madagascar”) en el que cae un meteorito, un pequeño fragmento de asteroide que acaba en el estómago de un conejo transformándolo en un zombi super agresivo, de ojos luminosos, altamente contagioso y muy baboso. Le harán frente la protagonista, una loba joven y entusiasta, un puma que desea volver a la jungla, una cría de hipopótamo enano y el grupo que forman el capibara, el avestruz y un mono que alardea de ser el más inteligente.

La propuesta no ofrece nada destacable, pero sabe dosificar el humor y logra un film que tiene mucho de aventura y poco de terror y que acaba siendo bastante entretenido. Se cuela, como no, el mensaje en pro de la amistad, el trabajo en equipo y la importancia del grupo, de la manada. Nada nuevo en la jungla, digo en el zoo.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Ricardo Curtis, Rodrigo Perez-Castro

Guion: Steven Hoban, James Kee

Animación

“EL IDIOMA UNIVERSAL”. Todos estamos conectados.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Extraña, curiosa y muy singular comedia que fue candidata a los oscars por Canadá y que nos lleva a un no-lugar indeterminado entre Teherán y Winnipeg (la ciudad más poblada de la provincia canadiense de Manitoba, localizada en las praderas del Oeste de Canadá) en el que se entrecruzan una serie de personajes a cual más peculiar: dos niñas que encuentran un billete grande congelado en el hielo y que quieren sacarlo para comprarle a un compañero las gafas que ha perdido, un guía que dirige a un grupo de turistas por los lugares que él considera más emblemáticos de la ciudad, un trabajador de la oficina gubernamental en Quebec en viaje de visita a su madre… todos moviéndose por un espacio constantemente delimitado por muros, arcos, carreteras o paredes de edificios (muy en plan brutalista) que nunca vemos al completo y que crean una sensación muy original de laberinto urbano, rectilíneo e impersonal (sirva como ejemplo el “cementerio” que hay en medio de una intersección de carreteras), los rótulos y los personajes son persas  y la gente se comporta como si hubiese salido de una película iraní de Kiarostami o Panahi.. Los personajes, en la línea de los de Kaurimaski, se nos presentan con una actitud tirando a gélida, rígida y forzada y con una expresividad y unos diálogos escuetos. El resultado es un cruce muy chocante entre el cine de Wes Anderson (sin color), Jasques Tati (algo menos cómico), Kiarostami (pero sin pretensiones) y el citado Kaurismaki, muy curioso y bastante marciano todo.

El inicio es bastante desconcertante, cuesta un poco pillarle la intención y corres el peligro de que (antes de encontrarla) caigas en la sensación de que te están tomando el pelo. La segunda parte, ya metidos en harina, se dedica a entrecruzar los destinos de sus criaturas y hacer bueno lo que dice una de ellas de que estamos todos conectados, que parece ser el mensaje, o la excusa, de la película (hay incluso dos personajes que intercambian sus identidades y que, si has aceptado el juego propuesto, te puede llegar a parecer incluso lógico).

El propio director explicaba los elementos que originaron la película: por un lado la historia de su propia familia (su abuela, junto con su hermano se ve que encontraron en plena depresión un billete de dos dólares congelados en el suelo), por otro algunos sueños desconcertantes que tuvo tras la muerte de sus padres y por otro su fascinación por el cine iraní, país al que viajó de joven con la intención de estudiar cine con los grandes maestros.

Sea como fuere, “El idioma universal” es una película que crea un universo absolutamente personal (e intransferible) un juguete narrativo que, finalmente, resulta un artefacto político muy crítico con una sociedad tan polarizada como la nuestra. Si te van las rarezas es absolutamente disfrutable.

Disponible en Filmin

Dirección: Matthew Rankin

Guion: Ila Firouzabadi, Pirouz Nemati, Matthew Rankin

Reparto: Rojina Esmaeili, Saba Vahedyousefi, Sobhan Javadi, Pirouz Nemati, Matthew Rankin, Mani Soleymanlou

“EL REINO DE LA MAFIA”. La hija del capo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El cine de mafiosos, gánsteres, padrinos y similares lo podríamos considerar un género sobresaturado, en el que se han visto (y se ven) obras de todo tipo y pelaje. Predominan, ya se sabe, las historias épicas, incluso de ensalzamiento del malvado, con ese tono de romanticismo alrededor de una figura que siempre ha parecido más de película que de realidad. Sin embargo, siempre hay títulos que rompen con el molde, que nos ofrecen una visión diferente, un tono nuevo y una forma de mirar alejada del tópico. Es el caso de esta “El reino de la mafia” que ya desde el título original (un simple “El reino”) opta por lo escueto, lo calmo, lo reflexivo y lo íntimo.

Se nos cuenta la historia de Leisa, una adolescente de la isla de Córcega que vive con su tía y una numerosa familia y que van a buscarla para pasar unos días con su padre, un jefe de un clan mafioso del que sabemos poco en lo que se refiere a negocios. Leisa tiene una gran debilidad por su padre pero apenas pueden compartir nada, las medidas de seguridad, el secretismo de lo que hacen, la vida eterna de situación de guerra… hacen que la relación sea difícil y distante. Tras un atentado y el inicio de lo que será una sangría entre clanes, padre e hija dispondrán de ese tiempo para estar juntos.

Pero no esperen nada parecido al melodrama, al cine romántico o la comedia lacrimógena. Colonna opta por un tono sin estridencias y da preferencia a la mirada de Leisa sobre el personaje de su padre y de su mundo, dos cosas que parecen deslumbrarla. La película juega constantemente con la convivencia de elementos brutales propios de las mafias y sus haceres y otros mucho más humanos, cariñosos e incluso tiernos que se producen en el contacto personal y la convivencia familiar; ello produce una sensación de realismo complejo que se escapa del simplismo de otros planteamientos, coloca el foco en sus personajes (que filma en planos muy cortos) y en sus relaciones, principalmente aquellas que están más cercanas al deseo que a la realidad. De la mirada inocente de una adolescente que solo quiere estar con su padre acabaremos en esa otra mirada final, dura y agresiva provocada por la violencia de los adultos.

Un film muy estimulante, diferente a lo que hemos visto, con unas actuaciones excelentes (a pesar de la poca experiencia de sus actores principales) y una mirada incisiva, profunda, tremendamente humana. Una muy grata sorpresa.

Disponible en Filmin

Dirección: Julien Colonna

Guion: Julien Colonna, Jeanne Herry

Reparto: Ghjuvanna Benedetti, Saveriu Santucci, Anthony Morganti, Andrea Cossu, Frederic Poggi, Régis Gomez, Thomas Bronzini, Pascale Mariani, Attilius Ceccaldi, Ghjuvanni Biancucci.

“LA HISTORIA DE JIM”. Paternidades.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El tema de quien es el verdadero padre, el biológico o el que cría, educa y ama a la criatura, es un asunto recurrente especialmente cuando se habla de adopciones, abandonos y cosas similares. Aquí también es el eje principal del conflicto, pero se aborda desde una perspectiva diferente: la del hombre que asumió una paternidad en el momento de nacer el Jim del título y que, posteriormente tuvo que renunciar a ella. El personaje en cuestión es Aymerich, interpretado por un inmenso Karim Leklou (el de “Vincent debe morir”), la bondad personificada aunque estuvo un par de años en la cárcel, un tipo encantador que se encuentra con Florence (Laetitia Dosch) una antigua compañera de trabajo embarazada de seis meses con la que formará pareja y se convertirá en el verdadero padre de Jim, el niño de ella; hasta que aparece Christophe (Bertrand Belin) el padre biológico, se forma un grupo familiar atípico y acaba separándose de ellos.

Podía haber sido un melodrama en toda regla, de esos que nos ponen al lado del protagonista (que tiene todo lo necesario para que lo queramos y lo admiremos en ese papel de héroe silencioso) y odiemos con visceralidad a los que provocan su sufrimiento, pero la película opta por un tono sencillo, sin abruptos, tan sutil, delicado y apacible como el paisaje en que viven; los personajes disfrutan de lo que tienen, aceptan los reveses del destino sin lloriqueos y la vida acaba devolviéndoles parte de las satisfacciones que se merecen. Resulta, por tanto, una película muy luminosa, muy agradable de ver, con momentos muy emotivos que no quieren ser sensibleros, un ambiente de postal y unos personajes dibujados impecablemente, profundos y complejos, como la vida misma.

Gran parte del mérito lo tiene Karim Leklou que compone un personaje encantador, que nunca cae en el tópico ni en el subrayado y que nos gana el corazón porque es un hombre realmente bueno. Magníficas también Laetittis Dosch como la madre de Jim y, especialmente, Sara Giraudeau, espléndida en la última pareja de Aymerich, una profesora a la que le encanta bailar y que es todo encanto.

“La historia de Jim” es una de esas películas que fluyen con suavidad, sin detenerse ni tropezar, y que, sin necesidad de trucos de guion, nos cuentan una historia fascinante sobre el valor de la paternidad, la de cuidar y querer, no la de engendrar.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Arnaud Larrieu, Jean Marie Larrieu

Guion: Arnaud Larrieu, Jean Marie Larrieu, Antoine Jaccoud. Libro: Pierric Bailly

Reparto: Karim Leklou, Laetitia Dosch, Bertrand Belin, Noée Abita, Andranic Manet, Eol Personne, Sara Giraudeau, Mireille Herbstmeyer, Suzanne De Baecque, Sabrina Seyvecou

“AMATEUR”. La venganza.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

James Hawes dirigió hace un par de años “Los niños de Winton” sobre Nicholas "Nicky" Wintoncon (Anthony Hopkins de mayor y Johnny Flynn de joven) que ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial; aunque lo que marca su trayectoria es una sustanciosa producción para plataformas, algo que se nota bastante en esta correcta y entretenida película que, a pesar del interés de su planteamiento, te acaba dejando algo frío.

Nos cuenta la historia de Charlie Hellman (un desaprovechado Rami Malek) brillante decodificador de la CIA que pierde a su mujer en un atentado terrorista en Londres, por lo que decide vengarse y acabar personalmente con los asesinos de su mujer. Lo mejor de la película es que el personaje y su venganza no caen en los tópicos de protagonista que se vuelve letal, aprende a matar y acaba con los malos a base de convertirse en una inverosímil máquina de destrucción (a lo Stallone, para hacernos una idea), Hell no sabe disparar, ni aprenderá y también es incapaz de matar a nadie en distancias cortas, algo es algo.

El mayor problema es que un personaje tan inteligente y con tantos recursos tecnológicos podía haber dado mucho más de sí y haber ofrecido un arco dramático y de desarrollo mucho más amplio e interesante, pero se queda en unas pocas ocurrencias para encontrar y tender la trampa mortal al malo de turno. Pasa lo mismo con la relación con su mujer, que se queda en lo anecdótico y solo sirve para justificar su decisión; y también con el tema de las prácticas ilegales dentro del sistema de seguridad nacional, algo que (como siempre) se queda en las manos manchadas de unos pocos y deja eximido al sistema.

La película, ya digo, es bastante entretenida pero el metraje de dos horas podía haber dado para una trama más compleja y ambiciosa que resulta bastante predecible. Malek aguanta un personaje que no evoluciona y que se centra exclusivamente en su venganza, Fishburne está magnífico como siempre y se intuye que podía haber sido un elemento más interesante y complejo, las chicas cumplen con su cometido aunque su recorrido es muy corto y los malos son eso, malos a los que esperamos castigar tarde o temprano.

Supongo que puede ser un buen ejercicio leer la novela de Robert Littell en la que se base y comprobar si en la transcripción se ha perdido ese punto de intensidad, pasión y sarcasmo que le falta a la película. Queda un film correcto, de fácil consumo, fácilmente digerible, muy en la línea de lo que ofrecen actualmente las plataformas.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: James Hawes

Guion: Ken Nolan, Gary Spinelli. Novela: Robert Littell

Reparto: Rachel Brosnahan, Rami Malek, Julianne Nicholson, Caitriona Balfe, Takehiro Hira, Holt McCallany, Laurence Fishburne, Alice Hewkin, Marc Rissmann, Adrian Martinez

“LA NIÑA DE LA CABRA”. Uno de todos los cuentos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película sobre una niña de 8 años, Elena, que vive en un barrio humilde de Madrid, que pierde a su abuela con la que tenía una estrecha relación y que está a punto de hacer la primera comunión. Elena conoce a Serezade, una niña gitana de más o menos su edad que “actúa” en las calles del barrio con sus padres y su cabra Lola (ya se sabe, aquel espectáculo tan peculiar en el que la cabra subía y bajaba una escalera a ritmo de trompeta). Ambientada en los años 80, resuena en la Tv de fondo el secuestro por Eta de Emiliano Revilla o las participaciones de El Pirri como peculiar crítico cinematográfico en el programa de TVE “Querido pirulí”.

La película es un retrato, con muchas notas autobiográficas, de esta infancia que se movía entre la vida familiar con sus lazos fraternales y sus apuros económicos, la relación con las otras niñas (las amigas del cole por un lado y la vida de escapada con Serezade por otro) y los iconos y la parafernalia cristiano-católica alrededor de un rito tan “obligado y caro” como la primera comunión (la cabra del título hace referencia tanto a la cabra Lola como a la imagen que el cura que prepara a los niños para la comunión les ofrece como imagen del mal provocando esos terrores que acompañaron y torturaron a más de una generación).

Como fresco de una época de la vida, y lo que hay de exorcización de demonios por parte de la propia directora, resulta una agradable y entrañable visión de la infancia y sus miedos, algo que se quiere relacionar con uno de esos cuentos de los que habla León Felipe en “Sé todos los cuentos”, que Elena le lee a la abuela y cuya hoja arranca del libro para llevárselo en su huida (y que el miedo del hombre.../ha inventado todos los cuentos./Yo no sé muchas cosas, es verdad,/pero me han dormido con todos los cuentos.../y sé todos los cuentos.).

Queda una película algo falta de intensidad y empaque, un cuento muy agradable y sincero que no suena a nuevo, que se acerca sin reparos al rostro y la mirada de una protagonista sencillamente encantadora.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Ana Asensio

Guion: Ana Asensio

Reparto: Alessandra González, Juncal Fernández, Lorena López, Javier Pereira, Enrique Villén, Gloria Muñoz, Zaira Romero, Silvia Torregrosa

“MISIÓN PANDA EN ÁFRICA”. Reciclado animado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una producción danesa que deja una sensación, en realidad nada desagradable ni negativa, de estar construida con elementos muy populares de otras producciones de éxito; pero lo hace con tal descaro y naturalidad que acaba siendo una propuesta simpática, de visionado muy agradable y, aunque inocua, bastante digna.

El protagonista es un panda (sin kung-fu) que viaja a África para liberar a su amigo, la dragona Jielong (aquí sin entrenamiento) secuestrada por encargo de un grupo de leones para usarlo como arma contra las hienas. El príncipe de los leones es un cachorro algo descerebrado bajo la tutela de su tío, bastante malvado que no se llama Simba pero le falta poco (con roca de mostrarse a la subordinada sabana incluida).

Poco nuevo se ofrece y la historia es bastante previsible, pero la animación es colorida y más que aceptable (el agua en la tormenta está, por ejemplo, espectacular), la acción no decae en un montaje ágil, los personajes resultan entrañables y los diálogos tienen bastante chispa. El conjunto resulta, por tanto, entretenido y si no se le pide demasiado, uno pasa un buen rato placentero y la chiquillería seguro que la disfruta.

Queda, como es de rigor, ese mensaje de entendimiento necesario entre diferentes (aquí por la variedad de especies, el enfrentamiento entre leones y hienas y la amistad entre el panda y el dragón) el consabido canto a la amistad y a ese equilibrio natural que enriquece y mantiene los espacios. No es mala opción para llevar a los peques al cine.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Richard Claus, Karsten Kiilerich

Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich, Rob Sprackling

Animación

“LA LUZ DE AISHA”. Fuegos artificiales.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una coproducción entre España, Alemania y Singapur (ya se sabe, si se quiere hacer animación el esfuerzo y los gastos han de repartirse) dirigida por la iraní afincada en USA Shadi Adib que se estrena en el terreno del largo y con la participación del director de animación Raúl García responsable de personajes de la Disney como Aladdin o las hienas del Rey león.

Nos cuenta la historia de Aisha, una niña que vive en un reino del Al-Ándalus del siglo XI, donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Aisha quiere ser cohetera, pirotécnica más bien, y conseguir los hermosas y espectaculares fuegos artificiales de los grandes maestros. El reino tiene como califa un niño, pero quien realmente gobierna es su malvado tío; la llegada de un famoso alquimista y el robo de un libro muy valioso custodiado por el padre de Aisha conformará la trama de la película.

Tenemos, por tanto, una cinta con aires de cine de aventuras, protagonizada por una niña y un decorado resueltamente exótico donde hacer que los personajes corran y salten (quizás demasiado) se unan contra las amenazas y acaben haciendo realidad sus sueños. Nada nuevo.

La animación recuerda las texturas de la plastilina (cuando el agua del mar domina el plano uno hasta duda de si no lo es realmente) y luce un agradable y llamativo colorido que le da un tono muy alegre y positivo. Hay también un notable esfuerzo en proponer unas voces adecuadas y bien colocadas, para ello se ha echado mano de actores como Michelle Jenner, que le pone voz a la protagonista Aisha; Jordi Sánchez, que se encarga de la voz de Muthadi, el villano de la historia; o Nerea Rodríguez, que presta su voz a Nura, la amiga de Aisha, y se ha dado un tratamiento visual bastante atrevido a las bocas y sus movimientos. Pero lo mejor, sin duda, son esos decorados llenos de luz y de color que aportan un ambiente realmente delicioso.

La trama es sencilla y previsible y le falta al conjunto un poco de fuerza e intensidad, pero se ve con gusto, a la chiquillería seguro que le engancha y resulta bastante novedoso que todo gire alrededor de alquimias, pólvora y fuegos de artificio.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Shadi Adib

Guion: Xavier Romero, Llorenç Español. Historia: Martin Guido, Shadi Adib

Animación

“EL ARTE DEL PERDÓN”. Pintar el pasado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Primera película del artista Titus Kaphar, una obra autobiográfica muy aplaudida en el Festival de Sundance

, protagonizada por André Holland ("Moonlight") que nos cuenta la historia de un pintor que no logra superar los traumas de una infancia sumida en la violencia y la rigidez de un padre excesivamente autoritario y adicto al crack.

La película podía haber sido un melodrama como cualquier otro en el que Tarrell, el protagonista, está condenado a sufrir las secuelas de un pasado doloroso y a enfrentarse al regreso del padre y a su posible perdón, de ahí el título español que une las pinturas del protagonista con la llegada del padre redimido por la religión, aunque es más idóneo el original “Exhibiting Forgiveness” que es el título de la exposición final que Tarrell hace en la galería con todos los cuadros sobre su infancia que suponen la exorcización de sus viejos demonios. Digo que podía haber sido porque, sin despegarse demasiado del modelo habitual, Kaphar consigue una película diferente, bien entonada, muy contenida, bastante emotiva y bastante profunda. Cuenta para ello con unas actuaciones ajustadas y memorables que encabeza un André Holland totalmente entregado a su papel, un tono suave sin requiebros, un montaje ágil y un uso exquisito de la música y de las pinturas que Tarrell realizada (queda en la memoria el personaje de Tarrell de niño arrastrando por la acera los enormes cuadros que reflejan lo que hay detrás, o las escenas en que Tarrell pinta y saca en ello todo su tormento).

Quedan también en la película anotaciones sobre las masculinidades tóxicas, las relaciones paterno-filiales, los modelos que reproducimos a pesar de la conciencia de no querer hacerlo, del papel de la iglesia con sus convicciones y sus rezos, del arte como medio de terapia y superación de traumas, y, sobre todo, la necesidad y la imposibilidad de perdonar para pasar página y seguir viviendo.

Una película muy interesante, para ver con calma y disfrutar de ese punto de tristeza que nos ofrece con bastante elegancia.

Dispoonible en Filmin

Dirección: Titus Kaphar

Guion: Titus Kaphar

Reparto: André Holland, John Earl Jelks, Andra Day, Aunjanue Ellis-Taylor, Daniel Berrier, Ian Foreman, Matthew Elam, Jaime Ray Newman, G.L. McQueary

“POR TODO LO ALTO”. Una deliciosa fanfarria.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Emmanuel Courcol es el director de la estimulante “El triunfo” (2020) y de la bienintencionada “Alto el fuego” (2016), una todavía corta filmografía que parece ir mejorando porque esta que nos ocupa es un producto sólido, muy bien facturado y de resultados más que notables.

Nos cuenta la historia de Thibaut, un prestigioso director de orquesta que, a partir de un diagnóstico de leucemia, descubre que era adoptado y que tiene un hermano, Jimmy, un tipo curioso que toca el trombón en una banda de música, trabaja en un comedor escolar y goza de un oído prodigioso. La película nos habla de este descubrimiento, de la relación que se establece entre los dos hermanos y, sobre todo, de ese mundo que Thibaut va descubriendo y que podía haber sido el espacio en el que él hubiera crecido también.

Courcol nos ofrece una película serena, entrañable, con unos personajes realmente intensos que huyen del tópico y del efectismo para mostrarse como seres de carne y hueso, con sus complejidades, sus desgracias, sus ilusiones, sus carencias y sus decepciones. Destacan las interpretaciones de Benjamin Lavernhe y Pierre Lottin como los hermanos protagonistas, una de esas actuaciones extraordinarias en las que dejas de ver al actor y no solo ves al personaje sino también su interior. Y como en todo film que se precie, están los secundarios, también excelentes: Sarah Suco crea una Sabrina realmente deliciosa, imposible no querer a la Claudine que interpreta Clemence Massart-Weit, a la familia de Thibaut o a todos los miembros de esa banda mágica del título inglés o la fanfarria del original.

