FUERA  de  CAMPO

“BALTIMORE”. Rabia y militancia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Años 70, Irlanda del Norte, es la época del Domingo Sangriento, de revueltas contra el imperio británico, del IRA y sus atentados. Rose Dugdale es una chica de clase alta que, en un momento determinado de su carrera universitaria, toma conciencia de las injusticias sociales (léase fundamentalmente la situación de la mujer en una sociedad patriarcal, la diferencia de clases y el conflicto de una Irlanda que quiere estar unida y libre del poder de Londres) y se involucra en el activismo hasta acabar al frente de un comando del IRA que robó una docena de obras de arte (de Rubens, Vermeer o de Goya) con la finalidad de exigir el traslado a Irlanda de cuatro miembros del grupo en aquel momento en huelga de hambre en una prisión inglesa.

La película utiliza el conflicto más como un escenario que como un elemento fundamental de la trama, le interesa más el retrato de Rose, la rabia inicial que le lleva al compromiso político, la ruptura con la propia familia y al papel de líder en el comando. Narrativamente la cinta hace constantes saltos atrás (más insertos que flash-backs) para dar algunos apuntes de la vida anterior de la protagonista y del asalto a la mansión donde roban los cuadros. Así, el contexto político y social queda en segundo plano y adquieren mayor importancia, por ejemplo, las ensoñaciones de Rose o los papeles de los personajes masculinos, especialmente los sujetos a su liderazgo.

Una película de corte clásico, con una agradable propuesta visual, un tono muy ajustado y un ritmo tranquilo pero firme. Para ser una cinta sobre la lucha armada resulta sorprendentemente íntima y suave. Una muy grata sorpresa.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: Christine Molloy, Joe Lawlor

Guion:  Christine Molloy, Joe Lawlor

Reparto: Imogen Poots, Tom Vaughan-Lawlor, Lewis Brophy, Jack Meade, Patrick Martins, Dermot Crowley, Andrea Irvine, John Kavanagh, Flynn Gray, Vanessa Ifediora, Fionnuala Murphy, Paul Ward

“COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN”. Un calco.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Cuando se estrenó la primera entrega de “Como entrenar a tu dragón”, la de dibujos animados, allá en marzo de 2010, en casa había una niña de 9 años que enseguida la colocó en la lista de sus preferidas; a mí me tocó, por tanto, acudir al pase en calidad de adulto acompañante y la recuerdo como un producto muy bien realizado, muy entretenido y bastante original.

Ahora, 15 años después, salgo de esta versión en imagen real (bueno, en realidad es una verdad a medias porque buena parte de lo que vemos es imagen digital) con la sensación de que la película viene a ser lo mismo que la original pero que se ha conseguido superar ese estilo de película infantil y convertirla en una de aventuras destinada a un público más amplio.

Y como la memoria es muy traicionera y selectiva, le doy un repaso a la cinta de 2010 (el DVD está en nuestra estantería, como es de suponer) y compruebo que la de ahora es un calco prácticamente idéntico en el que no solo se repiten las estructuras originales sino también escenas enteras, planos idénticos y diálogos que apenas han sufrido cambios. Sí que se le ha dado algo más de potencia al grupo de dragones que intervienen, las escenas de acción están más marcadas y se les ha dado un tono más épico, el final resulta ahora mucho más machacón y tópico y la película dura media hora más que aquella aunque no sabría decir en qué se han empleado esos minutos.

Así, hay dos maneras de abordar la película. Una habiendo visto o teniendo reciente la “1”, con lo que se verá un film idéntico en el que se han cambiado las texturas y los movimientos de los personajes y que se acerca más al cine de acción que prolifera en los últimos años. Y la otra, sin conocer la saga (difícil no haber visto ninguna de las tres entregas ¿no?) y disfrutar de una película de aventuras, que casi roza la excelencia y que tiene un planteamiento y un desarrollo estupendo. A los que no les importa repetir plato seguro que también les encanta.

La película también ha conservado el planteamiento estético y mantiene esa aldea vikinga tan reconocible, el vestuario y atrezzo propio del imaginario y unos parajes espectaculares que durante los créditos finales vemos en su espacio natural. Se agradece, y mucho, el buen hacer de Gerard Butler (que ahora es algo más que una voz), el de Mason Thames que aguanta con notable toda la película y el de unos secundarios con poco recorrido pero efectivos.

Lo dicho, para pasar un buen rato de nuevo o para descubrir a este Desdentado que termina, irremediablemente, robándonos el corazón.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: Dean DeBlois

Guion: Dean DeBlois. Libros: Cressida Cowell

Reparto: Mason Thames, Nico Parker, Gerard Butler, Julian Dennison, Gabriel Howell, Bronwyn James, Harry Trevaldwyn

“TRES KILÓMETROS AL FIN DEL MUNDO”. Ser gay en Rumanía.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

De vez en cuando la cinematografía rumana nos sorprende con títulos interesantes, generalmente duros y comprometidos, ahí quedan “4 meses, 3 semanas, 2 días”, “La muerte del Sr Lazarescu” o “Los exámenes”. En esta que nos ocupa, tercer largo como director de Emanuel Pârvu, se aborda la historia de un adolescente gay que choca con los valores tradicionales y las estructuras sociales de una pequeña comunidad conservadora del Delta del Danubio. Adri tiene 17 años y ha tenido un encuentro con otro joven, turista de Bucarest. Adri es brutalmente agredido por dos jóvenes del pueblo lo que provoca la denuncia pertinente, las indagaciones de la policía, los conflictos para abordar el problema o la visita de una agente de los servicios sociales.

Lo que realmente le interesa a Pârvu, que coescribe el guion con Miruna Berescu, es el efecto que genera no la agresión sino el aireado público de la condición homosexual de Adri y las posturas que adoptan los diferentes elementos sociales: el cura que ejerce un brutal exorcismo, el cacique poderoso que quiere proteger a sus hijos por encima de todo, el jefe de policía a punto de jubilarse, la madre de Adri que recurre a los convencionalismos religiosos o el padre del joven desbordado por el problema y en una situación económica muy precaria.

La película opta por una posición de observador neutral, casi documentalista, marcada por una cámara casi siempre fija en unos encuadres que no siempre captan la totalidad de la escena, y por un tono naturalista que no da demasiadas explicaciones pero que lo deja todo muy claro, quizás demasiado. Es, eso sí, una película que llega un poco tarde, que hubiese tenido mayor valor hace dos décadas (aunque seguramente en Rumania no sea así) y que aborda un tema tratado ya de muchas y mejores maneras; pero es un trabajo valiente, sincero, inteligente y que invita a la reflexión.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: Emanuel Pârvu

Guion: Miruna Berescu, Emanuel Pârvu

Reparto: Ingrid Berescu, Ciprian Chiujdea, Bogdan Dumitrache, Laura Vasiliu, Adrian Titieni, Valeriu Andriuta, Vlad Brumaru, Richard Bovnoczki, Alina Berzunteanu, Radu Gabriel

“FIGHT OR FLIGHT (SICARIOS EN EL AIRE)”. El vuelo de los asesinos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Ya de buen inicio la película deja bien claro cuales son sus intenciones y cuales van a ser sus formas: la primera escena es el interior de un avión enorme en pleno vuelo en el cual todos parecen estar intentando matarse entre sí en una pelea a muerte anárquica, alocada, absurda y cercana al cómic. Luego, claro, el rótulo de “un mes antes” y la explicación de como y porqué se ha llegado a un vuelo con tal densidad de asesinos por metro cuadrado.

El listón se coloca bastante alto ya de principio y la película sabe mantener su tono a lo largo del metraje y eso ya es algo digno de elogio. El hilo conductor es un hacker fantasma al que hay que dar caza y el contrato in extremis de un antiguo agente secreto al que se le ha perseguido durante años. La trama no es que sea particularmente sorprendente pero logra mantener el interés y los diferentes elementos que van apareciendo lo hacen con bastante buen tino y acierto. Las peleas, los golpes, las roturas y las muertes, como es de suponer, son incontables y se plantean con mucho desparpajo y, sobre todo, bastante sentido del humor. Una película, pues, que no se toma en serio a sí misma (los mamporros hacen más gracia que daño) y que confía en un espectador que acepta de buen grado el exceso como parte de la broma; si te lo tomas como un divertimento ligero, algo gamberro, absolutamente superficial y ligeramente ingenioso, seguro que te resultará divertido… y olvidable, claro.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: James Madigan

Guion: D.J. Cotrona, Brooks McLaren

Reparto: Josh Hartnett, Marko Zaror, Charithra Chandran, Julian Kostov, Katee Sackhoff, JuJu Chan Szeto, Nóra Trokán, Sanjeev Kohli, Ágota Dunai, Rebecka Johnston, Sarah Lam, Danny Ashok

“ALGO LE PASA A MI YERNO”. Mi suegro, el psicoanalista.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Cuando se acude a una película francesa protagonizada por Christian Clavier, uno se prepara para lo peor y, sobre todo, para compartir sala con personas que lo pasan pipa mientras tú no pillas ni uno de los chistes, o simplemente ninguno te hace la más mínima gracia. No es esta una excepción aunque hay que reconocer que, al menos, no cae en el humor grueso, chabacano, caricaturesco y de astracanada al que este “subgénero” nos tiene acostumbrados. Eso sí, como en casi todas, se trata de crear una situación graciosa, enfrentar a los personajes, retorcer la trama para sacarle partido y colar algunas ocurrencias que justifiquen el paso por taquilla.

Aquí se nos cuenta la historia de un psicoanalista (Clavier) que tiene un paciente bastante latoso (Baptiste Lecaplain) del que logra deshacerse diciéndole que necesita el amor, o sea, una mujer. Un año después, la hija del doctor presenta a su nuevo novio para la fiesta de 30 años de casados que preparan y el susodicho es… claro, el paciente latoso. La acción se traslada al casoplón que tienen en el lago, allí acuden todos los personajes de la trama y se van sucediendo los diferentes episodios del relato.

Es de justicia reconocer que la película mantiene, sin gran esfuerzo, un tono bastante comedido que defraudará, seguramente, a los que buscan esa sal gorda cercana al slapstick, el chiste fácil y el punto de humor exagerado; pero llegará más al espectador que se conforme con la sonrisa y una trama más o menos bien armada.

Los personajes no son gran cosa, pero tienen un mínimo de coherencia y se aceptan con facilidad: Clavier está más moderado, ellas sostienen con dignidad personajes de escaso desarrollo y Damien, el novio, que podía haber sido cualquier cosa, aguanta con entereza un personaje que, afortunadamente, no cae ni en lo ridículo ni en lo patético. Los colegas del psicoanalista, las amigas de su mujer, o el exnovio en su silla de ruedas son funcionales y no desagradan.

Queda una película contenida, de ritmo aceptable, que puede resultar incluso divertida.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: Arnaud Lemort

Guion: Arnaud Lemort

Reparto: Christian Clavier, Baptiste Lecaplain, Claire Chust, Cristiana Réali, Jean-François Cayrey, Laurent Bateau, Claudette Walker, Rayane Bensetti

“ENTRE MAREAS”. La arena como lienzo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Este interesante documental se centra en la figura de Quirze Codina, un empresario catalán que realiza enormes mandalas sobre la arena de la playa aprovechando el espacio entre las maras; dibujos increíbles que el propio mar se encarga de borrar en una acción que termina siendo tan potente como la propia realización. A Quirze le acompaña Ale, su pareja, una persona con mucha vitalidad que lucha desde hace años contra un terrible cáncer y que convierte el documental en un canto a la vida y en una bonita historia de amor. También a partir de los proyectos de Quirze, vemos movimientos ecologistas que intentan limpiar el océano y concienciar a la gente, y otras filosofías algo más espirituales.

Rodada durante dos años, principalmente en playas el norte de España, nos enseña el proceso de creación de algunos de estos dibujos, la realización de un mandala de más de 3.000 m² que supone un récord mundial, la colaboración con Amador (que hace dibujos más orgánicos) o el último proyecto en el que se produce un emotivo encuentro con la gente más cercana a la pareja.

El documental tira del carisma de Quirze Codina y de la espectacularidad de sus obras, además de aprovechar los parajes naturales en los que las realiza y el sentido ecológico que las aúpa. Además, sabe explotar la situación y la personalidad de Ale y llevarnos a una historia de amor y superación tan bonita e incondicional.

Quizás un poco de riesgo en la imagen y en el montaje la hubiera convertido en una obra excelente, pero sigue siendo un producto muy honesto, muy agradable de ver, tremendamente humano y muy recomendable.

Estreno: 12 junio 2025

Dirección: Oriol Cardús

Guion: Oriol Cardús

Documental

“SIRAT. TRANCE EN EL DESIERTO”. Rave y arena.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Tras el documental “Todos vosotros sois capitanes” (2010) y los largos “Mimosas” (2016) y “Lo que arde” (2019), Laxe nos ofrece una película de apariencia más convencional, más abierta, con la que ha vuelto al desierto marroquí y a ser premiado en el festival de Cannes, esta vez con el premio del jurado en la sección oficial.

La película nos cuenta la historia de Luis (Sergi López) que junto con su hijo Esteban (Bruno Núñez) buscan a su hija y hermana en una rave que se celebra en Marruecos, en pleno desierto. Una primera parte (algo más extensa de lo que debiera, creo yo) nos presenta estos dos personajes y la troupe con la que iniciarán esta genuina road-movie y, sobre todo, el ambiente y la atmósfera que se vive y se respira entre música electrónica machacona e hipnótica, arena, polvo, cuerpos en aparente trance y un trasfondo de guerra mundial. Las imágenes, el ritmo y, sobre todo, el ambiente sonoro son brutales, excelentes y por supuesto embriagadores; hay además interesantes hallazgos como ese puente entre el paraíso y el infierno (fino como un cabello y afilado como una espada) a que hace referencia el título, las escaleras a los cielos que se proyectan con láser sobre las montañas o las imágenes de la peregrinación a la Meca que vemos en el televisor.

A partir de la entrada de los soldados para poner fin a la rave, se inicia el viaje hacia otra fiesta en el sur y la película comienza un tenso e imparable ascenso que, sin perder esa atmósfera inicial, sumerge al espectador en un viaje brutal, devastador, seco, sin contemplaciones. Laxe condena a sus criaturas a pagar por la osadía de perderse en un espacio desconocido, inhóspito y terrible, y el viaje se convierte en un golpe seco, brutal, que no da pie a la pena o a la lágrima, solo al desconcierto y al dolor puro. Una película tajante, demoledora, seca y dura, de las que dejan una huella profunda.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: Oliver Laxe

Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol

Reparto: Sergi López, Bruno Núñez, Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier, Jade Ouki, Richard Bellamyun

“LA BUENA SUERTE”. Un lugar donde apearse.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hacía tiempo que no veíamos en el cine a Gracia Querejeta, desde “Invisibles” (2020), y la verdad es que la echábamos de menos. Ahora nos presenta la adaptación de la novela de Rosa Montero en la que se nos narra la historia de Pablo (Hugo Silva), un arquitecto de prestigio que, en un viaje de Madrid a Pamplona, se baja del tren en un pequeño pueblo de La Rioja; el porqué de esa decisión y las consecuencias de ello forman el eje del relato y mejor no desvelarlo.

Lo que sí vale la pena comentar es el excelente tratamiento de los personajes secundarios y los brillantes, sencillos y geniales diálogos que los definen: el vecino en silla de ruedas que interpreta Miguel Rellán, la compañera de trabajo de la protagonista, el tipejo que le vende el piso (y la divertida escena en que hacen el contrato) que es un bruto violento, el cabo de la guardia civil, e incluso otros (el revisor del tren, la exsocia…) que tienen papeles muy pequeñitos pero con garra. Y, por supuesto, Raluca (Megan Montaner) la chica que Pablo conoce en el pueblo y que es un personaje muy completo, con entidad propia, muy auténtico.

Querejeta opta por un planteamiento tirando a clásico que le queda muy bien a sus criaturas, sin descuidar la trama (más cercana al thriller) que, al final, sustenta el relato. Una película, sin duda, impecable, perfecta en todos sus aspectos, honesta y muy entretenida. Para disfrutar de Hugo Silva, de Mega Montaner y de los personajes que encarnan.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: Gracia Querejeta

Guion: Gracia Querejeta, María Ruiz. Novela: Rosa Montero

Reparto: Hugo Silva, Megan Montaner, Miguel Rellán, Eva Ugarte, Josean Bengoetxea, Paqui Horcajo, Bianca Kovacs, Álvaro Rico, Ismael Martínez, Pilar Matas, Chani Martín, Daniel Vitallé

“CUATRO PAREDES”. Monoparentales.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Un rótulo al final de esta película nos indica que el 85% de las familias monoparentales en España son con una mujer y que una de cada dos de estas se encuentra en la linde de la pobreza. La película nos habla de eso, de una familia en la que el padre muere en accidente en la primera escena y la situación va degenerando (económicamente primero y emocionalmente después) hasta convertirse en una de esas familias que pasan a engrosar la terrible bolsa de la marginalidad y se ven obligadas a renunciar a sus derechos más básicos.

Nos enfrentamos a una película muy dura, sin apenas concesiones, ni a la esperanza fácil ni al melodrama de lloriqueo; una obra contundente, planteada con inteligencia y con un espíritu de realismo total; sin juicios ni ejercicios de tesis, pero valiosa y rica en contenido.

Narrativamente hace una interesante propuesta que le funciona muy bien: se divide en 12 capítulos y un epílogo, cada capítulo corresponde a un mes del año y está narrado en un elegante y expresivo plano-secuencia; todos los capítulos ocurren en el interior de la casa, entre las cuatro paredes del título, y solo el epílogo sale fuera y utiliza varios planos. Y luego está la actuación de Sofía Otero (la niña de “20.000 especies de abejas” y “Los aitas”) que levanta ella, casi sola, toda la película, y no sólo la cámara va a la altura de sus ojos, sino que acaba siendo el motor del relato y, sobre todo, la fuente de cada sensación. Sin desmerecer, eso sí, un excelente trabajo de Manuela Vallés que también ejerce de guionista.

Una película tremendamente triste, de personajes muy cercanos y situaciones terribles. Fantástica.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: Ibon Cormenzaba

Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas, Ibon Cormenzana, Manuela Vellés

Reparto: Manuela Vellés, Sofía Otero, Roberto Álamo, Elena Irureta, Ramón Barea, Constanza Gallego

“LA CASA AL FINAL DE LA CURVA”. Historia de una obsesión.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Jason Buxton dirigió en 2012 “Blackbird”, un drama sobre un adolescente problemático que le valió el premio a la mejor ópera prima canadiense en el festival de Toronto y el de mejor primera película en el Canadien Screen Awards. Ahora vuelve a demostrar que le interesa más el retrato de personajes complejos que el de situaciones llamativas; y lo hace con Josh (Ben Foster), un padre de familia que ha adquirido con su mujer lo que ellos creen que es la casa de su vida. Pero la mansión tiene sus peros y no son, afortunadamente, fantasmas poco amigables o vecinos de terrible aspecto; aquí se trata de una curva de la carretera justo a la entrada de su jardín en la que se producen accidentes, a veces muy graves, con demasiada frecuencia. La situación se complicará a partir de la obsesión de Josh con los accidentes futuros y con sus posibles víctimas, que le llevará a perder el control personal, de sus relaciones familiares e incluso de las profesionales.

Uno piensa en lo que ofrece la película y lo encuentra bastante predecible (e incluso forzado en algunos aspectos de guion) pero, aún así, se sale con la sensación de haber asistido a una historia potente, atractiva, incluso hipnótica. Ello es debido a la gran actuación de Ben Foster que nos obliga a compartir con su personaje cada una de sus derivas, y a un planteamiento sereno, tranquilo (incluso lento) que crea una atmósfera tensa e inquietante a base de espacios vacíos, silencios y tiempos aparentemente muertos.

No hay que esperar una historia de terror ni de sustos, todo lo contrario, se ofrece el retrato de un personaje que cae en el torbellino de su obsesión, poco a poco, sin estridencias ni elementos externos. Un thriller psicológico algo obvio pero efectivo, sombrío e inquietante.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: Jason Buxton

Guion: Jason Buxton

Reparto: Ben Foster, Cobie Smulders, Gavin Drea, Jonathan Watton, Reid Price, Alexandra Castillo, Dan Lett, Wayne Burns, Gita Miller, Bob Mann

“BALLERINA”. Muertes y muertos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La idea está más que clara: extender el universo John Wick (es decir, sacarle más dinero al invento y su propuesta) a través de un personaje femenino que le dé un aire nuevo, más moderno, teóricamente más plural… o algo parecido. ¿El resultado? Pues más de lo mismo, pero en lugar de admirar a Keanu Reeves ahora tenemos para maravillarnos a Ana de Armas. Y el cambio no está mal del todo, entre otras cosas porque Eve Macarro, la protagonista, no luce palmito despampanante pero sí agilidad y fuerza física sin perder la cara de niña buena que le da un toque más encantador. El resto, de algoritmo: una primera media hora para matar al padre en presencia de la hija, provocar el trauma, ponerle cara al malvado y colocar la docena de frases con aires de trascendencia que después la película olvidará pero que justificarán la riada de hostias y muertos (y muertes) que vendrán enseguida. Después, el periodo de entrenamiento y preparación para convertirse en “kikimora” indestructible. Y para rematar, traca final y las escenas donde se consuma la venganza y los malos lo pagan según se merecen.

Yo veía semejante masacre, con tantos muertos anónimos absolutamente cosificados, y no podía dejar de pensar en aquellos que, en la vida real, claman al cielo por un par de asesinatos(terribles y condenables, por supuesto) y a la vez, ningunean o eluden los más de 50.000 muertos (y muertes) que ha habido antes que aquellos; me pregunto si no habrá alguna relación entre estos dos mundos aparentemente bien diferenciados y si la normalización de uno de ellos nos lleve a posiciones injustas e inhumanas en el otro.

“Ballerina” es, como no, todo un espectáculo visual y de sonido, calibrado y medido, excesivo, abrumador y, me temo, no del todo inocuo.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: Len Wiseman

Guion: Shay Hatten.

Reparto: Ana de Armas, Anjelica Huston, Ian McShane, Gabriel Byrne, Keanu Reeves, Norman Reedus, Catalina Sandino Moreno, Lance Reddick, Juliet Doherty, Robert Maaser

“THE RITUAL”. El exorcismo del padre Pacino.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La publicidad de esta película dice que está basada en hechos reales, el exorcismo de Emma Schmidt que tuvo lugar en EEUU en 1928. La cosa parece ser que sucedió en un convento de Iowa durante 23 días y que se hizo bastante popular conociéndose como El exorcismo de Earling; uno de los elementos diferenciadores es que es uno de los exorcismos mejor documentados de la historia ya que el padre Steiger se ocupó de dejar constancia de todo lo que sucedía (ahora con un móvil cualquiera hubiera hecho el trabajo con facilidad).

La historia, pues, es la del padre Joseph Steiger (Dan Stevens), párroco de una pequeña comunidad que recibe el encargo de acoger a la pobre Emma Schmidt (Abigail Cowen), poseída por el demonio, revisada por médicos y especialistas y que será exorcizada por el padre Theophilus Riesinger (Al Pacino) un cura veterano en esto de sacar a Belzebú de cuerpos inocentes. Les acompañarán el pequeño grupo de monjas que reside en el convento y que harán de asistentes a los curas.