Una película deliciosa para un público muy amplio que no renuncia a la calidad ni a la emoción. Muy estimulante.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Emmanuel Courcol

Guion: Emmanuel Courcol, Irène Muscari

Reparto: Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin, Sarah Suco, Ludmila Mikaël, Jacques Bonnaffé, Nathalie Desrumaux

“GHOSTLIGHT”. Duelo y teatro.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película a la que vale la pena acudir sin saber nada de su argumento, es un verdadero placer (triste pero agradable) descubrir qué es lo que atormenta a Dan y su familia, qué les hace tomar esa actitud ante el mundo. Dan es un hombre abatido por alguna desgracia que, inicialmente, se nos oculta; trabaja en la construcción y parece de nervios inalterables hasta que estalla. Su hija Daisy no para de generar problemas, es malhablada, en estado de constante ira y siempre a punto del brote violento; Sharon, la mujer de Dan, es puro aguante. Todos están sumidos en una demanda judicial de cuya naturaleza tampoco sabemos nada inicialmente. En un momento dado Dan encuentra un grupo de teatro no profesional que preparan “Romeo y Julieta”, el contacto con el grupo, sus dinámicas y, especialmente el enfrentarse con sus propios sentimientos provocarán un cambio sutil pero significativo en las formas de afrontar la vida y el futuro.

“Ghostlight” es una película que juega con pocos elementos, pero sabe aprovecharlos y encontrar la intensidad en todos ellos; apenas pasan cosas, y las que pasan nunca parecen ser demasiado relevantes, pero el conjunto acaba siendo de una intensidad casi abrumadora, nos metemos de lleno en la tragedia de estas personas heridas que no saben afrontar su dolor, y acabamos empatizando con todos ellos, queriéndolos y, sobre todo, entendiéndolos.

En una película de este estilo son fundamentales unas interpretaciones impecables, como las que nos ofrecen sus actores: Keith Kipferer mantiene a un Dan al borde de un abismo existencial y lo vemos variar del momento más tierno y dulce hasta otros de pura rabia y contenida violencia; Katherine Mallen Kupferer  dibuja a una adolescente en guerra con el mundo pero con un potencial humano impresionante; y Dolly De Leon, la actriz más relevante del grupo, pone el contrapunto con una actitud humana, serena y firme que será el punto de anclaje de la evolución del personaje principal.

Una película preciosa, narrada con pulso firme pero con mucha dulzura, un retrato del dolor en el que se aprecia un enorme cariño hacia sus criaturas. Tristemente deliciosa.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Alex Thompson, Kelly O'Sullivan

Guion: Kelly O'Sullivan

Reparto: Keith Kupferer, Dolly De Leon, Katherine Mallen Kupferer, Tara Mallen, Lia Cubilete, Hanna Dworkin, Alma Washington, Tommy Rivera-Vega, Dexter Zollicoffer, H.B. Ward

“LA FURIA”. Después de la violación.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

 Segunda película de Gemma Blasco (“El zoo”, 2018) que ha obtenido en Málaga el premio a mejor actriz para Ángel Cervantes (ex aequo con Miriam Garlo por “Sorda”), el de mejor actor de reparto para Àlex Monner y el de montaje para Didac Palou y Tomás López. Nos cuenta la historia de Álex, una joven que es violada una nochevieja, que tiene una relación muy estrecha con su hermano y que trabaja de equipo técnico en un teatro esperando acceder a un papel de actriz.

Lo que realmente le interesa a la directora, más que el hecho mismo de la agresión, es todo lo que provoca en Älex posteriormente, como sobrelleva esa carga que se niega a hacer pública o a denunciar y como influye en las dinámicas ordinarias y en su relación con el entorno. A pesar de ser un relato sobre la actitud salvaje, machista y deleznable que sufre la protagonista, la película no restringe su punto de mira al hecho que denuncia y permite que la vida siga, más o menos de manera independiente o paralela; en consecuencia, la narración se va puntuando con momentos que parecen ajenos a esa violación. De esta manera, se refuerza la soledad y el desamparo en que se ve sumergida Álex, se nos coloca en una situación de espectadores privilegiados que vemos el interior y el exterior del personaje y, sin necesidad de juzgar ni sentenciar, se nos acerca a su dolor, su impotencia y su furia. Juegan aquí un papel importante las escenas con la familia (la caza y el descuartizamiento del jabalí como metáfora de ese lado salvaje y depredador al que parece ser estamos obligados a acostumbrarnos), las de los ensayos del teatro en las que Álex refleja toda su rabia, o las de fiesta con los amigos que nos recuerdan que el mal puede llegar de la gente cercana y aparentemente normal.

Todo ello recae sobre las espaldas de una soberbia e inmensa Ángela Cervantes que carga con el peso de la película y nos ofrece momentos de verdadera intensidad; es ella la que matiza esa furia, la que nos pone ante el dilema de responder con violencia o con la razón, la que nos hace ver la dificultad de aceptar los hechos, de pedir ayuda y de recobrar la normalidad perdida.

Una película demoledora, intensa, (valga como ejemplo la escena de la violación en un rotundo y terrible plano en negro total), desgraciadamente actual y viva.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Gemma Blasco

Guion: Gemma Blasco, Eva Pauné

Reparto: Ángela Cervantes, Àlex Monner, Eli Iranzo, Salim Tamoud, Carla Linares, Pau Escobar

“TIERRA DE NADIE”. Un gallego, un vasco y un andaluz.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una de esas películas que deberían abundar en la cartelera y ser la base de una industria que mantuviera vivo el cine, una de esas que guardan un buen equilibrio entre buen cine y cine para todos. “Tierra de nadie” es una película de género, un thriller con aires de western, una película de artesano que funcionaría muy bien frente a un gran público si todavía existiera ese público.

Nos cuenta la historia de tres amigos: un gallego guardia civil, un vasco que controla el tráfico de hachís y un andaluz que tiene un negocio de chatarra y desguace (y no es un chiste). A los tres les une una amistad antigua y los años que compartieron en su equipo de fútbol; a pesar de los caminos diferentes que ha tomado cada uno, siguen siendo amigos. Pero viven en esa tierra de nadie del título y el narcotráfico y los nuevos tiempos han traído a la zona mafias internacionales mucho más poderosas, brutales y sin escrúpulos. La trama les llevará a un enfrentamiento violento y a poner a prueba su amistad.

Es pues, una película sin novedades, que basa su interés en un guion más o menos bien montado, unos personajes algo desaprovechados y unos actores capaces de levantar cualquier personaje; no solo Zahera, Elejalde y Carroza (los tres amigos) sino también Vicente Romero, Paco Mora, Damián Alcázar y las chicas, Paula Díaz y Tamara Casillas  (papeles más pequeñitos pero bien colocados).

Queda una película bien realizada, con suficiente gancho, y aunque no tiene la grandeza de “La isla mínima” (con la que guarda no pocas similitudes, especialmente su atmósfera) es un producto digno que vale la pena ver.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Albert Pintó

Guion: Fernando Navarro

Reparto: Luis Zahera, Karra Elejalde, Jesús Carroza, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina, Damián Alcázar

“UNA BALLENA”. Thriller y metáforas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hay una cosa que no se le puede negara esta película: su singularidad. Es cine negro, pero también tiene elementos de ciencia-ficción y algo de un terror abstracto, etéreo. Se nos ofrece una historia bastante simple con tres elementos: un puerto en el que se hacen actividades ilegales, dos jefes de las mafias locales (uno ya veterano, Barea, que quiere que todo continúe como siempre y otro más joven que quiere cambiar las reglas del juego) y una asesina a sueldo implacable, Ingrid, capaz de infiltrarse sin ser vista en cualquier lugar, de muy pocas palabras y con una carga personal que intuimos terrible y enorme. La trama sobre la lucha por el control del puerto, por un lado, y el dibujo de una asesina solitaria y enigmática por el otro, se enriquece con elementos propios de la ciencia ficción que resultan alegorías que el espectador debe ir interpretando y encajando en el relato. La ballena varada en la playa, ese mar en el que parece estar sumergida Ingrid y del nunca terminamos de apreciar su profundidad, esa playa que parece de otro planeta, los recuerdos que Íngrid tiene de su padre, ese viscoso líquido que sale de su cabeza y que almacena en un baúl… todo ello, unido a una fotografía oscura, tenebrosa, hermosa por momentos, siempre inquietante, hacen de la película una experiencia difícil de entender (quizás es que no hay que buscar explicaciones) pero que consigue ser muy desasosegante e intensa (valga como muestra el nivel de incertidumbre que consigue, por ejemplo, con una simple bombilla que se funde). También es verdad que el espectador tiene pocos asideros a los que agarrarse para comprender algunas actitudes e interpretar las metáforas que se ofrecen, y que el ritmo es lento, lo que puede provocar que uno se vea fuera de la propuesta y la película, en lugar de resultar hipnótica y perturbadora, resulte morosa y cansina.

A destacar la actuación de Ramón Barea, siempre impecable, y una Ingrid García Jonsson que intenta hacernos llegar esa extraña conexión que tiene con un mundo de monstruos marinos, una mujer con habilidades especiales que no parece ser del todo humana (si lo consigue, o no, creo que depende de cada espectador).

Queda una película difícil, muy personal, diferente y peligrosa de recomendar.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Pablo Hernando

Guion: Pablo Hernando

Reparto: Ingrid García Jonsson, Ramón Barea, Kepa Errasti, Iñigo de la Iglesia, Paolo Sassanelli, Xabi Tolosa

“UN HOMBRE LIBRE”. Contra la desmemoria.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El cine, a veces, cumple la estimable y necesaria función de descubrirnos personajes, hombres y mujeres, que deberían tener un espacio relevante en la historia, un hueco en el reconocimiento popular, y que sin embargo, por motivos diversos, permanecen en el desconocimiento e incluso en el ostracismo.

Es lo que ocurre con este documental, dirigido por Laura Hojman  (“A las mujeres de España. María Lejárraga”, 2022) que nos habla de Agustín Gómez Arcos, poeta, dramaturgo y novelista que vivió entre 1933 y 1988, y se exilió a Francia porque “él y Franco eran incompatibles. Reconocido y premiado escritor a nivel internacional, adoptó el francés como lengua de creación pero sin olvidar ni dejar de escribir sobre España. De vuelta a nuestro país en plena transición, su obra se convirtió en un grito contra la desmemoria, algo que no encajaba en una situación en la que se quiso pasar página tirando de silencio y desmemoria (y así nos ha ido). Gómez Arcos resultó un escritor molesto que no logró ningún tipo de apoyo ni eco en su propio país por lo que volvió definitivamente a Francia.

El documental es un repaso a su vida, la de un personaje que lo tenía todo para acabar mal en la sociedad de Franco: andaluz, pobre, culto, rebelde y homosexual (y así le fue). Tirando de material de archivo (poco), de algunas de sus frases que puntúan el relato, de entrevistas a personajes significativos como Almodóvar, Marisa Paredes o Antonio Duque, y de la lectura (por parte de la propia directora) de algunos fragmentos de sus obras, la película nos descubre al escritor, al hombre y su lucha; todo bien planteado, muy didáctico y con momentos emotivos.

Para homenajear, revivir y reivindicar a quien luchó contra la desmemoria y en cuya tumba figura el epitafio “Un hombre libre”.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Laura Hojman

Guion: Laura Hojman, María D. Valderrama

Documental

“MODIGLIANI, TRES DIAS EN MONTPARNASSE”. El artista y sus colegas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segunda película de Johnny Deep como director después de “The brave” (1997) que nos narra 72 horas en la vida de Amadeo Modigliani en el París de 1916 desgarrado por la guerra; una aventura que comienza con la huida de la policía tras romper una valiosa vidriera y en la que aparecen su musa y amante Beatrice Hasting, sus compañeros artistas Maurice Utrillo y Chaim Soutine y el marchante de arte Leopold Zborrowski. Y finalmente, el coleccionista americano Maurice Gangnat que interpreta Al Pacino.

Sorprende lo espectacular de la producción que no parece haber escatimado recursos para recrear el París de principios de siglo XX ni los diferentes estados de alucinación y desorden que sufren los personajes. También resulta curioso el recurso de cambiar el formato de algunas escenas dotándolas de un encuadre cuadrado, blanco y negro y una aceleración que las convierten en nostálgicas imágenes del cine mudo del slapstick (son curiosas pero no creo que encajen bien y resultan más una simple y divertida ocurrencia que un recurso narrativo de interés).

Lo demás es un sin parar de borracheras, noches enteras de deambular por las calles, algún que otro momento de creatividad, bastantes de relaciones difíciles e incluso violentas, y un no saber nunca qué es lo que realmente se pretende, cual es el objetivo del relato y cual la esencia del personaje. Al final resulta un producto bastante pretencioso pero demasiado hueco, vacío, que no llega a emocionar ni a entusiasmar, y que tampoco sirve para descubrir el autor (los autores) y su obra. Tiene momentos interesantes, pero el global me resultó algo decepcionante.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Johnny Deep

Guion: Jerzy Kromolowski, Mary Olson-Kromolowski. Obra: Dennis McIntyre

Reparto: Riccardo Scamarcio, Antonia Desplat, Bruno Gouery, Ryan McParland, Al Pacino, Stephen Graham, Sally Phillips, Luisa Ranieri, Eva-Jane Willis, Kat Fairaway, Nicky Goldie.

“STING. ARAÑA ASESINA”. Mascota letal.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Primera escena: una abuela con Alzheimer oye ruidos en las paredes y llama al exterminador, fuera hace mucho frío y nieva pero el profesional llega puntual y se produce la primera muerte; un salto atrás de 4 días para empezar esta historia de una araña que llega del espacio como un meteorito luminoso, se instala en una casa de muñecas (lo mejor del film), se convierte en mascota de la niña protagonista y transforma el edificio en un espacio de terror, muertos y cuerpos atrapados en una viscosa tela de araña.

El planteamiento no está nada mal, y hay que reconocer que es una película bastante entretenida, de las que no tienen demasiadas incoherencias y están armadas con suficiente solvencia, tanto a nivel de guion como de montaje o ambientes.

El problema principal creo que está en que es una película que no se arriesga y, queriendo quedarse en terreno seguro, no acaba de definirse ni tomar un camino personal: podía haber sido una cinta divertida con algo más de humor pero no se atreve a tirar de ironía, o podía haber sido más salvaje, excesiva, de las que encantan a los seguidores del fantástico, pero no tira lo suficiente de maldad y se queda en poco más que blando (uno intuye al principio que va a sucumbir hasta el apuntador, pero finalmente se impone la comercialidad de un final placentero y, por supuesto, abierto a una continuación).

Queda una película correcta, intrigante en algunos momentos, con puntos agradables, que no pasa de producto comercial al uso. Y como comprobarán, nada tiene que ver con el cantante de The Police, Sting (aguijón) es el nombre que la niña le pone a esta “mascota” finalmente letal.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Kiah Roache-Turner

Guion: Kiah Roache-Turner

Reparto: Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Alyla Browne, Robyn Nevin, Ryan Corr, Penelope Mitchell, Kate Walsh (II), Silvia Colloca, Jett Berry, Danny Kim

“¡HOLA, FRIDA!”. Viva la vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película basada libremente en la vida de Frida Kahlo, y más concretamente en su infancia, en la época que contrajo la polio, con una especie de epílogo ya en la universidad, momento en el que conoce a Diego Rivera (que no aparece) y le ocurre el terrible accidente en el tranvía.  Se adapta el libro «Frida, c’est moi» de Sophie Faucher (texto) y Cara Carmina (ilustraciones) y, como dicen sus directores: “nos pareció una oportunidad excepcional para abordar los temas de la diferencia y la resiliencia”. Más que una biografía o un intento de mostrar la figura de la pintora, la película pretende, según sus autores: “poner de relieve el poder salvador de la imaginación, la creación y el arte. Arte que cura, arte que libera, arte que eleva. Nunca pinté sueños, decía Frida. Lo que representaba era mi realidad”.

Se nos ofrece una historia muy luminosa, de colores vivos y rostros con enormes ojos que potencia el carácter bienintencionado del producto y ese optimismo tan propio de las obras distribuidas por PackMagic. A pesar de las adversidades, de todos los problemas que Frida Kahlo padeció a lo largo de su vida, el film es un canto a ese “viva la vida” que se refleja en diálogos, músicas y gestos, tan presente a lo largo del metraje..

Destinada a un público claramente infantil, al espectador adulto puede resultarle demasiado sencilla e incluso ingenua, pero es, sin duda, una película entretenida y agradable que bien puede servir para introducir a los pequeños en la figura de la Kahlo y su obra.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Karine Vézina, André Kadi  

Guion: Karine Vézina, André Kadi, Sophie Faucher. Libro: Sophie Faucher. Biografía sobre: Frida Kahlo

Animación

“MISERICORDIA”. Regresos y pulsiones.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Alain Guiraudie

ya demostró con películas como “El desconocido del lago” (2013) o “Un héroe anónimo” (2022) que no es un narrador convencional, a pesar de que sus historias se mueven en un espacio bastante natural.

Aquí nos cuenta la historia de Jérémie (Félix Kysil) que vuelve, después de diez años, a su pueblo natal para asistir al funeral de su antiguo jefe, dueño de la panadería y padre de su amigo de juventud. Jérémie se instala en casa de la viuda y ocupa la antigua habitación de su amigo que tiene familia propia, pero la situación se tensa y poco a poco vamos descubriendo lo que se esconde detrás de cada personaje.

La película resulta bastante desconcertante, Guiraudie no parece tener demasiado interés en darnos explicaciones del porqué de situaciones, comportamientos y motivaciones, y cuando las cosas se ponen feas y brutales no abandona ese tono suave y casi melancólico que rezuma la cinta. Así, nos coloca entre lo convencional y lo subversivo, entre lo salvaje y lo inmoral, pero sin echar mano de elementos formales que le den apariencia de thriller o del drama que parece querer ser. Para redondear el asunto, el cura encarnado por Jacques Develay irrumpe en la última parte y todo parece derivar a un discurso sobre las contradicciones de la religión (más bien de la iglesia), el sentimiento de culpa y la pulsión sexual.

Una película difícil, sin duda, personal y diferente, rotundamente desconcertante.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Alain Guiraudie

Guion: Alain Guiraudie

Reparto: Félix Kysyl, Catherine Frot, Jean-Baptiste Durand, Jacques Develay, David Ayala, Sébastien Faglain, Tatiana Spivakova, Elio Lunetta, Salomé Lopes

“8”. Las dos Españas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Empieza esta película con el poema “Españolito” de Machado, ya saben: “Ya hay un español que quiere vivir y a vivir empieza… Una de las dos Españas ha de helarte el corazón”. Y ese parece ser el propósito de la obra, buscar algo de la génesis y las formas de esa dualidad que parece que siempre nos ha caracterizado (y condenado), que nos llevó a la Guerra Civil y que ahora llamamos polarización.

Arranca la historia en 1931, en B/N y formato cuadrado, con el nacimiento de un niño y una niña el día de la proclamación de la República y en dos familias opuestas, una republicana y otra monárquica; y acaba en pleno siglo XXI, en una familia que parece haber cohesionado las dos tendencias pero que se lían a gritos a ambos lados de la mesa; entre uno y otro periodo, fusilamientos, represaliados, la dura postguerra, la transición y algo de esto que venimos a llamar democracia. La intención es buena, la película ambiciosa, y las formas inicialmente bastante acertadas, pero Medem se muestra irregular en su planteamiento y la película tiene algunas derivas al melodrama, incluso al culebrón, que no le sientan nada bien. Además, es como si el director no confiara en la capacidad de sus propias imágenes y todo viene verbalizado y subrayado pero carente de tensión dramática y emoción.

Asistimos a una historia muy dilatada en el tiempo, a numerosos acontecimientos, pero uno tiene la sensación de estar atascado, anclado en algún punto indeterminado del relato. Me da que es una cuestión de tono, de atmósfera, porque lo que plantea y los elementos que usa resultan interesantes, el objetivo es loable y el planteamiento inicial acertado; tampoco ayuda un guion que echa mano del azar y de situaciones forzadas demasiado a menudo.

Queda una película fallida que puede plantearnos algunas preguntas cruciales sobre lo que hemos sido y lo que somos, que no es poco; una pena que, al igual que su estructura en ocho capítulos, la cosa no termine de cuajar.

Estreno: 21 marzo

Dirección: Julio Medem

Guion: Julio Medem

Reparto: Javier Rey, Ana Rujas, Álvaro Morte, Tamar Novas, María Isasi, Loreto Mauleón, Carla Díaz, Mateo Medina, Irene Aragón, Jordi Català

“UN AÑO Y UN DÍA”. Amor y música.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una bonita historia de amor que no logra el vuelo que necesitaba y que se queda en una cinta sencilla, parcialmente fallida y, sin embargo, agradable. Una compañera de pase comentaba que era como uno de esos trabajos de cole en el que cada uno aporta una parte y luego se pone todo junto, uno detrás de otro, sin demasiado caparazón; eso es lo que pasa, los elementos aislados tienen cierto interés y atractivo, pero el conjunto resulta irregular, falto de emoción y algo anodino.

Se nos cuenta la historia de Hugo y Sara, él es enfermero pediátrico que trabaja en oncología y ella traductora, aunque lo que quiere ser realmente es profesora de baile. El tercer elemento que completa el triángulo es Nerea, una joven que toca el piano y compone canciones pero que tiene serios problemas para hacerlo delante de público. Tras la separación de Sara y Hugo, este intentará aprender a tocar el piano ayudado por Nerea para sorprender a Sara y recuperarla. La trama se inicia y finaliza con el personaje que interpreta Carlos Iglesias, el dueño de una tienda de música que parece que va a ser el narrador pero que finalmente no se sabe muy bien qué papel tiene.

Lo de un año y un día no hace referencia a una condena de cárcel, sino a los años bisiestos ya que Sara nació un 29 de febrero y eso se utiliza como excusa narrativa. Los afectos y desafectos, los encuentros y desencuentros, son el grueso de una trama a la que acompaña una eterna música de piano y algunas canciones que, personalmente, me han parecido bastante flojas. Como historia, ya digo, es bonita, pero como relato se queda bastante corto.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Alejandro San Martín

Guion: Alejandro San Martín

Reparto: Nicole Wallace, Luis Fernández, Nadia de Santiago, Carlos Iglesias, Paula Iglesias, Fanny Gautier, Víctor Elías, Antonio Gil, Cosette Silguero

“LA CHICA DE LA AGUJA”. Mala vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película danesa en un intenso y contrastado B/N que nos cuenta la historia de Karoline, una mujer que trabaja en una fábrica textil donde hacen uniformes para los soldados, a la que acaban de echar del apartamento donde vive y cuyo marido ha desaparecido como soldado de la Gran Guerra. Un escarceo amoroso con el director de la fábrica con sus previsibles consecuencias y el encuentro con una mujer que recoge bebés no deseados y les busca familias de adopción conformarán el grueso de un relato cruel y tremendamente triste sobre algunas de las miserias más terribles alrededor de la maternidad y la adopción.

El blanco y negro utilizado y el uso de un formato cuadrado acentúan esa atmósfera sucia, malsana, degradada, de pura miseria; uno casi puede percibir desde la butaca los olores de los espacios sin necesidad de visualizar basuras y desechos. Todo transcurre envuelto en una atmósfera ennegrecida, insalubre, densa, agobiante y, por momentos, dolorosa: la película no da tregua y cualquier atisbo de esperanza, luminosidad y humanidad se diluye con cada giro de guion que parece empeñado en hacernos sufrir, y yo diría que lo consigue.

Así, se nos plantea la situación de la mujer en una sociedad en guerra y empobrecida, la maternidad no deseada, la entrega de los hijos ante la imposibilidad de ofrecerles un futuro y esas relaciones tan difíciles (especialmente las de Karoline con su marido y con el director) y otras de sororidad entre mujeres; relaciones que, la mayor parte de las veces, son un recurso desesperado ante un presente doloroso y un futuro más que incierto.

Queda una película dura, terrible en su contenido, intensa a pesar de los pocos sucesos que acontecen, magistralmente planteada, dolorosamente hermosa.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Magnus von Horn

Guion: Line Langebek Knudsen, Magnus von Horn

Reparto: Vic Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Besir Zeciri, Ava Knox Martin, Joachim Fjelstrup, Tessa Hoder, Søren Sætter-Lassen

“WILDING, EL REGRESO DE LA NATURALEZA”. Reasilvestrando.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un interesante documental sobre un experimento ecológico que se inició en Inglaterra en los años 80: Isabella y Charlie Tree heredaron  Knepp, una finca abandonada de 400 años de antigüedad que se había convertido en terreno baldío como consecuencia de la explotación agrícola intensiva; abandonando la tradición agrícola, decidieron recuperar la tierra dejando que la naturaleza se adueñase de nuevo del espacio, para ello introdujeron ejemplares de caballos, vacas y cerdos (todos ellos de especies antiguas) que se encargarían de reasilvestrar lo que en ese momento era prácticamente improductivo. La experiencia, como era de esperar, tuvo sus problemas y contratiempos, pero la película nos muestra, de una manera optimista y alegre, el notable cambio del paisaje, la proliferación de nuevas especies, tanto flora como insectos, aves o pequeños mamíferos), la no necesidad de un aumento de árboles y efectos tan curiosos como una plaga de mariposas que llegan, acaban con una planta invasiva y se marchan. También hay espacio para el buen humor (cuando se nos explica la irrupción de los caballos y los cerdos en la fiesta organizada) y, sobre todo, para ese discurso ecológico en que se proclama que hemos invadido la tierra, la estamos desertizando y que la mejor solución es dejar que la naturaleza recupere su ritmo y su equilibrio, algo incompatible con alimentar a millones de personas y mantener un ritmo de vida moderno (tal y como se pone de manifiesto en la reunión con los agricultores vecinos a la finca).

Sorprende que en un periodo tan largo de tiempo, la película disponga de imágenes de prácticamente todos los cambios que se han ido produciendo, resultando principalmente interesantes las que contraponen los espacios de los 80 y esos mismos en la actualidad. También están bien utilizadas las imágenes de Isabella Tree que nos sirve de voz en off y nos guía en el recorrido de manera clara y apasionada, sin ser demasiado exhaustiva ni cargante.

Queda un documental para disfrutar, aprender, plantearse algunos temas sobre hombre y naturaleza y, especialmente, para mirar con otros ojos un bonito prado o un campo de cereal.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: David Allen

Guion: Isabella Tree

Documental

“ESTADO ELÉCTRICO”. Demasiado cara.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Se nos vende esta película como la de ciencia ficción más cara de Netflix, más de 330 millones de dólares para lo que, se supone, ha de ser la obra estrella de la plataforma. El dinero, ya se sabe, no lo es todo, y un presupuesto desorbitado no es garantía de excelencia. No es que “Estado eléctrico” sea una película para tirar directamente a la papelera pero un gasto como este podía haber dado para mucho más, sin duda no es la gran película que uno podía esperar. La cuestión es la de siempre, se olvidan que el cine es una labor de equipo, que se han de cuidar todos los aspectos para conseguir un buen trabajo y que no basta con una vistosa producción, unos efectos bien hechos y unas caras más o menos conocidas, hay que cuidar el guion, hay que dibujar unos personajes interesantes, hay que sorprender al espectador y todo ha de resultar ágil, natural y poco previsible; la película tiene de todo esto, pero poco.

Nos cuenta una historia distópica pero colocada en los años 90, lo que le permite jugar con elementos de la época que le dan un tono curioso y divertido. Los hombres y los robots han entablado una guerra que han perdido los segundos, ahora recluidos en una zona de exclusión. La humanidad (que apenas vemos) no ha salido muy bien parada y todo parece ser un mercado establecido por los ganadores. El elemento clave es un chaval que permite que todo el sistema funcione y en cuya búsqueda va su hermana en compañía de un trapicheador algo gamberro y un par de robots bastante entrañables.

La película está elaborada en gran parte mediante captura de movimiento y CGI pero eso es algo que se disfruta en pantalla grande, en la pequeña la cosa se difumina y pierde gracia, de esta manera nos perdemos la fuerza de la apuesta y todavía se echa en falta más un guion bien elaborado y sorprendente. La reflexión que quiere ser sobre la revolución tecnológica que trae esa peligrosa dualidad hombre/máquina tan en el candelero ahora con el tema de la IA, se queda algo pobre y bastante superficial, más una excusa para desarrollar una trama que un tema a tratar en sí mismo. La versión alternativa y retrofuturista de los años 90 tiene su gracia pero uno no deja de tener la sensación de que ya lo hemos visto todo en películas anteriores, de “Mad Max” a “Big Hero 6” pasando por “El gigante de hierro”.

Queda una película entretenida, sin aspectos propios destacables más allá de un episodio para el entretenimiento y el olvido. Demasiado poco para tanto dinero. Definitivamente muy cara.

Disponible en Netflix

Dirección: Anthony Russo, Joe Russo

Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely. Libro: Simon Stålenhag

Reparto: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stephen McFeely, Devyn Dalton, Ke Huy Quan, Stanley Tucci, Terry Notary, Patti Harrison, Adam Croasdell, Gabrielle Maiden, Chris Silvestri.

“WLOFGANG (EXTRAORDINARIO)”. Autismo y duelo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Javier Ruiz Caldera se nos ha puesto serio, ha dejado de lado comedias, cómics y aventuras varias para abordar un drama muy cercano en el que priman las emociones y las conexiones entre los personajes.

El Wolgang del título es un niño de 10 años con espectro autista y altas capacidades, especialmente para interpretar piezas clásicas al piano. En la primera escena lo vemos tocando una pieza en un velatorio aunque no conoce a nadie de los presentes, su madre, que acaba de morir, está en otra sala del tanatorio. La madre ha dejado escrito que Wolfgang vivirá con su padre al que nunca ha visto. El eje de la trama se bifurca, de esta manera, entre el duelo tras la muerte de la madre, la nueva relación que se genera entre padre e hijo, y la relación con la abuela, el referente que le queda a Wolfgang de la vida anterior.

La película adopta un tono natural y suave que le sienta muy bien, deja que sus personajes se expresen y se enriquezcan sin necesidad de trampas de guion y, a excepción de un final que yo he encontrado algo sensiblero aunque bastante adecuado, la cinta fluye agradable y muy creíble.

Buena parte del mérito está en sus actores, todos excelentes: Jordi Catalán es todo un hallazgo y nos ofrece un Wolfgang encantador, intenso y cargado de matices, a la par que muy ajustado a su papel de niño autista; Esparbé podía haber caído en el tópico, en la caricatura o en el exceso, pero su padre es un personaje tierno, imperfecto y querible que madura y evoluciona; Àngels Gonyalons es la abuela, muy abuela, muy digna y muy comprensible en sus actitudes; Anna Castillo llena de naturalidad y dulzura su personaje de psicóloga/profesor de música; y Berto Romero está divertido y contenido en su papel de amigo y representante. Y luego quedan esos guiños de amiguetes a costa de Carlos Cuevas, J Bayona o Del Toro y de la carrera limitada de actor del personaje de Esparbé.

Una película para disfrutar.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Javier Ruiz Caldera

Guion: Laia Aguilar, Carmen Marfà, Yago Alonso, Valentina Viso. Novela: Laia Aguilar

Reparto: Miki Esparbé, Jordi Catalán, Àngels Gonyalons, Anna Castillo, Berto Romero, Nausicaa Bonnín, Dafnis Balduz

“MORLAIX”. Amores no tan adolescentes.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Morlaix es un pueblo de la Bretaña francesa en el que Rosales ha filmado esta su octava película, y lo ha hecho en 35 mm en B/N y en 16 mm en color. Según el propio Rosales, la película “trata sobre la vida pensada como experiencia poética y trascendental. Una experiencia vital entendida como camino que se debe recorrer”. Para ello nos cuenta la historia de unos jóvenes adolescentes que rondan los 18 y que forman un grupo más o menos compacto, son compañeros de instituto y comparten tiempo de ocio; a Morlaix llega Jean-Paul, que viene de París y que se acoplará al grupo provocando un cierto movimiento en las relaciones entre ellos.

Rosales nos habla del amor (habría que decir del primer amor) aunque en nada se parece a las típicas películas de adolescentes, también de la amistad y, sobre todo, de las perspectivas de vida de un grupo de jóvenes que se enfrentan a todo un futuro y a la formación de ideas, sentimientos y posiciones vitales. La película utiliza actores primerizos y otros algo más experimentados como Aminthe Audiard (“La Rosalie”, “Peter Von Kant”) sobrina de Jacques Audiard, o Samuel Kircher (“El último verano”) hijo de Irene Jacob y Jérôme Kircher; y actores veteranos para la última parte de la película: Mélanie Thierry y Álex Brendemühl.

Visualmente la película apuesta por escenas iniciales y finales en un panorámico 35 mm y un B/N realmente bonito, y el grueso del metraje en un formato cuadrado, en un característico 16 mm que da un aire de cine tirando a casero, a cine familiar cercano al documento. También resulta curioso el uso de fotos fijas en B/N que remarcan determinados momentos y parecen detener la acción como si de un lapso para pensar o meditar se tratase, o el recurso de dejar la imagen acelerada, a saltos y sin sonido para remarcar los sentimientos del retratado. Narrativamente Rosales crea varias películas dentro de la propia película, los personajes van al cine y ven una película que se titula “Morlaix” interpretada por ellos mismos y en la que parece narrarse sus propias vidas, pero no se identifican y cuando vuelven a verla años más tarde la película parece haber cambiado, lo que contribuye a crear un relato que se hace difícil y enigmático.

Siendo una película fundamentalmente hablada, Rosales sabe sacar partido de sus actores y actrices y consigue que, a pesar de lo “trascendente” de algunos diálogos, estos resulten naturales e incluso divertidos. Una película curiosa, arriesgada, diferente, muy personal, de las que dan para pensar (o repensar); de esas que ganan con un segundo visionado.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Jaime Rosales

Guion: Jaime Rosales, Fanny Burdino, Samuel Doux, Delphine Gleize

Reparto: Álex Brendemühl, Mélanie Thierry, Aminthe Audiard, Samuel Kircher

“LAS CHICAS DEL BALCÓN”. Yo quería escribir una historia de amor.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segundo largo de la actriz Noémie Merlant (“Un año difícil”, “París, Distrito 13”, “Retrato de mujer en llamas”) tras la inédita en nuestras pantallas “Mi iubita, mon amor” (2021) que, como esta, también protagonizaba.

Las chicas del balcón del título son tres amigas y compañeras de piso que viven en un barrio de Marsella bajo una terrible ola de calor. En una de las ventanas de enfrente aparece un joven muy atractivo con el que acaban teniendo contacto a partir de un golpe en el coche; lo que viene después, sin ser nada excepcional, mejor descubrirlo y disfrutar de la trama.

Las tres amigas en cuestión no pueden ser más diferentes, pero la película logra retratar una amistad bastante sincera, sólida y creíble. Nicole (Sandra Codreanu) está intentando escribir su primera novela y lo que quiere es crear una historia de amor diferente; Ruby (Souheila Yacoub) es un torbellino de mujer, modelo de cámara web como se define a sí misma y con un descaro y unas energías arrasadoras; Élise (Noémie Merlant) es actriz, acaba de interpretar a Marilyn Monroe en un telefilm y vive una crisis tanto a nivel personal como de pareja. Luego aparece “el chico de enfrente” (Lucas Bravo) y lo que parece que será una historia de amor y/o ligoteo, se convierte primero en una especie de thriller y luego tira hacia el gore sin perder cierto tono de comedia. Así, de las bonitas panorámicas por las fachadas del vecindario pasamos a los personajes de las chicas y de ahí a una historia tirando a absurda pero anclada en lo real, que juguetea con lo escabroso y lo cómico. Supongo que habrá a quien la mezcla no le convenza, pero a mí me ha parecido un planteamiento valiente e ingenioso, con un resultado más que satisfactorio.

La película tiene también un toque de fantástico que, abordando el tema de la violencia de género, crea un paquete de fantasmas maltratadores y abusadores en vida que me ha parecido bastante divertido y, aunque un poco simple, funciona bien como metáfora y se ajusta al relato. También hay, a lo largo del metraje, escenas realmente curiosas e incluso sorprendentes: las peripecias con el cadáver, la alegría de la vecina después de matar al marido, las primeras apariciones fantasmales, la visita al ginecólogo, el encuentro con la policía… Quizás el conjunto no termina de estar armado del todo, pero resulta una cinta muy entretenida, con muchos puntos de interés y de buena factura. A Merlant le ha echado una mano Céline Sciamma en el guion y eso se nota. Vale la pena.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Noémie Merlant

Guion: Noémie Merlant, Céline Sciamma, Pauline Munier

Reparto: Noémie Merlant, Souheila Yacoub, Sanda Codreanu, Nadège Beausson-Diagne, Lucas Bravo, Christophe Montenez, Nasir Bachouche, François Cottrelle, Henri Cohen, Annie Mercier

“LA VIDA ANTE NOSOTROS”. Escondidos en París.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Empieza esta película con una corta entrevista a una mujer que logró escapar de los nazis, parece ser que es una de las grabaciones que Spielberg usó como base para su “Lista de Schindler”. Nils Tavernier (“El palacio ideal”) y Emmanuel Mathieu recogen el testigo y nos cuentan la historia de Tauba, una niña de 13 años que durante la terrible Redada del Velódromo de Invierno de París se escondió con sus padres en un pequeño ático donde permanecieron más de dos años hasta la llegada de las tropas aliadas a la ciudad. Es pues, un enfoque algo diferente a las películas que hemos visto sobre el tema: las persecuciones, maltratos, asesinatos y otras barbaridades quedan en un fondo que oímos e intuimos y la trama se centra en la angustia de vivir encerrado, sin poder hacer ruido, pendientes de un patio que se ve desde una pequeña ventana, con el miedo constante en el cuerpo y las escaseces propias de la situación.

La película no se pone demasiado dramática ni demasiado tensa, y opta por un tono suave y cotidiano en el que caben algunas pinceladas de cariño, de buen rollo, de solidaridad y de, a pesar de todo, mantener las ganas de vivir. Puede resultar, por tanto, una película tirando a aburrida e incluso anodina, pero a mí me ha parecido una apuesta estimulante, me interesó la poca trama que se desarrolla y las diferentes reacciones de los personajes y como se relacionan, y creo que los directores saben aprovechar los pocos elementos que tienen: las visitas de la abuela y de la amiga de Tauba, la mujer que los acoge (siempre magnífica Sandrine Bonnaire) y su marido, la denuncia de este a su propio hijo, las salidas de Tauba al tejado… todo muy sencillo, muy suave, sin dejar de ser trágico. Me sorprendió gratamente.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Nils Tavernier, Emmanuel Mathieu

Guion: Laurent Bertoni, Guy Birenbaum, Nils Tavernier

Reparto: Violette Guillon, Guillaume Gallienne, Adeline D'Hermy, Sandrine Bonnaire, Laurent Bateau, Bernard Le Coq, Rod Paradot

“¡LUMIÉRE! LA AVENTURA CONTINÚA”. Más películas de Lumiére.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Thierry Frémaux

, director del festival de Cannes desde 2001 y del Instituto Lumiére de Lyon, sigue con su empeño de poner en valor el cine de los hermanos Lumiére no tan solo como inventores (más bien coinventores) sino también como cineastas puros en cuyas obras se aprecian el arte del encuadre, de la luz o de la generación de ambientes. La tarea se inició con “¡Lumiére! Comienza la aventura” (2016) en la que se nos ofrecían 108 películas restauradas que eran un viaje a los orígenes del cine. En esta segunda parte se nos presentan un centenar de películas más, todas ellas con excelente restauración y más que un listado de películas como era la anterior, pretende profundizar en sus temáticas y en las cualidades cinematográficas. Frémaux sigue siendo la voz en off que comenta lo que vemos y nos invita a compararlo con el cine de John Ford, Luchino Visconti, Charles Chaplin o Yasujiro Ozu y a ver y apreciar los valores, tanto estéticos como de contenido de la obra; sin duda un verdadero enamorado y entusiasta de los hermanos Lumiére y sus colaboradores.

La película, por tanto, pasa bastante de largo por temas como las invenciones mecánicas, las patentes o las luchas comerciales en Estados Unidos con Edison y compañía. Se estructura el documental en bloques temáticos que agrupan las diferentes producciones y la voz se encarga de los datos; las imágenes, por su parte, nos hacen un tour por medio mundo y por la historia.

Es pues, una lección de historia y un homenaje apasionado a los inicios del cine y a sus artífices. Un valioso documento que se ve con agrado e incluso con devoción.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Thierry Frémaux

Guion: Thierry Frémaux

Documental

“ETERNAL”. Las fracturas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El protagonista de esta película (una coproducción entre Dinamarca, Islandia y Noruega) es Elías, oceanógrafo climático y piloto de submarinos que tiene la misión de sellar una fractura que se ha generado en el fondo del océano a causa del cambio climático, que amenaza la continuidad del planeta. Elías está enamorado de Anita, una cantante con la que tiene una bonita relación, que se queda embarazada y que decide abortar para que Elías pueda seguir su carrera y bajar al fondo del océano.

Funciona la cosa como si fueran dos películas diferentes: por un lado la historia de amor, separación y reencuentro de los dos amantes, y por otro una historia de ciencia-ficción con la amenaza de destrucción y la tecnología intentando poner remedio. La primera funciona bastante bien, especialmente por el carisma de sus actores, que crean unos personajes bastante sólidos y bien dibujados sobre una trama sin apenas giros y un desarrollo sencillo y muy agradable; un cuento romántico sobre una fractura emocional. La segunda funciona como la película de bajo presupuesto que es, con muy pocos efectos, escasos decorados y un trabajo de iluminación bastante decente alrededor de esa fractura tectónica que también hay que reparar; no es que sea muy emocionante, de hecho todo resulta más bien pobre, pero teniendo en cuenta que funciona como trama secundaria destinada a redondear la principal no se echa en falta nada más y su tono resulta hasta simpático. El problema está en que las dos líneas narrativas no terminan de estar bien encajadas y cuando se unen lo hacen de manera demasiado brusca y uno tiene que hacer un pequeño esfuerzo para aceptar un giro bastante difícil y algo retorcido que no encaja con el tono general del que se venía, aunque sí es fundamental en el relato.

Queda una película pequeña, interesante, que nos habla del destino, de lo que puede cambiar el futuro según las decisiones que tomamos y de la posibilidad de reencontrar esa vida que perdimos o que cambiamos por otra. Un drama romántico con aires de fantástico que no acaba de encontrar el tono justo pero que se ve con agrado e interés.

Disponible en Filmin

Dirección: Ulaa Salim

Guion: Ulaa Salim

Reparto: Ari Alexander, Nanna Øland Fabricius, Pálmi Gestsson, Helga Kristín Helgadóttir, Magnus Krepper, Viktor Hjelmsø, Kaj Søholm Lehmkuhl

“TARDES DE SOLEDAD”. Toro, torero y sangre.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

¿Es posible realizar un documental sobre algún tema y ser totalmente objetivo? Indudablemente no, pero Albert Serra se acerca muchísimo con una obra que es testimonio, memoria y reflexión sin tomar partido ni juzgar. La película sigue a Andrés Roca Rey, torero peruano considerado el mejor del mundo en 2024, y nos ofrece sus preparativos y sus enfrentamientos con los toros en diferentes corridas.

Serra nos muestra al toro y al torero en plano corto, llenando la pantalla de una brutal belleza que desarma, cautiva e inquieta a partes iguales. El toro se nos aparece como una figura casi mitológica, bravo y obstinado, salvajemente agredido, siempre sangrante y muerto violentamente en un acto que en pantalla se aplaude pero que en el patio de butacas deja absoluto silencio. El torero se muestra lacónico, centrado en una misión que parece casi mística, envuelto en ritos y ropajes anacrónicos y rodeado de hombres que solo parecen pensar en la valentía del matador y la derrota del animal.

Serra opta por centrarse obsesivamente en el trio que forman el toro, el torero y la sangre (más del animal que del hombre) y deja fuera de plano el público que acude a la plaza y del que solo oímos sus gritos, pitidos, aplausos, vítores o murmullos; tampoco aparecen las personas del entorno familiar del torero y se eluden los momentos de amistad o camaradería que pueda haber entre los hombres de la cuadrilla; se consigue así un retrato escueto, intenso, sin adornos ni ramificaciones, nada que no sea toro y torear.