Estamos ante una película de exorcismos a lo clásico que aporta poco o nada a lo que ya se ha visto y que tiene un cierto tufillo a telefilm más o menos currado pero que no logra un mínimo de vuelo. Midell opta por una cámara al hombro en constante movimiento, algo que sienta muy bien en algunas escenas más metidas en materia pero que cansa a la larga y que no deja aire para generar un poco de complicidad con los personajes. Así, la película se centra casi exclusivamente en los diferentes rituales que se van produciendo a lo largo de los días y deja todo lo que podía ser de interesante fondo para unas pocas conservaciones y algún detalle que no llega a profundizar: la posible atracción entre el padre Steiger y una de las monjas, el pasado más o menos difícil del padre Theophilus, el duelo de Steiger tras la muerte del hermano, la posición de la madre superiora ante una vida en la que se ha estado bajo las órdenes de los hombres… y poco más, porque los personajes se quedan planos y muy poco desarrollados, no hay arco dramático por ningún lado y todo resulta, finalmente, algo forzado.

Las escenas de “visualización” del demonio son correctas pero no superan el tópico y les falta ese impacto que uno siempre espera cuando tienes una criatura con malvado dentro a punto de salir y armarla buena; lo que se nos ofrece ya lo hemos visto.

Queda una película bastante entretenida si no se le pide mayor profundidad, más o menos correcta y con un discurso bastante simple sobre la fe y la difícil línea que separa lo psicológico de lo demoniaco. El producto viene avalado por la iglesia, háganse una idea.

Estreno: 6 junio 2025

Dirección: David Midell

Guion: David Midell, Enrico Natale

Reparto: Al Pacino, Dan Stevens, Ashley Greene, Abigail Cowen, Patrick Fabian, Patricia Heaton, Maria Camila Giraldo, Meadow Williams, Enrico Natale, Ritchie Montgomery

“DOÑANA, DONDE EL AGUA ES SAGRADA”. Lección de naturaleza.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una producción de Carmen Rodríguez, como directora, y Joaquín Gutiérrez Acha como director de campo y responsable de la fotografía, que ha costado tres años de trabajo. El resultado, merecedor de una pantalla grande y un sonido adecuado, es un repaso a lo que es realmente Doñana y la situación actual en la que se encuentra; algo que todos sabemos en líneas generales pero que el documental se encarga de detallar y enriquecer en una apuesta muy didáctica y absolutamente fascinada por el encanto del parque en todos sus aspectos. Para redondearlo la narradora es Odile Rodríguez de la Fuente, la hija de don Félix que, quizás no aporte una voz de excelencia pero sí un homenaje y un valor añadido de nostalgia.

El documental se divide en nueve capítulos bastante bien estructurados y que funcionarían incluso por separado. “Los viajeros” es el primero y nos habla de aves migratorias, triops, arañas o camarones hada, viajeros del espacio y del tiempo. No podía faltar “La devoción”, segundo capítulo centrado en el Rocío y sus romerías. El tercer capítulo es “La seducción”, dedicada a los animales y sus cortejos con elementos tan propios como la berrea de los ciervos o la ronca del gamo. En “la escasez” nos habla de tierra seca, de sequía, de cultivos abusivos, aunque sin hacer sangre y sin perder de vista a los seres que se adaptan a la falta de agua. Quizás el más espectacular sea el quinto, “La arena” que, curiosamente, nos habla de seres pequeños pero monstruosos y nos ofrece unas espectaculares imágenes de lo que ocurre entre los granos de esa arena, en plena duna. Los últimos capítulos están dedicados a la tradición (con la saca de las yeguas como principal evento), la abundancia cuando el agua se desborda tras las lluvias generosas, y finalmente a la familia y al centro de recuperación El Acebuche donde coge protagonismo el lince y su campaña de recuperación.

Lo dicho, un documental muy didáctico, muy bonito y agradable de ver, con mucha información que no se hace ni pesada ni farragosa y una estructura clásica de documental bien filmado y montado aprovechando el paisaje, las cámaras lentas y las vistas de dron.

Estreno: 30 mayo 2025

Dirección: Carmen Rodríguez

Guion: Carmen Rodríguez

Documental

“TELA DE ARAÑA”. Haciendo cine.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Ambientada en los años 70, esta producción surcoreana nos explica la historia de Kim Yeol, un director de cine obsesionado con volver a rodar buena parte de las escenas de la película que está realizando y que cree que, si lo hace, puede conseguir la obra maestra con la que ganará el reconocimiento de autor y genio al que aspira; el actor que encarna a Kim es Song Kang-ho, el protagonista de “Parásitos”. Estamos, pues, ante una propuesta de cine dentro del cine.

Para diferenciar las escenas reales de las filmadas, la película opta por ofrecernos las primeras en color y las segundas en un bonito blanco y negro, usando grandes angulares y encuadres que recuerdan al cine de Orson Wells; en las reales predomina una cámara al hombro inquieta y en constante movimiento que refuerza el caos  y la confusión que se apodera constantemente de un plató en el que todo parece improvisado, desorganizado y muy falto de una profesionalidad y una previsión esencial en el proceso de rodaje. Así, lo que debería ser orden y medida se convierte en un ir y venir de imprevistos que acercan la película a la comedia disparatada y absurda.

Se logran algunos momentos delirantes y, especialmente cuando la cosa se acerca al culebrón televisivo, bastante divertidos, pero Jee-woon no logra mantener el tono (o quiere hacer otras cosas que no terminan de cuajar) y la película se queda en un intento de comedia cinéfilo disparatada, alocada y crítica, tanto con los profesionales que se creen divinidades intocables como con una industria vendida al negocio o una censura oficial veladora de los valores institucionales pero carente de cultura, criterio o sentido común.

Soportada por unas actuaciones que son lo mejor de la propuesta, “Tela de araña” es un interesante ejercicio de metacine que podía haber llegado mucho más lejos si se hubiera sumergido en el exceso y el sarcasmo, y si hubiera conseguido un buen equilibrio entre los elementos que maneja y que son, aisladamente, excelentes ideas. Queda una película muy entretenida, especialmente en su parte final, que deja un agradable gusto a producto simpático y una suave sonrisa si no nos la tomamos demasiado en serio. A mí me recordó mucho a “On cut of the dead”  de Shinichirô Ueda (2017) pero más seria y bastante menos gamberra.

Disponible en Filmin

Dirección: Kim Jee-woon

Guion: Shin Yeon-shick

Reparto: Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su, Jang Young-Nam, Kim Min-jae, Kim Dong-young, Jung Woo-sung

“HARBIN”. Por la independencia de Corea.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Los coreanos (los del sur) nos tienen acostumbrados a un cine delirante, de torbellino, ritmo apabullante y coreografías de la violencia que te dejan sin aliento. “Harbin” va un poco en esa línea, pero no resulta tan abrumadora ni hipnótica; sí que hay una cuidada puesta en escena con un trabajo de iluminación exquisito, pero las escenas de acción (batallas, persecuciones y atentados en este caso) quedan intercalados entre largos y excesivamente dialogados momentos que lastran el ritmo final. Tampoco ayuda mucho que la trama es bastante simple: coreanos oprimidos intentan matar al líder malvado japonés que los oprime y, además, han de localizar a un topo que tienen en sus filas. Añadamos que es complicado identificar y diferenciar algunos personajes porque nos falta la habilidad de diferenciarlos y todos visten parecido, no hay color en sus ropas y tienen nombres que no hay manera de retener e identificar. Por otro lado, el tema de una Corea independiente y el de los camaradas muertos se convierte en un mantra repetido hasta la saciedad sin ningún tipo de trasfondo interesante.

Queda una película irregular, con momentos muy logrados (la emboscada con los explosivos, por ejemplo), bastante tópica pero, aún así, aceptablemente entretenida. Si los personajes hubieran transmitido verdadera emoción y el guion hubiese ofrecido una historia más intensa, estaríamos, sin duda, ante una película estupenda. Una pena que se queda tan corta.

Disponible en alquiler en Filmin, Movistar+, Prime yAppelTV

Dirección: Woo Min-ho

Guion: Kim Min-Seong, Woo Min-ho

Reparto: Hyun Bin, Park Jeong-min, Jeon Yeo-been, Jo Woo-jin, Lee Dong-wook, Park Hoon, Yoo Jae-myung, Lily Franky, Kim Ji-oh, Lee Tae-Hyeong, Ahn Se-ho, Yoon Yeo-won

“UNA FUNCIÓN INESPERADA”. Familia con autista.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es el autismo un tema que últimamente se asoma con frecuencia a nuestras pantallas, afortunadamente con planteamientos bastante interesantes y modernizados, digamos que ya nos va quedando un poco lejos aquel “Raiman” con Hoffman y Cruise o “A quien ama Gilbert Grape” con un primerizo Leonardo Di Caprio. El tema se aborda ahora de manera más compleja, más real y más centrada en las aspectos afectivos y sociales.

Al poco de la interesante y funcional “Wolfgang”, nos llega “Una función inesperada” (en el original “Ezra”, el nombre del crío protagonista) en la que un niño con espectro autista tiene una “aventura”, en forma de huida, con su padre Max, un monologuista impulsivo al que le pierden sus arrebatos y sus tomas de decisiones en caliente.

Max (Bobby Cannavale) está separado de Jane (Rose Byrne) y siguen compartiendo la educación y el cuidado de Ezra (William A. Fitzgerald). Tras un incidente en el que Ezra es atropellado por un automóvil, y otro en el colegio, el sistema legal toma cartas en el asunto para obligar a los padres a llevarlo a un colegio especial y someterlo a medicación. Max, ante lo que él considera una barbaridad innecesaria, decide actuar y llevarse a su hijo al otro lado del país donde participará en un conocido programa de televisión. Así, la película se convierte en una curiosa road-movie en la que prima la relación, los cuidados y los problemas de Max con su hjio, y las acciones que llevan a cabo el resto de la familia: la madre de Ezra y el padre de Max, un impecable Robert de Niro.

La película tiene su mejor apuesta en el dibujo de este hombre, de carácter incontrolable, absolutamente explosivo y cerrado en sus decisiones para desesperación de quien le rodea; un personaje que no duda en hacer verdaderas locuras para cumplir con lo que él cree que es su papel de padre. La película funciona bien y los personajes están bien definidos, especialmente los de Max y Ezra (excelente la actuación de este niño) pero, después de una primera parte brillante, la película no se atreve a meterse en terrenos delicados o pantanosos y toma un camino final bastante acomodado, aunque aceptable, en el que vuelve a primar esta idea tan yanqui de la familia como núcleo básico e irremplazable de la sociedad.

Una película muy interesante, coherente, sincera y, por momentos, emotiva. Recomendable.

Estreno: 23 mayo 2025

Dirección: Tony Goldwyn

Guion: Tony Spiridakis

Reparto: Bobby Cannavale, Robert De Niro, William A. Fitzgerald, Rose Byrne, Rainn Wilson, Vera Farmiga, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Matilda Lawler, Jacqueline Nwabueze, Tess Goldwyn.

“HOMBRES ÍNTEGROS”. Los cachorros de la derecha.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segunda película de Alejandro Andrade tras “Cuernavaca” (2017) en la que Carmen Maura ejercía de abuela que acogía a su nieto tras la muerte de la madre del niño. En esta que nos ocupa los protagonistas son unos jóvenes muy poco íntegros, cachorros de la derecha mejicana que acaban ejerciendo todas las violencias posibles: económicas, sociales, machistas, homófobas… La trama se centra en Alf (de Alfredo) hijo de un alto dirigente acomodado y sin escrúpulos, que vuelve al colegio católico tras un año en Estados Unidos; Alf es gay y eso le supone un problema para integrarse en su grupo de amigos y, a pesar de la atracción que siente por otro joven de su nivel, la dinámica del grupo le llevará a una situación violenta, denigrante y, finalmente, corrupta.

La película aborda un buen puñado de temas: la identidad sexual y la homofobia en las clases pudientes, el machismo y la situación de degradación de la mujer reflejado en la figura de la madre, la diferencias de clases que se aprecian en las chicas del servicio casero, la violencia de género que cosifica a la mujer, la educación de estos cachorros de la derecha entre la religión, las apariencias, el abuso de poder y las corruptelas, la violencia de un país como Méjico en el que desaparecen mujeres cada día… pero no termina de entrar de lleno en ninguno de ellos y uno acaba con la sensación de que no había interés en su tratamiento y que son más bien excusas para desarrollar una trama que, finalmente, no va más allá de lo previsible.

A esta falta de personalidad y de creatividad, únase unas actuaciones bastante pobres, especialmente en el grupo de amigos del protagonista. Se salva, eso sí, Andres Revo, que logra mantener un Alf creíblemente atormentado y perdido, y posiblemente el de María Aura, Margarita, la madre, que con sus silencios y sus miradas hace bueno un personaje que pedía a todas luces mayor desarrollo y que podía haber sido una base sólida para fortalecer los temas tratados. La jerga propia del país y un sonido directo algo deficiente tampoco ayudan.

Queda una película que, a pesar de todo, presenta una buena factura y formas bastante interesantes, que sabe a poco y que deja en el tintero demasiadas cosas. Finalmente, resulta más ligera de lo que debiera y no acaba de ser el retrato social y humano, ácido, crítico y demoledor que parece querer ser, una pena. Y no se fíen de la sinopsis oficial, totalmente engañosa.

Estreno: 23 mayo 2025

Dirección: Alejandro Andrade

Guion: Alejandro Andrade, Armando López

Reparto: Andres Revo, María Aura, Tomás Rojas, Emilio Puente, Moisés Arizmendi, Isaac Cherem, Mai Elissalt, Joaquín Emanuel, Héctor Kuri Hernández,

“EN LLAMAS”. Mujeres entre demonios.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Esta ópera prima pudo verse en el festival de Sitges de 2023 y fue la película seleccionada por Pakistán para los oscars de ese año. Aunque nos viene etiquetada como un film de terror, es más bien un drama, bastante intenso, con toques de fantástico, que se acerca al terror sin llegar a amarrarse a las claves del género.

Nos cuenta la historia de Mariam, una joven estudiante de medicina que vive con su madre y su hermano pequeño; el abuelo, patriarca familiar, acaba de fallecer dejando la familia sin figura masculina con todo lo que eso supone en una sociedad como la pakistaní; eso propicia la aparición del hermano del marido fallecido con anterioridad, en principio para ayudar pero, como era de suponer, finalmente para aprovecharse de la situación; la otra parte de la trama gira alrededor del despertar del deseo de Mariam cuando conoce a Asad, un joven que ha llegado hace poco de Canadá y que marca una clara diferencia de actitud hacia las mujeres. El accidente de Asad y la mala jugada del tío provocarán ese resurgir de fantasmas y demonios que acorralan a estas mujeres que, a pesar de todo, se mantendrán firmes y unidas en medio del incendio provocado.

Lo mejor de la película, sin duda, es la actuación de Ramesha Nawal que configura una Mariam cargada de matices y que evoca con su rostro la gran variedad de sentimientos que la cubren y que van desde la ilusión por una nueva relación hasta el terror provocado por esos demonios en forma de hombres de ojos muertos pasando por los lazos familiares o los deseos de llegar a ser médica. Es ella la que termina de aportar esa atmósfera de angustia y peligro permanente que dominan una puesta en escena elegante, muy cuidada, muy bien fotografiada y con una cadencia suave pero ágil que nos sumerge en un universo terriblemente opresivo. Los ropajes, los vehículos, las pieles oscuras y el urdu como lengua otorgan a la película un toque exótico y diferenciador que le sienta muy bien a este ejercicio de estilo tan bien realizado y estimulante.

Así, tenemos una propuesta contundente, inquietante, que arremete sin fisuras contra la violencia y el orden patriarcal del país, creando una pesadilla kafkiana sin gritos ni salidas de tono ni sustos al uso. Hubiese valido la pena haberla disfrutado en pantalla grande.

Disponible en Filmin

Dirección: Zarrar Kahn

Guion: Zarrar Kahn

Reparto: Ramesha Nawal, Omar Javaid, Bakhtawar Mazhar, Mohammad Ali Hashmi, Adnan Shah, Jibran Khan, Vajdaan Shah

“ERNEST COLE: LOST AND FOUND”. El fotógrafo del apartheid.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Ernest Levi Tsoloame Cole (Pretoria 1940, Nueva York 1990) primer fotógrafo independiente negro de Sudáfrica, documentó los horrores del apartheid y la publicación de su libro “House of bondage” (1967) le supuso el exilio a N.Y. donde fotografió las comunidades negras en ciudades y zonas rurales de EEUU, fotos que se publicaron en el libro “The true America”.

Este documental, dirigido por Raoul Peck (“El joven Karl Marx”) relata sus andanzas, su trabajo, su exilio, su difícil encaje en un lugar que nunca sintió como suyo y que le llevó a la indigencia, y la aparición en 2017 de 60.000 negativos suyos en una caja fuerte de un banco de Suecia.

La película se apoya, por un lado, en una voz en off (de Lakeih Stanfield) con textos del propio Cole, que cuenta, reflexiona, denuncia y se expresa en primera persona sobre su obra, la situación social y sus propios sentimientos (una voz exquisita que aporta información, sentimientos y emoción). Por otro lado, hay una ingente cantidad de fotografías, mayoritariamente del propio fotógrafo, que ponen de manifiesto el valor de su obra (tanto a nivel artístico como social) y la tragedia sudafricana; unas fotos que, a pesar de su estatismo, se ofrecen y se disfrutan con un montaje ágil y muy buen gusto, ajustándose al relato y al tono. Y, finalmente, destacar un estupendo tratamiento del sonido con una música que pone el broche de oro al conjunto.

Es este, pues, un excelente documental, muy didáctico, que nos descubre un personaje más que interesante, y que nos recuerda un episodio tan deleznable como fue el apartheid. Uno de esos documentales necesarios, fascinantes, imprescindibles y exquisitamente realizados.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Raoul Peck

Guion: Raoul Peck

Documental

“THE SLEEPER. EL CARAVAGGIO PERDIDO”. Arte escondido.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Un sleeper es un cuadro (o una obra de arte) que permanece oculta en algún lugar sin participar del circuito normalizado del mercado del arte. El durmiente que protagoniza este documental es un Caravaggio que una familia de Madrid tenía colgado en una de las paredes de su casa y que estuvo a la venta en una tienda de la capital por 1.500 euros. Cuando la foto de la pintura apareció en un catálogo y empezó a circular por internet, historiadores, marchantes y, por supuesto, los propietarios, comenzaron un curioso proceso de identificación, restauración y venta. De este proceso nos habla el documental.

Longoria es un experimentado documentalista que ha abordado temas tan dispares como el Brianeitor de “Campeonex”, el grupo Tequila, una expedición de Greenpeace a la Antártida de la mano de los hermanos Bardem o la situación del Sáhara Occidental. En este que nos ocupa juega con maestría el lado intrigante de la aparición del cuadro y su posible autoría y sabe combinarlo con los entresijos comerciales que se crean a su alrededor sin olvidar que es una obra de arte fundamental y que se necesita hablar de técnica pictórica, colores, pinceladas y, por supuesto, del propio Caravaggio. Así Longoria nos ofrece un entretenido producto que no quiere dárselas de erudito ni convertirse en lección magistral de las de coger apuntes; se apoya sobre todo en declaraciones a cámara de especialistas, mercaderes de arte, galeristas y miembros de la familia propietaria y lo ilustra/ameniza con imágenes de otros muchos cuadros del autor, paseos por galerías y museos en constantes travellings que parecen ir buscando siempre una pieza clave, constantes cambios de ubicación entre Madrid, Londres, Italia o Francia, y una música bastante ecléctica y sorprendente en la primera parte (pero bien encajada) y más clásica e identificable en la segunda mitad. El resultado es un documental muy agradable, muy entretenido, de los que te descubren una realidad valiosa y desconocida para la mayoría y que, como decía Rodríguez Marchante en su crítica en ABC, “le dan a uno ganas de irse a la caza de su sleeper”.

Estreno: 13 mayo

Dirección: Álvaro Longoria

Guion: Ana Barcos Artacho, Marisa Lafuente

Documental

“ANZU, GATO FANTASMA”. Los mundos de karin.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Esta película, basada en el manga de Takashi Imashiro, parece jugar al despiste o, en el mejor de los casos, a torcer algunos esquemas del espectador (y no lo digo como valor negativo). Por un lado parece querer generar una historia hacia lo cómico y lo irreverente sin salirse de lo natural, con unos personajes bastante curiosos que nunca abandonan un tono serio ni buscan el gag gracioso. Por otro lado juega a romper las fronteras entre lo real y lo mágico pero sin crear contrastes o espacios diferenciados (valga como ejemplo el infierno donde encuentran a la madre y los demonios que les persiguen). Y por otra parte, hay una historia de relaciones familiares rotas (la madre muerta, el padre que desparece porque es un impresentable y el gato que parece sustituirlo) y de formación de un nuevo núcleo familiar basado en los verdaderos afectos y la aceptación de cada uno tal cual es.

Se nos cuenta la historia de Karin, una niña de 11 años que, tras ser dejada por su padre a cargo del abuelo, un anciano monje, conoce a Anzu, el gato fantasma del título, un personaje muy interesante con el que le costará conectar y con el que acabará haciendo un viaje al infierno en busca de la madre. Es Anzu, sin duda, el mejor hallazgo de la película, aunque puede dar la impresión de estar dibujado con demasiada contención y que podía haber dado más juego (personalmente considero que está en su punto justo, especialmente si pensamos en un público adulto). También es excelente el personaje de Karin, que nunca cae en lo obvio, encantadora y sufridora moviéndose en esos espacios nuevos. Y me ha parecido excelente el dibujo y la luz que domina la película, visualmente precioso y adecuado al tema y el estilo.

Una película algo extraña (sobre todo pensando en el público infantil), en la estela de la factoría Ghibli pero con personalidad propia, diferente, muy disfrutable.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno

Guion: Shinji Imaoka. Manga: Takashi Imashiro

Animación

“CENTAURES DE LA NIT”. A ciegas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

No conozco las dos últimas producciones de Recha (esta que nos ocupa es la 11 que realiza) y de lo que he visto solo recuerdo con cierto agrado “Petit indi” (2009) que me enganchó con su propuesta de frágiles realidades; el resto las recuerdo como películas inaccesibles o monótonas, o sin gancho o con todo ello junto. “Centaures de la nit” (título pretendidamente cinéfilo) es una película todavía más inaccesible y más difícil que aquellas, una de esas historias crípticas, que parecen explicar algo trascendente pero que no hay por donde pillarlas.

Se supone que nos cuenta la historia de Àlex (un Lluis Soler muy teatral), ciego, que viaja al monasterio de Poblet con un grupo de también ciegos, bajo la supervisión de una señora Conchita casi de caricatura y en el bus que conduce Joana (Montse Germán). El objetivo real del viaje parece que es conseguir unos valiosos relicarios, pero ni queda claro ni parece ser importante. Durante el viaje se encuentra con los fantasmas de sus tres exesposas (una de ellas es la siempre apetecible Eulalia Ramón) y en el monasterio con varios monjes (que deben ser los que lo fundaron), otro conocido ciego y su amigo, un fotógrafo ciego, real, esloveno que parece estar en la génesis de la idea del film.

Recha tira de formato 4:3, “para captar la verticalidad del monasterio”, de una bonita fotografía en B/N obra de Peter Zelliger, unos diálogos pretendidamente profundos, muy teatrales, que resultan cansinos y de difícil interpretación, y unos personajes salidos del cine de Buñuel. También hay un buen número de referencias cinéfilas pero no las pillé o ya no las recuerdo. La película tiene algunos detalles atractivos (la fila de monjes ciegos cruzándose con el grupo protagonista, algunos de los ciegos de ese grupo, por ejemplo) pero todo parece finalmente caprichoso, ininteligible, ajeno y tremendamente aburrido. Es posible que sea yo quien no ha sabido pillar la esencia pero, desde luego, no seré quien la recomiende.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Marc Recha

Guion: Nadine Lamari, Marc Recha

Reparto: Ignasi Terraza, Lluís Soler, Montse Germán, Muntsa Alcañiz, Eulalia Ramón, Raquel Ferri, Ola Planas, Cristina Dilla

“EL CUENTO DEL LOBO”. La mentira.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Adaptación de la obra teatral “Duda razonable” de Borja Ortiz de Gondra, esta película es la historia de una pareja de clase media (é es catedrático en la universidad y ella escritora, aunque no está en un buen momento creativo) que creen descubrir un asunto bastante feo de violencia y malos tratos hacia la chica que les hace la limpieza en casa. A partir de aquí es conveniente no dar más pistas sobre lo que sucede ni sobre el papel de cada personaje, ya que es ese descubrimiento el verdadero atractivo del film.