La película tiene un diseño de sonido espectacular que, junto con una imagen extraordinaria, transforma el documental en una verdadera experiencia inmersiva; una labor extraordinaria de sonido por parte de Jordi Ribas, de los tres operadores de cámara bajo la dirección de fotografía de Artur Tort (también montador junto a Serra) hacen de “Tardes de soledad” un espectáculo visual y sonoro realmente cautivador.

Es posible que la obra no contente ni a taurinos, que le pueden ver como demasiado pretenciosa o fuera de tono, ni a antitaurinos que seguramente echarán en falta un mensaje en defensa de los animales; también es posible que ambos lo vean como un alegato propio de sus posiciones. A mí, que siempre me he visto como una salvajada lo que se hace con el animal, me ha parecido que es tal la fuerza y la brutalidad con que se plantea el enfrentamiento, y sobre todo el desenlace, que uno solo puede llegar a verlo como algo absolutamente atávico, brutal y lleno de sin sentidos fuera del espacio que provoca la fe ciega, la pasión y la devoción.

Una propuesta cinematográficamente, sin duda, excelente.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Albert Serra

Guion: Albert Serra

Documental

“PRESENCE”. Lo que ve el fantasma.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Los que busquen en esta película una historia de terror más o menos al uso se van a llevar una decepción ya que miedo da más bien poco. Ahora, los que pretendan una forma diferente de contar una de fantasmas, desde un punto de vista distinto, y un drama familiar intenso, salpicado con un aire de thriller que solo se materializa al final, esos van a disfrutar de la película.

Se nos cuenta la historia de una familia con dos hijos adolescentes que compran una casa y empiezan a vivir en ella. Todo lo que vemos lo hacemos a través de los ojos de un fantasma que habita la casa, del cual no sabemos nada, que nunca visualizamos y que solo Chloe, la hija, percibe aunque tampoco lo ve.

La película tiene notables hallazgos y es un excelente ejercicio en el que Soderbergh experimenta con el género. Uno de los hallazgos, además de ser toda la cinta una cámara subjetiva de la presencia del título, es que no hay cortes de montaje, cada escena está construida en un único plano que se une a la siguiente por un negro; se consigue así esa sensación de movimiento fantasmagórico que nos desplaza por la casa (nunca salimos al exterior que vemos por las ventanas) y nos relata la historia. El uso constante del gran angular y los movimientos suaves y prolongados de cámara contribuyen a crear esa atmósfera inquietante y amenazadora que se adueña de la casa, un espacio magnífico que acaba teniendo entidad propia. Otro aspecto notable es que la película no utiliza ningún truco ni efecto especial: a excepción de tres ocasiones en que los objetos se mueven solos, no hay sustos ni sonidos de ultratumba ni reflejos amenazadores; y aún así, el espectador vive la historia con desasosiego, intrigado por lo que ocurre y por lo que no sabe. Y algo muy difícil: el giro final hace que la película tenga un remate acorde con la historia, sorprendente y coherente. Y un último acierto: se nos cuenta en unos ajustados 85 minutos.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Steven Soderbergh

Guion: David Koepp

Reparto: Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, Callina Liang, Lucas Papaelias, West Mulholland, Benny Elledge, Eddy Maday, Natalie Woolams-Torres

“UN BAÑO PROPIO”. El espacio de Antonia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

“Una mujer para escribir necesita dinero y una habitación propia” es la cita de Virginia Wolf que aparece en esta película y que viene ser el leitmotiv de la cinta; el dinero aparece en modo de herencia que una prima le deja a Antonia, la protagonista, y solo a ella, y la habitación será aquí en un cuarto de baño que el personaje termina transformando en un espacio propio, personal, de identificación y de liberación.

Antonia (una excelente Núria González) es un ama de casa que se ocupa del hogar en el sentido más clásico del término y de su marido que es dueño de una sombrerería, bastante buena persona y enamorado de su mujer. Peor lo que le gusta y quiere hacer Antonia es escribir y su pasión son los cuartos de baño (los de los cines, los de sus amigas, los públicos y los privados en los que se cuela) algo que se refleja en los cuadernos en los que va escribiendo desde hace años y en ese cuento que quiere escribir.

La trama es relativamente sencilla y los conflictos que se ofrecen son bastante suaves y cotidianos, pero todo se plantea desde un punto de vista entre lo surreal, lo teatral, lo naif y lo real: la casa en la que sucede la mayor parte del relato es claramente un decorado (hay un momento en el que incluso se desplaza una pared entera) de colores primarios muy vivos y espacios ciertamente desproporcionados y las actitudes de los personajes tienen un cierto aire de irrealidad, de pose forzada que potencia esa sensación de teatralidad y de cuento. Casañ, sin embargo, sabe mantener el tono adecuado y, tras los primeros y sorprendentes compases, resulta fácil aceptar el tono y disfrutar de una propuesta realmente ingeniosa, bastante innovadora y genialmente atrevida.

La película juega, además, con un bilingüismo muy natural y agradable, con algunos tópicos que enseguida se deconstruyen (el personaje de Bob, especialmente, un tipo a lo roquero y adicto que se convierte en el perfecto asistente doméstico, un marido que nunca cae en el prototipo, o una amiga de esas que siempre se mantienen cerca y dispuestas a apoyar) y con unos diálogos concisos y contundentes. Una película insólita en nuestro panorama, muy valiente y, en definitiva, tremendamente feminista.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Lucía Casañ Rodríguez

Guion: Lucía Casañ Rodríguez

Reparto: Núria González, Carles Sanjaime, Amparo Báguena, Antonio Martínez, Manu Valls.

“LEE MILLER”. Retrato de mujer con cámara.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Elizabeth Lee Miller, fotógrafa estadounidense, fotoperiodista, exitosa modelo en los años 20, fotógrafa artística para Vogue en París y una de las primeras mujeres corresponsales de guerra. Famosa también por una fotografía en la que aparecía lavándose tras semanas de guerra en la bañera de Hitler en Munich el mismo día que el dictador se suicidaba en Berlín; y por la serie de imágenes que captó de los campos de exterminio tras la liberación de Dachau. Así pues, estamos ante una mujer que rompió moldes delante y detrás de la cámara.

La película se centra, sobre todo, en la Segunda Guerra Mundial, nos habla de su vida en París poco antes del conflicto (con amigos tan ilustres como Picasso, Paul Eluard o Man Ray), de sus peripecias en el frente y de las fotos en los campos de concentración. Y lo hace desde el punto de vista de la propia Miller, que se lo cuenta a un joven mientras van descubriendo de una caja las fotos que hizo y que al final descubrimos, en un giro interesante, quien es el joven y que resulta de los más hermoso de la película.

De Lee Miller hace Kate Winslet, que exhibe una madurez exuberante y sin prejuicios y que mantiene el personaje en un excelente nivel. Personalmente me ha parecido que la película, queriendo hacer un retrato femenino/feminista, ha dejado un poco de lado lo que realmente define al personaje: su trabajo, su pasión por la fotografía y su carrera como periodista en un mundo de hombres que, además, se están matando entre sí (aunque también es posible que fueran simplemente mis expectativas las que han hecho que esos aspectos me hayan sabido a poco). Así, la guerra, las fotos, la revista, el holocausto… todo me ha parecido un decorado para el retrato de esta mujer. Es una opción aceptable, desde luego, y la película resulta muy interesante, muy didáctica y un sincero homenaje a una de las muchas mujeres que lucharon por la igualdad y sus derechos.

Convencional pero firme, la película se ve con agrado e interés. Un poco más de brío le hubiera ido bien, eso sí.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Ellen Kuras

Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Biografía: Antony Penrose

Reparto: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Andy Samberg, Marion Cotillard, Josh O'Connor, Noémie Merlant, Vincent Colombe, Samuel Barnett, Camilla Aiko, James Murray

“GRAND TOUR”. De viaje por Asia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Leo algunas críticas de esta película y encuentro lo maravillosa que le ha parecido a muchos: película mayor, arrebatador viaje, experiencia bella y gozosa, docuficción lúcida, deslumbrante y emotiva, elegante y excéntrica… y una de dos, o me he perdido buena parte de la película, o no he sabido ver todo eso que la encumbra. Vaya por delante que es un tipo de cine que no me va, no le pillo el tranquillo y me mantiene en un estado de perplejidad del que no logran sacarme sus imágenes; salgo de la sala sin saber exactamente qué nos ha querido contar, agotado de una narrativa en la que no entro y con una sensación de aburrimiento abrumadora. Así que ni idea de si es o no una buena película, si tiene realmente valores extraordinarios y acabo con la clara convicción de que, sencillamente, no me ha gustado. Como decía el acomodador del cine de mi pueblo cuando éramos críos: “debe ser cojonuda porque no he entendido nada”.

La película no es que sea críptica en su relato. Se entiende que es el viaje de Edward por diferentes puntos del sudeste asiático huyendo de su novia, a la que hace siete años que no ve, y que ahora llega para casarse con él; y una segunda parte en la que vemos el viaje de Molly, la novia, yendo detrás de Edward con la firme convicción de que se casarán. Resulta pues, un viaje por Birmania, Thailandia, Vietnam, Filipinas, Japón, China o Singapur, y uno no puede menos que pensar que el verdadero motivo de la película es darse una vuelta por sitios tan exóticos con la excusa del rodaje. Hay que reconocer que hay imágenes muy hermosas: esa función de títeres en color, el blanco y negro de algunos paisajes, esos planos de calles atestadas de motocicletas filmadas como si fuera un vals… y que el aroma que rezuma la película tiene encanto y cierta magia, pero las dos horas se hacen (se me hacen) eternas y lo mismo se podía haber narrado en la mitad de tiempo. Los personajes tienen cierto interés inicial pero ninguno acaba de coger la fuerza y la entidad que se necesitaría. Es posible que yo sea un espectador demasiado convencional al que le gusta una línea narrativa y una evolución clara de personajes y situaciones y quizás sea por eso que nunca he sabido a donde quería ir a parar y qué es lo que se nos quiere transmitir. Será pues, aquello de que cada película tiene su público y yo me he debido de equivocar de sala.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Miguel Gomes

Guion: Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes, Mariana Ricardo

Reparto: Jani Zhao, Gonçalo Waddington, Lang Khê Tran, Crista Alfaiate, João Pedro Vaz, Manuela Couto, Cláudio da Silva, Jorge Andrade, Teresa Madruga, João Pedro Bénard, Diogo Dória

“LENGUA EXTRANJERA”. Adolescentes frente al colapso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Producción francesa dirigida por Claire Burger (“Real love” 2018, “Mil noches una boda” 2014) que nos cuenta la historia de dos adolescentes de 17 años, una francesa y otra alemana, que hacen un intercambio lingüístico: Fanny viaja primero a Leipzig a casa de Lena y después esta última viaja a casa de aquella en Strasbourg. Son chicas de familias acomodadas que tienen problemas e intereses propios de la edad, Lena es una persona comprometida y activista que está muy pendiente de una madre en un estado emocional bastante precario; Fanny tiene problemas de socialización y sufre un constante acoso escolar, además tiende a inventar cosas y hacer fabulaciones para combatir sus carencias e inseguridades. Cuando Fanny llega a Alemania pasa unos primeros días bastante duros, pero pronto Lena la acepta, la acoge y se crea una estrecha relación entre ellas.

Claire Burger nos ofrece una película tranquila y serena, con unos personajes muy naturales y creíbles, sin tirar de excesos o giros inesperados, siempre atenta a los pequeños detalles y a ese fluir irregular de emociones y sensaciones en espacios nuevos, gentes desconocidas o lugares donde la comunicación es difícil (y no solo por la diferencia de idioma). Lo mejor de la cinta es, sin duda, el retrato sereno y sincero que se hace de estas dos chicas enfrentadas a la conflictividad que se deriva de la familia, la perspectiva de un mundo que camina hacia un futuro incierto, y una sexualidad aún por definir; y gran parte del mérito lo tienen sus actrices, Lilith Grasmug y Josefa Heinsius que construyen unos personajes encantadores, llenos de matices y muy reales. El problema es que la película intenta abarcar demasiadas cosas: la adolescencia, el descubrimiento del primer amor, la relación con los padres, el acoso escolar, el activismo social ante el desastre ecológico, los mecanismos de defensa ante las amenazas exteriores, la amistad y el perdón… y no profundiza en ninguna de ellas y parece quedarse en un espacio superficial que puede saber a poco.

Queda una película muy agradable, que sugiere más que narra, que mira la adolescencia desde una perspectiva muy interesante y que, aun pudiendo haber dado mucho más de sí, es notablemente satisfactoria en su planteamiento de dos jóvenes, aparentemente privilegiadas, enfrentadas a posibles colapsos familiares, sociales, afectivos y de futuro.

Disponible en Filmin

Dirección: Claire Burger

Guion: Claire Burger, Léa Mysius

Reparto: Lilith Grasmug, Josefa Heinsius, Chiara Mastroianni, Nina Hoss, Jalal Altawil

“A COMPLETE UNKNOWN”. La música de Bob Dylan.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una adaptación cinematográfica de la novela de Elijah Wald “Dylan Goes Electric!: Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties” que arranca en 1961, cuando Dylan llega a Nueva York y abarca un periodo de 5 años hasta la controversia eléctrica del título de la novela en la que Dylan cambia la guitarra acústica y el estilo folk que lo había encumbrado por la guitarra eléctrica y los sonidos de rock más nuevos y rompedores; en medio, los inicios en el mercado discográfico, las relaciones con mujeres como Joan Baez y la composición de temas ya clásicos como “Mr. Tambourine Man” o “Like a Rolling Stone”.

Dirige James Mangold (“Le Mans '66” 2019, “Logan” 2017, “Lobezno inmortal” 2013) que hace un trabajo aplicado y efectivo y Timothée Chalamet logra un Bob Dylan creíble e identificable sin dejar de ser Chalamet al que también le presta la voz con la que, ahora sí, consigue mimetizarse con el auténtico Dylan. Lo mismo hace Monica Babaro que presta cara y voz a Joan Baez.

Está claro que lo que realmente interesa a la película es la música de Bob Dylan, sus comienzos más encasillados en la música folk, su compromiso con la realidad social y política o su interés por renovarse y crear un sonido y un estilo personal por encima de exigencias de mercado o de público. La historia abarca, de esta manera, el periodo que va de la llegada a N.Y. hasta la salida de “Like a Rolling Stone”. Los datos biográficos pasan, en cierta manera, a un segundo plano y la película incluso se permite añadir elementos que no existieron o modificar otros: Sylvie Russo (Elle fanning) era en realidad Suze Rotolo, Dylan no llegó solo a NY ni conoció a  Woody Guthrie en un hospital, o Johnny Cash no estuvo en el festival de Newport en 1965, y así. Estamos, por tanto, ante una ficción basada en una historia real en la que el objetivo es el retrato de un personaje único, genio de la música y de la letra (recordar que es el único músico con un premio nobel) y que servirá para dar a conocer al personaje a los que no lo conozcan (si es que hay alguien) y para disfrutar de su música (abundante y constante a lo largo del metraje).

Queda una película muy sólida y bien construida, que aguanta bien sus 141 minutos y que formará un excelente programa doble con la mucho más arriesgada y sorprendente “I’m not There” que Todd Haynes dirigió en 2007. Si además, uno repasa los dos documentales que Martin Scorsese hizo sobre el artista (“No direction home: Bob Dylan” y “Rolling thunder revue: A Bob Dylan story” de 2005 y 2017) el maratón especial está servido.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: James Mangold

Guion: Jay Cocks, James Mangold. Libro: Elijah Wald

Reparto: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Scoot McNairy, Edward Norton, Boyd Holbrook, Monica Barbaro, Dan Fogler, Charlie Tahan, James Austin Johnson, Norbert Leo Butz

“MI ÚNICA FAMILIA”. De odios y amores.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Uno sale de esta película preguntándose cuales son esas verdades duras a las que hace referencia el título original, si son las que de manera compulsiva y violenta suelta Pansy, la protagonista, ante cualquiera que se le ponga delante, si son esas que se quedan bajo los silencios de aquellos personajes desamparados que conviven con ella o las que parecen minar irremediablemente las relaciones de esa familia del título castellano. Sea como fuere, Leigh nos ofrece un retrato luminoso pero descarnado de un grupo de gente sencilla que convive con el desencanto, la tristeza y el dolor, un grupo encabezado por una mujer rota de dolor interpretada magníficamente por una enorme Marianne Jean-Baptiste.

La película parece arrancar como una comedia de situación y las iracundas y constantes reacciones de Pansy nos provocan un cierto malestar en el que la sonrisa aparece mientras estamos distanciados del personaje. Luego se nos hace más cercano y nos preguntamos el porqué de esa angustia existencial, de ese brutal enfado con el mundo y de ese odio tan visceral y agresivo. Finalmente descubrimos ese punto de amargura que tapona un amor que puja por salir pero que se queda en el fondo de las vísceras (ese ramo que su hijo Mose le regala y que acaba tirado en el patio, esos abrazos de su hermana Chantelle que no logran sacarla de su sufrimiento, el silencio del marido, las ganas de vivir de las sobrinas…) y la sonrisa inicial se nos congela en los labios en un final incierto que no da opción ni a la lágrima ni al suspiro.

Encuentro que el principal problema de la película es que puede resultar demasiado esquemática, ya que se centra totalmente en el personaje de Pansy y en su trágica existencia, y saben a poco el resto de criaturas que se merecían un tratamiento más amplio y profundo; si hubiera sido un retrato más familiar y menos personal la película hubiera ganado en intensidad y en riqueza y nos hubiera noqueado definitivamente. Aún así, es una película intensa, que logra que sintamos muy de cerca sus tragedias cotidianas, que entendamos a ese hijo que no hace absolutamente nada, a ese marido que aguanta lo indecible, a esa hermana que nunca tira la toalla, y sobre todo a esa mujer que se siente odiada por todos y que parece defenderse de todo con una obsesión por la limpieza y la verbalización constante de todo lo feo y negativo que hay o pueda haber; y todo tremendamente humano, tan duro como sensible, finalmente apasionante.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Mike Leigh

Guion: Mike Leigh

Reparto: Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, Felicita Ramundo, David Webber, Bryony Miller, Tiwa Lade, Tuwaine Barrett

“LOS INDESEADOS”. Sombras que no se ven.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Quinto largo de Erlingur Thoroddsen, basado en la novela homónima de Yrsa Sigurðardóttir considerada una de las principales representantes del noir nórdico. Nos cuenta una historia dividida en dos tramos temporales que coincidirán finalmente en un giro realmente interesante y, si no se ha leído la novela original (cosa que recomiendo), gratamente sorprendente.

Primero conocemos a Óddin, un trabajador social que debe investigar la muerte de dos jóvenes, cuarenta años atrás, en un hogar juvenil; además de enfrentarse al reciente suicidio de su exmujer, un alcoholismo que parece haber superado y una hija adolescente con serios problemas. La segunda línea ocurre en el hogar que Óddin investiga y va conducida por la chica que se encarga de la limpieza; la casa está dirigida por una pareja de las que dan miedo y el ambiente es de todo menos familiar.

Thoroddsen plantea una interesante mezcla de thriller noir y terror bastante bien lograda. La primera trama es más luminosa, de decorados más rectos y cortantes y domina la intriga sobre los motivos del suicidio y los problemas de Rún, la hija de Óddin, más tirando al drama y al duelo tras la desaparición. La segunda línea es más oscura, con interiores claustrofóbicos, una atmósfera inquietante y esa amenaza continua y casi invisible que la acerca al terror. Un montaje bien hecho consigue engarzar las dos tramas y transitar de una a otra con bastante ligereza.

Quizás los personajes podían haber tenido algo más de desarrollo, y se intuye que se han excluido cosas interesantes que estaban en la novela y que aquí posiblemente no tuvieron cabida, perono se echan en falta. Es una historia que te atrapa, de esas que generan mal rollo, inquietud, desasosiego e intriga a partes iguales; una historia fría, como buen noir nórdico (“Frío” es también el título original), que nos va descubriendo un lado terrible y oscuro de la naturaleza humana y que nos habla de temas tan escabrosos y difíciles como la enfermedad mental, la violencia juvenil, el alcoholismo o los embarazos adolescentes; también es verdad que no profundiza en ellos, pero el de la enfermedad mental sí que acaba siendo un punto notable de interés.

Los amantes del terror se quedarán decepcionados, no da miedo y “las sombras” que acechan durante la película son más psicológicas que fantasmales, pero no así los que busquen una historia bien contada y sorprendente.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Erlingur Thoroddsen

Guion: Erlingur Thoroddsen. Libro: Yrsa Sigurðardóttir

Reparto: Jóhannes Haukur Jóhannesson, Elín Hall, Selma Björnsdóttir, Mikael Kaaber, Halldóra Geirharðsdóttir, Sara Dögg Ásgeirsdóttir, Ólöf Halla Jóhannesdóttir, Björn Stefánsson

“AMENAZA EN EL AIRE”. En el avión.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Mel Gibson se descuelga (nos sorprende) con una película que poco o nada tiene que ver con lo que nos ha ofrecido últimamente: nada de temas religiosos y profundos, nada de excesos visuales o narrativos, y nada de superproducción a lo bestia. Es esta una película más bien pequeña, incluso barata, con muy pocos personajes y prácticamente un único espacio en la que el principal objetivo parece ser que su amigo Mark Wahlberg se lo pase super bien. Y la verdad es que la cosa, para ser poco más que un divertimento, le ha quedado de maravilla.

Nos cuenta la historia de Madoly (Michelle Dockery) una agente de policía que debe custodiar a Winston (Topher Grace) contable de un mafioso que ha hecho un trato para declarar como testigo. Para salir de Alaska, que es donde han detenido a Winston, lo suben a un avión pilotado por Daryl (Mark Wahlberg) que pronto hará que las cosas se tuerzan y el viaje resulte una peligrosa y violenta odisea. Lo que ocurre es más o menos previsible (y si ven el tráiler todavía más) pero resulta entretenido y divertido asistir a los giros de la acción y al enfrentamiento de personajes tan diferentes.

Gibson tira, bastante, de tópicos y elementos sobradamente conocidos: la policía con pasado doloroso, el contable cobardica un tanto cargante, el malo muy malo sin escrúpulos con alopecia mal disimulada incluida, y un constante “te mato, me salvo, te machaco…” bastante manido. Aún así, la película tiene un ritmo y un brío excelentes, las piezas encajan bastante bien, no se tira de trampas de guion ni de bofetadas a las leyes de la física (excepto el choque del avión con la nieve entre montañas) y el resultado final, si se entra en el juego, es muy entretenido y de agradable visionado. Sirva como ejemplo la excelente escena del aterrizaje forzoso o el personaje de Hasan, del que solo oímos su voz y que es un verdadero hallazgo.

Una película que cumple sus expectativas, para una sesión de tarde a la que solo se le pide un pasatiempo digno. Un divertimento.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Mel Gibson

Guion: Jared Rosenberg

Reparto: Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat, Savanah Joeckel, Paul Ben-Victor

“LOS HABITANTES”. Casa con fantasmas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Película mejicana, claramente de presupuesto limitado, que nos cuenta la ya vista historia de una casa muy bonita, recién adquirida por joven y atractiva pareja, que (¡oh, sorpresa!) tiene un fantasma dentro; o sea, una más en el subgénero del haunted house y el terror psicológico. La historia está ambientada en Monterrey pero podía haber sido cualquier otro lugar ya que apenas salimos del interior de la casa donde se intenta crear una atmósfera de intriga, suspense y algo de terror tirando al estilo del cine coreano.

La pareja protagonista son Emiliano y Nina, y con ellos vive la hija pequeña de ella. Emiliano tuvo un accidente y no recuerda nada de un periodo anterior de cinco años; una vez en la casa, ve apariciones de una mujer que le susurra o la vislumbra entre sombras y de una niña pequeña. Las visitas con la psiquiatra permiten reconstruir los hechos haciendo un flash-back bastante natural y la aparición de su madre y de su primo llevar a la resolución del enigma.

Es una película bastante correcta que intenta ofrecer una imagen y una fotografía cuidadas, buscando encuadres elegantes y sugerentes y jugando a dosificar la información para crear el interés. Se consigue a medias, entre otras cosas porque es algo que hemos visto muchas veces y no aporta las suficientes ideas originales y personales para desmarcarse de lo que podemos ver en un telefilm o en cualquier obra de encargo.

Los actores hacen lo que pueden con unos diálogos más bien justitos y, como suele ocurrir, el final no es todo lo sorprendente que cabía esperar, aunque tiene su punto y no disgusta.

Queda una película que es más bien un ejercicio de género, aplicada y correcta, hecha con ganas y entusiasmo, eso se nota, pero algo pobre para espectadores con cierta exigencia.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Homero Bueno

Guion: Homero Bueno

Reparto: Angélica Aragón, Jorge Luis Moreno, Estefanía Hinojoso, Paulina Cantu Felix, Gari Garibaldi, Sergio Zurita, Jessica Mendiolea

“GIRLS WILL BE GIRLS”. El descubrimiento.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una ópera prima que nos llega desde la India y que aborda el proceso de descubrimiento de la sexualidad, y del sexo, por parte de una adolescente. Tema, como se ve, que ya hemos visto muchas veces pero que aquí adquiere unas características personales y diferenciadoras que la hacen peculiar e interesante.

Mira, la protagonista, es una alumna excelente en un colegio de élite, que es nombrada delegada (una especie de máxima responsable del alumnado) en la primera escena, un cargo muy destacado al que solo habían accedido chicos. Mira tiene una relación difícil con su madre y su padre está casi siempre fuera del hogar. A partir de la llegada al centro de Sri las cosas cambiarán, Mira empezará a sentir deseos nuevos, los estudios se resentirán y la relación con la madre será más complicada.

Hay diferentes elementos que hacen de esta película una cinta diferente: como se nos retrata a Mira, especialmente en esa mezcla de madurez, inteligencia y desconocimiento de sí misma; el papel de la madre en su día a día (nunca sabemos si es una déspota, una obsesionada con la protección de su hija, una frustrada que descubre sus pulsaciones, o todo a la vez); o como se nos plantea el abordaje del sexo adolescente, de las primeras relaciones y las sensaciones, deseos e incertezas que le surgen a Mira en el proceso. Añadamos el conflicto escolar que se deriva del enfrentamiento con un grupo de alumnos (cabecillas anclados en comportamientos desagradablemente machistas) que han sido expulsados por la denuncia de Mira, y tenemos la foto completa de una película coming of age tirando a exótica, muy madura y muy bien planteada. Una película que se atreve a mirar donde otras pasan de puntillas, muy interesante.

Disponible en Filmin

Dirección: Shuchi Talati

Guion: Shuchi Talati

Reparto: Preeti Panihrahi, Kani Kusruti, Kesav Binoy Kiron, Jitin Gulati

“LA ÚLTIMA REINA (FIREBRAND)”. Enrique y Catalina.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Siglo XVI, corte de los Tudor, Enrique VIII se ha deshecho (repudiadas o ejecutadas) de sus cinco esposas anteriores y ahora la reina es Catalina Parr, la única que se salvará del destierro y de la condena a muerte.

La película está narrada desde el punto de vista de la reina y nos ofrece una lectura feminista de la corte, sus manejos, intrigas y, sobre todo, del trato hacia las mujeres. La voz en off inicial ya nos advierte: vamos a ver un tiempo y un espacio marcados por la división religiosa, la guerra, la corrupción y la podredumbre (son tiempos de peste y Enrique VIII sufre un proceso de deterioro brutal que se materializa en una pierna que se pudre, literalmente). Hay, por tanto, una fotografía oscura, casi tenebrosa, que acerca la película (especialmente en su primera parte) a una cinta de terror en la que Catalina está constantemente amenazada por diferentes fuerzas no siempre tan oscuras; esto, unido a un gran esfuerzo de ambientación (excelente el uso de espacios interiores y el diseño de vestuario) hacen de la película una obra densa, intensa y un fastuoso drama de época. Eso sí, con algunas licencias narrativas que no gustarán a los que optan por la rigurosidad histórica.

A pesar de la fastuosidad del tratamiento, la película acaba siendo un drama bastante íntimo en el que sobresale la relación que establecen Enrique y Catalina, y donde se mezcla poder, misoginia y amor. Un drama aupado por potentes e intensas actuaciones de Alicia Vikander y Jude Law que sostienen el peso del entramado.

Quizás algo pretenciosa, le hubiera sentado bien un poco de sutileza y sugerencia, y sobre todo, un metraje algo más ajustado que le hubiera proporcionado algo más de ligereza. Queda una película de época intensa y al gusto de un público amplio que actualiza y/o revisa moderadamente el papel de la mujer en una época tan peculiar como fue la de los Tudor y que, por supuesto, puede tener su reflejo en la sociedad actual.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Karim Aïnouz

Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle

Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Sam Riley, Ruby Bentall, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Simon Russell Beale, Amr Waked, Andy M Milligan, Ian Drysdale

“PADRES”. Nuestra hija ha desaparecido.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una de esas películas que bien podrían ser una obra de teatro y que, quizás, funcionaría mejor en un escenario. Dos únicos personajes (a excepción de una pequeña aparición de tres secundarios), Jaime y Victoria (Fernando Cayo y Natalia Verbeke) matrimonio separado que vuelven a juntarse en la casa, que ahora es de ella, porque su hija María ha desaparecido después de salir a un concierto al que nunca fue. La trama consiste en crear la incertidumbre sobre el paradero de la hija primero y sobre los responsables de su desaparición después; se trata de arrancar de un conflicto para ir indagando, más o menos, en el deterioro de las relaciones, los conflictos de la separación, las responsabilidades asumidas y el papel de cada uno en la pareja y en la familia.

Como siempre ocurre en un planteamiento así, el peso recae en la actuación de los protagonistas, en la estructura del guion que nos va desvelando información y generando nuevas expectativas, y en unos diálogos que conduzcan al espectador y definan a los personajes. Todo ello está más que correcto en la película y, si uno se deja llevar por el juego que se propone, puede resultar un entretenido entramado de incertezas y culpas bastante sólido. La atmósfera, también muy importante, corre a cargo de la casa, se supone de diseño del propio Jaime, y de una iluminación que me ha parecido hubiera sido más adecuada en tonos más oscuros y contrastados, acompañando esas constantes dudas y esos terrenos más negros que los personajes parecen transitar.

Tenemos, por tanto, un ejercicio de thriller de manual que se mantiene sólido y con un ritmo aceptable y que, finalmente, opta por un desenlace correcto, quizás algo forzado y que a uno le hubiera gustado más creativo e impactante. Una película entretenida, digna, para pasar un rato agradable.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: José Ángel Bohollo

Guion: José Ángel Bohollo

Reparto: Fernando Cayo, Natalia Verbeke, Angelina Stoian, Carlos Fuentes

“DANIELA FOREVER”. Sueños lúcidos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta película un experimento; y como suele ocurrir en casi todos los experimentos, hay cosas que salen bien, otras no tan bien y algunas directamente mal. Dirige Nacho Vigalondo, cineasta de filmografía atrevida (“Colossal”, “Open Windows”, “Los cronocrímenes”), interesante e irregular que también se responsabiliza del guion. Nos cuenta la historia de Nick (Henry Golding), un hombre que pierde a su pareja y que es invitado a formar parte de un ensayo clínico: probar un fármaco que permite tener sueños lúcidos, es decir, controlar los propios y soñar con lo que se desee. Nick se saltará los protocolos pactados e intentará recuperar a Daniela aunque solo sea en sueños.

Vigalondo juega con el formato de pantalla y la resolución de imagen para diferenciar la realidad (pantalla cuadrada y baja resolución) de los soñado (pantalla panorámica e imagen mucho más nítida) para luego ir complicándolo (o intentándolo, que no siempre lo consigue) haciendo que la línea que separa una de otra sea cada vez más difusa y menos recta. La idea, en principio, es buena y el director logra algunos momentos sugerentes, otros inquietantes y otros sorprendentes, pero el conjunto no termina de funcionar como debiera. No tengo muy claro qué ocurre, pero intuyo que hay diferentes motivos: Vigalondo no da con el tono adecuado y se mueve entre el drama y el fantástico sin decidirse por ninguno de ellos; el ritmo y el montaje no acaban de ser todo lo fluido que debieran y uno acaba un tanto saturado de fundidos a negro para cambiar de formato y de escenas repetitivas o sin un objetivo claro; la película quiere ser sugerente y se vuelve críptica en algunos momentos y demasiado liosa en otros. Al final cuesta trabajo mantener el interés y, principalmente en su parte central, puede hacerse aburrida.

Aún así, si uno entra en el juego (que no lo tiene fácil) se puede disfrutar de este drama romántico que deviene pesadilla, del juego realidad/sueño, de la obsesión del protagonista y de las “reflexiones” sobre el amor, la felicidad y el destino. Que no es poco.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Nacho Vigalondo

Guion: Nacho Vigalondo

Reparto: Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido, Rubén Ochandiano, Nathalie Poza, Frank Feys

“LIMÓNOV”. El antihéroe.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Del director Kirill Serebrennikov pudimos ver hace un año la interesante “La mujer de Tchaikovsky” y en 2019 “Leto” sobre el ambiente rock en la Rusia de los 80. En esta que nos ocupa pone el foco en la figura del controvertido escritor y político ruso Eduard Limónov, radical postideológico, fundador del ilegalizado Partido Nacional Bolchevique (ni fascista, ni comunista, ni conservador, ni liberal, sino todo a la vez, según su propia definición) y poeta radical que paseó sus vivencias y sus miserias por Nueva York y París y que acabó comandando guerrillas fascistas antes de acabar en la cárcel y convertirse en un antihéroe casi de película.

A Limónov lo interpreta un fascinante Ben Winshaw (“Passages”, “Surge”, “Little Joe”) que le otorga un aura realmente curiosa: no se sabe si es un genio total, una caricatura de sí mismo o un despojo humano (o todo a la vez). A pesar de ello, siendo como es, un personaje tan fuera de lo normal, tan extraordinario, uno se queda con la sensación de que la película va poco más allá de la anécdota y que se le han quedado en el tintero cosas esenciales y de gran interés (aunque también es posible que sí estén y yo no haya sido capaz de captarlas). Aún así, es una película intensa, que no da descanso y que refleja/transmite con enorme potencia ese torbellino imparable que, parece, fue la vida de Eduard Veniaminovich Savenko, que era como realmente se llamaba.

La cinta adapta la novela homónima de Emmanuel Carrère y el director insistía en señalar que no era un biopic al uso sino una adaptación de la mirada de Carrère en su novela: “sigo los pensamientos, las ensoñaciones, su enfoque y su búsqueda para desentrañar el misterio del héroe lírico”.

Lo que sí es cierto, tal y como reza la publicidad de la película, que “esta cobra una nueva y especial significancia con la actual situación política en Rusia y Ucrania”.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Kirill Serebrennikov

Guion: Ben Hopkins, Pawel Pawlikowski, Kirill Serebrennikov. Novela: Emmanuel Carrère

Reparto: Ben Whishaw, Masha Mashkova, Tomas Arana, Sandrine Bonnaire, Viktoria Miroshnichenko, Corrado Invernizzi, Evgeniy Mironov, Andrey Burkovskiy, Louis-Do de Lencquesaing.

“THE MONKEY”. Otro juguete malvado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Literal de la Wikipedia: “El mono (en inglés: The Monkey) es un relato corto de Stephen King, publicado por primera vez como folleto en la revista Gallery en 1980. Fue reeditado significativamente y publicado en la colección de cuentos Skeleton Crew de 1985 en Estados Unidos y en el libro La niebla​ en los países de literatura hispana. Fue nominado al Premio Británico de Fantasía como mejor cuento en 1982

”.

Ahora nos llega su adaptación cinematográfica de la mano de Osgood Perkins (“Longlegs”, 2024, “Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas”, 2020) que también firma el guion y que ha cambiado los platillos del mono original por unas baquetas que tienen mejor posicionamiento y dan algo más de mal rollo. Lo demás, viene a ser lo del relato: dos hermanos gemelos, Hall y Bill, que tienen un juguete en forma de mono que su padre les envió desde el extranjero y que es el responsable de crueles muertes cada vez que se le da cuerda. Como es de suponer, el monono no es fácil de quitar de la circulación y sus apariciones son siempre imprevisibles y letales.

“The monkey” es una película que no hay que tomársela en serio, es más bien un divertimento que juega con una falsa seriedad y que convierte cada muerte en una apuesta por lo gore, lo descabellado, lo bruto y lo divertido; podría parecer, a priori, una película de terror, pero termina siendo más una comedia con mucha sangre, muchos desmembramientos y mucho, muchísimo exceso.

Para que la cosa no quede como un simple circo de “sang i fetge”, se adorna con algo de desestructuración familiar (ese padre ausente o esos tíos adoptivos), otro poco de bullying escolar, un bastante de hermanos que no se entienden y otro tanto de padre que adopta una actitud difícil ante su paternidad para proteger a su hijo. Después está, claro, el mono en cuestión, ya se sabe que nada da más miedo que aquello que debía ser juguete y/o entretenimiento infantil y que se convierte en motivo terrorífico (a monos, ositos de peluches o payasos me remito).

Así, la película es una entretenida locura que hará las delicias de los amantes de lo sanguinolento sin ningún tipo de prejuicio, a la que no hay que pedirle demasiada justificación (aunque tiene la suficiente coherencia como para ser digerible) y aplaudirle las terribles ocurrencias que, lejos de provocar miedo, nos sacan una sonrisa cómplice que es, sin duda, lo mejor del producto. Un espectáculo, de todos modos, no apto para los propensos a la arcada o los de piel fina con esto de la sangre y las mutilaciones. Quien esto firma se lo pasó muy bien en sus ajustados 95 minutos.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Osgood Perkins

Guion: Osgood Perkins. Historia: Stephen King

Reparto: Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Sarah Levy, Rohan Campbell, Christian Convery, Colin O'Brien

“PADDINGTON: AVENTURA EN LA SELVA”. Viaje a El Dorado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Tercera entrega de la serie de películas de este osito con nombre de estación de tren que se inauguró en 2014 y que tiene su origen en los exitosos libros de Michael Bond. Poco queda del ingenio y la sorpresa que aportó aquel primer título en el que se aprovechaba con inteligencia el talante del oso achuchable que se instala en plena sociedad británica y que era una deliciosa revisitación cinematográfica del libro infantil que lo originó. Desconozco la secuela de 2017 en la que participaba Hugh Grant (por lo que me he perdido la gracia del chiste final) así es que no sé si estamos ante un proceso continuo de degradación o simplemente ante un intento de seguir explotando el potencial comercial del susodicho peluche.

Se nos cuenta la relación de Paddington con su tía Lucy a la cual decide visitar en la residencia para osos jubilados, en Perú, donde vive. Le acompañarán, claro, la familia Brown en pleno y allí se encontrarán con dos curiosos personajes: la madre superiora que interpreta Olivia Colman (siempre tan grande) y un capitán de barco encarnado por Antonio Banderas con su ya habitual repertorio de tics y al que acompaña Carla Tous en un pequeño y simpático papel de hija. La trama gira alrededor de la desaparición de la tía Lucy justo cuando los Brown llegan a Perú y su búsqueda a través de la jungla hasta un lugar mítico que todos persiguen y que, se supone, es El Dorado que buscaban los conquistadores españoles.

Lo mejor, sin duda, son los paisajes espectaculares que se nos ofrecen y la notable perfección de un Paddington visualmente impecable. Lo demás es una de esas historias previsibles, una de aventuras donde no hay ni sorpresas ni notables hallazgos y que juegan, en plan algoritmo, a colocar cada nota de humor, de acción, de intriga y de toque sensible justo cuando toca (además de referencias bastante claras a otras películas clásicas del género). Imagino que será una cinta que gustará al público con ganas de entretenerse sin hacer demasiado esfuerzo, niños incluidos, pero a poco exigente que se sea, se echará en falta algo más de ingenio, una mejor exploración de los personajes y algo de complejidad en el tratamiento general.

Queda una película entretenida, quizás demasiado simple (o sencilla) y visualmente impecable. Para hacer taquilla.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Dougal Wilson

Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont.

Reparto: Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Olivia Colman, Antonio Banderas, Hayley Atwell.

“BRIDGET JONES: LOCA POR ÉL”. Muecas y mohines.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta la cuarta entrega de la serie protagonizada por la Jones que comenzó hace más de veinte años con la simpática “El diario de Bridget Jones” y que dirigió Sharon Maguire; después vendrían “Bridget Jones: Sobreviviré” (Beeban Kidron, 2004) y “Bridget Ones’ Baby” (Sharon Maguire, 2016).

Lejos de jugar a los contrastes y con la imagen de “descolocada” de la primera película (reconozco que no he visto las dos intermedias) aquí se trata de explotar la supuesta vis cómica de la Zellweger y vendernos a una mujer madura y de luto capaz de encandilar a un yogurín sin perder de vista los valores maternales. Pero está claro que algo sustancial falla, y mucho: quizás la dirección que no sabe contener a una actriz protagonista totalmente pasada de rosca y sobreactuada, quizás la propia actriz que es incapaz de modular lo que la trama le requiere, o quizás el guion que, queriendo ser gracioso, no pasa de la payasada tonta y previsible… o quizás todo a la vez y de todo un poco. La cuestión es que desde el minuto uno se tiene la impresión de estar asistiendo a un recital de guiños, ñoñerías, risitas y poses labiales tan postizos y desafortunados que resulta imposible creerse nada de lo que se cuenta. En contrapartida, cada vez que aparecen otros personajes, más contenidos y serenos, la cosa mejora: Hugh Grant resulta divertidamente abrumador en su papel de tío conquistador que no cuida el lenguaje pero sí las formas, Emma Thomson está estupenda como ginecóloga cargada de sentido común, los críos que hacen de hijos ofrecen bastante naturalidad, Leo Woodall en su papel de joven adonis que cae en brazos de Bridget está ajustado dentro de lo que su papel le reclama, y Chiwetel Ejiofor como el profe de ciencias de los niños que arranca con un personaje bastante patético y termina más que digno . O sea, que lo miras bien y sobra la Zellweger, especialmente en la primera mitad.

Luego están los temas musicales que suenan a lo largo de la película, sin duda uno de los principales atractivos de la cinta. A destacar “Mad About The Boy” de Dinah Washington que propicia el mejor chiste del metraje a cuenta del anuncio de Levy’s de los años 90 con chico macizote tirándose a la piscina.

Supongo que habrá un público al que ya le vaya bien la historia y las muecas descontroladas de la amiga Rennée, pero quien esto suscribe no encontró nada gracioso a lo que dedicar una sonrisa y le pareció todo (o casi todo) simple, previsible y tontorrón; y encima dura 126 eternos minutos.

Estreno: 14 febrero 2025

Dirección: Michael Morris

Guion: Helen Fielding, Abi Morgan, Dan Mazer

Reparto: Renée Zellweger, Leo Woodall, Hugh Grant, Emma Thompson, Chiwetel Ejiofor, Isla Fisher, Celia Imrie, James Callis, Jim Broadbent, Shirley Henderson, Gemma Jones, Nico Parker

“MARY SUPERCHEF”. Viaje con la abuela.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El título original de esta película es “Mary, Tansey und die Reise in die Nacht”, algo así como “Mary, Tansey y el viaje hacia la noche”, como se ve, nada que ver con el español. Y es que eso de superchef se agarra a que la protagonista quiere ser chef y participar en un prestigioso campamento de cocina, pero eso, finalmente, es poco más que una anécdota dentro de una historia que enseguida se va por otros derroteros. Así, el viaje del original es el que se inicia cuando la abuela sabe que morirá pronto, que es de lo que realmente va la historia.

Mary es una niña de 11 años apasionada de la cocina que mantiene una relación muy especial con su abuela en la que se apoya para seguir sus sueños. Una enfermedad detectada en la abuela provocará el primer giro de la historia y la aparición de un personaje clave, la Tansey del título original, del que no desvelaremos nada pero que resultará esencial en el desarrollo de la trama y, sobre todo, en las intenciones y mensaje de la película.