Estamos ante una película que juega con las falsas apariencias, las pistas engañosas, los prejuicios y, sobre todo, las mentiras que se cuentan. También hay algo de pasados inconfesables, relaciones que se han desvirtuado con el tiempo y tragedias terribles que solo asoman al final, detrás de todo y con una fuerza espantosa.

Creo que se podría haber hecho una película más potente con un guion más hábil y una propuesta de atmósfera más trabajada, pero aún así, es una película que funciona, de esas que es fácil que te manipule, que te zarandee y que te haga vivir cada giro y cada nueva situación con cierto desasosiego. Y aunque hay algún momento algo forzado y otros en los que parece que la cosa va a decaer, la película sabe remontar, retorcerse sobre sí misma y no perder interés. Los actores están muy bien, el escenario de la casa funciona y, finalmente, aquello que no ves (que se nos ha escamoteado) resulta ser lo fundamental.

Una película sobre la mentira y lo que realmente se esconde tras ella.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Norberto López Amado

Guion: Norberto López Amado

Reparto: Daniel Grao, Lucía Jiménez, Paco Tous, María Romanillos

“EL INSTINTO”. De hombres y perros.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Ópera prima de Juan Albarracín, nos cuenta la historia de Abel (Javier Pereira) un arquitecto que ha visto como su vida y su carrera se veían marcadas por una agorafobia que lo tiene retenido y aislado. A partir de un incidente con su perro, aparecerá Jose (Fernando Cayo) un reputado adiestrador de perros de caza que le propone un “tratamiento psicológico”, en forma de entrenamiento, basado en las técnicas de educación de los perros. A pesar de lo estrambótico de la propuesta y, sobre todo, motivado por la necesidad de asistir a reuniones importantes de trabajo, Abel se pondrá en manos de Jose.

La película se divide en una introducción y tres capítulos (educación, obediencia y cobro); cada parte se introduce con imágenes de formato tipo super8 de un documental sobre el adiestramiento de los perros para la caza y ese mismo tipo de imagen se usan para los flash backs que intentan explicar los hechos pasados que atormentan a Abel y le produjeron la agorafobia (digo intentan porque en su afán de no ser explícito, las imágenes acaban siendo tan ambiguas que no explican más bien poco).

La película adopta desde un principio ese tono de falsa calma, de normalidad engañosa, y logra que el espectador esté permanentemente con la mosca detrás de la oreja. Después, cuando la cosa se pone chunga, todo se vuelve rudo, violento, y es difícil encontrarle una buena justificación aunque funciona y el estallido de violencia termina enganchándote.

Así, la película mantiene cierto interés, el último tramo resulta bastante angustioso y solo se echa de menos un final menos convencional y que la película nos hubiera brindado un giro sorprendente, cautivador, de esos que enriquecen, justifican y cierran el relato.

Es notable el uso de un único espacio, el esfuerzo de unos actores entregados y esos detalles que quieren confundir/identificar a las personas con los perros. Me pregunto qué hubiera hecho Lantimos con una propuesta como esta.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Juan Albarracín

Guion: Juan Albarracín

Reparto: Javier Pereira, Fernando Cayo, Eva Llorach, Silvia Conesa, Rocío Bernal, Pepe Villena

“JANE AUSTEN ARRUINÓ MI VIDA”. Los amores de Agatha.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Agatha es una aspirante a escritora que trabaja en una librería (la legendaria librería británica Shakespeare & Co, en París, ni más ni menos) que no logra terminar la novela romántica de la que ya ha escrito los primeros capítulos y que sueña con el amor literario de los libros que adora. Agatha es ferviente admiradora de Jane Austen y aspira a tener una vida romántica al estilo de la escritora. Su compañero/amigo Félix le consigue una estancia de dos semanas en la Residencia de Escritores Jane Austen en Inglaterra para participar en uno de sus talleres de escritura donde, se supone, podrá acabar su libro. Allí conocerá a Oliver, el hijo de los gerentes de la residencia, descendiente de la Austen, y con él llegará esa historia romántica y de libro (o no).

La película no va mucho más allá de la clásica historia de amor de una chica dividida entre dos hombres, pero Piani consigue darle al relato un aire clásico bastante elegante, desde una perspectiva femenina y con un tono muy contenido que le dan al producto un cierto nivel: los personajes no caen en el tópico, el guion no se ceba en determinadas situaciones que tiran del humor oel sentimentalismo, la trama (aún siendo previsible) tiene interés y los actores están cuidados y ajustados a sus personajes. Valgan como ejemplo las escenas como la del padre de Oliver desnudo en el jardín, el encuentro de Agatha con Oliver cuando ella cree entrar en el baño, o la forma en que Félix comprueba que nunca podrá ser su pareja.

Una película que no inventa nada, pero que tiene una Camille Rutherford protagonista muy agradable, y que se ve con gusto.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Laura Piani

Guion: Laura Piani

Reparto: Camille Rutherford, Pablo Pauly, Charlie Anson, Annabelle Lengronne, Liz Crowther, Alan Fairbairn, Lola Peploe, Alice Butaud, Roman Angel, Laurence Pierre

“BONHOEFFER, EL ESPIA”. Nazismo e iglesia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Dietrich Bonhoeffer, pastor y teólogo protestante, fue un elemento importante en el movimiento de resistencia contra el nazismo, especialmente como portavoz de la Iglesia Confesante, movimiento del cristianismo protestante que rompió con la iglesia alemana para oponerse al control de la institución por parte de Hitler.

Es ver esta película y caer en la cuenta que, al contrario que ocurre con la Guerra Civil Española, por ejemplo, la presencia de la iglesia alemana en las películas sobre la IIGM y el nazismo, es prácticamente nula; podríamos pensar que el papel de esta institución dentro del desarrollo del III Reich no fue relevante o que no tomó cartas en el asunto, pero después del visionado (damos por sentado que no se nos miente) queda claro que el estamento oficial se posicionó claramente al lado de Hitler y que contribuyó a su ensalzamiento, y también queda claro que hubo un movimiento de disconformidad y protesta que tuvo escasos resultados y que acabó seriamente reprimido.

Es el punto de descubrimiento de estos hechos lo mejor de una película que tiene claro su objetivo, claramente bienintencionada y bastante lastrada en su planteamiento. Y es que con los elementos que maneja se podía haber hecho una película menos discursiva (el tema de la fe, Dios, rezos y similares se hace repetitivo y excesivo), más dinámica y, desde luego, más corta. Se queda algo pobre, también, el retrato del protagonista que, a pesar de haber sido escritor prolífico, nada sabemos de su obra. Se intenta compensar con saltos en el tiempo, que sí que proporcionan algo de interés a la trama, pero que también pueden despistar.

Queda una película interesante por lo que nos descubre, bien producida, con una ambientación excelente y una narrativa poco atractiva.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Todd Komarnicki

Guion: Todd Komarnicki

Reparto: Jonas Dassler, August Diehl, Nadine Heidenreich, David Jonsson, Moritz Bleibtreu, Flula Borg, Clarke Peters, Phileas Heyblom, Greg Kolpakchi, William Robinson, James Flynn

“ESTOCOLMO 1520. EL REY TIRANO”. Suecos y daneses.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una coproducción de Suecia, Noruega y Dinamarca, de 2023, que nos cuenta la lucha del rey danés Cristian II para arrebatar la corona sueca a Stan Sture allá por el año 1520. Se trata de hacer cine de época a imagen y semejanza de las superproducciones épicas de USA e Inglaterra, pero con la historia del país como tema, en un intento de vender algo local a nivel mundial (así es que todos hablan un inglés perfecto).

La cosa hubiera tenido bastante interés si, además de un envoltorio más o menos aparatoso, se le hubiera concedido a la película un cierto rigor histórico y hubiese sido, por ejemplo, un vehículo para dar a conocer las verdaderas causas de la rivalidad encarnizada y sangrante entre daneses invasores y suecos invadidos. El problema es que se ha optado por un tratamiento anodino, de los que pueden haber sucedido en cualquier lugar, incluso en variadas épocas, y los conflictos se reducen a enfrentamientos físicos (poca política o contextualización social se ve) entre malvados sanguinarios y dos mujeres que solo buscan venganza.

La producción es esforzada, se nota que se ha invertido en ambientación, y el resultado visual es notable. Las actrices principales están muy bien en esos papeles más o menos modernizados y ellos hacen lo que pueden con unos personajes planos, sin aristas y, por momentos, caricaturescos. No se puede decir lo mismo de esos diálogos, claramente anacrónicos (hablar de “generar el relato” en el siglo XVI…) que pretenden ser chispeantes y modernos pero se quedan en pobres. El resultado es una película que se queda muy corta, incluso torpe en algunos momentos, que ni apasiona ni incomoda a pesar de lo brutal y explícito de su violencia, que sabe a producto de algoritmo que aspira a blockbuster. Una película de daneses muy malos y suecas/os muy sufridoras/es: pena de dinero que les ha debido de costar.

Estreno: 16 mayo 2025

Dirección: Mikael Håfström

Guion: Nora Landsrød, Erlend Loe

Reparto: Sophie Cookson, Alba August, Emily Beecham, Claes Bang, Mikkel Boe Følsgaard, Jakob Oftebro, Ulrich Thomsen, Wilf Scolding, Adam Pålsson, Kate Ashfield, Thomas Chaanhing, Claes Ljungmark, Sean Duggan, Declan

“TAMBIÉN ESTO PASARÁ”. La ausencia de la madre.

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Basada en la novela de Milena Busquets, esta película es una adaptación bastante interesante que no renuncia a la voz en off y que mantiene el tono literario del original, una voz (a mi entender) muy bien colocada que otorga al relato una línea más profunda, densa y clara.

Se nos cuenta la historia de Clara, una mujer que pierde a su madre y cuya ausencia crea un gran vacío, un duelo con el que tiene que lidiar. Alrededor de ella, sus exmaridos, los hijos que tuvo con cada uno de ellos, sus amigas y su actual amante. La película se apoya en la notable interpretación de Marina Salas, que logra transmitirnos ese contraste de una mujer segura, independiente y fuerte, con otra abatida por la pérdida y ahogada en su duelo.

Lo mejor de la película es, sin duda, el retrato que se hace de Clara y el dibujo de las diferentes piezas que la rodean y como se relacionan con ella: el papel de los hijos, especialmente el mayor que, como ella reconoce, está en su plenitud de sensatez; el personaje de la madre, una participación inicial de Susi Sánchez que deja su huella a lo largo de todo el metraje; los hombres, algo desdibujados, que sirven para afianzar el carisma de Clara y aportan esa vida sexual que no cae en lo manido; y las amigas, que forman una verdadera familia.

También me ha parecido un acierto el uso del paisaje y de la casa de Cadaqués, y el de la música, donde predominan los temas de María Rodés y que le da al relato un bonito tono melancólico. Una película íntima, muy agradable.

Estreno: 9 mayo 2025

Dirección: María Ripoll

Guion: Olga Iglesias, María Ripoll. Novela: Milena Busquets

Reparto: Marina Salas, Carlos Cuevas, Susi Sánchez, Sara Espígul, Andrea Trepat, David Menéndez, Borja Espinosa, Carles Francino, Moise Curia, Fermí Reixach

“LA LLEGADA DEL HIJO”. Alegría y horror.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Empieza esta película con un nacimiento, el de Alan, el hijo de Sofía, la protagonista; su voz en off nos dice que, en el momento del parto, un calor ha recorrido su cuerpo, “un calor de alegría y horror, todo a la vez”, y la frase se repetirá en varias ocasiones, todas ellas momentos claves en el relato y en la vida emocional de los personajes. La segunda escena es Sofía recogiendo a Alan a la salida de la cárcel, en un silencio terrible y de mal augurio. El porqué de la condena y la tensa relación es lo que nos narrará la película y mejor no desvelarlo.

Tenemos, pues, una idea base sobre la que gira el relato: esa dualidad que se produce cuando compruebas que tu hijo ha hecho una monstruosidad pero que sigue siendo tu hijo, ese terrible conflicto que enfrenta el amor de una madre y la imposibilidad de perdonar.

Las directoras echan mano de una narrativa que va y viene en el tiempo (genial el uso de la disposición de los muebles del salón para marcar los cambios), de unos diálogos escuetos, secos y muy contundentes, y de una actriz estupenda como es Maricel Álvarez que compone una madre siempre al borde del colapso, del estallido o del precipicio; la acompañan unos excelentes secundarios entre los que está Greta Fernández en un pequeño pero significativo papel.

Queda una película donde el dolor se siente en la propia piel, de un planteamiento exquisito y unas formas muy atractivas. Una película difícil, pero memorable.

Estreno: 9 mayo 2025

Dirección: Cecilia Atán, Valeria Pivato

Guion: Cecilia Atán, Valeria Pivato

Reparto: Maricel Álvarez, Cristina Banegas, Greta Fernández, Ángelo Mutti Spinetta

“PRESUNCIÓN DE INOCENCIA”. El final del hilo.

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Quinto largometraje dirigido por el actor Daniel Auteuil que también protagoniza y que nos cuenta la historia del juicio (basado en hechos reales) a Nicolas Milik (un excelente Grégory Gadebois) padre de cinco hijos acusado de asesinar a su esposa, una mujer alcoholizada que había complicado sobremanera la convivencia de la familia.

Nicolas es un hombre bueno, cuida de sus hijos y, a pesar de todo, quiere a su mujer; es alguien que nos cae bien, en quien confiamos y deseamos que salga bien parado del asunto. Lo mismo le pasa a Jean Monier (Auteuil), el abogado que lo defiende y que, en este caso, volverá a las salas de juicios después de 15 años. Son, sin duda, estos dos actores los que logran la profundidad e intensidad del relato porque la película es bastante plana, aunque funcional, y finalmente se le nota que es un artificio destinado a generar los giros finales, sorprendentes, para dejar al espectador anonadado y bastante tocado. La verdad es que lo consigue, Quizás con una planificación más osada, un guion menos lineal y un montaje algo más reducido hubiera sido una excelente película de las que te dejan noqueado, te las llevas a casa y te acompañan durante días.

Aún así, “Presunción de inocencia” (título español un tanto incomprensible que sustituye al más adecuado original “El hilo”, en referencia al hilo de algodón que han encontrado en las uñas de la asesinada)) es un film valioso, coherente, de interés, bastante clásico y, como decía antes, con unos actores y un final realmente potentes.

Estreno: 9 mayo 2025

Dirección: Daniel Auteuil

Guion: Daniel Auteuil, Steven Mitz

Reparto: Daniel Auteuil, Grégory Gadebois, Sidse Babett Knudsen, Alice Belaïdi, Isabelle Candelier, Suliane Brahim, Aurore Auteuil, Florence Janas, Gaëtan Roussel, Jean-Noël Brouté

“TIERRAS PERDIDAS”. Los ojos de la Jovovich.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Al contrario de otras películas de Anderson, esta no arranca de un videojuego, pero como si lo hiciera, el resultado viene a ser el mismo. Basada en un relato corto de George R. R. Martin, nos cuenta la historia de una poderosa bruja, Gray Alys (Milla Jovovich ¿Quién si no?) que se adentra en las terribles Tierras Perdidas para conseguir el poder de la bestia; le acompaña Boyce (Dave Bautista, el Drax de los guardianes de la galaxia) un misterioso cazador que será la base del giro final, el único elemento del guion que puede tener cierto interés (el giro, digo, no el personaje).

Y es que es una película de acción que tiene más ruido que acción, que deja una sensación de relato brumoso y muy poco imaginativo, y que no logra despegarse del tópico ni de los personajes arquetípicos: los malos que rigen una iglesia que controla a un pueblo en la miseria y el trabajo esclavo, una reina egocéntrica que solo piensa en el poder, una perseguidora más fanática y obsesiva que inteligente, y el típico contingente de uniformados (aquí con aire medieval) para ir machacando en cada set-piece. Y luego está la enigmática Boyce (decididamente lo más aceptable) y los ojos de la Jovovich que Anderson filma constantemente y en plano bien cerrado por si no nos había quedado bien claro lo guapa que es su mujer.

Una película para aquellos que solo necesitan un envoltorio llamativo (vistoso es mucho decir), mucho ruido y muchas muertes. A mí me pareció anodina y aburrida.

Estreno: 9 mayo 2025

Dirección: Paul W.S. Anderson

Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Historia: George R.R. Martin

Reparto: Milla Jovovich, Dave Bautista, Arly Jover, Amara Okereke, Fraser James, Simon Lööf, Deirdre Mullins, Sebastian Stankiewicz, Tue Lunding,

“ERREPLIKA (RÉPLICA)”. Imágenes, memoria y huecos.

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Es este un documental que nos habla de la imagen, de las imágenes (la de cine, las religiosas, lo objetos), del valor que les damos y del significado que les atribuimos; nos habla de la memoria, de lo que mantenemos cuando se produce una ausencia, la de un ser querido, la de algo que consideramos valioso; y sobre todo es un documental lleno de huecos, el que tiene en su interior la réplica de la virgen, el que se queda en negro cuando la guardia civil impide al padre del director grabar la bendición de la trainera, el del túnel que hay debajo del cementerio, el de las tumbas vacías cuando retiran los restos, el de la hornacina tras el robo de la talla de la virgen, el que le queda a un pueblo cuando le derriban su ermita…

Un documental que arranca de lo personal, de lo local, de un robo corrido en Hernani en 1979, de las imágenes que grabó el padre, de los textos y las noticias sobre lo sucedido entonces, incluso de Erik El Belga y la posibilidad de que fuera él el ladrón; para luego hablar de cosas universales como el sentimiento colectivo, el tratamiento de la muerte, el valor de los símbolos, las ausencias o el valor de lo original y lo copiado. No hay, sin embargo, una intención de trabajo de tesis o análisis profundo, más bien una mirada personal, un puñado de reflexiones que se cuelan entre los recuerdos y la historia.

Con la voz del director guiando el relato, una fotografía exquisita, un excelente tratamiento del sonido y un montaje delicado y ágil, Gutiérrez Peñalba nos ofrece un documental hermoso, sincero, cargado de emociones y de ideas, que combina las imágenes sugerentes con las entrevistas a familiares o gentes del pueblo, las fotografías familiares con las de super8 registradas aquellos años, la voz propia con la música etérea de Maite Larburu.

Se nos cuenta la desaparición de la imagen de la virgen de Zikañaga (una virgen negra patrona de Hernani) un jueves santo de 1979, un hecho todavía por aclarar, y la destrucción de la ermita ante el imparable crecimiento de la fábrica papelera propiedad del abuelo del director. Pero en realidad nos habla de otras muchas cosas que vale la pena descubrir en su visionado. Sin duda, un excelente documental con bonito acento euskera.

Estreno: 9 mayo 2025

Dirección: Pello Gutiérrez Peñalba

Guion: Pello Gutiérrez Peñalba, David Aguilar Iñigo, Iñaki Sagastume

Documental

“EL SILENCIO DE MARCOS TREMMER”. Sobrellevar la tragedia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película que se apunta, de lleno, al dramón versión enfermedad terminal (cáncer, como no) que irrumpe en la apacible y feliz vida de los protagonistas poniéndolo todo patas arriba y buscando (insistentemente) tocar la fibra sensible del respetable y sacar alguna que otra lagrimilla. Están todos los elementos propios de producto estándar, excepto los niños, que aquí ni aparecen ni se les espera.

Marcos (Benjamín Vicuña) y Lucía (Adriana Ugarte) son una pareja feliz, enamorada; ella trabaja en el museo, él es publicista, viven (como no) en una casa de diseño, y su última campaña ha sido seleccionada en Cannes. La hermana de Lucía acaba de morir, pero ha organizado un viaje romántico a Punta Cana para celebrar el cumpleaños de Marcos. Enseguida se ve que los hechos están colocados para apoyar la trama posterior y que no tienen mayor entidad ni valor dramático, algo que va a ser la tónica de la película, y así funciona.

Tenemos pues, un drama que usa y abusa de los acontecimientos trágicos que se van acumulando: el cáncer terminal de Marcos, su decisión de alejarse de Lucía para evitarle sufrimientos, las escenas de ruptura rozando la violencia, el giro de la enfermedad… todo bastante previsible, poco imaginativo, bastante lineal, sin apena fuerza dramática y que se aguanta por el buen hacer de los actores y actrices. La película desperdicia las subtramas en las que apena entra y que podrían haber enriquecido el relato: el pasado con un padre terrible, la figura de la madre, la idea de la adopción de un niño, la figura del hermano… todo puesto por exigencia del guion, con muy poco desarrollo y remarcado por una música excesivamente evidente.

Queda una película que gustará a los amigos de los dramones televisivos, de factura correcta pero bastante desaprovechada, una pena.

Disponible en Prime Video

Dirección: Miguel Ángel García de la Calera

Guion: Javier Dampierre, Ricardo Urroz

Reparto: Adriana Ugarte, Benjamín Vicuña, Félix Gómez, Daniel Hendler, Hony Estrella, Irene Ferreiro, Mirta Busnelli

“SEPTIEMBRE DICE”. Hermanas.

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Es esta una película de adolescentes, dos chicas que son hermanas, que podía haber sido la consabida coming of age si no fuera porque asume un tono entre lo trascendente, lo indie y el cine de autor. La película aborda diferentes temas: la relación afectiva y de dependencia entre las dos hermanas en la que una de ellas ejerce de protectora (y castrante en algunos momentos), algún apunte sobre los problemas mentales de la madre y la ausencia del padre, el bullying que sufre la hermana pequeña y el despertar sexual de esta o la identificación como persona asexual de la otra. Temas que, sin embargo, están tratados con demasiada ligereza/superficialidad (a mi parecer) y uno no sabe si son esos los objetivos hacia los que se apunta. De hecho, la falta de objetivos (yo al menos no supe verlos) es el principal lastre de una cinta que parece más preocupada por la forma, por el como, que por el fondo. La parte final, a partir de la desaparición de Septiembre, es la que más entidad tiene, el tono fantástico que la domina es lo mejor del film, pero llega después de hora y media de espera y acaba sabiendo a poco.

Resulta curioso que las protagonistas se llamen Septiembre y Julio, su retrato como adolescentes que no encajan es interesante, pero no llegan a ser las criaturas que se cuelen en nuestro interior. Quizás algo pretenciosa, no deja de ser una apuesta interesante que podía haber sido realmente apasionante.

Estreno: 30 abril 2025

Dirección: Ariane Labed.

Guion: Ariane Labed. Novela: Daisy Johnson

Reparto: Mia Tharia, Pascale Kann, Rakhee Thakrar, Amelia Valentina Pankhania, Sienna Rose Velikova, Niamh Moriarty, Levi O'Sullivan, Charlie Reid, Maeron Libomi, Emmanuel Okoye

“LA BUENA LETRA”. Retrato de postguerra.

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Después de las brillantes “Viaje al cuarto de una madre” (2018) y “Los pequeños amores” (2024), se esperaba que Celia Rico nos confirmara la potente directora que es, pero no ha podido ser, “La buena letra” es una película que sabe a poco, que abraza el melodrama desde un planteamiento de novela televisiva, que se pierde en la tragedia cotidiana de su protagonista olvidándose de dar entidad y potencia al resto de personajes y situaciones. Me da que es un error bastante habitual en adaptaciones en las que la trama de la novela se apodera del guion y se acaba haciendo una ilustración del texto antes que una verdadera adaptación cinematográfica.