La película será, finalmente, el retrato de cuatro mujeres, de cuatro generaciones, bien diferenciadas y no tan solo por la edad, que formarán esa familia que logra transmitir valores, emociones y sentimientos de unos a otros. Quedan, eso sí, algo marginados los personajes masculinos (el padre y los hermanos de Mary) que tienen un dibujo mucho más esquemático, más tópico y un recorrido más corto (es lo que parece que toca en esta época en la que el péndulo parece inclinarse, por fin, al lado de lo femenino).

Y está, lo que me ha parecido el aspecto más interesante de la propuesta: como se aborda y se trata, de manera natural y serena, el tema de la muerte, la forma en como la abuela asume algo tan inevitable, la visión que se ofrece del personaje de Tansey o la importancia de lo que se lega a quien se queda. Sin sensiblerías, ni melodramas atacando al espectador, pero con motivos emotivos, asistimos a una despedida excelentemente tratada.

Una pena que el conjunto no termine de tener, en global, la fuerza y el atrevimiento que la podía haber convertido en una cinta más potente; y es que, para no perder el público infantil al que va dirigida, la cosa se queda en algo bastante sencillo, con un humor muy simple, una trama fácilmente asimilable y sin aspectos incómodos y escabrosos. Una película sencilla, agradable, a la que se le puede sacar bastante jugo.

Estreno: 14 febrero 2025

Dirección: Enzo D'Alò

Guion: Enzo D'Alò, Dave Ingham. Historia original: Roddy Doyle

Animación

“LAYLA”. Una historia de amor.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una historia de amor que incluso podría tacharse de clásica si no fuera porque todo se desarrolla en un ambiente de drags queen cargado de color (mucho colr) y aroma no binario. Cuenta la historia de la Layla del título interpretada por Bilal Hasna que a partir de un acto del Orgullo inicia una relación con Max (Louis Greatorex) un ejecutivo de marketing de la empresa que los ha contratado para realizar un espectáculo en la presentación de uno de sus productos. A partir de la conexión entre Layla y Max todo girará en torno a su relación y a su descubrimiento mutuo que tendrá, también, mucho de descubrimiento propio. El relato se complementa con la relación (aunque sería más correcto hablar de no relación) que Layla tiene con su familia, de cultura árabe y tradicional para la cual ella sigue siendo Latif; interesante será, en la trama final, la aparición del personaje de la hermana y la posición que toma respecto al proyecto de vida de su hermano.

La película es tremendamente dulce, simpática y por momentos entrañable, gracias a las actuaciones de Hansa y Greatorex (especialmente el primero) que nos ofrecen unos personajes tiernos y vulnerables a los que es muy fácil coger cariño. Sin embargo, la historia peca de un guion demasiado simplista, de los que apenas diversifican la trama y su campo de visión, provocando cierta superficialidad cuando se hubiera requerida una profundización sólida y trabajada de situaciones y criaturas; de esta manera, la cinta funciona muy bien cuando se centra en el relato íntimo, cercano a los protagonistas y flojea un tanto en el plano narrativo, a excepción de lo que se nos cuenta sobre las familias de ambos que, aún siendo bastante esquemático, resulta interesante como historia. Lo mejor, además de las interpretaciones, es la potencia visual que Al-Kadhi logra dar al mundo de las drags queen que retrata (de hecho él es un artista drag), un espacio exuberante, vitalista y enérgico hasta el agotamiento y, por supuesto, tremendamente queer, con unos espectáculos sensuales y profusamente coloridos filmados con una pasión casi desmesurada.

Queda una película que puede saber a poco, pero que logra traspasar las fronteras del género y ofrecernos una historia de amor tierna muy agradable de ver.

Disponible en Filmin

Dirección: Amrou Al-Kadhi

Guion: Amrou Al-Kadhi

Reparto: Bilal Hasna, Louis Greatorex, Darkwah, Tim Bowie, Safiyya Ingar, Terique Jarrett, Rebecca Lucy Taylor, Freddie Thorp

“FUERA DE LA LEY”. Hasta el apuntador.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una de esas películas de título en español muy poco apropiado y muy engañosos; parece ser que se nos quiere vender una peli de malotes haciendo ilegalidades cuando en realidad se nos habla de la codicia humana (el Greedy People del original).

Los dos polis protagonistas que aparecen en el cartel son Will (Himesh Patel) un policía que llega a Providence junto a su mujer embarazada, y Terry (Joseph Gordon-Levitt) el agente veterano que será el compañero que se le asigne a Will para que vaya cogiendo las dinámicas del trabajo. Luego está la capitana Murphy (Uzo Aduba) encargada de abrir y cerrar el relato y que pondrá el contrapunto en este grupo variado y aparentemente normal pero humanamente codicioso.

Lo que parece que va a ser una historia de policías en población pequeña al uso, pronto se decanta por un tono de comedia bastante cercano al de los Coen pero con intenciones más pasadas de rosca; de hecho, la banda sonora ya nos advierte desde buen inicio que la cosa no va a ir por derroteros habituales y que, posiblemente, nada se va a tomar demasiado en serio. Lo que la película depara finalmente es un continuo de giros y vueltas de tuerca que juega con asomar lo predecible para después sustituirlo por una situación más terrible y más complicada. Todo ello, además, con un humor negro bastante peculiar que choca sorprendentemente con el aparente tono de seriedad que parece ofrecer la cinta y que no es más que una artimaña para vendernos lo absurdo, lo excesivo y lo atípico como si fuera pura naturalidad.

Es, pues, una película para disfrutar si uno se deja llevar por este juego de despropósitos que parecen no tener fin y que acaban teniendo un objetivo, un mensaje: vigila con lo que deseas y con lo que codicias porque tienes todos los boletos para salir mal parado, tal y como les ocurre a los personajes de esta delirante película en la que muere hasta el apuntador y sin ningún tipo de prejuicio, control o mesura.

Destacar el buen hacer de sus actores, desde una encantadora Aduba hasta el acelerado Gordon-Levitt pasando por unos cuantos secundarios que son verdaderos hallazgos: la embarazada mujer de Will, el tendero de la tienda de pinturas, el marido de la mujer asesinada y su secretaria, la novia oriental de Terry, o los esperpénticos y divertidos asesinos a sueldo que se hacen llamar El Colombiano y El Irlandés; todos ellos aportando su granito de arena a este divertido universo que gira alrededor de un bolsa con un millón de dólares y un buen puñado de muertos.

Estreno: 7 febrero 2025

Dirección: Potsy Ponciroli

Guion: Mike Vukadinovich

Reparto: Himesh Patel, Joseph Gordon-Levitt, Lily James, Uzo Aduba, Tim Blake Nelson, Simon Rex, Nina Arianda

“LA RED FANTASMA”. Después de la tortura.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Aborda esta película la represión del régimen sirio de Bashard al-Asad desde una perspectiva diferente y estimulante: el protagonista, Hamid, es un joven profesor de literatura en el exilio que sufrió torturas en la cárcel de Saydnaya y que forma parte de un grupo secreto, bastante bien organizado, que persigue a los torturadores y dirigentes del régimen que se han instalado en diferentes países de Europa. La película, claro, está basada en hechos reales y el espectador no pierde nunca la noción de que es una tragedia real y bastante oportuna, especialmente tras los últimos acontecimientos en Siria.

Haim está interpretado por Adam Bessa (el protagonista de la notable “Harka”, 2022, de Lotfy Nathan) y recrea un personaje atormentado, bastante complejo, rozando la obsesión enfermiza, herido profundamente por su experiencia en las cáceles de Al-Asad. Bessa consigue transmitir el sufrimiento de quien ha padecido prisión y torturas y ha perdido a sus seres queridos (en este caso a su mujer y a su hija) a manos de una dictadura inhumana y salvaje, como lo son todas las dictaduras. Es esto lo mejor de “La red fantasma” (“los fantasmas” en el original, mucho más sugerente teniendo en cuenta el tono y la atmósfera de la película), el dibujo de un dolor demasiado profundo y demasiado intenso. Y a pesar de tanto sufrimiento, Millet nos ofrece un final en el que prevalece la humanidad y el deseo de justicia, sin duda, una lección de integridad y humanismo.

Un drama sin efectismos, que puede hacerse algo lento y moroso, pero que nunca pierde la intensidad, que no se deja llevar por el juego de la venganza o la catarsis final redentora; una película en constante tensión, incómoda, moralmente notable, emocionalmente potente, apasionante.

Estreno: 7 febrero 2025

Dirección: Jonathan Millet

Guion: Jonathan Millet

Reparto: Adam Bessa, Tawfeek Barhom, Julia Franz Richter, Hala Rajab, Shafiqa El Till, Sylvain Samson, Mohammad Saboor Rasooli, Faisal Alia, Pascal Cervo, Mudar Ramadan

“NO HAY AMOR PERDIDO”. Padre e hija.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hay dos cosas muy interesantes y atractivas en esta película: por un lado las interpretaciones de sus dos protagonistas y, por otro el contrapunto de comedia, entre divertido y naif, que Le Duc propone en esta historia que debía ser profunda, trágica e incluso dolorosa y que termina siendo leve, risueña y poética.

Los actores son Nahuel Pérez Biscayart (“La mitad de Ana”, “Un año, una noche”) y Céleste Brunnquell (“Un verano con Fifi”), los dos excelentes.

Los contrapuntos, los elementos que se cuelan en el relato provocando una constante ruptura de tono que puede resultar muy entretenida pero también algo cargante o pretenciosa. Hay, por ejemplo, personajes como Youssef, el amigo de Rosa, que es un adolescente realmente atípico y que tiene una conversación poco menos que sorprendente con el padre de ella; o escenas tan curiosas como la de la visita de la alcaldesa al campo de futbol donde entrena Etienne, la entrevista de este para conseguir el trabajo en la que lleva a Rosa de bebé y todo acaba en una deliciosa nana, o el viaje a la universidad donde han admitido a Rosa; o el tratamiento que se le da a las relaciones sexuales de la hija o el papel que cada uno desempeña en la familia, tanto a nivel de colaboración como de emociones.

La película es curiosa desde el principio: con cuatro apuntes, algunas imágenes fijas y escasos 10 minutos, Le Duc nos pone en antecedentes y nos explica cómo se conocieron Etienne y Valerie, cómo tuvieron a Rosa y cómo Valerie desaparece de sus vidas y Etienne decide seguir adelante y cuidar de su hija; todo ello combinando imágenes fijas, pequeñas escenas y muy pocos diálogos; un arranque delicioso, sin duda. Luego vine la relación de padre e hija, marcada por una conexión total y la personalidad de cada uno: dinámica e impulsiva de él, mucho más reflexiva y madura de ella.

Y luego está el pasado, esos fantasmas que parecen superados y exiliados y que, de repente aparecen en un documental de la TV sobre surf en Portugal; y el futuro, esa marcha inminente del nido que parece acabar con todo lo construido. Eso sí, todo ello sin dramatismos ni tragedias sonoras, pero bien visible tras los rostros de sus personajes

Queda una película de apariencia sencilla pero que sabe captar la complejidad del mundo que un padre ha creado alrededor de su hija, el interior de ambos y esa necesidad casi enfermiza de controlarlo todo para protegerla, que no es poca cosa.

Estreno: 7 febrero 2025

Dirección: Erwan Le Duc

Guion: Erwan Le Duc

Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Céleste Brunnquell, Maud Wyler, Mercedes Dassy, Noémie Lvovsky, Mohammed Louridi, Nicolas Chupin, Camille Rutherford, Alexandre Steiger

“SALVAJES”. En la selva de Borneo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Explicaba el director (el mismo que dirigió en 2016 la excelente “La vida de Calabacín”) antes del pase de prensa que él se había criado en Suiza, en un ambiente rural, montañosa y envuelto de naturaleza, y que era ese sentimiento de comunión con el medio ambiente lo que le había llevado a hacer esta película.

El objetivo es ese, claramente, un rotundo y sencillo mensaje ecológico, y los resultados obtenidos están muy de acuerdo con las intenciones. Pero en lugar de localizarse en Suiza, lo hace en la selva de Borneo, que da mucho más juego y resulta más exótico (esto último es de mi cosecha, no palabras del director).

Nos cuenta la historia de Keria, una niña que adopta una cría de orangután después que los desforestadores hayan matado a la madre en una plantación de aceite de palma (nada que ver a nivel formal, afortunadamente, con la tragedia de Bambi). El padre de Heria es empleado de la plantación pero es de origen indígena, lo que provoca un pequeño conflicto en el que la película no parece querer profundizar; cuando keria entra en contacto con su primo y sus abuelos, que todavía viven en la selva conservando su forma de vida tradicional, se verá frente a la amenaza de la desforestación por una explotación desmesurada de la tierra.

La película no aporta nada nuevo a nivel temático y se ajusta a las historias bienintencionadas que intentan concienciar (y denunciar) ante el deterioro del planeta. Se echa mano de personajes con los que es fácil empatizar, sin apenas complejidades y de una trama que nos permite darnos un garbeo por la selva todavía virgen con la compañía de indígenas y animales de la zona.

Quizás lo más interesante: los indígenas que aparecen y a los que pertenece Keria están basados en los Penan, un pueblo nómada de la isla de Borneo cuya existencia está profundamente conectada con los ciclos naturales del bosque, llevan una vida de equilibrio natural y están seriamente amenazados por el avance de la maquinaria moderna. Es un claro y sencillo intento de poner en contacto a los pequeños con el concepto de diversidad y la problemática de respetar, o no, las formas de vida aisladas de nuestra civilización.

Como ya hizo en “La vida de Calabacín”, la animación es deliciosa y las marionetas nos ganan el corazón enseguida. Tratándose de una película de aventuras, se ve con agrado y su sencillez acaba siendo su atractivo.

Un mensaje ecológico sencillo, directo y tierno.

Estreno: 7 febrero 2025

Dirección: Claude Barras

Guion: Claude Barras, Catherine Paillé, Nancy Huston, Morgan Navarro

Animación

“BECOMING LED ZEPPELIN”. Historia de una banda.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

 Es este un documental al uso que nos cuenta la historia, más o menos completa, de la banda Led Zeppelin que nació en Londres en 1968 y de sus miembros: Jimmy Page, guitarrista y fundador, Robert Plant, cantante, John Paul Jones, bajo, y John Bonham, batería. Se echa mano de las entrevistas a los tres miembros que todavía viven y de un recuperado archivo de audio del fallecido John Bonham. Y, sobre todo, es una interesante recopilación de material de archivo que nos ofrece testimonios de diferentes épocas a las que hace referencia, grupos que supusieron una influencia y documentos sobre la infancia y la niñez de los miembros. Así, además de recordar diferentes tipos de música, cantantes y formaciones anteriores a ellos, asistimos a hechos históricos como los primeros ensayos de la bomba atómica, la guerra de Vietnam o la llegada del hombre a la luna.

Las declaraciones a cámara forman el grueso de la información que se nos ofrece (no hay voz en off) y cada entrevistado nos ofrece sus propias vivencias, sus contribuciones al grupo y su visión sobre lo que hacían. Así, una primera parte nos pone en antecedentes de cada uno, una segunda nos habla del grupo, su formación y primeros pasos en EEUU, y una parte final nos dedica varios temas bastante significativos que escuchamos íntegramente.

Un documental interesante que aporta bastante información a los que no estamos familiarizados con el grupo, que elude los aspectos más escabrosos, gustará a los amantes del grupo y de su música y resultará largo y excesivo a los que Led Zeppelin no les guste o, simplemente, no les interese. Solo para fans o gentes con ganas de descubrir.

Estreno: 7 febrero 2025

Dirección: Bernard MacMahon

Guion: Bernard MacMahon, Allison McGourty

Documental

“CORRER PARA VIVIR”. Rarámuris.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una producción mejicana que hay que mirar con buenos ojos, ya que se intuye un gran esfuerzo de producción y, sobre todo, unas buenas intenciones que pueden compensar sus errores y sus limitaciones, especialmente estas últimas.

Cuenta la historia de dos hermanos que viven, junto con sus padres, de lo poco que le sacan al trozo de tierra que poseen; la vida es dura y el padre impone una férrea disciplina y un trato arisco y autoritario. Omero, el hermano pequeño, tiene la ilusión de ser corredor y dedicarse profesionalmente; Capó, el hermano mayor, es el que realmente tiene aptitudes para la carrera pero se enamorará de una jovencita y acabará haciendo de mula para una banda de narcos. Como es de esperar, la cosa se le complicará a Capó y tanto él como Omero se verán presionados por los narcos y obligados a trabajar para ellos bajo amenazas a toda su familia.

Lo más interesante de la cinta es que Omero y su familia pertenecen al grupo indígena rarámuri, una comunidad indígena del norte de México, en el estado de Chihuahua. Rarámuri significa “corredores ligeros” o “los de los pies ligeros”, haciendo alusión a la más antigua tradición de ellos: correr. Estos “corredores” habitan en el suroeste del estado de Chihuahua, en una de las partes más altas de la Sierra Madre Occidental, conocida también como Sierra Tarahumara; esto le permite a Dorantes moverse por espacios espectaculares, montañas asombrosas y paisajes naturales fascinantes y hace que el solo hecho de filmarlos de sentido a la historia.

Por lo demás, la cosa se mueve en un terreno bastante simple, en ocasiones rozando la ingenuidad y el relato no acaba de salirse de caminos más o menos trillados que ya hemos visto (con bastante más efectismo y soporte económico) en otras películas. Hubiera valido la pena explotar el lado indígena, los elementos diferenciadores de una cultura amenazada, en este caso por la pobreza y el tráfico de drogas, y haber optado por un alegato más localista, social y cultural. Pero la película no quiere renunciar a ofrecer una historia de aventuras que pueda enganchar a un público más amplio y darle visibilidad internacional y eso le pasa una factura bastante dolorosa.

Si la miramos, como decía, con buenos ojos, y pasamos por alto algunos problemas de interpretación, de guion y de montaje, la película tiene un interés humano suficiente para que sea de visionado aceptable.

Estreno: 7 Febrero 2025

Dirección: Gerardo Dorantes

Guion: Fabián Archondo, Gerardo Dorantes

Reparto: Vladimir Rivera Mata, Manuel Cruz Vivas, Eligio Meléndez, Mayra Sérbulo, Martjin Kuiper, Emma Malacara, Osval Sánchez

“MEMORIAS DE UN CARACOL”. La vida de Grace.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Después de ganar el óscar al mejor cortometraje de animación con “Harvie Krumpet” (2003), Adam Elliot realizó “Mary and Max” (2009) inédita en España hasta ahora y que ganó los principales premios en Annecy y Ottawa. Ahora estrena esta “Memorias de un caracol”, nominada a los oscars de este año, a los Globos de Oro, ganadora en Sitges, Annecy y Londres.

Nos cuenta la vida Grace Pudel, una niña inadaptada y aficionada a coleccionar figuras de caracoles. Narrada en primera persona, Grace hace un repaso de toda su vida, de sus desgracias podríamos decir, porque las tiene a puñados, desde el nacimiento prematuro junto con su hermano mellizo, la muerte de sus padres, la separación en familias de acogida diferentes, la desaparición del hermano y la vida con Pinky, una excéntrica anciana con la que formará un verdadero hogar y que parece el único episodio que se salva de lo trágico.

La animación stop-motion, ya se sabe, hace que todo adquiera una textura y una atmósfera donde lo entrañable y lo emotivo se hace mucho más evidente y, a pesar de la tragedia que se nos cuenta, la historia de Grace termina siendo una fábula que llega directamente al corazón y nos lo roba sin remedio. También es importante que la película tiene un guion muy bien trabajado, excelente, que va alternando la comedia y la tragedia con fluidez y encanto, que se permite la ironía, el humor negro y los momentos desgarradores en los que sufres realmente por sus personajes.

Aún así, es todo un canto a la vida y a la esperanza e invita a disfrutar de aquello que se nos ofrece; como cuando Pinky convida a Grace a deshacerse de todo, ser valiente y empezar de cero y le dice que la vida es un bonito tapiz que hay que experimentar, que hay que saborear los pequeños placeres como fumar bajo la lluvia o llevar un jersey recién secado, y le dice que la vida solo puede entenderse hacia atrás, disfrutando del presente, como los caracoles que nunca vuelven sobre sus pasos.

Sumemos a todo esto un exquisito trabajo de animación, unas figuras encantadoras y una luz especial y tenemos una película deliciosa, extrañamente intensa, conmovedora y trágicamente hermosa.

Estreno: 31 enero 2025

Dirección: Adam Elliot

Guion: Adam Elliot

Animación

“TIERRA BAJA”. Las relaciones del pasado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La tierra baja a la que hace referencia el título es una zona de Teruel, cercana a Alcañiz, en la que Carmen, la protagonista interpretada por Aitana Sánchez-Gijón, vive en un mas heredado de la abuela y en el que se ha instalado hace un año después de abandonar Madrid y su trabajo como guionista de cine. Carmen vive cuidando de la propiedad con la ayuda de Damián, convive con su prima y otras mujeres del pueblo y un día recibe una postal de Eduardo, un productor de cine con el que hizo una película y tuvo, hace años, una historia de amor. A partir del cuaderno que su prima le regala, Carmen comienza a escribir de nuevo y Eduardo se presenta en la casa con un guion para que lo revise y lo modifique. Se inicia entonces un bonito juego en el que se mezcla la realidad en el mas y la ficción del relato que Carmen está escribiendo, construyendo la historia de amor, de pasado, de posibilidades perdidas y de sentimientos pasados que aún perviven.

“Tierra baja” es una de esas películas que tienen muy claro lo que quieren ser, a donde quieren llegar y el tono que pretender tener. Te puede gustar más o menos lo que propone, pero es innegable la honestidad y la coherencia de la película.

Es, además, una película de actores, muy cercana a la obra de teatro que podía haber sido, y por tanto todo se aguanta sobre las actuaciones de Sánchez-Gijón y Arquillué que cumplen con las previsiones y nos ofrecen una Carmen y un Eduardo bien construidos, matizados y naturales.

La película no olvida que se ubica en un espacio rural muy atractivo que es plena España vaciada, algo que le sirve como trasfondo social y como marco de una historia donde es, emocionalmente hablando, muy importante la soledad, el desarraigo, las perspectivas de futuro y el trato humano.

Una película luminosa, intimista, muy agradable, sobre una historia que pudo ser y no fue.

Estreno: 31 enero 2025

Dirección: Miguel Santesmases

Guion: Ángeles González-Sinde, Miguel Santesmases.

Reparto: Aitana Sánchez-Gijón, Pere Arquillué, Itziar Miranda, Javier Guzmán, Lydia Vera, Sonia Bel Faci, Mariano Anós

“FIN DE FIESTA”. Cuestión de clase.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hay una cuestión difícil de abordar de forma coherente y necesaria de analizar de forma objetiva: el estado actual de las clases sociales, el papel y la situación de cada una y, sobre todo, la conciencia de pertenencia a una o a otra.

Esta “Fin de fiesta” nos habla de ello a través de la figura de Bilal, un migrante de Senegal que al llegar a España (mediante el triste y habitual viaje que atraviesa el desierto, Marruecos y el Mediterráneo) acaba en el cobertizo de Carmina, una mujer de clase alta de esas que “su familia era la dueña del pueblo” (palabras textuales de ella). En la casa trabaja Lupe, que hace de cocinera, limpiadora y camarera y que formará, junto a Bilal, el frente de clase trabajadora opuesto a la burguesía caciquil de toda la vida (ahora transformados en gente de bien de la derecha) que encarna Carmina.

El planteamiento es bastante sencillo y Elena Manrique no pasa de ofrecernos un relato sin grandes sorpresas que busca su mensaje en el convivir cotidiano (aunque excepcional) de estos tres personajes. Inicialmente desconocemos las motivaciones que llevan a Carmina a acoger a Bilal, porque lo que realmente interesa es plantear esa distancia insalvable que provoca la brecha social y cómo una actitud egoísta, hipócrita y clasista determina la ausencia de empatías y de relaciones desinteresadas.

La película tiene un planteamiento muy naturalista y, sobre todo, una actuación impecable de Sonia Barba que nos ofrece una Carmina milimetrada, muy bien construida y, finalmente, odiosa. Beatriz Arjona también crea una figura exquisita de esa trabajadora que no tiene más remedio que someterse a l mandato de la señora (cultura, historia y educación se imponen) y Edith Martínez Val compone un Bilal frágil y encantador, víctima de estas grandes desigualdades. Después están los secundarios, esa pandilla de amigos que asisten a la fiesta del título y que no son más que una panda de pijos fácilmente identificable y terriblemente actuales.

“Fin de fiesta” no acaba de ser la película redonda y perturbadora que podía haber sido, pero sí es una notable ópera prima, valiente, honesta e inteligente, que plantea, con buena caligrafía verdades bastante duras y dolorosas.

Un apunte: la cinta se iba a titular “Se acabó la fiesta” pero, supongo que por el resultado de las últimas elecciones europeas, se optó por cambiar el título y evitar peligrosas coincidencias.

Estreno: 31 enero 2025

Dirección: Elena Manrique

Guion: Elena Manrique

Reparto: Beatriz Arjona, Sonia Barba, Edith Martínez-Val, Frank Feys, Carlos Bernardino, Gonzalo Validiez

“CORAZONES ROTOS”. Amor fou/ouf.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Dos apuntes antes que nada: es este el cuarto largometraje que dirige el también actor Gilles Lellouch y no se dejen guiar por un título en castellano que no hace justicia ni al contenido, ni a la forma ni a las intenciones de la película; mucho más acertado el original “L’amour ouf” que juega con la palabra fou (loco) y la onomatopeya ouf (uf) o incluso el título inglés “Beating hearts” (corazones palpitando).

Nos cuenta eso, la historia de un amor poco convencional, peligroso, difícil, loco y agotador. Ella es Jackie, una joven que pierde tempranamente a su madre, inteligente, sensible y con un padre encantador; él es Clotaire, un joven rebelde, con un padre duro y poco cariñoso, huido del sistema educativo, violento y que se busca la vida con asuntos ilegales. La película nos cuenta las diferentes fases de su relación, desde el enamoramiento adolescente hasta la edad adulta pasando por periodos de cárcel y distanciamientos.

Lo mejor, sin duda, son las construcciones que de Jackie hacen una excelente Mallory Wanecques de adolescente y la siempre espléndida Adèle Exarchopoulos de adulta; las dos encantadoras, versátiles, llenas de humanidad y exhibiendo un amplio y natural registro de emociones. Las acompañan François y Malik Frikah como Clotaire adulto y adolescente respectivamente. Lelouch tampoco olvida a sus secundarios y consigue personajes con entidad y muy interesantes: el padre de Jackie y su actitud comprensiva (Alain Chabat), los padres de Clotaire (Karim Leklou y Élodie Bouchez), los amigos de Clotaire o el mafioso tan genuino interpretado por Benoît Poelvoorde.

 Por otro lado, aunque la película echa mano de algunos tópicos del cine romanticón, hay que reconocerle hallazgos visuales muy interesantes (aunque quizás demasiado puntuales) y un uso exquisito de una banda sonora ecléctica y muy bien colocada.

Queda una película de extendido metraje (160 minutos) que puede hacerse bastante larga, algo grandilocuente, pero finalmente (si se acepta el juego propuesto) entretenida y apasionada. Eso sí, nunca llega a ser la gran película que quiere ser.

Estreno: 31 enero 2025

Dirección: Gilles Lellouche

Guion: Audrey Diwan, Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini, Gilles Lellouche. Novela: Neville Thompson

Reparto: Adèle Exarchopoulos, François Civil, Nicolas Wanczycki, Raphaël Quenard, Benoît Poelvoorde, Élodie Bouchez, Vincent Lacoste, Alain Chabat, Karim Leklou, Jean-Pascal Zadi

“ADIÓS, SALVAJES”. De sueños y renuncias.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un documental sobre la familia de Nick Payne, la que inspiró la película “Captain fantastic”. Nick y Maria viven en Noruega, tienen tres hijos y llevan años educándolos en la naturaleza, en la propia casa, en un ambiente de libertad y sostenibilidad, nada de colegio, nada de televisión.

Los primeros veinte minutos el documental lo dedica a ese retrato y lo hace a través de la voz de María y de las fotografías que realiza; las podéis ver en su blog, wildandfree.no, que es un exquisito y hermoso compendio de su filosofía de vida y es de uno de sus álbumes, el que explica el proceso de su enfermedad, de donde sale el título original del film “A New Kind of Wilderness” como siempre mucho más apropiado que el castellano. Tras la muerte de Maria, Nick se ve obligado a romper su aislamiento y a adaptarse a algunas exigencias de la sociedad actual: ha de buscar un trabajo con su dedicación diaria, renunciar a la granja que ya no se puede permitir y enviar a sus hijos a la escuela aunque sea tres días a la semana. Curiosamente es esta última parte la que ocupa la mayor parte del metraje y ello hace que dé la sensación de estar documentando un proceso constante de renuncia, de sueños incumplidos y de ausencias que han dejado un vacío demasiado grande; resulta, pues, una obra bastante triste, muy emotiva y, afortunadamente, nada melodramática, en la que finalmente se cuela la capacidad de sus criaturas para amoldarse a las nuevas circunstancias, aprovechar lo que de bueno hay en cada espacio y en cada tiempo y seguir siendo lo suficientemente fieles a esa idea primigenia de libertad, comunión con la naturaleza y respeto al planeta. Como puede verse, poco que ver con la aventura épica y, por supuesto ficticia y mucho más cinematográfica, que Viggo Mortensen protagonizó en 2016 y que era, sin duda, una película fascinante.

Queda un documental muy intenso, perfectamente armado, que huye de lo simple y abraza sin tapujos a sus criaturas intentado explorar su duelo, sus anhelos de vivir según sus convicciones y esa cohesión familiar a prueba de cualquier contratiempo. Sin sensacionalismos, ni trampas de guion se nos ofrece un film honesto, conmovedor y entrañable.

Disponible en Filmin

Dirección: Silje Evensmo Jacobsen

Documental

“POLICÁN”. Atípico superhéroe.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Última producción de la DreamWorks Animation, después de la excelente “Robot salvaje” y que un día de estos estrenará “Los tipos malos 2” y “Shrek 5”. Una película basada en los libros de Dav Pilkey cuyo décimo volumen, de título Mothering Heights fue el libro más vendido del mundo en 2021, una saga que se está convirtiendo en la gran revolución literaria mundial en los últimos años.

Nos cuenta la historia de un agente de policía y su inseparable perro que, tras la explosión de una bomba, uno pierde el cuerpo y el otro la cabeza con lo que cosen lo que queda sano de cada uno y construyen el Policán del título, un superhéroe con cabeza de perro y cuerpo de humano que posee las mejores aptitudes de cada uno. El villano en este caso es un gato malvado llamado Perico que quiere adueñarse del mundo construyendo diversos aparatos y que creará un clon de sí mismo, Periquillo que, en contra de lo esperado, acabará haciendo amistad con Policán.

No es esta película de las más originales de la factoría (acostumbrados como nos tenían a dragones entrenados, encantadores ogros verdes o pandas expertos en kung-fu) pero tiene elementos que la desmarcan del típico producto, sencillo y bienintencionado, para niños.

Al revés de lo que se supone, el personaje que surge de la fusión conserva la cabeza del perro (la inteligencia) y el cuerpo del humano (la agilidad) y da lugar a un curioso personaje que no habla, a pesar de que el gato y los otros animales sí lo hacen. La película ofrece una acción trepidante, a veces incluso demasiado, más propia de una cinta de acción que de una para criaturas; y unos diálogos interminables y acelerados que les dan un aspecto de descontrol bastante curioso. Hay por todo el metraje un humor rápido, irónico y tirando a malvado que los pequeños no ligarán pero sí los adultos. La trama, sin ser rompedora, tiene algunas derivas poco previsibles y desmarca la historia de terrenos más trillados. Y finalmente opta por una conclusión que rompe el esquema de bueno triunfante y malo castigado para convertirse en un alegato para la amistad y el entendimiento. Digamos que no hará historia, pero sí es un producto entretenido que puede resultar bastante interesante.

Estreno: 31 enero 2025

Dirección: Peter Hastings.

Guion: Peter Hastings. Libros: Dav Pilkey

Animación

“THE BRUTALIST”. El arquitecto.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El brutalismo es un movimiento arquitectónico surgido en la década de los 50 que “enfatiza la naturaleza expresiva de los materiales, de construcciones minimalistas y materiales al desnudo”.

El protagonista de “The brutalist” es László Toth (Adrien Brody), arquitecto húngaro, judío, que llega a Estados Unidos tras la guerra. Su mujer (Felicity Jones) se ha quedado atrapada en Europa y László encontrará en Harrison (Guy Pearce) el mecenas que le permitirá levantar un edificio que será, a la vez, proyecto de vida.

Es esta una película de grandes dimensiones: por lo que dura (215 minutos repartidos en dos partes con un intermedio de 15 minutos cronometrados en pantalla), por lo que abarca y por lo que cuenta: la llegada a N.Y., la carta que oímos en off, la vida en la indigencia, la tienda de muebles del primo, la biblioteca que construye para Harrison, el trabajo duro en Filadelfia, el proyecto del nuevo edificio, la llegada de Ezsberg y Zsófia a Estados Unidos, los problemas de adicción, el viaje a Italia y la violación, la marcha de Zsófia a Israel y la suya posterior… una serie de sucesos que constituyen un río narrativo por el que es muy fácil dejarse llevar.  

Con una capacidad narrativa extraordinaria, un ritmo impecable y una producción exquisita, la película engancha sin necesidad de grandes picos emotivos o catárticos, casi sin levantar la voz y sin someter a sus criaturas a pruebas desorbitadas (o casi). Todo lo que vemos podría haber sido mucho más desproporcionado, excesivo y/o épico, incluso la genialidad de este arquitecto se plantea sin alardes, y sin embargo todo resulta relevante, de notable interés, incluso apasionante e intenso. Uno se descubre (especialmente en la primera parte) enganchado a la historia, emocionado, fascinado.

La película es, como los edificios que diseña László o los geniales títulos de crédito iniciales, una obra de arte sin adornos, desnuda pero tremendamente sólida y atractiva. Un film extraordinario al que vale la pena dedicarle las más de tres horas y media que dura.

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Brady Corbet

Guion: Brady Corbet, Mona Fastvold

Reparto: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Isaach De Bankolé, Jonathan Hyde, Emma Laird, Stacy Martin, Alessandro Nivola, Peter Polycarpou, Michael Epp

“FLOW, UN MUNDO QUE SALVAR”. La inundación.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película letona, de animación con Blender (el programa para modelaje en 3D que se utiliza para videojuegos) que nos cuenta una historia muy sencilla pero efectiva en la que no hay diálogos ni humanos.

Nos cuenta las peripecias de un gato que ve como el agua anega la casa en la que vive y sus alrededores y que logra subirse a un barco con otros animales. Una primera parte parece querer ofrecernos los peligros que acechan al protagonista: una jauría de perros en plan cazador, una estampida de ciervos o una tromba de agua devastadora. Pero pronto todo se convierte en un gran lago y lo surca en compañía de un capibara, un lémur, un perro y un pájaro bastante exótico entre cigüeña y flamenco que será el timonel del barco, una pequeña embarcación que recuerda al arca de Noé y que es un personaje en sí mismo.

La acción, como digo, es bastante sencilla y se limita a un viaje entre bosques anegados y ruinas inundadas en un paisaje postapocalíptico que poco o nada tiene que ver con los títulos clásicos del género; se trata de ir sorteando peligros y dificultades y, por el camino, ir cogiendo conciencia de grupo para, finalmente, formar una pequeña comunidad cohesionada, diversa e igualitaria: la película empieza con el reflejo del gato en el agua y acaba con un plano similar con los cuatro animales que quedan tras “la subida a los cielos” del pájaro que hace de algo similar a un guía protector en plan ángel.

Es una película bellamente realizada que te engancha y te lleva de la mano durante 83 gratos minutos en la que hay mucho cine, mucha pasión y mucho cariño por parte de sus creadores. Si tienen que llevar a los niños al cine, esta es una excelente oferta; y si quieren ir sin criaturas, también.

Por último, no se dejen llevar por el subtítulo (que no aparece en el original), para nada es una película de acciones ecológicas para salvar el mundo (los animales poco pueden hacer al respecto) pero sí es un retrato muy interesante de un mundo en pleno cambio que, parece, se ha convertido en un verdadero paraíso, ¿será porque no hay humanos por ningún lado?

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Gints Zilbalodis

Guion: Matiss Kaza, Gints Zilbalodis

Animación

“CÓMO HACERSE MILLONARIO ANTES DE QUE MUERA LA ABUELA”. Familia y compromiso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Presentada por Tailandia a los oscars, esta película se ha terminado colando en las nominadas a los premios, cosa que no resulta extraña atendiendo a que es una cinta muy del gusto del melodrama occidental.

Nos cuenta la historia de M., un joven de esos que no hacen absolutamente nada y de cómo empieza a relacionarse con su abuela (a la que nunca visita o lo hace de mala gana) con la intención de convertirse en su favorito y que le deje en herencia su casa. La abuela tiene su genio y parece más que acostumbrada a estar sola y bregar con la actitud “poco familiar” de sus hijos; a raíz de su diagnóstico de cáncer todos parecen movilizarse para atenderla aunque no están muy claras las verdaderas intenciones de cada uno.

La historia en sí es bastante corriente y sencilla, bastante previsible y no proporciona ninguna sorpresa; aún así plantea una agradable narrativa y unos personajes bastante entrañables, supongo que es por eso que ha arrasado en Asia y ha hecho allí excelentes recaudaciones. Y es que la cinta consigue un tono muy atractivo, crea unas criaturas muy cercanas y no cae en el retrato simplista ni en efectos salidos de tono; todo se desarrolla con una suave cadencia y se pone mucho cuidado en que los personajes vayan acercándose entre ellos y descubriéndose de una forma natural, sin artificios, a la vez que lo hace el espectador.

Lo peor, ese título que le han puesto en inglés y castellano (desconozco el significado del original “Lahn mah” pero es fácil ver que poco tienen que ver) y que hacen pensar en una comedieta tontorrona a lo Cristian Clavier con la que no tiene ni remoto parecido.

 Putthipong Assaratanakul construye un M. encantador que nos convence de sus buenos sentimientos y Usha Seamkhum nos ofrece una abuela muy entrañable, con su punto de dureza, su sabiduría de anciana y madre y sus carencias siempre escondidas. Así, se construye una historia muy bonita, pelín lacrimógena para quien le pille con la sensibilidad alta, absolutamente universal y magníficamente ambientada. Una cinta excelente para los que piden sentimientos sencillos, a flor de piel y no necesitan sutilezas. Muy de gran público

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Pat Boonnitipat

Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat

Reparto: Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum, Sanya Kunakorn, Sarinrat Thomas, Pongsatorn Jongwilas, Tontawan Tantivejakul, Duangporn Oapirat

“EL PROFESOR DE ESGRIMA”. Duelistas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

París 1887, es época de duelos y, a pesar de estar prohibidos y penados por la ley, es moneda corriente que, “por un quítame allá esas pajas”, algún caballero se sienta herido en su honor y se acabe en un duelo a espada, pistola o a caballo.

La cosa empieza con una demostración de esgrima por parte del protagonista, Clémente Lacaze, maestro indiscutible de este arte encarnado por Roschdy Zem, un maestro español y el duelo de un sobrino del primero con el coronel Berchère (interpretado por el propio director) al que le han disputado la pareja. A los enfrentamientos entre nobles caballeros se añade una mujer, Marie-Rose Astié (Doria Tilier), primigenia feminista, activista intentando derogar la ley que prohíbe a las mujeres llevar pantalones (vigente hasta 2013), la igualdad de salarios, el derecho a voto y… el derecho a retarse en duelo.

Tenemos así, una película clásica de espadachines y duelistas, como las que se hacían hace años, con el personaje de Lacaze como base de la historia, aportando un hombre que sufre las consecuencias de la guerra, respetado, excelente espadachín, tremendamente consecuente y, en cierto modo, responsable del inicio de un gran cambio. Por otro lado, tenemos a las mujeres lideradas por Astié (personaje que existió realmente), enfrentadas al poder masculino encabezado por Berchère y Ferdinand Massat (Damien Bonnard) director del periódico.

Vincent Pérez ha conseguido una película muy entretenida, elegante en su puesta en escena, con una trama que sabe despertar y mantener el interés del espectador y una interesante mezcla de cine de época y actualización en el tema de feminismos y sociedades patriarcales. Un film interesante y muy bien facturado.

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Vincent Pérez

Guion: Vincent Pérez, Karine Silla

Reparto: Roschdy Zem, Doria Tillier, Damien Bonnard, Vincent Perez, Guillaume Gallienne, Noham Edje, Pepe Lorente, Myriem Akheddiou, Eva Danino, Iman Perez, Manda Touré

“LA FIEBRE DE LOS RICOS”. Migración inversa.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La tercera película de Galder Gaztelu-Urrutia, tras la muy interesante “El hoyo” y su posterior secuela, nos ofrece una premisa de las que dan mucho juego: la aparición y extensión de un virus letal que solo afecta a los ricos (o muy ricos); dónde está el umbral que separa al rico del no rico es algo que no se aclara.

La historia se centra en una mujer que intenta ascender en el mundo de las altas finanza y que, cuando lo consigue, encuentra que el valor de sus acciones la han convertido en potencial víctima del virus. Añadamos, como no, el problema con su divorcio y la relación con su hija que es una adolescente.

La película presenta un reparto internacional excepcional en una obra española y una producción bastante grande que recrea Alaska, África o el palacio de Buckingham con bastante solvencia. Una pena que un esfuerzo económico tan grande no tenga detrás un guion más trabajado y más rico. Porque ese es el principal problema del film: es una buena idea pero funciona casi como una mera anécdota y se alarga demasiado para un metraje que le viene largo; no hay subtramas que enriquezcan el relato, los personajes no tienen espacio para un desarrollo mínimamente intenso y todo se mueve a golpe caprichoso de guion. Así, los personajes no evolucionan pero sí cambian de actitud y siempre se ven sometidos a la arbitrariedad de los acontecimientos. Todo esto hace que las dos partes de la película no encajen como debieran y parezcan dos cintas diferentes; una pena, porque por separado hubiesen sido dos obras de sumo interés, posiblemente.

Tiene, eso sí, algunos aspectos muy interesantes: los apuntes iniciales sobre la vorágine de algunos trabajos, el viaje inverso de migración en el que son los blancos y europeos los que intentan llegar a África como lugar de futuro, o ese plano final con el reloj y unas piedras pulidas como protagonistas que ofrece una interesante propuesta sobre la “naturaleza capitalista” de los humanos.

Queda un “superproducción” algo fallida que entretiene y poco más y que podría haber sido una película muy interesante.

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia

Guion: Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Sam Steiner, David Desola

Reparto: Mary Elizabeth Winstead, Timothy Spall, Lorraine Bracco, Jonah Hauer-King, Rafe Spall, César Domboy, Richard Sammel, Dixie Egerickx, Alexandra Masangkay, Diogo Sales

“MALA INFLUENCIA”. El rebelde y la pija.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película a todas luces de encargo, basada en la novela del mismo título de @TreensSpirit (una de las historias más adictivas de la plataforma Wattpad, a decir de su publicidad) que nos cuenta la historia de Eros (lo de los nombres de los personajes es ya toda una declaración de intenciones) un joven que se ha criado en orfanatos y que acaba de guardaespaldas de Reese, una chica de buena familia a la que han amenazado de muerte y a la que Eros ha salvado mientras bailaba en el escenario (ella, que es bailarina).

Es, también, una película cargada de irregularidades y errores que la convierten en un producto fallido y difícil de disfrutar a poco exigente que se sea como espectador. A pesar de estar basada en una novela de éxito (o precisamente por eso) el guion hace aguas por todas partes y crea una trama caprichosa y poco coherente en la que nada parece encajar con naturalidad. Se juega al tópico de chico guapo castigado por la vida y marginal, y chica guapa, pija pero de buen talante, obligados a convivir, finalmente enamorados y con el comieron perdices para final (no es espóiler, se ve venir desde el principio). Los actores y actrices se han elegido más por guapos y famosillos que por sus dotes interpretativas, así es que se vienen abajo en cuanto se les pide matices o intensidad (Olmo no da el pego como chico malote y Rochera se asusta realmente mal). La historia en sí, y los diálogos, son tremendamente tópicos, de manual de primaria, y hacen que los personajes resulten aún más artificiosos. Como siempre, los secundarios no tienen recorrido, están ahí porque la trama los necesita para seguir y carecen de personalidad y de interés (el personaje del padre de ella… terrible). Y luego está el montaje, imagino que con el material disponible poco se podía hacer, pero por una cosa u otra, nada fluye con soltura, todo va a trompicones y no hay nada parecido al ritmo o la cadencia. La música que se utiliza o el argot que se usa en algunos momentos, no bastan para darle actualidad a un producto totalmente trasnochado, que no sale del cliché y que poco o nada aporta.