Se nos cuenta la historia de Ana (Loreto Mauleón) en los años posteriores a la guerra civil en un espacio rural y deprimido. Ana está casada con Tomás (Roger Casamajor), tienen una hija pequeña y su suegra vive con ellos; el hermano de Tomás, Antonio (Enric Auquer) está desparecido y cuando regresa lo hace con el trauma y la carga de los represaliados. La España de posguerra, curiosamente, se queda de fondo y solo vemos de ella la miseria que supuso para la casa, el obligado cumplimiento religioso y los trabajos de miseria que Tomás sufrirá por ser de familia roja.

El planteamiento podía haber sido muy interesante si Rico hubiese decidido profundizar en algún aspecto de los que trata (ese retrato de mujer de posguerra que se queda corto, el cambio de bando de Antonio…) contextualizar con más energía y criterio, potenciar la perspectiva femenina, generar un verdadero conflicto… pero nada de eso ocurre y el único frente realmente abierto, el de esta mujer condenada al ámbito casero en las funciones de madre y esposa, no resulta lo suficientemente intenso y acaba haciéndose repetitivo.

Después de ver la cinta uno se queda con la sensación de que Rico maneja con maestría las relaciones cortas entre dos personajes (particularmente madre e hija) pero que pierde tirada cuando abre el foco y se necesita más coralidad y contextualización. Una pena, porque resultaba interesante revisar el papel de la mujer en esa época y lo de no salir prácticamente de las cuatro paredes de su casa era un reto atractivo. Una película fallida (es lo que tiene cuando se acude con notables expectativa) pero que puede resultar interesante si la abordamos sin prejuicios y no nos molesta ese “tono televisivo” del conjunto. Habrá que estar atentos a su cuarto largo.

Estreno: 30 abril 2025

Dirección: Celia Rico Clavellino.

Guion: Celia Rico Clavellino. Novela: Rafael Chirbes

Reparto: Loreto Mauleón, Enric Auquer, Roger Casamajor, Ana Rujas, Teresa Lozano, Gloria March, Sofía Puerta

“EL ORIGEN”. Familia, heridas y fantasmas.

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Es esta la ópera prima de Meryam Joobeur, directora tunecina-canadiense que amplía su corto “Fraternidad” candidato a los oscars en la edición de 2020 como corto de ficción.

La película nos habla de las consecuencias que puede tener, en las personas y en las familias, que alguno de sus miembros acabe en las filas de grupos fundamentalistas como es el Isis. Centrada en Aicha, la madre de la familia, nos cuenta que los hijos mayores se han marchado a Siria y que ella y su marido Brahim se han quedado en el pequeño pueblo costero con su hijo pequeño Adam; al cabo de un tiempo aparece uno de los dos hijos mayores con una extraña mujer embarazada, envuelta permanentemente en un estricto burka y un aire de terrible de misterio, su hermano ha muerto y su llegada supondrá un duro enfrentamiento con la realidad para Aicha y una nube de desgracias para la comunidad.

Joobeur confecciona una película trágica hasta la médula, que combina su narrativa intimista y dura de rostros pegados a la cámara y desenfoques brutales, con imágenes oníricas que en principio pertenecen al mundo de los sueños (más bien de las pesadillas) y que posteriormente se van adueñando de lo real hasta el punto de encontrar elementos que no están definidos con claridad en un lado u otro. También combina actores profesionales con no profesionales, lo que da un tono más realista, casi de documento. Y, sobre todo, hay una constante búsqueda del encuadre y la imagen elaborada, especialmente en esos “cuadros vivientes” que aparecen en la primera parte. El resultado es una película muy dura sobre la familia, la terrible dialéctica que se produce cuando un hijo se ha convertido en un monstruo, y sobre los peligros del integrismo y de la fascinación que puede llevar a las personas al infierno.

No es, desde luego, una película para todos los paladares, su ritmo lento, sus silencios o la exigencia al espectador de interpretar algunos elementos, la hacen un tanto difícil y exigente. Es, eso sí, una apuesta valiente, arriesgada, muy personal, que nos ofrece una visión muy interesante de un fenómeno complejo como son los miedos maternales y los radicalismos salvajes; un relato duro, amargo, en el que prevalece la visión femenina de un mundo dirigido por hombres y que se muestra contundente y sugerente a partes iguales.

Disponible en Filmin

Dirección: Meryam Joobeur

Guion: Meryam Joobeur

Reparto: Salha Nasraoui, Mohamed Grayaâ, Malek Mechergui, Adam Bessa, Dea Liane, Rayene Mechergui, Chaker Mechergui, Mariem Jlassi Akkari

“EL ÚLTIMO SUSPIRO”. La vida al final de la vida.

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Basada en la novela “Le dernier soufflé” de Régis Debray y Claude Grange, esta última película de Costa-Gavras (no perder de vista que tiene 92 años) nos habla de la muerte en el momento en que se hace cercana, visible y amenzante, tema difícil y complejo que, parece, ahora nos va costando menos abordar. Fabrice (Denis Polaydés) es un escritor que ha publicado varios libros sobre el tema desde una perspectiva filosófica y que, al detectarle una pequeña mancha que puede ser el origen de un cáncer, entra en contacto con Agustin (Kad Merad) un médico encargado de una innovadora unidad de cuidados paliativos. Los miedos de Fabrice y los casos a los que se enfrenta Agustin forman un curioso, amplio y emotivo recorrido por diferentes formas de presentarse la muerte y de afrontarla, tanto por parte de los pacientes como de los familiares y el equipo del hospital.

A partir de las historias que Agustin narra y las situaciones a las que asiste Fabrice en calidad de observador, la película adquiere una estructura de cuentos enlazados por su temática (casos reales que podían haber dado para un documental) en los que cada uno aporta un dilema, un conflicto, una disposición: el caso de Mme Léonie (Françoise Lebrun) preocupada por lo que hay más allá de la muerte, el del personaje de gitana de Ángela Molina que retoma el tema de la eutanasia, el de la mujer que se lleva a su marido a casa pero que en realidad es una cuestión de dinero… y todo conforma un mapa para la reflexión que quizás sea algo simple y demasiado deudor de un carismático personajes, Agustin, extraordinariamente bueno pero que (al menos a quien esto suscribe) le pareció un discurso intenso, que aporta muchas e interesantes perspectivas y que logra una emotividad sincera y valiosa.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Costa-Gavras

Guion: Costa-Gavras. Libro: Régis Debray, Claude Grange

Reparto: Denis Podalydès, Kad Merad, Ángela Molina, Charlotte Rampling, Hiam Abbass, Karin Viard, Marilyne Canto, Fabrice Scott, Jochen Hägele, Jade Phan-Gia, Xavier Maly, Agathe.

“LA ISLA DE LOS FAISANES”. Frontera.

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Hendaya, el río Bidasoa marca la frontera entre Francia y España y en medio del río la Isla de los Faisanes, un condominio que medio año pertenece a España y otro medio a Francia; la aparición de un cadáver en la isla, el día que se hace el intercambio de posesión. Este es el arranque de esta película que nos coloca en un espacio en el que conviven lo francés, lo vasco y lo español y que se centra en tres personajes. El primero es Sambou que es de Irún, habla euskera y trabaja haciendo gigantes, pero que tiene que enseñar su documentación cada vez que cruza el puente porque es negro. El segundo es Laida, la pareja de Sambou con el que también trabaja, es del país y a ella no le piden la documentación. Y el tercero es Nassim, el joven que Laida ha sacado del río cuando estaba intentando cruzarlo junto a su amigo Omar que ha desaparecido.

Una primera parte se centra en la pareja que forman Sambou y Laida y se nos hace un retrato bastante interesante de un espacio de tránsito, fronterizo, donde ha arraigado la multiculturalidad y conviven con naturalidad las tres lenguas sin perder su identidad de población euskera. Tras el rescate de Nassim y la paralización que sufre Sambou, incapaz de lanzarse al agua, la película se centra en los cambios que se producen entre ellos dos y, sobre todo, en los intentos de Laida por encontrar a Omar y ayudar a Nassim. Finalmente, la película opta por un cierre simpático, bastante más optimista que el resto de la cinta, en una ingeniosa combinación de cultura popular, justicia poética y esperanza de futuro.

La película es, por tanto, una propuesta sobre la migración, la búsqueda de un futuro, la imposibilidad de “cambiar el mundo en un solo día” (palabras textuales del personaje de Nere) y la necesidad de hacer pequeños gestos que puedan cambiar el destino de, al menos, una persona.

Urbieta pone la película en manos (más bien el rostro) de Jone Laspiur y resulta muy fácil embarcarse en el viaje que nos propone, en ese constante fluir del río y en el cruzar el puente que hace de frontera invisible (de esas que creamos las personas). Todo con un tono pausado y sin estridencias, una fotografía bastante oscura que acentúa ese ambiente siempre húmedo y lluvioso de Euskadi y unos diálogos bien ajustados que saben hacer silencio cuando sobran las palabras. Queda una película para saborear, suave pero contundente, de las que te atrapan.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Asier Urbieta

Guion: Asier Urbieta, Andoni de Carlos

Reparto: Jone Laspiur, Sambou Diaby, Ibrahima Kone, Ximun Fuchs, Itziar Ituño, Aia Kruse, Jon Olivares, Rodonny Perriere

“SUJO”. Huérfanos de un país en llamas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Producción mejicana dirigida por dos mujeres, Fernanda Valadez y Astrid Rondero, que nos habla, como dice la dedicatoria final, de los huérfanos de ese país en llamas. Nos cuenta la historia de Sujo (muy bonito cuando descubrimos el porqué del nombre), un chaval al que le mataron el padre, un sicario, cuando era pequeño; después de su muerte, Sujo queda bajo el cuidado de su tía en un lugar apartado en el campo y, tras algunos trabajos en el tráfico de drogas, acabará en Méjico DC trabajando y acariciando el sueño de acudir a la universidad. A su alrededor, el conocido ambientes de clanes y mafias con escaso apego a la vida ajena y bastante al tráfico ilegal y el dinero fácil; y unas mujeres, aquí encarnadas en las dos tías y la fantástica profesora de la universidad que interpreta Sandra Lorenzano, que suponen el lado humano, protector y resiliente ante tanto incendio.

Un relato de madurez en medio de una de las mayores barbaries del planeta (aunque aquí la violencia queda casi siempre como aterrador telón de fondo), para nada convencional, que basa su fuerza en esa atmósfera amenazante y en el terror en sordina que apenas permite la dignidad y la esperanza. Una película que plantea, fundamentalmente, la posibilidad y la necesidad de cambiar el destino.

Peca la película de un metraje excesivo, las más de dos horas de duración se podían haber recortado sin problemas, lo que provoca algunos momentos repetitivos y la sensación de que le cuesta avanzar. En la segunda parte la película coge fuerza y crece hasta convertirse en una cinta brillante, intensa y dura.

Estreno: 25 abril

Dirección: Fernanda Valadez, Astrid Rondero

Guion: Fernanda Valadez, Astrid Rondero

Reparto: Juan Jesús Varela, Yadira Pérez, Alexis Varela, Sandra Lorenzano, Jairo Hernández, Kevin Aguilar, Karla Garrido

“MI VIDA A LO GRANDE”. Cosas de adolescentes.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Las películas en stop-motion tienen una gran ventaja: suavizan los mensajes más duros y hacen mucho más queribles a unos personajes que, a pesar de su artificiosidad, nos acaban resultando cercanos, entrañables, vulnerables, simpáticos…

Esta producción checa es buen ejemplo de ello. Es la historia de Ben, un adolescente con problemas de obesidad, de amores y de bullying escolar, que intenta superar la situación a base de ingenio, buen humor y haciendo dieta para conquistar a ala chica de sus sueños. Lo mejor de la propuesta es que el protagonista no se plantea como una víctima total, que es lo que acostumbramos a ver, sino que es un personaje que responde con sarcasmo e ingenio, que no se rinde, que tiene su encanto (no se recurre ni a la pena ni al victimismo) y que desarrolla una gran autonomía y una personalidad consolidada. También es de agradecer que la trama no se centre solamente en uno o dos hilos fundamentales y que se trate al personaje con cierta complejidad. Así, están muy bien descritas la pasión por la música y lo que ello comporta como estilo de vida, el despertar al amor adolescente, la pandilla con la que crece, madura y en la que se apoya, la relación con la madre (una muy peculiar veterinaria), con el padre divorciado y su nueva novia, los continuos choques con los matones del cole, inteligentemente matizados, y, sobre todo, su proceso de autoafirmación, su visión de sí mismo y su autoestima.

Una película deliciosa, plásticamente realista a pesar de la dureza del diseño de las caras, hecha con muchísimo cariño (se nota) y que se degusta con auténtico placer.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Kristina Dufková

Guion: Petr Jarchovský, Barbora Drevikovska, Anna Vásová. Novela: Mikael Ollivier

Animación

“TODO LO QUE NO SÉ”. Angustioso proyecto de vida.

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Ópera prima de Ana Lambarri, “Todo lo que no sé” nos cuenta la historia de Laura (estupenda Susana Abaitua), una mujer en constante crisis: laboralmente se ha quedado sin financiación para continuar con un proyecto informático de esos de diseñar algoritmos, sentimentalmente su relación con Xavi empieza a hacer aguas, y familiarmente está padeciendo la enfermedad terminal del padre y la convivencia se agrava por el autoritarismo de una hermana controladora y exigente y por una madre que no parece ejercer demasiado de madre; para rematarlo la amiga con la que vive ha decidido casarse y tendrá que abandonar el piso que comparte con ella. Ante tanta adversidad bien podría haber sido una comedia al uso, o un drama de los que no tienen piedad con su personaje sometiéndolo a todo tipo de desgraciadas. Nada de eso le interesa a Lambarri, más preocupada por el retrato de Laura, por su incapacidad para comunicarse y para tomar decisiones cruciales en los momentos importantes.

Tiene la película un tono muy acertado, que se sustenta ante todo en la notable interpretación de Abaitua capaz de matizar cada gesto, cada situación y cada giro emocional; es ella la que proporciona cierta profundidad al relato y le impide caer en lo obvio y previsible. Sin embargo, la historia pedía algo más de garra y de intensidad y se queda un poco a medio gas; uno se queda con la sensación de una historia que daba para más, de que algo le falta, o quizás es simplemente que, a pesar de ser una propuesta interesante y bien planteada, no logra sorprendernos o llegarnos al alma, que es lo que hubiéramos deseado.

Queda una interesante ópera prima, capaz de meternos en el mundo difícil de un personaje que intenta levantar un proyecto de vida que resultará angustioso porque no consigue darle la perspectiva adecuada; y lo hace sin caer en lo simple ni en lo facilón y creando un universo bastante sólido. Habrá que seguir la pista a la directora, que promete.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Ana Lambarri

Guion: Ana Lambarri

Reparto: Susana Abaitua, Natalia Huarte, Francesco Carril, Andrés Lima, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Fran Cantos, Mark Schardan

“THE END”. Distopía en la mina de sal.

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A Joshua Oppenheimer le debemos dos interesantes documentales sobre los escuadrones de la muerte indonesios, “The act of killing” (2012) y sus víctimas, “La mirada del silencio” (2014). Ahora se descuelga con una curiosa película que quiere ser un musical (hay canciones pero apenas hay coreografías, no al menos en el sentido clásico) que nos habla de una familia que vive en un lujoso búnker dos décadas después del fin del mundo. El búnker, que es una casa con todos sus detalles (con piscina y gran cantidad de obras de arte en las paredes incluidas), está construido en el interior de una mina de sal, lo que proporciona unas imágenes realmente espectaculares, hermosas y sugerentes, y permite, sin salir al exterior, crear esa atmósfera distópica que contrasta con el clasicismo y el ambiente natural de la casa. La llegada al lugar de una chica de color que ha dejado atrás a su familia provocará la agitación de la apacible vida familiar, el interés del hijo que nunca ha visto el exterior y el descubrimiento de algunos pasados inconfesables.

La idea es buena, muy buena diría yo, y en un principio resulta atractiva, interesante y bastante inquietante, pero llegados a la mitad del metraje uno descubre que casi todo es ruido, que es más una cuestión de pose que de chicha, y la película comienza a resultar repetitiva, anodina y, lo peor, aburrida.

Una vez pasada la primera sorpresa, y a pesar del esfuerzo de unos actores totalmente entregados, las dos horas y media de duración se vuelven tediosas y agotadoras y a los temas planteadas no se les otorga ningún desarrollo (y eso que la idea de que los habitantes de la casa son, en realidad, responsables de la catástrofe, daba mucho juego). Una pena, podía haber sido una película para celebrar y a uno le queda, solamente,  ese buen sabor de un escenario impresionante y esa imagen de unas enormes mangueras de aire hinchándose.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Joshua Oppenheimer

Guion: Rasmus Heisterberg, Joshua Oppenheimer

Reparto: Moses Ingram, Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Tim McInnerny, Lennie James, Bronagh Gallagher, Danielle Ryan

“UNA NOCHE EN ZOÓPOLIS”. Mascotas zombis.

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Hay que reconocerle a esta producción animada dos esfuerzos: el primero, el intento de hacer una película luminosa (a pesar de la temática) con mucho color, personajes simpáticos y un ritmo de los de no dar descanso; el segundo, la osadía de contar una historia para público infantil pero echando mano de zombis y elementos propios del terror (no apurarse, nada peligroso, que son animalitos y eso marca distancia, da margen de juego y acaba suavizando) un riesgo que, posiblemente, impida encontrar su público en esa franja de edad.

La trama se explica mejor desde el título original, “Noche en Zoopocalipsis” (más o menos) ya que nos cuenta una noche en un zoo (que recuerda bastante al de “Madagascar”) en el que cae un meteorito, un pequeño fragmento de asteroide que acaba en el estómago de un conejo transformándolo en un zombi super agresivo, de ojos luminosos, altamente contagioso y muy baboso. Le harán frente la protagonista, una loba joven y entusiasta, un puma que desea volver a la jungla, una cría de hipopótamo enano y el grupo que forman el capibara, el avestruz y un mono que alardea de ser el más inteligente.

La propuesta no ofrece nada destacable, pero sabe dosificar el humor y logra un film que tiene mucho de aventura y poco de terror y que acaba siendo bastante entretenido. Se cuela, como no, el mensaje en pro de la amistad, el trabajo en equipo y la importancia del grupo, de la manada. Nada nuevo en la jungla, digo en el zoo.

Estreno: 25 abril 2025

Dirección: Ricardo Curtis, Rodrigo Perez-Castro

Guion: Steven Hoban, James Kee

Animación

“EL IDIOMA UNIVERSAL”. Todos estamos conectados.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Extraña, curiosa y muy singular comedia que fue candidata a los oscars por Canadá y que nos lleva a un no-lugar indeterminado entre Teherán y Winnipeg (la ciudad más poblada de la provincia canadiense de Manitoba, localizada en las praderas del Oeste de Canadá) en el que se entrecruzan una serie de personajes a cual más peculiar: dos niñas que encuentran un billete grande congelado en el hielo y que quieren sacarlo para comprarle a un compañero las gafas que ha perdido, un guía que dirige a un grupo de turistas por los lugares que él considera más emblemáticos de la ciudad, un trabajador de la oficina gubernamental en Quebec en viaje de visita a su madre… todos moviéndose por un espacio constantemente delimitado por muros, arcos, carreteras o paredes de edificios (muy en plan brutalista) que nunca vemos al completo y que crean una sensación muy original de laberinto urbano, rectilíneo e impersonal (sirva como ejemplo el “cementerio” que hay en medio de una intersección de carreteras), los rótulos y los personajes son persas  y la gente se comporta como si hubiese salido de una película iraní de Kiarostami o Panahi.. Los personajes, en la línea de los de Kaurimaski, se nos presentan con una actitud tirando a gélida, rígida y forzada y con una expresividad y unos diálogos escuetos. El resultado es un cruce muy chocante entre el cine de Wes Anderson (sin color), Jasques Tati (algo menos cómico), Kiarostami (pero sin pretensiones) y el citado Kaurismaki, muy curioso y bastante marciano todo.

El inicio es bastante desconcertante, cuesta un poco pillarle la intención y corres el peligro de que (antes de encontrarla) caigas en la sensación de que te están tomando el pelo. La segunda parte, ya metidos en harina, se dedica a entrecruzar los destinos de sus criaturas y hacer bueno lo que dice una de ellas de que estamos todos conectados, que parece ser el mensaje, o la excusa, de la película (hay incluso dos personajes que intercambian sus identidades y que, si has aceptado el juego propuesto, te puede llegar a parecer incluso lógico).

El propio director explicaba los elementos que originaron la película: por un lado la historia de su propia familia (su abuela, junto con su hermano se ve que encontraron en plena depresión un billete de dos dólares congelados en el suelo), por otro algunos sueños desconcertantes que tuvo tras la muerte de sus padres y por otro su fascinación por el cine iraní, país al que viajó de joven con la intención de estudiar cine con los grandes maestros.

Sea como fuere, “El idioma universal” es una película que crea un universo absolutamente personal (e intransferible) un juguete narrativo que, finalmente, resulta un artefacto político muy crítico con una sociedad tan polarizada como la nuestra. Si te van las rarezas es absolutamente disfrutable.

Disponible en Filmin

Dirección: Matthew Rankin

Guion: Ila Firouzabadi, Pirouz Nemati, Matthew Rankin

Reparto: Rojina Esmaeili, Saba Vahedyousefi, Sobhan Javadi, Pirouz Nemati, Matthew Rankin, Mani Soleymanlou

“EL REINO DE LA MAFIA”. La hija del capo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El cine de mafiosos, gánsteres, padrinos y similares lo podríamos considerar un género sobresaturado, en el que se han visto (y se ven) obras de todo tipo y pelaje. Predominan, ya se sabe, las historias épicas, incluso de ensalzamiento del malvado, con ese tono de romanticismo alrededor de una figura que siempre ha parecido más de película que de realidad. Sin embargo, siempre hay títulos que rompen con el molde, que nos ofrecen una visión diferente, un tono nuevo y una forma de mirar alejada del tópico. Es el caso de esta “El reino de la mafia” que ya desde el título original (un simple “El reino”) opta por lo escueto, lo calmo, lo reflexivo y lo íntimo.

Se nos cuenta la historia de Leisa, una adolescente de la isla de Córcega que vive con su tía y una numerosa familia y que van a buscarla para pasar unos días con su padre, un jefe de un clan mafioso del que sabemos poco en lo que se refiere a negocios. Leisa tiene una gran debilidad por su padre pero apenas pueden compartir nada, las medidas de seguridad, el secretismo de lo que hacen, la vida eterna de situación de guerra… hacen que la relación sea difícil y distante. Tras un atentado y el inicio de lo que será una sangría entre clanes, padre e hija dispondrán de ese tiempo para estar juntos.

Pero no esperen nada parecido al melodrama, al cine romántico o la comedia lacrimógena. Colonna opta por un tono sin estridencias y da preferencia a la mirada de Leisa sobre el personaje de su padre y de su mundo, dos cosas que parecen deslumbrarla. La película juega constantemente con la convivencia de elementos brutales propios de las mafias y sus haceres y otros mucho más humanos, cariñosos e incluso tiernos que se producen en el contacto personal y la convivencia familiar; ello produce una sensación de realismo complejo que se escapa del simplismo de otros planteamientos, coloca el foco en sus personajes (que filma en planos muy cortos) y en sus relaciones, principalmente aquellas que están más cercanas al deseo que a la realidad. De la mirada inocente de una adolescente que solo quiere estar con su padre acabaremos en esa otra mirada final, dura y agresiva provocada por la violencia de los adultos.

Un film muy estimulante, diferente a lo que hemos visto, con unas actuaciones excelentes (a pesar de la poca experiencia de sus actores principales) y una mirada incisiva, profunda, tremendamente humana. Una muy grata sorpresa.