Una pena, porque este tipo de películas siempre tienen la posibilidad de abordar temas interesantes, actualizar perspectivas y/o ofrecer fórmulas novedosas. No es el caso.

Estreno: 24 enero 2025

Dirección: Chloé Wallace

Guion: Chloé Wallace

Reparto: Alberto Olmo, Eléa Rochera, Enrique Arce, Mirela Balic, Farid Bechara, Sara Ariño, Clara Chaín, Fernando Fraga, Selam Ortega, Mar Isern, Arnaud Préchac, María José Mariscal

“CERCA DE TI”. Volver a casa.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Elliot Page (siempre lo recordaremos por su papel en “Juno”) es Sam, un chico trans que lleva varios años lejos de su familia viviendo de forma independiente en Toronto; le han invitado al cumpleaños del padre y decide acudir a la reunión en la casa familiar; en el viaje en tren se encuentra con Katherine (Hillary Baack), alguien a quien no ve desde el instituto pero que fue una persona muy importante en su vida. La película nos explica, por un lado, lo que sucede en el encuentro familiar, sería la parte más reivindicativa por la normalización de lo trans, y por otro lado los diferentes encuentros entre Sam y Katherine que forman el bloque más sentimental, más de emociones puras.

La película es, ante todo, un trabajo inmenso de Elliot Page que está presente prácticamente en cada plano y que es el conductor de una trama que se mueve entre el deseo de pertenecer a una familia, la necesidad de ser aceptado tal y como es, los sentimientos que permanecen incluso después de los años y la necesidad de un espacio propio y disfrutable.

Algo morosa en su planteamiento, quizás podía haber tirado de una historia menos monolítica y haberla enriquecido con elementos que la hubieran dinamizado, pero aún así es fácil disfrutar de este torbellino de sensaciones y contrastes que Page logra transmitirnos y que terminan llenando una historia bastante triste en la que parece que la única salida posible es la huida hacia adelante, la ruptura con todo, o casi todo, y la búsqueda de un camino personal (cuando la madre de Sam plantea que lo más importante es la familia, este la contradice opinando que no siempre es lo más importante).

Queda un drama intenso, muy bienintencionado, de una atmósfera muy bien conseguida (excelente el uso de los exteriores nevados) y con magníficas actuaciones que hacen creíbles e intensos a unos personajes al límite.

Disponible en Filmin

Dirección: Dominic Savage

Guion: Dominic Savage. Historia: Elliot Page, Dominic Savage

Reparto: Elliot Page, Hillary Baack, Wendy Crewson, Peter Outerbridge, Janet Porter, Alex Paxton-Beesley, Daniel Maslany, Lee Sook-Yin, Andrew Bushell, David Reale, Jim Watson, Amanda Richer

“EL BRILLO DE LA TELEVSIÓN”. La serie.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Owen (Ian Foreman de joven y Justice Smith de adulto) es un adolescente bastante apocado y solitario que contacta con Maddy (Brigette Lundy-Paine) con la que comparte la pasión por una serie de moda (inicialmente para chicas) que se llama “Rosa opaco”; al poco de iniciarse la relación la serie se cancela y, prácticamente al mismo tiempo, Maddy desaparece.

Con una extraña mezcla de fantasía y realidad y un tono bastante cercano a las películas de Lynch, la película nos habla de la fascinación (en este caso por una serie de televisión) en la adolescencia y como esto proporciona una visión del mundo y una perspectiva de vida que pueden resultar, cuando menos, curiosas.

La película presenta una factura propia del cine de terror, pero no tiene los elementos del género; también parece jugar al suspense con toques fantásticos pero tampoco hay un enigma que resolver ni una amenaza latente que aceche en la sombra. Así, queda una sensación permanente de extrañeza, de camino tortuoso y poco definido que no sabes muy bien a donde conduce que, imagino, quiere acercarse a esos estados de desorientación y pérdida que tanto peso tienen en los sentimientos de los adolescentes. Hay un complejo y un tanto oscuro proceso de identificación hacia las fantasías propuestas por la televisión y, en un momento determinado, cuando se ha de tomar la decisión de abrazar o no ese nuevo universo, Owen optará por quedarse en su terreno conocido y más seguro y Maddy por una huida adelante que la llevará a desparecer durante diez años.

Schoenburn crea una atmósfera inquietante y misteriosa, algo excesiva y por momentos demasiado preocupada por una búsqueda visual epatante y sugerente; lo consigue, sin duda, pero del aguante del espectador y de su capacidad para seguir un hilo ciertamente críptico depende que el producto resulte finalmente atractivo; de lo contrario puede resultarnos una película demasiado oscura, demasiado abstracta y, en cierto modo, impenetrable.

Disponible en Movistar+

Dirección: Jane Schoenbrun

Guion: Jane Schoenbrun

Reparto: Justice Smith, Brigette Lundy-Paine, Danielle Deadwyler, Amber Benson, Emma Portner, Conner O’Malley, Helena Howard

“EL FILÓSOFO DEL MAR”. La casa es el mar.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Sven Yrvind es un marinero, constructor de barcos y escritor sueco, famoso por navegar solo a través de los océanos en pequeñas embarcaciones de diseño

propio y es el protagonista de este documental a medio camino entre la biografía y el homenaje.

Con una estructura clásica de documental sin mayores pretensiones que las de dar a conocer personaje tan singular, “El filósofo del mar” se esfuerza por hacer un retrato fiable de alguien que hizo del mar su casa y de navegar y construir barcos toda una filosofía de vida. Sven repite en varias ocasiones que no se trata de ser ni el primero, ni el más rápido, se trata de demostrar que se puede vivir con menos, que en la vida no se necesita de tantas cosas para ser feliz y que, en contra de lo que se piensa, un barco pequeño y bien diseñado es mucho más efectivo y seguro que un barco grande. Así, el documental sigue los pasos de este hombre intentando demostrar sus teorías mientras navega durante semanas y meses enteros en solitario, prueba las embarcaciones que él mismo diseña e intenta realizar proezas que no siempre llevan a buen puerto.

El documental se centra especialmente en el viaje que Sven Yrvind planea hacer de Irlanda a Nueva Zelanda cuando está a punto de cumplir los 80 años. El diseño del barco, los preparativos del viaje y el viaje en sí sirven como excusa para relatarnos su vida, los orígenes de su pasión y algunas pinceladas sobre los países que ha visitado, las gentes que encontró y el grupo de amigos y conocidos que le rodean y que, de una manera u otra, le apoyan y ayudan.

Sin duda es un hombre carismático, único y Eidhagen busca un retrato luminoso, sencillo, honesto y muy respetuoso; el resultado es un documental de visionado muy agradable, que nos da a conocer al personaje y que plantea algunos temas actuales más que interesantes: cuestiones sobre el sentido de la vida, sobre nuestras elecciones y nuestra forma de vivir.

Disponible en Filmin

Dirección: Andreas Eidhagen

Guion: Andreas Eidhagen

Documental

“¡GLORIA!”. Mujeres compositoras.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

“¡Gloria!”, que hace referencia a una pieza musical, no al nombre de mujer, es la ópera prima de Margherita Vicario, actriz y música italiana que ha decidido hacer un homenaje a las mujeres compositoras olvidadas por la historia y a sus legados perdidos.

La historia se ambienta en la Venecia de 1800, concretamente en el colegio Sant Ignazio, un centro religioso, instituto musical para chicas huérfanas o que han sido abandonadas por sus familias; por supuesto que todas ellas tienen una enorme capacidad innata para la música y todas forman la orquesta femenina que dirige el cura Perlina encargado del centro. Junto a ellas está Teresa, que no habla, y que será el motor que desencadene el conflicto, una especie de cenicienta musical de época.

Tiene la película un planteamiento bastante sencillo, incluso simple, predecible y ajustado a los gustos de un gran público poco exigente en cuanto a profundidades y análisis, pero hay que valorarle las buenas intenciones, lo llano de su exposición y la falta de altas aspiraciones. Así, hay un notable trabajo de producción que nos ofrece una ambientación atractiva (vestuario e interiores muy logrados y agradablemente iluminados), un trabajo actoral bastante bueno (especialmente de Galatéa Bellugi que interpreta a Teresa) y una música que, aceptando las modernidades que se permite, funciona bastante bien dentro de la trama: deja un muy buen sabor de boca una escena inicial en la que Teresa, que está trabajando en el patio del centro, construye una pequeña sinfonía con los sonidos que se producen al lavar la ropa, barrer los adoquines, cortar zanahorias o emitir un grito lastimero. También es verdad que hay algunas licencias que dejan bastante que desear (el transporte del piano, la capacidad de cantar y tocar de las chicas sin ningún ensayo previo, la caricatura que es finalmente Perlina…) y que un final descaradamente edulcorado para dejar buen sabor de boca no resulta muy apropiado para un homenaje de este tipo; pero aún así, la película resulta un producto agradable, valioso en sus objetivos y digno en su resolución global; una de esas películas que satisfará a un público poco exigente con ganas de salir con buen cuerpo del cine.

También es cierto que al final de la proyección a uno le entran ganas de indagar sobre estas mujeres compositoras ninguneadas y olvidadas; la historia de siempre, esta vez con sinfonía de fondo.

Estreno: 17 enero 2025

Dirección: Margherita Vicario

Guion: Anita Rivaroli, Margherita Vicario

Reparto: Galatéa Bellugi, Carlotta Gamba, Veronica Lucchesi, Maria Vittoria Dallasta, Sara Mafodda, Paolo Rossi, Elio, Natalino Balasso, Anita Kravos, Jasmin Mattei

“ADIÓS MADRID”. El padre desaparecido.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Quinto largometraje del por aquí desconocido Diego Corsini, esta coproducción de España y Argentina nos cuenta la historia de Ramiro (Luciano Cáceres), un argentino que vive en Buenos Aires con su mujer (Ingrid  Rubio) y su hija pequeña. Ramiro debe viajar a Madrid porque su padre, Edgardo, está terminal en coma inducido y, a pesar de que lleva 35 años sin tener contacto, él es el único familiar vivo que tiene y la única persona que puede firmar la autorización para que sea desconectado tal y como era su voluntad. Cuando Ramiro llega a Madrid, lo espera Ignacio (Ramón Esquinas), el que ha sido pareja de Edgardo hasta ahora y, casi por casualidad, pasará la noche con el grupo de jóvenes que forman la compañía de teatro que su padre dirigía. Ramiro se encuentra una figura paternal que desconoce, a quien se le quiere mucho en Madrid y de la que le quedan algunas cosas por descubrir.

Se plantea, pues, una película de descubrimiento, un viaje en el que el protagonista ha de enfrentarse a su pasado, a sus fantasmas y a sus carencias. Y son, de hecho, esos planos con la aparición fantasmagórica del padre una de las ideas más interesantes y mejor planteadas. Después está Madrid, la ciudad que parecen recorrer a lo largo de la noche, pero que no termina de tener la entidad necesaria y que, se nota demasiado, se limita a un pequeño puñado de calles fácilmente reconocibles; esto se agrava por una iluminación irregular que nos ofrece planos exageradamente luminosos que se comen totalmente el concepto de nocturnidad y nos ofrecen una imagen artificiosa, inusualmente nítida y luminosa.

Luciano Cáceres intenta dar intensidad a su personaje de Ramiro, pero no siempre lo consigue y, en ocasiones, hay demasiada pose en su actuación (me ha parecido); el grupo de teatro busca un punto de naturalidad y frescura, pero naufraga cuando intenta ponerse dramático (terrible e increíble la escena en la que cada uno confiesa su trauma paternal, o lo poco logrado que está el personaje de Elisa) y personalmente no logré creerme a una Ingrid Rubio de marcado acento argentino; se salva el personaje de Ignacio, mucho más ajustado, e incluso el de la mujer harapienta que aporta un punto de locura e incertidumbre que, finalmente, se desaprovecha y no nos lleva a ningún sitio.

Queda una película que quiere ser pura emoción y que se queda en la frialdad de un producto más industrial que sensorial, una apuesta inicialmente interesante que no logra aprovechar los elementos con los que juega y que se queda a mitad del recorrido que pretende hacer. También es verdad que puede uno contestarse con esta parte del recorrido (que no es poco) y disfrutar de una película pequeña, bienintencionada y con cierta gracia.

Estreno: 17 enero 2025

Dirección: Diego Corsini

Guion: Mariana Cangas, Diego Corsini

Reparto: Luciano Cáceres, Javier Godino, Fariba Sheikhan, Mónica Solaun, Ramón Esquinas, Sara Vega, Ingrid Rubio, Marta Malone, Nacho Marraco, Sergio Bergia, Sabina Corsini Cangas

“NORBERT”. Colores y grises.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Presentada en el Festival de Sevilla de 2024, nos llega esta cinta de animación de la mano de José Corral Llorente, el mismo que nos dejó algo noqueados con la algo marciana “Contando ovejas” y que ahora echa mano de su experiencia como animador para ofrecernos una película de planteamiento visual bastante diferente y temática de la de siempre: valores básicos para inculcar a los niños, acción fácil de seguir, personajes sin fisuras y algún que otro guiño a los adultos para que no se duerman en la sesión.

La historia es sencilla pero efectiva, el mundo está dividido en dos: por un lado Grislandia, lugar gris en el que prima la burocracia, la contaminación, el estrés, el consumismo, la explotación de recursos y la total ausencia de felicidad; por otro lado, Colorlandia, un pequeño reducto de color y luminosidad regido por una niña de 5 años y por unas leyes que se cumplen solamente con sellarlas; los grises, claro está, querrán adueñarse de Colorlandia, robarles sus recursos y someter a sus habitantes. El personaje central será el Norbert del título, un espía gris patoso e incompetente que se dará cuenta de los nuevos valores y acabará combatiendo la tiranía de los grises. Es fácil de imaginar los valores que se quieren realzar: la amistad, la aceptación del diferente, la felicidad, el poder de la música… y quedan un poco más escondidas las referencias a los valores negativos como la violencia y el armamento, el consumismo, la burocracia o los estamentos de poder.

Ante todo “Norbert” es una película que fascina por el colorido de algunos espacios y el contundente gris de otros, dos texturas muy logradas (impresionante la luz de algunos planos y la negritud de algunos personajes). También me ha parecido muy chulo el diseño de los personajes, con esas formas rectas y cuadriculadas que huyen del manido diseño tipo Disney. También las voces están muy bien trabajadas, con un esfuerzo actoral loable y un tratamiento del sonido y de la música que logra una ambientación muy atrayente. Creo que tiene algunos problemas de ritmo y no siempre fluye con naturalidad en el interior de las escenas, pero uno se acomoda pronto a su cadencia y, a poco que se preste, puede disfrutar de un tono muy simpático y agradable, pelín gamberro en algunos momentos y tremendamente avasallador en otros. Imagino que los más pequeños disfrutarán con el torbellino de imágenes y de color (o no color) que se les propone y los adultos tendrán pocos problemas para saborear un producto diferente, valiente y que se resuelve en 75 minutos.

Estreno: 17 enero 2025

Dirección: José Corral Llorente

Guion: José Corral Llorente

Animación

“SINÉL”. Convivir con un cadáver.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

“Sinél” (así, todo junto por decisión del propio director) se presentó el pasado octubre en el Festival de l’Audiovisual Català Som Cinema y es el primer largometraje de Emilio Martínez-Borso.

La película nos cuenta la historia de Inma, una enfermera que, durante lo que parece ser una pandemia, convive a lo largo de 48 horas con el cadáver del que era su pareja que ha tenido un repentino ataque que lo ha fulminado. La excusa no está particularmente bien presentada (no se entiende lo del aislamiento si hasta su hermana ha estado en la casa y sin mascarilla) pero la idea es potente y la situación que se crea resulta suficientemente convincente. Una vez “aislada” la protagonista, la película parece derivar hacia el terror con la intención de describirnos el estado emocional anómalo de Inma, pero pronto vemos que el objetivo es la situación de la pareja y los malos tratos. Y este es el punto más interesante de la cinta: la forma de mostrar como esos maltratos psicológicos y emocionales acaban generando un mundo de fantasmas, miedos y amenazas que convierten la soledad del personaje en un infierno.

La película es una producción de bajo presupuesto que sabe aprovechar los pocos recursos que tiene: pocos personajes, un único espacio, pocos días de rodaje y un proceso de postproducción bastante largo intentando limar imperfecciones. Hay una apuesta por un diseño de sonido bastante cuidado que intenta arropar esa atmósfera opresiva y de dependencia que vive la protagonista. Martínez-Borso no termina de conseguir la fuerza y la intensidad que busca pero sí logra un producto digno, interesante y coherente, que acaba sacando partido a unos ajustados 72 minutos que tiran a angustiosos. Y parte se lo debe a una Aleida Torrent que lo entrega todo y que logra mantener a flote su personaje. Irregular pero valiente.

Estreno: 10 enero 2025

Dirección: Emilio Martínez-Borso

Guion: Emilio Martínez-Borso

Reparto: Aleida Torrent, David marcé, Aida Flix, Ferran Herrera, Eli Iranzo, David Ramírez

“CIUDAD DE ASFALTO”. Paramédicos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película ambientada en un Nueva York nocturno y vertiginoso en la que Ollie Cross (Tye Sheridan) trabaja de paramédico en una ambulancia de emergencias mientras prepara el acceso a la facultad de medicina. Su compañero es Rut (Sean Penn), hombre experimentado, bregada en mil batallas y un poco de vuelta de todo que tiene sus propios métodos y que le hará de mentor.

Se apunta la película a un constante y brutal torbellino de imágenes con una cámara que no para, un montaje acelerado y un constante ir y venir por las calles de N.Y. a emergencias que van de lo terrible a lo patético pasando por lo violento y lo desagradable (es significativo, por ejemplo, que el primer paciente al que lograr sacar adelante sea cerca de la hora de metraje, a mitad de película). Jóvenes acribillados a balazos, drogadictos en plena locura, partos con chute de heroína por medio, mordedura de perros que acaban en amenazas de pandillas violentas, maltratos caseros…  todo un rosario de desgracias y situaciones fuera de control que van haciendo mella en el protagonista y los que le rodean. Se añade, además, la situación de Rut (de Rutovsky), separado de su mujer y su hija, la miserable habitación del barrio chino donde vive Cross porque no quiere tener dos trabajos y así poder estudiar, y la relación que mantiene con Clara que es, por momentos, lo único que se escapa de lo lúgubre y lo decadente (hasta que se estropea, claro)

Queda una película de vértigo, excesiva en sus formas y, quizás, algo falta de contenido; que se ve con el corazón en un puño y deja un espeso y contundente sabor de desagrado, pesimismo y fatalidad. Los rostros de Penn y Sheridan, permanentemente ofuscados, lo dicen todo. Para pasar un “mal” rato.

Estreno: 10 enero 2025

Dirección: Jean-Stéphane Sauvaire

Guion: Ben Mac Brown, Ryan King. Novela: Shannon Burke

Reparto: Tye Sheridan, Sean Penn, Katherine Waterston, Michael Pitt, Kali Reis, Mike Tyson, Anthony Ricciardi, Robert Oppel, Kareemeh Odeh, Raquel Nave, Shelly Burrell, Gbenga Akinnagbe

“JUEGO DE LADRONES: PANTERA”. Subtítulo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

No conozco la primera parte de este “Juego de ladrones”, pero visto lo visto tampoco me parece haberme perdido gran cosa.

En esta secuela se trata de volver al grupo de ladrones, los llamados Pantera, especializados en robos prácticamente imposibles y que demuestran que 1) la sombra de “Oceans eleven” es muy alargada y 2) hay niveles muy difíciles de alcanzar. Se centra en un diamante robado en una primera escena que es lo mejor del metraje, supervalioso, que resulta ser propiedad de la mafia de Cerdeña (los más malos de los malos) y que obligará a Donnie (el jefe de los Pantera) a ejecutar un atraco todavía más osado: entrar en la cámara acorazada del barrio de los diamantes. Y luego está Nick, el policía interpretado por Gerard Butler que, agobiado por un divorcio y un trabajo que lo supera, decide apuntarse al grupo y participar en el robo.

Con este panorama, uno espera un guion bien estructurado, ingenioso y sorprendente, que ofrezca algunos giros interesantes y una de esas tramas rocambolescas y delirantes que llevan a superar las dificultades del proyecto; también parece obligado que sea una película dinámica, de vértigo que no dé pausa al espectador y lo tenga en vilo; y, si es posible, un poco de humor socarrón, de ironía divertida y toques chispeantes que amenicen y aligeren el relato. Nada de eso se encuentra en esta cinta que amaga con una situación difícil y lo resuelve con el más simple de los mecanismos y que se toma demasiado seria a sí misma creando un aire de falsa trascendencia que resulta bastante ridículo. Luego quedan, claro, las escenas clave con su montaje acelerado, sus planos cortos, sus ruidos atronadores y esa sensación de que te están vendiendo algo valioso pero no se sabe donde está. Al final, todo bisutería, como el diamante que motiva la acción. Hasta Butler parece tomarse la cosa con desgana, como si estuviera enfadado por cederle el protagonismo a O'Shea Jackson Jr, o como si fuera un mero encargo de supervivencia. En fin, una película que incluso puede resultar aburrida.

Estreno: 10 enero 2025

Dirección: Christian Gudegast

Guion: Christian Gudegast

Reparto: Gerard Butler, O'Shea Jackson Jr., Jordan Bridges, Evin Ahmad, Meadow Williams, Salvatore Esposito, Orli Shuka, Rico Verhoeven, Swen Temmel, Dino Kelly, Michael Bisping, Velibor Topic