Disponible en Filmin

Dirección: Julien Colonna

Guion: Julien Colonna, Jeanne Herry

Reparto: Ghjuvanna Benedetti, Saveriu Santucci, Anthony Morganti, Andrea Cossu, Frederic Poggi, Régis Gomez, Thomas Bronzini, Pascale Mariani, Attilius Ceccaldi, Ghjuvanni Biancucci.

“LA HISTORIA DE JIM”. Paternidades.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El tema de quien es el verdadero padre, el biológico o el que cría, educa y ama a la criatura, es un asunto recurrente especialmente cuando se habla de adopciones, abandonos y cosas similares. Aquí también es el eje principal del conflicto, pero se aborda desde una perspectiva diferente: la del hombre que asumió una paternidad en el momento de nacer el Jim del título y que, posteriormente tuvo que renunciar a ella. El personaje en cuestión es Aymerich, interpretado por un inmenso Karim Leklou (el de “Vincent debe morir”), la bondad personificada aunque estuvo un par de años en la cárcel, un tipo encantador que se encuentra con Florence (Laetitia Dosch) una antigua compañera de trabajo embarazada de seis meses con la que formará pareja y se convertirá en el verdadero padre de Jim, el niño de ella; hasta que aparece Christophe (Bertrand Belin) el padre biológico, se forma un grupo familiar atípico y acaba separándose de ellos.

Podía haber sido un melodrama en toda regla, de esos que nos ponen al lado del protagonista (que tiene todo lo necesario para que lo queramos y lo admiremos en ese papel de héroe silencioso) y odiemos con visceralidad a los que provocan su sufrimiento, pero la película opta por un tono sencillo, sin abruptos, tan sutil, delicado y apacible como el paisaje en que viven; los personajes disfrutan de lo que tienen, aceptan los reveses del destino sin lloriqueos y la vida acaba devolviéndoles parte de las satisfacciones que se merecen. Resulta, por tanto, una película muy luminosa, muy agradable de ver, con momentos muy emotivos que no quieren ser sensibleros, un ambiente de postal y unos personajes dibujados impecablemente, profundos y complejos, como la vida misma.

Gran parte del mérito lo tiene Karim Leklou que compone un personaje encantador, que nunca cae en el tópico ni en el subrayado y que nos gana el corazón porque es un hombre realmente bueno. Magníficas también Laetittis Dosch como la madre de Jim y, especialmente, Sara Giraudeau, espléndida en la última pareja de Aymerich, una profesora a la que le encanta bailar y que es todo encanto.

“La historia de Jim” es una de esas películas que fluyen con suavidad, sin detenerse ni tropezar, y que, sin necesidad de trucos de guion, nos cuentan una historia fascinante sobre el valor de la paternidad, la de cuidar y querer, no la de engendrar.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Arnaud Larrieu, Jean Marie Larrieu

Guion: Arnaud Larrieu, Jean Marie Larrieu, Antoine Jaccoud. Libro: Pierric Bailly

Reparto: Karim Leklou, Laetitia Dosch, Bertrand Belin, Noée Abita, Andranic Manet, Eol Personne, Sara Giraudeau, Mireille Herbstmeyer, Suzanne De Baecque, Sabrina Seyvecou

“AMATEUR”. La venganza.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

James Hawes dirigió hace un par de años “Los niños de Winton” sobre Nicholas "Nicky" Wintoncon (Anthony Hopkins de mayor y Johnny Flynn de joven) que ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial; aunque lo que marca su trayectoria es una sustanciosa producción para plataformas, algo que se nota bastante en esta correcta y entretenida película que, a pesar del interés de su planteamiento, te acaba dejando algo frío.

Nos cuenta la historia de Charlie Hellman (un desaprovechado Rami Malek) brillante decodificador de la CIA que pierde a su mujer en un atentado terrorista en Londres, por lo que decide vengarse y acabar personalmente con los asesinos de su mujer. Lo mejor de la película es que el personaje y su venganza no caen en los tópicos de protagonista que se vuelve letal, aprende a matar y acaba con los malos a base de convertirse en una inverosímil máquina de destrucción (a lo Stallone, para hacernos una idea), Hell no sabe disparar, ni aprenderá y también es incapaz de matar a nadie en distancias cortas, algo es algo.

El mayor problema es que un personaje tan inteligente y con tantos recursos tecnológicos podía haber dado mucho más de sí y haber ofrecido un arco dramático y de desarrollo mucho más amplio e interesante, pero se queda en unas pocas ocurrencias para encontrar y tender la trampa mortal al malo de turno. Pasa lo mismo con la relación con su mujer, que se queda en lo anecdótico y solo sirve para justificar su decisión; y también con el tema de las prácticas ilegales dentro del sistema de seguridad nacional, algo que (como siempre) se queda en las manos manchadas de unos pocos y deja eximido al sistema.

La película, ya digo, es bastante entretenida pero el metraje de dos horas podía haber dado para una trama más compleja y ambiciosa que resulta bastante predecible. Malek aguanta un personaje que no evoluciona y que se centra exclusivamente en su venganza, Fishburne está magnífico como siempre y se intuye que podía haber sido un elemento más interesante y complejo, las chicas cumplen con su cometido aunque su recorrido es muy corto y los malos son eso, malos a los que esperamos castigar tarde o temprano.

Supongo que puede ser un buen ejercicio leer la novela de Robert Littell en la que se base y comprobar si en la transcripción se ha perdido ese punto de intensidad, pasión y sarcasmo que le falta a la película. Queda un film correcto, de fácil consumo, fácilmente digerible, muy en la línea de lo que ofrecen actualmente las plataformas.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: James Hawes

Guion: Ken Nolan, Gary Spinelli. Novela: Robert Littell

Reparto: Rachel Brosnahan, Rami Malek, Julianne Nicholson, Caitriona Balfe, Takehiro Hira, Holt McCallany, Laurence Fishburne, Alice Hewkin, Marc Rissmann, Adrian Martinez

“LA NIÑA DE LA CABRA”. Uno de todos los cuentos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película sobre una niña de 8 años, Elena, que vive en un barrio humilde de Madrid, que pierde a su abuela con la que tenía una estrecha relación y que está a punto de hacer la primera comunión. Elena conoce a Serezade, una niña gitana de más o menos su edad que “actúa” en las calles del barrio con sus padres y su cabra Lola (ya se sabe, aquel espectáculo tan peculiar en el que la cabra subía y bajaba una escalera a ritmo de trompeta). Ambientada en los años 80, resuena en la Tv de fondo el secuestro por Eta de Emiliano Revilla o las participaciones de El Pirri como peculiar crítico cinematográfico en el programa de TVE “Querido pirulí”.

La película es un retrato, con muchas notas autobiográficas, de esta infancia que se movía entre la vida familiar con sus lazos fraternales y sus apuros económicos, la relación con las otras niñas (las amigas del cole por un lado y la vida de escapada con Serezade por otro) y los iconos y la parafernalia cristiano-católica alrededor de un rito tan “obligado y caro” como la primera comunión (la cabra del título hace referencia tanto a la cabra Lola como a la imagen que el cura que prepara a los niños para la comunión les ofrece como imagen del mal provocando esos terrores que acompañaron y torturaron a más de una generación).

Como fresco de una época de la vida, y lo que hay de exorcización de demonios por parte de la propia directora, resulta una agradable y entrañable visión de la infancia y sus miedos, algo que se quiere relacionar con uno de esos cuentos de los que habla León Felipe en “Sé todos los cuentos”, que Elena le lee a la abuela y cuya hoja arranca del libro para llevárselo en su huida (y que el miedo del hombre.../ha inventado todos los cuentos./Yo no sé muchas cosas, es verdad,/pero me han dormido con todos los cuentos.../y sé todos los cuentos.).

Queda una película algo falta de intensidad y empaque, un cuento muy agradable y sincero que no suena a nuevo, que se acerca sin reparos al rostro y la mirada de una protagonista sencillamente encantadora.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Ana Asensio

Guion: Ana Asensio

Reparto: Alessandra González, Juncal Fernández, Lorena López, Javier Pereira, Enrique Villén, Gloria Muñoz, Zaira Romero, Silvia Torregrosa

“MISIÓN PANDA EN ÁFRICA”. Reciclado animado.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una producción danesa que deja una sensación, en realidad nada desagradable ni negativa, de estar construida con elementos muy populares de otras producciones de éxito; pero lo hace con tal descaro y naturalidad que acaba siendo una propuesta simpática, de visionado muy agradable y, aunque inocua, bastante digna.

El protagonista es un panda (sin kung-fu) que viaja a África para liberar a su amigo, la dragona Jielong (aquí sin entrenamiento) secuestrada por encargo de un grupo de leones para usarlo como arma contra las hienas. El príncipe de los leones es un cachorro algo descerebrado bajo la tutela de su tío, bastante malvado que no se llama Simba pero le falta poco (con roca de mostrarse a la subordinada sabana incluida).

Poco nuevo se ofrece y la historia es bastante previsible, pero la animación es colorida y más que aceptable (el agua en la tormenta está, por ejemplo, espectacular), la acción no decae en un montaje ágil, los personajes resultan entrañables y los diálogos tienen bastante chispa. El conjunto resulta, por tanto, entretenido y si no se le pide demasiado, uno pasa un buen rato placentero y la chiquillería seguro que la disfruta.

Queda, como es de rigor, ese mensaje de entendimiento necesario entre diferentes (aquí por la variedad de especies, el enfrentamiento entre leones y hienas y la amistad entre el panda y el dragón) el consabido canto a la amistad y a ese equilibrio natural que enriquece y mantiene los espacios. No es mala opción para llevar a los peques al cine.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Richard Claus, Karsten Kiilerich

Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich, Rob Sprackling

Animación

“LA LUZ DE AISHA”. Fuegos artificiales.

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Es esta una coproducción entre España, Alemania y Singapur (ya se sabe, si se quiere hacer animación el esfuerzo y los gastos han de repartirse) dirigida por la iraní afincada en USA Shadi Adib que se estrena en el terreno del largo y con la participación del director de animación Raúl García responsable de personajes de la Disney como Aladdin o las hienas del Rey león.

Nos cuenta la historia de Aisha, una niña que vive en un reino del Al-Ándalus del siglo XI, donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Aisha quiere ser cohetera, pirotécnica más bien, y conseguir los hermosas y espectaculares fuegos artificiales de los grandes maestros. El reino tiene como califa un niño, pero quien realmente gobierna es su malvado tío; la llegada de un famoso alquimista y el robo de un libro muy valioso custodiado por el padre de Aisha conformará la trama de la película.

Tenemos, por tanto, una cinta con aires de cine de aventuras, protagonizada por una niña y un decorado resueltamente exótico donde hacer que los personajes corran y salten (quizás demasiado) se unan contra las amenazas y acaben haciendo realidad sus sueños. Nada nuevo.

La animación recuerda las texturas de la plastilina (cuando el agua del mar domina el plano uno hasta duda de si no lo es realmente) y luce un agradable y llamativo colorido que le da un tono muy alegre y positivo. Hay también un notable esfuerzo en proponer unas voces adecuadas y bien colocadas, para ello se ha echado mano de actores como Michelle Jenner, que le pone voz a la protagonista Aisha; Jordi Sánchez, que se encarga de la voz de Muthadi, el villano de la historia; o Nerea Rodríguez, que presta su voz a Nura, la amiga de Aisha, y se ha dado un tratamiento visual bastante atrevido a las bocas y sus movimientos. Pero lo mejor, sin duda, son esos decorados llenos de luz y de color que aportan un ambiente realmente delicioso.

La trama es sencilla y previsible y le falta al conjunto un poco de fuerza e intensidad, pero se ve con gusto, a la chiquillería seguro que le engancha y resulta bastante novedoso que todo gire alrededor de alquimias, pólvora y fuegos de artificio.

Estreno: 11 abril 2025

Dirección: Shadi Adib

Guion: Xavier Romero, Llorenç Español. Historia: Martin Guido, Shadi Adib

Animación

“EL ARTE DEL PERDÓN”. Pintar el pasado.

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Primera película del artista Titus Kaphar, una obra autobiográfica muy aplaudida en el Festival de Sundance

, protagonizada por André Holland ("Moonlight") que nos cuenta la historia de un pintor que no logra superar los traumas de una infancia sumida en la violencia y la rigidez de un padre excesivamente autoritario y adicto al crack.

La película podía haber sido un melodrama como cualquier otro en el que Tarrell, el protagonista, está condenado a sufrir las secuelas de un pasado doloroso y a enfrentarse al regreso del padre y a su posible perdón, de ahí el título español que une las pinturas del protagonista con la llegada del padre redimido por la religión, aunque es más idóneo el original “Exhibiting Forgiveness” que es el título de la exposición final que Tarrell hace en la galería con todos los cuadros sobre su infancia que suponen la exorcización de sus viejos demonios. Digo que podía haber sido porque, sin despegarse demasiado del modelo habitual, Kaphar consigue una película diferente, bien entonada, muy contenida, bastante emotiva y bastante profunda. Cuenta para ello con unas actuaciones ajustadas y memorables que encabeza un André Holland totalmente entregado a su papel, un tono suave sin requiebros, un montaje ágil y un uso exquisito de la música y de las pinturas que Tarrell realizada (queda en la memoria el personaje de Tarrell de niño arrastrando por la acera los enormes cuadros que reflejan lo que hay detrás, o las escenas en que Tarrell pinta y saca en ello todo su tormento).

Quedan también en la película anotaciones sobre las masculinidades tóxicas, las relaciones paterno-filiales, los modelos que reproducimos a pesar de la conciencia de no querer hacerlo, del papel de la iglesia con sus convicciones y sus rezos, del arte como medio de terapia y superación de traumas, y, sobre todo, la necesidad y la imposibilidad de perdonar para pasar página y seguir viviendo.

Una película muy interesante, para ver con calma y disfrutar de ese punto de tristeza que nos ofrece con bastante elegancia.

Dispoonible en Filmin

Dirección: Titus Kaphar

Guion: Titus Kaphar

Reparto: André Holland, John Earl Jelks, Andra Day, Aunjanue Ellis-Taylor, Daniel Berrier, Ian Foreman, Matthew Elam, Jaime Ray Newman, G.L. McQueary

“POR TODO LO ALTO”. Una deliciosa fanfarria.

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Emmanuel Courcol es el director de la estimulante “El triunfo” (2020) y de la bienintencionada “Alto el fuego” (2016), una todavía corta filmografía que parece ir mejorando porque esta que nos ocupa es un producto sólido, muy bien facturado y de resultados más que notables.

Nos cuenta la historia de Thibaut, un prestigioso director de orquesta que, a partir de un diagnóstico de leucemia, descubre que era adoptado y que tiene un hermano, Jimmy, un tipo curioso que toca el trombón en una banda de música, trabaja en un comedor escolar y goza de un oído prodigioso. La película nos habla de este descubrimiento, de la relación que se establece entre los dos hermanos y, sobre todo, de ese mundo que Thibaut va descubriendo y que podía haber sido el espacio en el que él hubiera crecido también.

Courcol nos ofrece una película serena, entrañable, con unos personajes realmente intensos que huyen del tópico y del efectismo para mostrarse como seres de carne y hueso, con sus complejidades, sus desgracias, sus ilusiones, sus carencias y sus decepciones. Destacan las interpretaciones de Benjamin Lavernhe y Pierre Lottin como los hermanos protagonistas, una de esas actuaciones extraordinarias en las que dejas de ver al actor y no solo ves al personaje sino también su interior. Y como en todo film que se precie, están los secundarios, también excelentes: Sarah Suco crea una Sabrina realmente deliciosa, imposible no querer a la Claudine que interpreta Clemence Massart-Weit, a la familia de Thibaut o a todos los miembros de esa banda mágica del título inglés o la fanfarria del original.

Una película deliciosa para un público muy amplio que no renuncia a la calidad ni a la emoción. Muy estimulante.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Emmanuel Courcol

Guion: Emmanuel Courcol, Irène Muscari

Reparto: Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin, Sarah Suco, Ludmila Mikaël, Jacques Bonnaffé, Nathalie Desrumaux

“GHOSTLIGHT”. Duelo y teatro.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película a la que vale la pena acudir sin saber nada de su argumento, es un verdadero placer (triste pero agradable) descubrir qué es lo que atormenta a Dan y su familia, qué les hace tomar esa actitud ante el mundo. Dan es un hombre abatido por alguna desgracia que, inicialmente, se nos oculta; trabaja en la construcción y parece de nervios inalterables hasta que estalla. Su hija Daisy no para de generar problemas, es malhablada, en estado de constante ira y siempre a punto del brote violento; Sharon, la mujer de Dan, es puro aguante. Todos están sumidos en una demanda judicial de cuya naturaleza tampoco sabemos nada inicialmente. En un momento dado Dan encuentra un grupo de teatro no profesional que preparan “Romeo y Julieta”, el contacto con el grupo, sus dinámicas y, especialmente el enfrentarse con sus propios sentimientos provocarán un cambio sutil pero significativo en las formas de afrontar la vida y el futuro.

“Ghostlight” es una película que juega con pocos elementos, pero sabe aprovecharlos y encontrar la intensidad en todos ellos; apenas pasan cosas, y las que pasan nunca parecen ser demasiado relevantes, pero el conjunto acaba siendo de una intensidad casi abrumadora, nos metemos de lleno en la tragedia de estas personas heridas que no saben afrontar su dolor, y acabamos empatizando con todos ellos, queriéndolos y, sobre todo, entendiéndolos.

En una película de este estilo son fundamentales unas interpretaciones impecables, como las que nos ofrecen sus actores: Keith Kipferer mantiene a un Dan al borde de un abismo existencial y lo vemos variar del momento más tierno y dulce hasta otros de pura rabia y contenida violencia; Katherine Mallen Kupferer  dibuja a una adolescente en guerra con el mundo pero con un potencial humano impresionante; y Dolly De Leon, la actriz más relevante del grupo, pone el contrapunto con una actitud humana, serena y firme que será el punto de anclaje de la evolución del personaje principal.

Una película preciosa, narrada con pulso firme pero con mucha dulzura, un retrato del dolor en el que se aprecia un enorme cariño hacia sus criaturas. Tristemente deliciosa.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Alex Thompson, Kelly O'Sullivan

Guion: Kelly O'Sullivan

Reparto: Keith Kupferer, Dolly De Leon, Katherine Mallen Kupferer, Tara Mallen, Lia Cubilete, Hanna Dworkin, Alma Washington, Tommy Rivera-Vega, Dexter Zollicoffer, H.B. Ward

“LA FURIA”. Después de la violación.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

 Segunda película de Gemma Blasco (“El zoo”, 2018) que ha obtenido en Málaga el premio a mejor actriz para Ángel Cervantes (ex aequo con Miriam Garlo por “Sorda”), el de mejor actor de reparto para Àlex Monner y el de montaje para Didac Palou y Tomás López. Nos cuenta la historia de Álex, una joven que es violada una nochevieja, que tiene una relación muy estrecha con su hermano y que trabaja de equipo técnico en un teatro esperando acceder a un papel de actriz.

Lo que realmente le interesa a la directora, más que el hecho mismo de la agresión, es todo lo que provoca en Älex posteriormente, como sobrelleva esa carga que se niega a hacer pública o a denunciar y como influye en las dinámicas ordinarias y en su relación con el entorno. A pesar de ser un relato sobre la actitud salvaje, machista y deleznable que sufre la protagonista, la película no restringe su punto de mira al hecho que denuncia y permite que la vida siga, más o menos de manera independiente o paralela; en consecuencia, la narración se va puntuando con momentos que parecen ajenos a esa violación. De esta manera, se refuerza la soledad y el desamparo en que se ve sumergida Álex, se nos coloca en una situación de espectadores privilegiados que vemos el interior y el exterior del personaje y, sin necesidad de juzgar ni sentenciar, se nos acerca a su dolor, su impotencia y su furia. Juegan aquí un papel importante las escenas con la familia (la caza y el descuartizamiento del jabalí como metáfora de ese lado salvaje y depredador al que parece ser estamos obligados a acostumbrarnos), las de los ensayos del teatro en las que Álex refleja toda su rabia, o las de fiesta con los amigos que nos recuerdan que el mal puede llegar de la gente cercana y aparentemente normal.

Todo ello recae sobre las espaldas de una soberbia e inmensa Ángela Cervantes que carga con el peso de la película y nos ofrece momentos de verdadera intensidad; es ella la que matiza esa furia, la que nos pone ante el dilema de responder con violencia o con la razón, la que nos hace ver la dificultad de aceptar los hechos, de pedir ayuda y de recobrar la normalidad perdida.

Una película demoledora, intensa, (valga como ejemplo la escena de la violación en un rotundo y terrible plano en negro total), desgraciadamente actual y viva.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Gemma Blasco

Guion: Gemma Blasco, Eva Pauné

Reparto: Ángela Cervantes, Àlex Monner, Eli Iranzo, Salim Tamoud, Carla Linares, Pau Escobar

“TIERRA DE NADIE”. Un gallego, un vasco y un andaluz.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una de esas películas que deberían abundar en la cartelera y ser la base de una industria que mantuviera vivo el cine, una de esas que guardan un buen equilibrio entre buen cine y cine para todos. “Tierra de nadie” es una película de género, un thriller con aires de western, una película de artesano que funcionaría muy bien frente a un gran público si todavía existiera ese público.

Nos cuenta la historia de tres amigos: un gallego guardia civil, un vasco que controla el tráfico de hachís y un andaluz que tiene un negocio de chatarra y desguace (y no es un chiste). A los tres les une una amistad antigua y los años que compartieron en su equipo de fútbol; a pesar de los caminos diferentes que ha tomado cada uno, siguen siendo amigos. Pero viven en esa tierra de nadie del título y el narcotráfico y los nuevos tiempos han traído a la zona mafias internacionales mucho más poderosas, brutales y sin escrúpulos. La trama les llevará a un enfrentamiento violento y a poner a prueba su amistad.

Es pues, una película sin novedades, que basa su interés en un guion más o menos bien montado, unos personajes algo desaprovechados y unos actores capaces de levantar cualquier personaje; no solo Zahera, Elejalde y Carroza (los tres amigos) sino también Vicente Romero, Paco Mora, Damián Alcázar y las chicas, Paula Díaz y Tamara Casillas  (papeles más pequeñitos pero bien colocados).

Queda una película bien realizada, con suficiente gancho, y aunque no tiene la grandeza de “La isla mínima” (con la que guarda no pocas similitudes, especialmente su atmósfera) es un producto digno que vale la pena ver.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Albert Pintó

Guion: Fernando Navarro

Reparto: Luis Zahera, Karra Elejalde, Jesús Carroza, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina, Damián Alcázar

“UNA BALLENA”. Thriller y metáforas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Hay una cosa que no se le puede negara esta película: su singularidad. Es cine negro, pero también tiene elementos de ciencia-ficción y algo de un terror abstracto, etéreo. Se nos ofrece una historia bastante simple con tres elementos: un puerto en el que se hacen actividades ilegales, dos jefes de las mafias locales (uno ya veterano, Barea, que quiere que todo continúe como siempre y otro más joven que quiere cambiar las reglas del juego) y una asesina a sueldo implacable, Ingrid, capaz de infiltrarse sin ser vista en cualquier lugar, de muy pocas palabras y con una carga personal que intuimos terrible y enorme. La trama sobre la lucha por el control del puerto, por un lado, y el dibujo de una asesina solitaria y enigmática por el otro, se enriquece con elementos propios de la ciencia ficción que resultan alegorías que el espectador debe ir interpretando y encajando en el relato. La ballena varada en la playa, ese mar en el que parece estar sumergida Ingrid y del nunca terminamos de apreciar su profundidad, esa playa que parece de otro planeta, los recuerdos que Íngrid tiene de su padre, ese viscoso líquido que sale de su cabeza y que almacena en un baúl… todo ello, unido a una fotografía oscura, tenebrosa, hermosa por momentos, siempre inquietante, hacen de la película una experiencia difícil de entender (quizás es que no hay que buscar explicaciones) pero que consigue ser muy desasosegante e intensa (valga como muestra el nivel de incertidumbre que consigue, por ejemplo, con una simple bombilla que se funde). También es verdad que el espectador tiene pocos asideros a los que agarrarse para comprender algunas actitudes e interpretar las metáforas que se ofrecen, y que el ritmo es lento, lo que puede provocar que uno se vea fuera de la propuesta y la película, en lugar de resultar hipnótica y perturbadora, resulte morosa y cansina.

A destacar la actuación de Ramón Barea, siempre impecable, y una Ingrid García Jonsson que intenta hacernos llegar esa extraña conexión que tiene con un mundo de monstruos marinos, una mujer con habilidades especiales que no parece ser del todo humana (si lo consigue, o no, creo que depende de cada espectador).

Queda una película difícil, muy personal, diferente y peligrosa de recomendar.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Pablo Hernando

Guion: Pablo Hernando

Reparto: Ingrid García Jonsson, Ramón Barea, Kepa Errasti, Iñigo de la Iglesia, Paolo Sassanelli, Xabi Tolosa

“UN HOMBRE LIBRE”. Contra la desmemoria.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El cine, a veces, cumple la estimable y necesaria función de descubrirnos personajes, hombres y mujeres, que deberían tener un espacio relevante en la historia, un hueco en el reconocimiento popular, y que sin embargo, por motivos diversos, permanecen en el desconocimiento e incluso en el ostracismo.

Es lo que ocurre con este documental, dirigido por Laura Hojman  (“A las mujeres de España. María Lejárraga”, 2022) que nos habla de Agustín Gómez Arcos, poeta, dramaturgo y novelista que vivió entre 1933 y 1988, y se exilió a Francia porque “él y Franco eran incompatibles. Reconocido y premiado escritor a nivel internacional, adoptó el francés como lengua de creación pero sin olvidar ni dejar de escribir sobre España. De vuelta a nuestro país en plena transición, su obra se convirtió en un grito contra la desmemoria, algo que no encajaba en una situación en la que se quiso pasar página tirando de silencio y desmemoria (y así nos ha ido). Gómez Arcos resultó un escritor molesto que no logró ningún tipo de apoyo ni eco en su propio país por lo que volvió definitivamente a Francia.

El documental es un repaso a su vida, la de un personaje que lo tenía todo para acabar mal en la sociedad de Franco: andaluz, pobre, culto, rebelde y homosexual (y así le fue). Tirando de material de archivo (poco), de algunas de sus frases que puntúan el relato, de entrevistas a personajes significativos como Almodóvar, Marisa Paredes o Antonio Duque, y de la lectura (por parte de la propia directora) de algunos fragmentos de sus obras, la película nos descubre al escritor, al hombre y su lucha; todo bien planteado, muy didáctico y con momentos emotivos.

Para homenajear, revivir y reivindicar a quien luchó contra la desmemoria y en cuya tumba figura el epitafio “Un hombre libre”.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Laura Hojman

Guion: Laura Hojman, María D. Valderrama

Documental

“MODIGLIANI, TRES DIAS EN MONTPARNASSE”. El artista y sus colegas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segunda película de Johnny Deep como director después de “The brave” (1997) que nos narra 72 horas en la vida de Amadeo Modigliani en el París de 1916 desgarrado por la guerra; una aventura que comienza con la huida de la policía tras romper una valiosa vidriera y en la que aparecen su musa y amante Beatrice Hasting, sus compañeros artistas Maurice Utrillo y Chaim Soutine y el marchante de arte Leopold Zborrowski. Y finalmente, el coleccionista americano Maurice Gangnat que interpreta Al Pacino.

Sorprende lo espectacular de la producción que no parece haber escatimado recursos para recrear el París de principios de siglo XX ni los diferentes estados de alucinación y desorden que sufren los personajes. También resulta curioso el recurso de cambiar el formato de algunas escenas dotándolas de un encuadre cuadrado, blanco y negro y una aceleración que las convierten en nostálgicas imágenes del cine mudo del slapstick (son curiosas pero no creo que encajen bien y resultan más una simple y divertida ocurrencia que un recurso narrativo de interés).

Lo demás es un sin parar de borracheras, noches enteras de deambular por las calles, algún que otro momento de creatividad, bastantes de relaciones difíciles e incluso violentas, y un no saber nunca qué es lo que realmente se pretende, cual es el objetivo del relato y cual la esencia del personaje. Al final resulta un producto bastante pretencioso pero demasiado hueco, vacío, que no llega a emocionar ni a entusiasmar, y que tampoco sirve para descubrir el autor (los autores) y su obra. Tiene momentos interesantes, pero el global me resultó algo decepcionante.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Johnny Deep

Guion: Jerzy Kromolowski, Mary Olson-Kromolowski. Obra: Dennis McIntyre

Reparto: Riccardo Scamarcio, Antonia Desplat, Bruno Gouery, Ryan McParland, Al Pacino, Stephen Graham, Sally Phillips, Luisa Ranieri, Eva-Jane Willis, Kat Fairaway, Nicky Goldie.

“STING. ARAÑA ASESINA”. Mascota letal.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Primera escena: una abuela con Alzheimer oye ruidos en las paredes y llama al exterminador, fuera hace mucho frío y nieva pero el profesional llega puntual y se produce la primera muerte; un salto atrás de 4 días para empezar esta historia de una araña que llega del espacio como un meteorito luminoso, se instala en una casa de muñecas (lo mejor del film), se convierte en mascota de la niña protagonista y transforma el edificio en un espacio de terror, muertos y cuerpos atrapados en una viscosa tela de araña.

El planteamiento no está nada mal, y hay que reconocer que es una película bastante entretenida, de las que no tienen demasiadas incoherencias y están armadas con suficiente solvencia, tanto a nivel de guion como de montaje o ambientes.

El problema principal creo que está en que es una película que no se arriesga y, queriendo quedarse en terreno seguro, no acaba de definirse ni tomar un camino personal: podía haber sido una cinta divertida con algo más de humor pero no se atreve a tirar de ironía, o podía haber sido más salvaje, excesiva, de las que encantan a los seguidores del fantástico, pero no tira lo suficiente de maldad y se queda en poco más que blando (uno intuye al principio que va a sucumbir hasta el apuntador, pero finalmente se impone la comercialidad de un final placentero y, por supuesto, abierto a una continuación).

Queda una película correcta, intrigante en algunos momentos, con puntos agradables, que no pasa de producto comercial al uso. Y como comprobarán, nada tiene que ver con el cantante de The Police, Sting (aguijón) es el nombre que la niña le pone a esta “mascota” finalmente letal.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Kiah Roache-Turner

Guion: Kiah Roache-Turner

Reparto: Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Alyla Browne, Robyn Nevin, Ryan Corr, Penelope Mitchell, Kate Walsh (II), Silvia Colloca, Jett Berry, Danny Kim

“¡HOLA, FRIDA!”. Viva la vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película basada libremente en la vida de Frida Kahlo, y más concretamente en su infancia, en la época que contrajo la polio, con una especie de epílogo ya en la universidad, momento en el que conoce a Diego Rivera (que no aparece) y le ocurre el terrible accidente en el tranvía.  Se adapta el libro «Frida, c’est moi» de Sophie Faucher (texto) y Cara Carmina (ilustraciones) y, como dicen sus directores: “nos pareció una oportunidad excepcional para abordar los temas de la diferencia y la resiliencia”. Más que una biografía o un intento de mostrar la figura de la pintora, la película pretende, según sus autores: “poner de relieve el poder salvador de la imaginación, la creación y el arte. Arte que cura, arte que libera, arte que eleva. Nunca pinté sueños, decía Frida. Lo que representaba era mi realidad”.

Se nos ofrece una historia muy luminosa, de colores vivos y rostros con enormes ojos que potencia el carácter bienintencionado del producto y ese optimismo tan propio de las obras distribuidas por PackMagic. A pesar de las adversidades, de todos los problemas que Frida Kahlo padeció a lo largo de su vida, el film es un canto a ese “viva la vida” que se refleja en diálogos, músicas y gestos, tan presente a lo largo del metraje..

Destinada a un público claramente infantil, al espectador adulto puede resultarle demasiado sencilla e incluso ingenua, pero es, sin duda, una película entretenida y agradable que bien puede servir para introducir a los pequeños en la figura de la Kahlo y su obra.

Estreno: 28 marzo 2025

Dirección: Karine Vézina, André Kadi  

Guion: Karine Vézina, André Kadi, Sophie Faucher. Libro: Sophie Faucher. Biografía sobre: Frida Kahlo

Animación

“MISERICORDIA”. Regresos y pulsiones.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Alain Guiraudie

ya demostró con películas como “El desconocido del lago” (2013) o “Un héroe anónimo” (2022) que no es un narrador convencional, a pesar de que sus historias se mueven en un espacio bastante natural.

Aquí nos cuenta la historia de Jérémie (Félix Kysil) que vuelve, después de diez años, a su pueblo natal para asistir al funeral de su antiguo jefe, dueño de la panadería y padre de su amigo de juventud. Jérémie se instala en casa de la viuda y ocupa la antigua habitación de su amigo que tiene familia propia, pero la situación se tensa y poco a poco vamos descubriendo lo que se esconde detrás de cada personaje.

La película resulta bastante desconcertante, Guiraudie no parece tener demasiado interés en darnos explicaciones del porqué de situaciones, comportamientos y motivaciones, y cuando las cosas se ponen feas y brutales no abandona ese tono suave y casi melancólico que rezuma la cinta. Así, nos coloca entre lo convencional y lo subversivo, entre lo salvaje y lo inmoral, pero sin echar mano de elementos formales que le den apariencia de thriller o del drama que parece querer ser. Para redondear el asunto, el cura encarnado por Jacques Develay irrumpe en la última parte y todo parece derivar a un discurso sobre las contradicciones de la religión (más bien de la iglesia), el sentimiento de culpa y la pulsión sexual.

Una película difícil, sin duda, personal y diferente, rotundamente desconcertante.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Alain Guiraudie

Guion: Alain Guiraudie

Reparto: Félix Kysyl, Catherine Frot, Jean-Baptiste Durand, Jacques Develay, David Ayala, Sébastien Faglain, Tatiana Spivakova, Elio Lunetta, Salomé Lopes

“8”. Las dos Españas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Empieza esta película con el poema “Españolito” de Machado, ya saben: “Ya hay un español que quiere vivir y a vivir empieza… Una de las dos Españas ha de helarte el corazón”. Y ese parece ser el propósito de la obra, buscar algo de la génesis y las formas de esa dualidad que parece que siempre nos ha caracterizado (y condenado), que nos llevó a la Guerra Civil y que ahora llamamos polarización.

Arranca la historia en 1931, en B/N y formato cuadrado, con el nacimiento de un niño y una niña el día de la proclamación de la República y en dos familias opuestas, una republicana y otra monárquica; y acaba en pleno siglo XXI, en una familia que parece haber cohesionado las dos tendencias pero que se lían a gritos a ambos lados de la mesa; entre uno y otro periodo, fusilamientos, represaliados, la dura postguerra, la transición y algo de esto que venimos a llamar democracia. La intención es buena, la película ambiciosa, y las formas inicialmente bastante acertadas, pero Medem se muestra irregular en su planteamiento y la película tiene algunas derivas al melodrama, incluso al culebrón, que no le sientan nada bien. Además, es como si el director no confiara en la capacidad de sus propias imágenes y todo viene verbalizado y subrayado pero carente de tensión dramática y emoción.

Asistimos a una historia muy dilatada en el tiempo, a numerosos acontecimientos, pero uno tiene la sensación de estar atascado, anclado en algún punto indeterminado del relato. Me da que es una cuestión de tono, de atmósfera, porque lo que plantea y los elementos que usa resultan interesantes, el objetivo es loable y el planteamiento inicial acertado; tampoco ayuda un guion que echa mano del azar y de situaciones forzadas demasiado a menudo.

Queda una película fallida que puede plantearnos algunas preguntas cruciales sobre lo que hemos sido y lo que somos, que no es poco; una pena que, al igual que su estructura en ocho capítulos, la cosa no termine de cuajar.

Estreno: 21 marzo

Dirección: Julio Medem

Guion: Julio Medem

Reparto: Javier Rey, Ana Rujas, Álvaro Morte, Tamar Novas, María Isasi, Loreto Mauleón, Carla Díaz, Mateo Medina, Irene Aragón, Jordi Català

“UN AÑO Y UN DÍA”. Amor y música.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una bonita historia de amor que no logra el vuelo que necesitaba y que se queda en una cinta sencilla, parcialmente fallida y, sin embargo, agradable. Una compañera de pase comentaba que era como uno de esos trabajos de cole en el que cada uno aporta una parte y luego se pone todo junto, uno detrás de otro, sin demasiado caparazón; eso es lo que pasa, los elementos aislados tienen cierto interés y atractivo, pero el conjunto resulta irregular, falto de emoción y algo anodino.

Se nos cuenta la historia de Hugo y Sara, él es enfermero pediátrico que trabaja en oncología y ella traductora, aunque lo que quiere ser realmente es profesora de baile. El tercer elemento que completa el triángulo es Nerea, una joven que toca el piano y compone canciones pero que tiene serios problemas para hacerlo delante de público. Tras la separación de Sara y Hugo, este intentará aprender a tocar el piano ayudado por Nerea para sorprender a Sara y recuperarla. La trama se inicia y finaliza con el personaje que interpreta Carlos Iglesias, el dueño de una tienda de música que parece que va a ser el narrador pero que finalmente no se sabe muy bien qué papel tiene.

Lo de un año y un día no hace referencia a una condena de cárcel, sino a los años bisiestos ya que Sara nació un 29 de febrero y eso se utiliza como excusa narrativa. Los afectos y desafectos, los encuentros y desencuentros, son el grueso de una trama a la que acompaña una eterna música de piano y algunas canciones que, personalmente, me han parecido bastante flojas. Como historia, ya digo, es bonita, pero como relato se queda bastante corto.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Alejandro San Martín

Guion: Alejandro San Martín

Reparto: Nicole Wallace, Luis Fernández, Nadia de Santiago, Carlos Iglesias, Paula Iglesias, Fanny Gautier, Víctor Elías, Antonio Gil, Cosette Silguero

“LA CHICA DE LA AGUJA”. Mala vida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película danesa en un intenso y contrastado B/N que nos cuenta la historia de Karoline, una mujer que trabaja en una fábrica textil donde hacen uniformes para los soldados, a la que acaban de echar del apartamento donde vive y cuyo marido ha desaparecido como soldado de la Gran Guerra. Un escarceo amoroso con el director de la fábrica con sus previsibles consecuencias y el encuentro con una mujer que recoge bebés no deseados y les busca familias de adopción conformarán el grueso de un relato cruel y tremendamente triste sobre algunas de las miserias más terribles alrededor de la maternidad y la adopción.

El blanco y negro utilizado y el uso de un formato cuadrado acentúan esa atmósfera sucia, malsana, degradada, de pura miseria; uno casi puede percibir desde la butaca los olores de los espacios sin necesidad de visualizar basuras y desechos. Todo transcurre envuelto en una atmósfera ennegrecida, insalubre, densa, agobiante y, por momentos, dolorosa: la película no da tregua y cualquier atisbo de esperanza, luminosidad y humanidad se diluye con cada giro de guion que parece empeñado en hacernos sufrir, y yo diría que lo consigue.

Así, se nos plantea la situación de la mujer en una sociedad en guerra y empobrecida, la maternidad no deseada, la entrega de los hijos ante la imposibilidad de ofrecerles un futuro y esas relaciones tan difíciles (especialmente las de Karoline con su marido y con el director) y otras de sororidad entre mujeres; relaciones que, la mayor parte de las veces, son un recurso desesperado ante un presente doloroso y un futuro más que incierto.

Queda una película dura, terrible en su contenido, intensa a pesar de los pocos sucesos que acontecen, magistralmente planteada, dolorosamente hermosa.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: Magnus von Horn

Guion: Line Langebek Knudsen, Magnus von Horn

Reparto: Vic Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Besir Zeciri, Ava Knox Martin, Joachim Fjelstrup, Tessa Hoder, Søren Sætter-Lassen

“WILDING, EL REGRESO DE LA NATURALEZA”. Reasilvestrando.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un interesante documental sobre un experimento ecológico que se inició en Inglaterra en los años 80: Isabella y Charlie Tree heredaron  Knepp, una finca abandonada de 400 años de antigüedad que se había convertido en terreno baldío como consecuencia de la explotación agrícola intensiva; abandonando la tradición agrícola, decidieron recuperar la tierra dejando que la naturaleza se adueñase de nuevo del espacio, para ello introdujeron ejemplares de caballos, vacas y cerdos (todos ellos de especies antiguas) que se encargarían de reasilvestrar lo que en ese momento era prácticamente improductivo. La experiencia, como era de esperar, tuvo sus problemas y contratiempos, pero la película nos muestra, de una manera optimista y alegre, el notable cambio del paisaje, la proliferación de nuevas especies, tanto flora como insectos, aves o pequeños mamíferos), la no necesidad de un aumento de árboles y efectos tan curiosos como una plaga de mariposas que llegan, acaban con una planta invasiva y se marchan. También hay espacio para el buen humor (cuando se nos explica la irrupción de los caballos y los cerdos en la fiesta organizada) y, sobre todo, para ese discurso ecológico en que se proclama que hemos invadido la tierra, la estamos desertizando y que la mejor solución es dejar que la naturaleza recupere su ritmo y su equilibrio, algo incompatible con alimentar a millones de personas y mantener un ritmo de vida moderno (tal y como se pone de manifiesto en la reunión con los agricultores vecinos a la finca).

Sorprende que en un periodo tan largo de tiempo, la película disponga de imágenes de prácticamente todos los cambios que se han ido produciendo, resultando principalmente interesantes las que contraponen los espacios de los 80 y esos mismos en la actualidad. También están bien utilizadas las imágenes de Isabella Tree que nos sirve de voz en off y nos guía en el recorrido de manera clara y apasionada, sin ser demasiado exhaustiva ni cargante.

Queda un documental para disfrutar, aprender, plantearse algunos temas sobre hombre y naturaleza y, especialmente, para mirar con otros ojos un bonito prado o un campo de cereal.

Estreno: 21 marzo 2025

Dirección: David Allen

Guion: Isabella Tree

Documental

“ESTADO ELÉCTRICO”. Demasiado cara.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Se nos vende esta película como la de ciencia ficción más cara de Netflix, más de 330 millones de dólares para lo que, se supone, ha de ser la obra estrella de la plataforma. El dinero, ya se sabe, no lo es todo, y un presupuesto desorbitado no es garantía de excelencia. No es que “Estado eléctrico” sea una película para tirar directamente a la papelera pero un gasto como este podía haber dado para mucho más, sin duda no es la gran película que uno podía esperar. La cuestión es la de siempre, se olvidan que el cine es una labor de equipo, que se han de cuidar todos los aspectos para conseguir un buen trabajo y que no basta con una vistosa producción, unos efectos bien hechos y unas caras más o menos conocidas, hay que cuidar el guion, hay que dibujar unos personajes interesantes, hay que sorprender al espectador y todo ha de resultar ágil, natural y poco previsible; la película tiene de todo esto, pero poco.

Nos cuenta una historia distópica pero colocada en los años 90, lo que le permite jugar con elementos de la época que le dan un tono curioso y divertido. Los hombres y los robots han entablado una guerra que han perdido los segundos, ahora recluidos en una zona de exclusión. La humanidad (que apenas vemos) no ha salido muy bien parada y todo parece ser un mercado establecido por los ganadores. El elemento clave es un chaval que permite que todo el sistema funcione y en cuya búsqueda va su hermana en compañía de un trapicheador algo gamberro y un par de robots bastante entrañables.

La película está elaborada en gran parte mediante captura de movimiento y CGI pero eso es algo que se disfruta en pantalla grande, en la pequeña la cosa se difumina y pierde gracia, de esta manera nos perdemos la fuerza de la apuesta y todavía se echa en falta más un guion bien elaborado y sorprendente. La reflexión que quiere ser sobre la revolución tecnológica que trae esa peligrosa dualidad hombre/máquina tan en el candelero ahora con el tema de la IA, se queda algo pobre y bastante superficial, más una excusa para desarrollar una trama que un tema a tratar en sí mismo. La versión alternativa y retrofuturista de los años 90 tiene su gracia pero uno no deja de tener la sensación de que ya lo hemos visto todo en películas anteriores, de “Mad Max” a “Big Hero 6” pasando por “El gigante de hierro”.

Queda una película entretenida, sin aspectos propios destacables más allá de un episodio para el entretenimiento y el olvido. Demasiado poco para tanto dinero. Definitivamente muy cara.

Disponible en Netflix

Dirección: Anthony Russo, Joe Russo

Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely. Libro: Simon Stålenhag

Reparto: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stephen McFeely, Devyn Dalton, Ke Huy Quan, Stanley Tucci, Terry Notary, Patti Harrison, Adam Croasdell, Gabrielle Maiden, Chris Silvestri.

“WLOFGANG (EXTRAORDINARIO)”. Autismo y duelo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Javier Ruiz Caldera se nos ha puesto serio, ha dejado de lado comedias, cómics y aventuras varias para abordar un drama muy cercano en el que priman las emociones y las conexiones entre los personajes.

El Wolgang del título es un niño de 10 años con espectro autista y altas capacidades, especialmente para interpretar piezas clásicas al piano. En la primera escena lo vemos tocando una pieza en un velatorio aunque no conoce a nadie de los presentes, su madre, que acaba de morir, está en otra sala del tanatorio. La madre ha dejado escrito que Wolfgang vivirá con su padre al que nunca ha visto. El eje de la trama se bifurca, de esta manera, entre el duelo tras la muerte de la madre, la nueva relación que se genera entre padre e hijo, y la relación con la abuela, el referente que le queda a Wolfgang de la vida anterior.

La película adopta un tono natural y suave que le sienta muy bien, deja que sus personajes se expresen y se enriquezcan sin necesidad de trampas de guion y, a excepción de un final que yo he encontrado algo sensiblero aunque bastante adecuado, la cinta fluye agradable y muy creíble.

Buena parte del mérito está en sus actores, todos excelentes: Jordi Catalán es todo un hallazgo y nos ofrece un Wolfgang encantador, intenso y cargado de matices, a la par que muy ajustado a su papel de niño autista; Esparbé podía haber caído en el tópico, en la caricatura o en el exceso, pero su padre es un personaje tierno, imperfecto y querible que madura y evoluciona; Àngels Gonyalons es la abuela, muy abuela, muy digna y muy comprensible en sus actitudes; Anna Castillo llena de naturalidad y dulzura su personaje de psicóloga/profesor de música; y Berto Romero está divertido y contenido en su papel de amigo y representante. Y luego quedan esos guiños de amiguetes a costa de Carlos Cuevas, J Bayona o Del Toro y de la carrera limitada de actor del personaje de Esparbé.

Una película para disfrutar.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Javier Ruiz Caldera

Guion: Laia Aguilar, Carmen Marfà, Yago Alonso, Valentina Viso. Novela: Laia Aguilar

Reparto: Miki Esparbé, Jordi Catalán, Àngels Gonyalons, Anna Castillo, Berto Romero, Nausicaa Bonnín, Dafnis Balduz

“MORLAIX”. Amores no tan adolescentes.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Morlaix es un pueblo de la Bretaña francesa en el que Rosales ha filmado esta su octava película, y lo ha hecho en 35 mm en B/N y en 16 mm en color. Según el propio Rosales, la película “trata sobre la vida pensada como experiencia poética y trascendental. Una experiencia vital entendida como camino que se debe recorrer”. Para ello nos cuenta la historia de unos jóvenes adolescentes que rondan los 18 y que forman un grupo más o menos compacto, son compañeros de instituto y comparten tiempo de ocio; a Morlaix llega Jean-Paul, que viene de París y que se acoplará al grupo provocando un cierto movimiento en las relaciones entre ellos.

Rosales nos habla del amor (habría que decir del primer amor) aunque en nada se parece a las típicas películas de adolescentes, también de la amistad y, sobre todo, de las perspectivas de vida de un grupo de jóvenes que se enfrentan a todo un futuro y a la formación de ideas, sentimientos y posiciones vitales. La película utiliza actores primerizos y otros algo más experimentados como Aminthe Audiard (“La Rosalie”, “Peter Von Kant”) sobrina de Jacques Audiard, o Samuel Kircher (“El último verano”) hijo de Irene Jacob y Jérôme Kircher; y actores veteranos para la última parte de la película: Mélanie Thierry y Álex Brendemühl.

Visualmente la película apuesta por escenas iniciales y finales en un panorámico 35 mm y un B/N realmente bonito, y el grueso del metraje en un formato cuadrado, en un característico 16 mm que da un aire de cine tirando a casero, a cine familiar cercano al documento. También resulta curioso el uso de fotos fijas en B/N que remarcan determinados momentos y parecen detener la acción como si de un lapso para pensar o meditar se tratase, o el recurso de dejar la imagen acelerada, a saltos y sin sonido para remarcar los sentimientos del retratado. Narrativamente Rosales crea varias películas dentro de la propia película, los personajes van al cine y ven una película que se titula “Morlaix” interpretada por ellos mismos y en la que parece narrarse sus propias vidas, pero no se identifican y cuando vuelven a verla años más tarde la película parece haber cambiado, lo que contribuye a crear un relato que se hace difícil y enigmático.

Siendo una película fundamentalmente hablada, Rosales sabe sacar partido de sus actores y actrices y consigue que, a pesar de lo “trascendente” de algunos diálogos, estos resulten naturales e incluso divertidos. Una película curiosa, arriesgada, diferente, muy personal, de las que dan para pensar (o repensar); de esas que ganan con un segundo visionado.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Jaime Rosales

Guion: Jaime Rosales, Fanny Burdino, Samuel Doux, Delphine Gleize

Reparto: Álex Brendemühl, Mélanie Thierry, Aminthe Audiard, Samuel Kircher

“LAS CHICAS DEL BALCÓN”. Yo quería escribir una historia de amor.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segundo largo de la actriz Noémie Merlant (“Un año difícil”, “París, Distrito 13”, “Retrato de mujer en llamas”) tras la inédita en nuestras pantallas “Mi iubita, mon amor” (2021) que, como esta, también protagonizaba.

Las chicas del balcón del título son tres amigas y compañeras de piso que viven en un barrio de Marsella bajo una terrible ola de calor. En una de las ventanas de enfrente aparece un joven muy atractivo con el que acaban teniendo contacto a partir de un golpe en el coche; lo que viene después, sin ser nada excepcional, mejor descubrirlo y disfrutar de la trama.

Las tres amigas en cuestión no pueden ser más diferentes, pero la película logra retratar una amistad bastante sincera, sólida y creíble. Nicole (Sandra Codreanu) está intentando escribir su primera novela y lo que quiere es crear una historia de amor diferente; Ruby (Souheila Yacoub) es un torbellino de mujer, modelo de cámara web como se define a sí misma y con un descaro y unas energías arrasadoras; Élise (Noémie Merlant) es actriz, acaba de interpretar a Marilyn Monroe en un telefilm y vive una crisis tanto a nivel personal como de pareja. Luego aparece “el chico de enfrente” (Lucas Bravo) y lo que parece que será una historia de amor y/o ligoteo, se convierte primero en una especie de thriller y luego tira hacia el gore sin perder cierto tono de comedia. Así, de las bonitas panorámicas por las fachadas del vecindario pasamos a los personajes de las chicas y de ahí a una historia tirando a absurda pero anclada en lo real, que juguetea con lo escabroso y lo cómico. Supongo que habrá a quien la mezcla no le convenza, pero a mí me ha parecido un planteamiento valiente e ingenioso, con un resultado más que satisfactorio.

La película tiene también un toque de fantástico que, abordando el tema de la violencia de género, crea un paquete de fantasmas maltratadores y abusadores en vida que me ha parecido bastante divertido y, aunque un poco simple, funciona bien como metáfora y se ajusta al relato. También hay, a lo largo del metraje, escenas realmente curiosas e incluso sorprendentes: las peripecias con el cadáver, la alegría de la vecina después de matar al marido, las primeras apariciones fantasmales, la visita al ginecólogo, el encuentro con la policía… Quizás el conjunto no termina de estar armado del todo, pero resulta una cinta muy entretenida, con muchos puntos de interés y de buena factura. A Merlant le ha echado una mano Céline Sciamma en el guion y eso se nota. Vale la pena.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Noémie Merlant

Guion: Noémie Merlant, Céline Sciamma, Pauline Munier

Reparto: Noémie Merlant, Souheila Yacoub, Sanda Codreanu, Nadège Beausson-Diagne, Lucas Bravo, Christophe Montenez, Nasir Bachouche, François Cottrelle, Henri Cohen, Annie Mercier

“LA VIDA ANTE NOSOTROS”. Escondidos en París.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Empieza esta película con una corta entrevista a una mujer que logró escapar de los nazis, parece ser que es una de las grabaciones que Spielberg usó como base para su “Lista de Schindler”. Nils Tavernier (“El palacio ideal”) y Emmanuel Mathieu recogen el testigo y nos cuentan la historia de Tauba, una niña de 13 años que durante la terrible Redada del Velódromo de Invierno de París se escondió con sus padres en un pequeño ático donde permanecieron más de dos años hasta la llegada de las tropas aliadas a la ciudad. Es pues, un enfoque algo diferente a las películas que hemos visto sobre el tema: las persecuciones, maltratos, asesinatos y otras barbaridades quedan en un fondo que oímos e intuimos y la trama se centra en la angustia de vivir encerrado, sin poder hacer ruido, pendientes de un patio que se ve desde una pequeña ventana, con el miedo constante en el cuerpo y las escaseces propias de la situación.

La película no se pone demasiado dramática ni demasiado tensa, y opta por un tono suave y cotidiano en el que caben algunas pinceladas de cariño, de buen rollo, de solidaridad y de, a pesar de todo, mantener las ganas de vivir. Puede resultar, por tanto, una película tirando a aburrida e incluso anodina, pero a mí me ha parecido una apuesta estimulante, me interesó la poca trama que se desarrolla y las diferentes reacciones de los personajes y como se relacionan, y creo que los directores saben aprovechar los pocos elementos que tienen: las visitas de la abuela y de la amiga de Tauba, la mujer que los acoge (siempre magnífica Sandrine Bonnaire) y su marido, la denuncia de este a su propio hijo, las salidas de Tauba al tejado… todo muy sencillo, muy suave, sin dejar de ser trágico. Me sorprendió gratamente.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Nils Tavernier, Emmanuel Mathieu

Guion: Laurent Bertoni, Guy Birenbaum, Nils Tavernier

Reparto: Violette Guillon, Guillaume Gallienne, Adeline D'Hermy, Sandrine Bonnaire, Laurent Bateau, Bernard Le Coq, Rod Paradot

“¡LUMIÉRE! LA AVENTURA CONTINÚA”. Más películas de Lumiére.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Thierry Frémaux

, director del festival de Cannes desde 2001 y del Instituto Lumiére de Lyon, sigue con su empeño de poner en valor el cine de los hermanos Lumiére no tan solo como inventores (más bien coinventores) sino también como cineastas puros en cuyas obras se aprecian el arte del encuadre, de la luz o de la generación de ambientes. La tarea se inició con “¡Lumiére! Comienza la aventura” (2016) en la que se nos ofrecían 108 películas restauradas que eran un viaje a los orígenes del cine. En esta segunda parte se nos presentan un centenar de películas más, todas ellas con excelente restauración y más que un listado de películas como era la anterior, pretende profundizar en sus temáticas y en las cualidades cinematográficas. Frémaux sigue siendo la voz en off que comenta lo que vemos y nos invita a compararlo con el cine de John Ford, Luchino Visconti, Charles Chaplin o Yasujiro Ozu y a ver y apreciar los valores, tanto estéticos como de contenido de la obra; sin duda un verdadero enamorado y entusiasta de los hermanos Lumiére y sus colaboradores.

La película, por tanto, pasa bastante de largo por temas como las invenciones mecánicas, las patentes o las luchas comerciales en Estados Unidos con Edison y compañía. Se estructura el documental en bloques temáticos que agrupan las diferentes producciones y la voz se encarga de los datos; las imágenes, por su parte, nos hacen un tour por medio mundo y por la historia.

Es pues, una lección de historia y un homenaje apasionado a los inicios del cine y a sus artífices. Un valioso documento que se ve con agrado e incluso con devoción.

Estreno: 14 marzo 2025

Dirección: Thierry Frémaux

Guion: Thierry Frémaux

Documental

“ETERNAL”. Las fracturas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El protagonista de esta película (una coproducción entre Dinamarca, Islandia y Noruega) es Elías, oceanógrafo climático y piloto de submarinos que tiene la misión de sellar una fractura que se ha generado en el fondo del océano a causa del cambio climático, que amenaza la continuidad del planeta. Elías está enamorado de Anita, una cantante con la que tiene una bonita relación, que se queda embarazada y que decide abortar para que Elías pueda seguir su carrera y bajar al fondo del océano.

Funciona la cosa como si fueran dos películas diferentes: por un lado la historia de amor, separación y reencuentro de los dos amantes, y por otro una historia de ciencia-ficción con la amenaza de destrucción y la tecnología intentando poner remedio. La primera funciona bastante bien, especialmente por el carisma de sus actores, que crean unos personajes bastante sólidos y bien dibujados sobre una trama sin apenas giros y un desarrollo sencillo y muy agradable; un cuento romántico sobre una fractura emocional. La segunda funciona como la película de bajo presupuesto que es, con muy pocos efectos, escasos decorados y un trabajo de iluminación bastante decente alrededor de esa fractura tectónica que también hay que reparar; no es que sea muy emocionante, de hecho todo resulta más bien pobre, pero teniendo en cuenta que funciona como trama secundaria destinada a redondear la principal no se echa en falta nada más y su tono resulta hasta simpático. El problema está en que las dos líneas narrativas no terminan de estar bien encajadas y cuando se unen lo hacen de manera demasiado brusca y uno tiene que hacer un pequeño esfuerzo para aceptar un giro bastante difícil y algo retorcido que no encaja con el tono general del que se venía, aunque sí es fundamental en el relato.

Queda una película pequeña, interesante, que nos habla del destino, de lo que puede cambiar el futuro según las decisiones que tomamos y de la posibilidad de reencontrar esa vida que perdimos o que cambiamos por otra. Un drama romántico con aires de fantástico que no acaba de encontrar el tono justo pero que se ve con agrado e interés.

Disponible en Filmin

Dirección: Ulaa Salim

Guion: Ulaa Salim

Reparto: Ari Alexander, Nanna Øland Fabricius, Pálmi Gestsson, Helga Kristín Helgadóttir, Magnus Krepper, Viktor Hjelmsø, Kaj Søholm Lehmkuhl

“TARDES DE SOLEDAD”. Toro, torero y sangre.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

¿Es posible realizar un documental sobre algún tema y ser totalmente objetivo? Indudablemente no, pero Albert Serra se acerca muchísimo con una obra que es testimonio, memoria y reflexión sin tomar partido ni juzgar. La película sigue a Andrés Roca Rey, torero peruano considerado el mejor del mundo en 2024, y nos ofrece sus preparativos y sus enfrentamientos con los toros en diferentes corridas.

Serra nos muestra al toro y al torero en plano corto, llenando la pantalla de una brutal belleza que desarma, cautiva e inquieta a partes iguales. El toro se nos aparece como una figura casi mitológica, bravo y obstinado, salvajemente agredido, siempre sangrante y muerto violentamente en un acto que en pantalla se aplaude pero que en el patio de butacas deja absoluto silencio. El torero se muestra lacónico, centrado en una misión que parece casi mística, envuelto en ritos y ropajes anacrónicos y rodeado de hombres que solo parecen pensar en la valentía del matador y la derrota del animal.

Serra opta por centrarse obsesivamente en el trio que forman el toro, el torero y la sangre (más del animal que del hombre) y deja fuera de plano el público que acude a la plaza y del que solo oímos sus gritos, pitidos, aplausos, vítores o murmullos; tampoco aparecen las personas del entorno familiar del torero y se eluden los momentos de amistad o camaradería que pueda haber entre los hombres de la cuadrilla; se consigue así un retrato escueto, intenso, sin adornos ni ramificaciones, nada que no sea toro y torear.

La película tiene un diseño de sonido espectacular que, junto con una imagen extraordinaria, transforma el documental en una verdadera experiencia inmersiva; una labor extraordinaria de sonido por parte de Jordi Ribas, de los tres operadores de cámara bajo la dirección de fotografía de Artur Tort (también montador junto a Serra) hacen de “Tardes de soledad” un espectáculo visual y sonoro realmente cautivador.

Es posible que la obra no contente ni a taurinos, que le pueden ver como demasiado pretenciosa o fuera de tono, ni a antitaurinos que seguramente echarán en falta un mensaje en defensa de los animales; también es posible que ambos lo vean como un alegato propio de sus posiciones. A mí, que siempre me he visto como una salvajada lo que se hace con el animal, me ha parecido que es tal la fuerza y la brutalidad con que se plantea el enfrentamiento, y sobre todo el desenlace, que uno solo puede llegar a verlo como algo absolutamente atávico, brutal y lleno de sin sentidos fuera del espacio que provoca la fe ciega, la pasión y la devoción.

Una propuesta cinematográficamente, sin duda, excelente.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Albert Serra

Guion: Albert Serra

Documental

“PRESENCE”. Lo que ve el fantasma.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Los que busquen en esta película una historia de terror más o menos al uso se van a llevar una decepción ya que miedo da más bien poco. Ahora, los que pretendan una forma diferente de contar una de fantasmas, desde un punto de vista distinto, y un drama familiar intenso, salpicado con un aire de thriller que solo se materializa al final, esos van a disfrutar de la película.

Se nos cuenta la historia de una familia con dos hijos adolescentes que compran una casa y empiezan a vivir en ella. Todo lo que vemos lo hacemos a través de los ojos de un fantasma que habita la casa, del cual no sabemos nada, que nunca visualizamos y que solo Chloe, la hija, percibe aunque tampoco lo ve.

La película tiene notables hallazgos y es un excelente ejercicio en el que Soderbergh experimenta con el género. Uno de los hallazgos, además de ser toda la cinta una cámara subjetiva de la presencia del título, es que no hay cortes de montaje, cada escena está construida en un único plano que se une a la siguiente por un negro; se consigue así esa sensación de movimiento fantasmagórico que nos desplaza por la casa (nunca salimos al exterior que vemos por las ventanas) y nos relata la historia. El uso constante del gran angular y los movimientos suaves y prolongados de cámara contribuyen a crear esa atmósfera inquietante y amenazadora que se adueña de la casa, un espacio magnífico que acaba teniendo entidad propia. Otro aspecto notable es que la película no utiliza ningún truco ni efecto especial: a excepción de tres ocasiones en que los objetos se mueven solos, no hay sustos ni sonidos de ultratumba ni reflejos amenazadores; y aún así, el espectador vive la historia con desasosiego, intrigado por lo que ocurre y por lo que no sabe. Y algo muy difícil: el giro final hace que la película tenga un remate acorde con la historia, sorprendente y coherente. Y un último acierto: se nos cuenta en unos ajustados 85 minutos.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Steven Soderbergh

Guion: David Koepp

Reparto: Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, Callina Liang, Lucas Papaelias, West Mulholland, Benny Elledge, Eddy Maday, Natalie Woolams-Torres

“UN BAÑO PROPIO”. El espacio de Antonia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

“Una mujer para escribir necesita dinero y una habitación propia” es la cita de Virginia Wolf que aparece en esta película y que viene ser el leitmotiv de la cinta; el dinero aparece en modo de herencia que una prima le deja a Antonia, la protagonista, y solo a ella, y la habitación será aquí en un cuarto de baño que el personaje termina transformando en un espacio propio, personal, de identificación y de liberación.

Antonia (una excelente Núria González) es un ama de casa que se ocupa del hogar en el sentido más clásico del término y de su marido que es dueño de una sombrerería, bastante buena persona y enamorado de su mujer. Peor lo que le gusta y quiere hacer Antonia es escribir y su pasión son los cuartos de baño (los de los cines, los de sus amigas, los públicos y los privados en los que se cuela) algo que se refleja en los cuadernos en los que va escribiendo desde hace años y en ese cuento que quiere escribir.

La trama es relativamente sencilla y los conflictos que se ofrecen son bastante suaves y cotidianos, pero todo se plantea desde un punto de vista entre lo surreal, lo teatral, lo naif y lo real: la casa en la que sucede la mayor parte del relato es claramente un decorado (hay un momento en el que incluso se desplaza una pared entera) de colores primarios muy vivos y espacios ciertamente desproporcionados y las actitudes de los personajes tienen un cierto aire de irrealidad, de pose forzada que potencia esa sensación de teatralidad y de cuento. Casañ, sin embargo, sabe mantener el tono adecuado y, tras los primeros y sorprendentes compases, resulta fácil aceptar el tono y disfrutar de una propuesta realmente ingeniosa, bastante innovadora y genialmente atrevida.

La película juega, además, con un bilingüismo muy natural y agradable, con algunos tópicos que enseguida se deconstruyen (el personaje de Bob, especialmente, un tipo a lo roquero y adicto que se convierte en el perfecto asistente doméstico, un marido que nunca cae en el prototipo, o una amiga de esas que siempre se mantienen cerca y dispuestas a apoyar) y con unos diálogos concisos y contundentes. Una película insólita en nuestro panorama, muy valiente y, en definitiva, tremendamente feminista.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Lucía Casañ Rodríguez

Guion: Lucía Casañ Rodríguez

Reparto: Núria González, Carles Sanjaime, Amparo Báguena, Antonio Martínez, Manu Valls.

“LEE MILLER”. Retrato de mujer con cámara.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Elizabeth Lee Miller, fotógrafa estadounidense, fotoperiodista, exitosa modelo en los años 20, fotógrafa artística para Vogue en París y una de las primeras mujeres corresponsales de guerra. Famosa también por una fotografía en la que aparecía lavándose tras semanas de guerra en la bañera de Hitler en Munich el mismo día que el dictador se suicidaba en Berlín; y por la serie de imágenes que captó de los campos de exterminio tras la liberación de Dachau. Así pues, estamos ante una mujer que rompió moldes delante y detrás de la cámara.

La película se centra, sobre todo, en la Segunda Guerra Mundial, nos habla de su vida en París poco antes del conflicto (con amigos tan ilustres como Picasso, Paul Eluard o Man Ray), de sus peripecias en el frente y de las fotos en los campos de concentración. Y lo hace desde el punto de vista de la propia Miller, que se lo cuenta a un joven mientras van descubriendo de una caja las fotos que hizo y que al final descubrimos, en un giro interesante, quien es el joven y que resulta de los más hermoso de la película.

De Lee Miller hace Kate Winslet, que exhibe una madurez exuberante y sin prejuicios y que mantiene el personaje en un excelente nivel. Personalmente me ha parecido que la película, queriendo hacer un retrato femenino/feminista, ha dejado un poco de lado lo que realmente define al personaje: su trabajo, su pasión por la fotografía y su carrera como periodista en un mundo de hombres que, además, se están matando entre sí (aunque también es posible que fueran simplemente mis expectativas las que han hecho que esos aspectos me hayan sabido a poco). Así, la guerra, las fotos, la revista, el holocausto… todo me ha parecido un decorado para el retrato de esta mujer. Es una opción aceptable, desde luego, y la película resulta muy interesante, muy didáctica y un sincero homenaje a una de las muchas mujeres que lucharon por la igualdad y sus derechos.

Convencional pero firme, la película se ve con agrado e interés. Un poco más de brío le hubiera ido bien, eso sí.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Ellen Kuras

Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Biografía: Antony Penrose

Reparto: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Andy Samberg, Marion Cotillard, Josh O'Connor, Noémie Merlant, Vincent Colombe, Samuel Barnett, Camilla Aiko, James Murray

“GRAND TOUR”. De viaje por Asia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Leo algunas críticas de esta película y encuentro lo maravillosa que le ha parecido a muchos: película mayor, arrebatador viaje, experiencia bella y gozosa, docuficción lúcida, deslumbrante y emotiva, elegante y excéntrica… y una de dos, o me he perdido buena parte de la película, o no he sabido ver todo eso que la encumbra. Vaya por delante que es un tipo de cine que no me va, no le pillo el tranquillo y me mantiene en un estado de perplejidad del que no logran sacarme sus imágenes; salgo de la sala sin saber exactamente qué nos ha querido contar, agotado de una narrativa en la que no entro y con una sensación de aburrimiento abrumadora. Así que ni idea de si es o no una buena película, si tiene realmente valores extraordinarios y acabo con la clara convicción de que, sencillamente, no me ha gustado. Como decía el acomodador del cine de mi pueblo cuando éramos críos: “debe ser cojonuda porque no he entendido nada”.

La película no es que sea críptica en su relato. Se entiende que es el viaje de Edward por diferentes puntos del sudeste asiático huyendo de su novia, a la que hace siete años que no ve, y que ahora llega para casarse con él; y una segunda parte en la que vemos el viaje de Molly, la novia, yendo detrás de Edward con la firme convicción de que se casarán. Resulta pues, un viaje por Birmania, Thailandia, Vietnam, Filipinas, Japón, China o Singapur, y uno no puede menos que pensar que el verdadero motivo de la película es darse una vuelta por sitios tan exóticos con la excusa del rodaje. Hay que reconocer que hay imágenes muy hermosas: esa función de títeres en color, el blanco y negro de algunos paisajes, esos planos de calles atestadas de motocicletas filmadas como si fuera un vals… y que el aroma que rezuma la película tiene encanto y cierta magia, pero las dos horas se hacen (se me hacen) eternas y lo mismo se podía haber narrado en la mitad de tiempo. Los personajes tienen cierto interés inicial pero ninguno acaba de coger la fuerza y la entidad que se necesitaría. Es posible que yo sea un espectador demasiado convencional al que le gusta una línea narrativa y una evolución clara de personajes y situaciones y quizás sea por eso que nunca he sabido a donde quería ir a parar y qué es lo que se nos quiere transmitir. Será pues, aquello de que cada película tiene su público y yo me he debido de equivocar de sala.

Estreno: 7 marzo 2025

Dirección: Miguel Gomes

Guion: Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes, Mariana Ricardo

Reparto: Jani Zhao, Gonçalo Waddington, Lang Khê Tran, Crista Alfaiate, João Pedro Vaz, Manuela Couto, Cláudio da Silva, Jorge Andrade, Teresa Madruga, João Pedro Bénard, Diogo Dória

“LENGUA EXTRANJERA”. Adolescentes frente al colapso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Producción francesa dirigida por Claire Burger (“Real love” 2018, “Mil noches una boda” 2014) que nos cuenta la historia de dos adolescentes de 17 años, una francesa y otra alemana, que hacen un intercambio lingüístico: Fanny viaja primero a Leipzig a casa de Lena y después esta última viaja a casa de aquella en Strasbourg. Son chicas de familias acomodadas que tienen problemas e intereses propios de la edad, Lena es una persona comprometida y activista que está muy pendiente de una madre en un estado emocional bastante precario; Fanny tiene problemas de socialización y sufre un constante acoso escolar, además tiende a inventar cosas y hacer fabulaciones para combatir sus carencias e inseguridades. Cuando Fanny llega a Alemania pasa unos primeros días bastante duros, pero pronto Lena la acepta, la acoge y se crea una estrecha relación entre ellas.

Claire Burger nos ofrece una película tranquila y serena, con unos personajes muy naturales y creíbles, sin tirar de excesos o giros inesperados, siempre atenta a los pequeños detalles y a ese fluir irregular de emociones y sensaciones en espacios nuevos, gentes desconocidas o lugares donde la comunicación es difícil (y no solo por la diferencia de idioma). Lo mejor de la cinta es, sin duda, el retrato sereno y sincero que se hace de estas dos chicas enfrentadas a la conflictividad que se deriva de la familia, la perspectiva de un mundo que camina hacia un futuro incierto, y una sexualidad aún por definir; y gran parte del mérito lo tienen sus actrices, Lilith Grasmug y Josefa Heinsius que construyen unos personajes encantadores, llenos de matices y muy reales. El problema es que la película intenta abarcar demasiadas cosas: la adolescencia, el descubrimiento del primer amor, la relación con los padres, el acoso escolar, el activismo social ante el desastre ecológico, los mecanismos de defensa ante las amenazas exteriores, la amistad y el perdón… y no profundiza en ninguna de ellas y parece quedarse en un espacio superficial que puede saber a poco.

Queda una película muy agradable, que sugiere más que narra, que mira la adolescencia desde una perspectiva muy interesante y que, aun pudiendo haber dado mucho más de sí, es notablemente satisfactoria en su planteamiento de dos jóvenes, aparentemente privilegiadas, enfrentadas a posibles colapsos familiares, sociales, afectivos y de futuro.

Disponible en Filmin

Dirección: Claire Burger

Guion: Claire Burger, Léa Mysius

Reparto: Lilith Grasmug, Josefa Heinsius, Chiara Mastroianni, Nina Hoss, Jalal Altawil

“A COMPLETE UNKNOWN”. La música de Bob Dylan.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una adaptación cinematográfica de la novela de Elijah Wald “Dylan Goes Electric!: Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties” que arranca en 1961, cuando Dylan llega a Nueva York y abarca un periodo de 5 años hasta la controversia eléctrica del título de la novela en la que Dylan cambia la guitarra acústica y el estilo folk que lo había encumbrado por la guitarra eléctrica y los sonidos de rock más nuevos y rompedores; en medio, los inicios en el mercado discográfico, las relaciones con mujeres como Joan Baez y la composición de temas ya clásicos como “Mr. Tambourine Man” o “Like a Rolling Stone”.

Dirige James Mangold (“Le Mans '66” 2019, “Logan” 2017, “Lobezno inmortal” 2013) que hace un trabajo aplicado y efectivo y Timothée Chalamet logra un Bob Dylan creíble e identificable sin dejar de ser Chalamet al que también le presta la voz con la que, ahora sí, consigue mimetizarse con el auténtico Dylan. Lo mismo hace Monica Babaro que presta cara y voz a Joan Baez.

Está claro que lo que realmente interesa a la película es la música de Bob Dylan, sus comienzos más encasillados en la música folk, su compromiso con la realidad social y política o su interés por renovarse y crear un sonido y un estilo personal por encima de exigencias de mercado o de público. La historia abarca, de esta manera, el periodo que va de la llegada a N.Y. hasta la salida de “Like a Rolling Stone”. Los datos biográficos pasan, en cierta manera, a un segundo plano y la película incluso se permite añadir elementos que no existieron o modificar otros: Sylvie Russo (Elle fanning) era en realidad Suze Rotolo, Dylan no llegó solo a NY ni conoció a  Woody Guthrie en un hospital, o Johnny Cash no estuvo en el festival de Newport en 1965, y así. Estamos, por tanto, ante una ficción basada en una historia real en la que el objetivo es el retrato de un personaje único, genio de la música y de la letra (recordar que es el único músico con un premio nobel) y que servirá para dar a conocer al personaje a los que no lo conozcan (si es que hay alguien) y para disfrutar de su música (abundante y constante a lo largo del metraje).

Queda una película muy sólida y bien construida, que aguanta bien sus 141 minutos y que formará un excelente programa doble con la mucho más arriesgada y sorprendente “I’m not There” que Todd Haynes dirigió en 2007. Si además, uno repasa los dos documentales que Martin Scorsese hizo sobre el artista (“No direction home: Bob Dylan” y “Rolling thunder revue: A Bob Dylan story” de 2005 y 2017) el maratón especial está servido.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: James Mangold

Guion: Jay Cocks, James Mangold. Libro: Elijah Wald

Reparto: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Scoot McNairy, Edward Norton, Boyd Holbrook, Monica Barbaro, Dan Fogler, Charlie Tahan, James Austin Johnson, Norbert Leo Butz

“MI ÚNICA FAMILIA”. De odios y amores.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Uno sale de esta película preguntándose cuales son esas verdades duras a las que hace referencia el título original, si son las que de manera compulsiva y violenta suelta Pansy, la protagonista, ante cualquiera que se le ponga delante, si son esas que se quedan bajo los silencios de aquellos personajes desamparados que conviven con ella o las que parecen minar irremediablemente las relaciones de esa familia del título castellano. Sea como fuere, Leigh nos ofrece un retrato luminoso pero descarnado de un grupo de gente sencilla que convive con el desencanto, la tristeza y el dolor, un grupo encabezado por una mujer rota de dolor interpretada magníficamente por una enorme Marianne Jean-Baptiste.

La película parece arrancar como una comedia de situación y las iracundas y constantes reacciones de Pansy nos provocan un cierto malestar en el que la sonrisa aparece mientras estamos distanciados del personaje. Luego se nos hace más cercano y nos preguntamos el porqué de esa angustia existencial, de ese brutal enfado con el mundo y de ese odio tan visceral y agresivo. Finalmente descubrimos ese punto de amargura que tapona un amor que puja por salir pero que se queda en el fondo de las vísceras (ese ramo que su hijo Mose le regala y que acaba tirado en el patio, esos abrazos de su hermana Chantelle que no logran sacarla de su sufrimiento, el silencio del marido, las ganas de vivir de las sobrinas…) y la sonrisa inicial se nos congela en los labios en un final incierto que no da opción ni a la lágrima ni al suspiro.

Encuentro que el principal problema de la película es que puede resultar demasiado esquemática, ya que se centra totalmente en el personaje de Pansy y en su trágica existencia, y saben a poco el resto de criaturas que se merecían un tratamiento más amplio y profundo; si hubiera sido un retrato más familiar y menos personal la película hubiera ganado en intensidad y en riqueza y nos hubiera noqueado definitivamente. Aún así, es una película intensa, que logra que sintamos muy de cerca sus tragedias cotidianas, que entendamos a ese hijo que no hace absolutamente nada, a ese marido que aguanta lo indecible, a esa hermana que nunca tira la toalla, y sobre todo a esa mujer que se siente odiada por todos y que parece defenderse de todo con una obsesión por la limpieza y la verbalización constante de todo lo feo y negativo que hay o pueda haber; y todo tremendamente humano, tan duro como sensible, finalmente apasionante.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Mike Leigh

Guion: Mike Leigh

Reparto: Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, Felicita Ramundo, David Webber, Bryony Miller, Tiwa Lade, Tuwaine Barrett

“LOS INDESEADOS”. Sombras que no se ven.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Quinto largo de Erlingur Thoroddsen, basado en la novela homónima de Yrsa Sigurðardóttir considerada una de las principales representantes del noir nórdico. Nos cuenta una historia dividida en dos tramos temporales que coincidirán finalmente en un giro realmente interesante y, si no se ha leído la novela original (cosa que recomiendo), gratamente sorprendente.

Primero conocemos a Óddin, un trabajador social que debe investigar la muerte de dos jóvenes, cuarenta años atrás, en un hogar juvenil; además de enfrentarse al reciente suicidio de su exmujer, un alcoholismo que parece haber superado y una hija adolescente con serios problemas. La segunda línea ocurre en el hogar que Óddin investiga y va conducida por la chica que se encarga de la limpieza; la casa está dirigida por una pareja de las que dan miedo y el ambiente es de todo menos familiar.

Thoroddsen plantea una interesante mezcla de thriller noir y terror bastante bien lograda. La primera trama es más luminosa, de decorados más rectos y cortantes y domina la intriga sobre los motivos del suicidio y los problemas de Rún, la hija de Óddin, más tirando al drama y al duelo tras la desaparición. La segunda línea es más oscura, con interiores claustrofóbicos, una atmósfera inquietante y esa amenaza continua y casi invisible que la acerca al terror. Un montaje bien hecho consigue engarzar las dos tramas y transitar de una a otra con bastante ligereza.

Quizás los personajes podían haber tenido algo más de desarrollo, y se intuye que se han excluido cosas interesantes que estaban en la novela y que aquí posiblemente no tuvieron cabida, perono se echan en falta. Es una historia que te atrapa, de esas que generan mal rollo, inquietud, desasosiego e intriga a partes iguales; una historia fría, como buen noir nórdico (“Frío” es también el título original), que nos va descubriendo un lado terrible y oscuro de la naturaleza humana y que nos habla de temas tan escabrosos y difíciles como la enfermedad mental, la violencia juvenil, el alcoholismo o los embarazos adolescentes; también es verdad que no profundiza en ellos, pero el de la enfermedad mental sí que acaba siendo un punto notable de interés.

Los amantes del terror se quedarán decepcionados, no da miedo y “las sombras” que acechan durante la película son más psicológicas que fantasmales, pero no así los que busquen una historia bien contada y sorprendente.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Erlingur Thoroddsen

Guion: Erlingur Thoroddsen. Libro: Yrsa Sigurðardóttir

Reparto: Jóhannes Haukur Jóhannesson, Elín Hall, Selma Björnsdóttir, Mikael Kaaber, Halldóra Geirharðsdóttir, Sara Dögg Ásgeirsdóttir, Ólöf Halla Jóhannesdóttir, Björn Stefánsson

“AMENAZA EN EL AIRE”. En el avión.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Mel Gibson se descuelga (nos sorprende) con una película que poco o nada tiene que ver con lo que nos ha ofrecido últimamente: nada de temas religiosos y profundos, nada de excesos visuales o narrativos, y nada de superproducción a lo bestia. Es esta una película más bien pequeña, incluso barata, con muy pocos personajes y prácticamente un único espacio en la que el principal objetivo parece ser que su amigo Mark Wahlberg se lo pase super bien. Y la verdad es que la cosa, para ser poco más que un divertimento, le ha quedado de maravilla.

Nos cuenta la historia de Madoly (Michelle Dockery) una agente de policía que debe custodiar a Winston (Topher Grace) contable de un mafioso que ha hecho un trato para declarar como testigo. Para salir de Alaska, que es donde han detenido a Winston, lo suben a un avión pilotado por Daryl (Mark Wahlberg) que pronto hará que las cosas se tuerzan y el viaje resulte una peligrosa y violenta odisea. Lo que ocurre es más o menos previsible (y si ven el tráiler todavía más) pero resulta entretenido y divertido asistir a los giros de la acción y al enfrentamiento de personajes tan diferentes.

Gibson tira, bastante, de tópicos y elementos sobradamente conocidos: la policía con pasado doloroso, el contable cobardica un tanto cargante, el malo muy malo sin escrúpulos con alopecia mal disimulada incluida, y un constante “te mato, me salvo, te machaco…” bastante manido. Aún así, la película tiene un ritmo y un brío excelentes, las piezas encajan bastante bien, no se tira de trampas de guion ni de bofetadas a las leyes de la física (excepto el choque del avión con la nieve entre montañas) y el resultado final, si se entra en el juego, es muy entretenido y de agradable visionado. Sirva como ejemplo la excelente escena del aterrizaje forzoso o el personaje de Hasan, del que solo oímos su voz y que es un verdadero hallazgo.

Una película que cumple sus expectativas, para una sesión de tarde a la que solo se le pide un pasatiempo digno. Un divertimento.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Mel Gibson

Guion: Jared Rosenberg

Reparto: Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat, Savanah Joeckel, Paul Ben-Victor

“LOS HABITANTES”. Casa con fantasmas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Película mejicana, claramente de presupuesto limitado, que nos cuenta la ya vista historia de una casa muy bonita, recién adquirida por joven y atractiva pareja, que (¡oh, sorpresa!) tiene un fantasma dentro; o sea, una más en el subgénero del haunted house y el terror psicológico. La historia está ambientada en Monterrey pero podía haber sido cualquier otro lugar ya que apenas salimos del interior de la casa donde se intenta crear una atmósfera de intriga, suspense y algo de terror tirando al estilo del cine coreano.

La pareja protagonista son Emiliano y Nina, y con ellos vive la hija pequeña de ella. Emiliano tuvo un accidente y no recuerda nada de un periodo anterior de cinco años; una vez en la casa, ve apariciones de una mujer que le susurra o la vislumbra entre sombras y de una niña pequeña. Las visitas con la psiquiatra permiten reconstruir los hechos haciendo un flash-back bastante natural y la aparición de su madre y de su primo llevar a la resolución del enigma.

Es una película bastante correcta que intenta ofrecer una imagen y una fotografía cuidadas, buscando encuadres elegantes y sugerentes y jugando a dosificar la información para crear el interés. Se consigue a medias, entre otras cosas porque es algo que hemos visto muchas veces y no aporta las suficientes ideas originales y personales para desmarcarse de lo que podemos ver en un telefilm o en cualquier obra de encargo.

Los actores hacen lo que pueden con unos diálogos más bien justitos y, como suele ocurrir, el final no es todo lo sorprendente que cabía esperar, aunque tiene su punto y no disgusta.

Queda una película que es más bien un ejercicio de género, aplicada y correcta, hecha con ganas y entusiasmo, eso se nota, pero algo pobre para espectadores con cierta exigencia.

Estreno: 28 febrero 2025

Dirección: Homero Bueno

Guion: Homero Bueno

Reparto: Angélica Aragón, Jorge Luis Moreno, Estefanía Hinojoso, Paulina Cantu Felix, Gari Garibaldi, Sergio Zurita, Jessica Mendiolea

“GIRLS WILL BE GIRLS”. El descubrimiento.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una ópera prima que nos llega desde la India y que aborda el proceso de descubrimiento de la sexualidad, y del sexo, por parte de una adolescente. Tema, como se ve, que ya hemos visto muchas veces pero que aquí adquiere unas características personales y diferenciadoras que la hacen peculiar e interesante.

Mira, la protagonista, es una alumna excelente en un colegio de élite, que es nombrada delegada (una especie de máxima responsable del alumnado) en la primera escena, un cargo muy destacado al que solo habían accedido chicos. Mira tiene una relación difícil con su madre y su padre está casi siempre fuera del hogar. A partir de la llegada al centro de Sri las cosas cambiarán, Mira empezará a sentir deseos nuevos, los estudios se resentirán y la relación con la madre será más complicada.

Hay diferentes elementos que hacen de esta película una cinta diferente: como se nos retrata a Mira, especialmente en esa mezcla de madurez, inteligencia y desconocimiento de sí misma; el papel de la madre en su día a día (nunca sabemos si es una déspota, una obsesionada con la protección de su hija, una frustrada que descubre sus pulsaciones, o todo a la vez); o como se nos plantea el abordaje del sexo adolescente, de las primeras relaciones y las sensaciones, deseos e incertezas que le surgen a Mira en el proceso. Añadamos el conflicto escolar que se deriva del enfrentamiento con un grupo de alumnos (cabecillas anclados en comportamientos desagradablemente machistas) que han sido expulsados por la denuncia de Mira, y tenemos la foto completa de una película coming of age tirando a exótica, muy madura y muy bien planteada. Una película que se atreve a mirar donde otras pasan de puntillas, muy interesante.

Disponible en Filmin

Dirección: Shuchi Talati

Guion: Shuchi Talati

Reparto: Preeti Panihrahi, Kani Kusruti, Kesav Binoy Kiron, Jitin Gulati

“LA ÚLTIMA REINA (FIREBRAND)”. Enrique y Catalina.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Siglo XVI, corte de los Tudor, Enrique VIII se ha deshecho (repudiadas o ejecutadas) de sus cinco esposas anteriores y ahora la reina es Catalina Parr, la única que se salvará del destierro y de la condena a muerte.

La película está narrada desde el punto de vista de la reina y nos ofrece una lectura feminista de la corte, sus manejos, intrigas y, sobre todo, del trato hacia las mujeres. La voz en off inicial ya nos advierte: vamos a ver un tiempo y un espacio marcados por la división religiosa, la guerra, la corrupción y la podredumbre (son tiempos de peste y Enrique VIII sufre un proceso de deterioro brutal que se materializa en una pierna que se pudre, literalmente). Hay, por tanto, una fotografía oscura, casi tenebrosa, que acerca la película (especialmente en su primera parte) a una cinta de terror en la que Catalina está constantemente amenazada por diferentes fuerzas no siempre tan oscuras; esto, unido a un gran esfuerzo de ambientación (excelente el uso de espacios interiores y el diseño de vestuario) hacen de la película una obra densa, intensa y un fastuoso drama de época. Eso sí, con algunas licencias narrativas que no gustarán a los que optan por la rigurosidad histórica.

A pesar de la fastuosidad del tratamiento, la película acaba siendo un drama bastante íntimo en el que sobresale la relación que establecen Enrique y Catalina, y donde se mezcla poder, misoginia y amor. Un drama aupado por potentes e intensas actuaciones de Alicia Vikander y Jude Law que sostienen el peso del entramado.

Quizás algo pretenciosa, le hubiera sentado bien un poco de sutileza y sugerencia, y sobre todo, un metraje algo más ajustado que le hubiera proporcionado algo más de ligereza. Queda una película de época intensa y al gusto de un público amplio que actualiza y/o revisa moderadamente el papel de la mujer en una época tan peculiar como fue la de los Tudor y que, por supuesto, puede tener su reflejo en la sociedad actual.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Karim Aïnouz

Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Novela: Elizabeth Fremantle

Reparto: Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Sam Riley, Ruby Bentall, Erin Doherty, Bryony Hannah, Patsy Ferran, Simon Russell Beale, Amr Waked, Andy M Milligan, Ian Drysdale

“PADRES”. Nuestra hija ha desaparecido.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una de esas películas que bien podrían ser una obra de teatro y que, quizás, funcionaría mejor en un escenario. Dos únicos personajes (a excepción de una pequeña aparición de tres secundarios), Jaime y Victoria (Fernando Cayo y Natalia Verbeke) matrimonio separado que vuelven a juntarse en la casa, que ahora es de ella, porque su hija María ha desaparecido después de salir a un concierto al que nunca fue. La trama consiste en crear la incertidumbre sobre el paradero de la hija primero y sobre los responsables de su desaparición después; se trata de arrancar de un conflicto para ir indagando, más o menos, en el deterioro de las relaciones, los conflictos de la separación, las responsabilidades asumidas y el papel de cada uno en la pareja y en la familia.

Como siempre ocurre en un planteamiento así, el peso recae en la actuación de los protagonistas, en la estructura del guion que nos va desvelando información y generando nuevas expectativas, y en unos diálogos que conduzcan al espectador y definan a los personajes. Todo ello está más que correcto en la película y, si uno se deja llevar por el juego que se propone, puede resultar un entretenido entramado de incertezas y culpas bastante sólido. La atmósfera, también muy importante, corre a cargo de la casa, se supone de diseño del propio Jaime, y de una iluminación que me ha parecido hubiera sido más adecuada en tonos más oscuros y contrastados, acompañando esas constantes dudas y esos terrenos más negros que los personajes parecen transitar.

Tenemos, por tanto, un ejercicio de thriller de manual que se mantiene sólido y con un ritmo aceptable y que, finalmente, opta por un desenlace correcto, quizás algo forzado y que a uno le hubiera gustado más creativo e impactante. Una película entretenida, digna, para pasar un rato agradable.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: José Ángel Bohollo

Guion: José Ángel Bohollo

Reparto: Fernando Cayo, Natalia Verbeke, Angelina Stoian, Carlos Fuentes

“DANIELA FOREVER”. Sueños lúcidos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta película un experimento; y como suele ocurrir en casi todos los experimentos, hay cosas que salen bien, otras no tan bien y algunas directamente mal. Dirige Nacho Vigalondo, cineasta de filmografía atrevida (“Colossal”, “Open Windows”, “Los cronocrímenes”), interesante e irregular que también se responsabiliza del guion. Nos cuenta la historia de Nick (Henry Golding), un hombre que pierde a su pareja y que es invitado a formar parte de un ensayo clínico: probar un fármaco que permite tener sueños lúcidos, es decir, controlar los propios y soñar con lo que se desee. Nick se saltará los protocolos pactados e intentará recuperar a Daniela aunque solo sea en sueños.

Vigalondo juega con el formato de pantalla y la resolución de imagen para diferenciar la realidad (pantalla cuadrada y baja resolución) de los soñado (pantalla panorámica e imagen mucho más nítida) para luego ir complicándolo (o intentándolo, que no siempre lo consigue) haciendo que la línea que separa una de otra sea cada vez más difusa y menos recta. La idea, en principio, es buena y el director logra algunos momentos sugerentes, otros inquietantes y otros sorprendentes, pero el conjunto no termina de funcionar como debiera. No tengo muy claro qué ocurre, pero intuyo que hay diferentes motivos: Vigalondo no da con el tono adecuado y se mueve entre el drama y el fantástico sin decidirse por ninguno de ellos; el ritmo y el montaje no acaban de ser todo lo fluido que debieran y uno acaba un tanto saturado de fundidos a negro para cambiar de formato y de escenas repetitivas o sin un objetivo claro; la película quiere ser sugerente y se vuelve críptica en algunos momentos y demasiado liosa en otros. Al final cuesta trabajo mantener el interés y, principalmente en su parte central, puede hacerse aburrida.

Aún así, si uno entra en el juego (que no lo tiene fácil) se puede disfrutar de este drama romántico que deviene pesadilla, del juego realidad/sueño, de la obsesión del protagonista y de las “reflexiones” sobre el amor, la felicidad y el destino. Que no es poco.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Nacho Vigalondo

Guion: Nacho Vigalondo

Reparto: Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido, Rubén Ochandiano, Nathalie Poza, Frank Feys

“LIMÓNOV”. El antihéroe.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Del director Kirill Serebrennikov pudimos ver hace un año la interesante “La mujer de Tchaikovsky” y en 2019 “Leto” sobre el ambiente rock en la Rusia de los 80. En esta que nos ocupa pone el foco en la figura del controvertido escritor y político ruso Eduard Limónov, radical postideológico, fundador del ilegalizado Partido Nacional Bolchevique (ni fascista, ni comunista, ni conservador, ni liberal, sino todo a la vez, según su propia definición) y poeta radical que paseó sus vivencias y sus miserias por Nueva York y París y que acabó comandando guerrillas fascistas antes de acabar en la cárcel y convertirse en un antihéroe casi de película.

A Limónov lo interpreta un fascinante Ben Winshaw (“Passages”, “Surge”, “Little Joe”) que le otorga un aura realmente curiosa: no se sabe si es un genio total, una caricatura de sí mismo o un despojo humano (o todo a la vez). A pesar de ello, siendo como es, un personaje tan fuera de lo normal, tan extraordinario, uno se queda con la sensación de que la película va poco más allá de la anécdota y que se le han quedado en el tintero cosas esenciales y de gran interés (aunque también es posible que sí estén y yo no haya sido capaz de captarlas). Aún así, es una película intensa, que no da descanso y que refleja/transmite con enorme potencia ese torbellino imparable que, parece, fue la vida de Eduard Veniaminovich Savenko, que era como realmente se llamaba.

La cinta adapta la novela homónima de Emmanuel Carrère y el director insistía en señalar que no era un biopic al uso sino una adaptación de la mirada de Carrère en su novela: “sigo los pensamientos, las ensoñaciones, su enfoque y su búsqueda para desentrañar el misterio del héroe lírico”.

Lo que sí es cierto, tal y como reza la publicidad de la película, que “esta cobra una nueva y especial significancia con la actual situación política en Rusia y Ucrania”.

Estreno: 21 febrero 2025

Dirección: Kirill Serebrennikov