FUERA  de  CAMPO

“LOS TIGRES”. Gente de mar.

F. Lorza                                                                                                         

Desde su debut en el año 2000 con “El factor Pilgrim” y con películas como “7 vírgenes” (2005), “Grupo 7” (2012), “La isla mínima” (2014) o “Modelo 77” (2022), Alberto Rodríguez se ha mostrado como un excelente narrador, capaz de crear historias, mundos y atmósferas sólidos y epatantes y, sobre todo, manejar con soltura las claves del thriller adaptándolas con plena solvencia a los espacios y personajes que retrata. Esta “Los Tigres” no es una excepción y seguro que satisfará a los seguidores del director.

Se nos cuenta la historia de Antonio (Antonio de la Torre) y de Estrella (Bárbara Lennie), dos hermanos de Huelva que trabajan de buzos cuyas vidas han estado siempre ligadas al mar. Antonio es el mejor buzo de la zona pero un verdadero desastre en tierra, que parece mantenerse en pie gracias a Estrella con la que vive. Ante la posibilidad de perder totalmente a sus dos hijas por no pasar la pensión de manutención, Antonio decide echar mano de la droga que transporta regularmente uno de los barcos en los que hacen reparaciones y mantenimiento, metiéndose en un espacio que no le corresponde, que desconoce y del que saldrá bastante mal parado.

La película tiene una potente primera parte en la que, sin prisa alguna, se nos dibuja a los personajes, la situación en la que se encuentran y el ambiente de la zona donde viven y trabajan. Una segunda parte toma como eje narrativo el asunto de las drogas y nos ofrece un thriller intenso, de los que enganchan y de los que logran ponerte tenso y con el corazón encogido.

Rodríguez filma con maestría tanto fuera como dentro del agua, hace un dibujo preciso de sus personajes y consigue un relato ágil, dinámico y sin fisuras. Antonio de la Torre y Bárbara Lennie, como ya nos tienen acostumbrados, dotan de intensidad, cercanía, humanidad y veracidad a sus personajes, y nosotros sufrimos con ellos en sus desgracias e infortunios.

Un drama disfrazado de thriller, agotador en algunos momentos, asfixiante en otros, duro e intenso siempre. Una película tremendamente triste y efectiva.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Alberto Rodríguez

Guion: Rafael Cobos, Alberto Rodríguez

Reparto: Antonio de la Torre, Bárbara Lennie, Joaquín Núñez, José Miguel Manzano Bazalo , Silvia Acosta, Jesús del Moral, César Vicente

“RECIEN NACIDAS”. Jóvenes madres.

F. Lorza                                                                                                        

La última película de los hermanos Dardenne aborda el tema de las chicas jóvenes, todavía adolescentes, que se enfrentan a un embarazo y al cuidado de un hijo. La cinta se sitúa en un centro maternal donde se les ayuda a cuidar de la criatura o a ofrecerla en adopción, pero nunca se encargan de aquellas labores que debe hacer cada madre.

Las cuatro chicas que forman la historia representan diferentes situaciones que, sin duda, son fáciles de encontrar en la vida real: una chica que junto a su novio han logrado salir de las drogas e intentan iniciar una vida con su bebé; otra que se ha criado en orfanatos y que ahora, antes del nacimiento de su hija, busca razones en su madre adoptiva; la que confía en que el padre de la criatura le ayudará a cuidar del bebé pero enseguida se ve que no lo hará; y la que lo ha tenido porque es su madre quien lo deseaba y se ha visto en un ambiente familiar agresivo y alcoholizado.

La película bien podría haber sido un documental, los Dardenne, con su inconfundible estilo realista y cámara al hombro, parecen limitarse a seguir a sus criaturas, reflejar sus miedos, sus esperanzas y sus tragedias. También nos dejan alguna puerta abierta a un futuro, quizás mejor, para Alba, Lili, Noe y Mira, los cuatro bebés que dan título español al film y nos ofrecen un retrato honesto, sincero y duro de estas jóvenes madres del título original.

Sin juzgar ni manipular, la película resulta conmovedora e incluso tierna, muy en la línea de lo que Pilar Palomero nos ofreció en “La maternal”.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Reparto: Elsa Houben, Babette Verbeek, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi

“TOGETHER”. Amor y horror.

F. Lorza                                                                                                         

Es esta una película australiana que se apunta al horror corporal (body horror en moderno) haciendo una extraña, inteligente e interesante mezcla con el amor romántico y las crisis de pareja. La apuesta, sin duda, resulta estimulante, yo diría que novedosa y los resultados no defraudan.

Estamos ante la historia de una pareja, Tim (Dave Franco) y Millie (Alison Brie) en una cierta decadencia sentimental; él es músico y ella maestra de primaria, y han adquirido una casa en el campo cerca de un pueblo donde ella trabajará en un colegio y él, se supone, se dedicará a componer. Un día de ruta los llevará a caer en un agujero del que saldrán totalmente cambiados y sufriendo fenómenos extraños (mejor no desvelar nada más porque la trama tiene su intríngulis y vale la pena irla descubriendo).

Lo mejor de la película reside en un guion bien trabajado que, en lugar de echar mano del clásico terror producido por fuerza extrañas, se decanta por un terror muy corporal, instalado en el interior de los personajes, menos tangible, del que nunca descubrimos su naturaleza pero sí claramente sus efectos. Sin necesidad de sustos o efectos de ruido y griterío, la película desarrolla una intriga inquietante, de las que te atrapan y no te sueltan y, a pesar de algunas salidas de tono que no llegan a estropear el conjunto, nos ofrece una historia sólida a partir de la manifestación de uno de los personajes que, refiriéndose a Platón, explica cómo los humanos teníamos 2 cabezas, 4 brazos y 4 piernas y que los dioses, temerosos del poder que eso conllevaba, nos dividieron en dos y se creó el reto de encontrar nuestra otra mitad.

Shanks aprovecha el buen hacer de sus actores, Brie y Franco estupendos, y hace un uso excelente de la fotografía y los escenarios: el interior de la casa y la cueva en la que caen. Y también, sorpresa, nos ofrece un final inteligente, adecuado a la historia y que la remata con elegancia.

Cine para disfrutarlo, sin duda.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Michael Shanks

Guion: Michael Shanks

Reparto: Dave Franco, Alison Brie, Damon Herriman, Mia Morrissey, Karl Richmond, Jack Kenny, Francesca Waters, Aljin Abella, Sarah Lang, Rob Brown, Ellora Iris, Michael Shanks (II)

“THE MASTERMIND”. Desdichado ladrón.

F. Lorza                                                                                                         

De la filmografía de Kelly Reichardt seguramente se recordará esa pequeña maravilla en forma de western que realizó en 2019 y de título “First cow”. Ahora, con un tono parecido, pero sin los resultados de aquella, nos ofrece el retrato de James (Josh O’Connor), un carpintero en paro, de Massachusetts, hijo de juez, aficionado al arte, que organiza el robo de cuatro cuadros a plena luz del día y con un par de cómplices. La película aplica aquello de “si algo puede salir mal, saldrá mal” y somete a su protagonista a todo tipo de infortunios y malas coincidencias en un robo chapucero e ingenuo.

Lo mejor de la película es esa media vuelta que se le da a los lugares comunes del cine de robos y de ladrones de guante blanco, ofreciéndonos un ladrón absolutamente desdichado del que irremediablemente acabamos compadeciéndonos, y eliminando cualquier épica o romanticismo del relato para crear un antihéroe cuando menos singular.

El planteamiento es, pues, bastante curioso y atractivo y, de hecho, la primera parte logra tener bastante encanto y crear unas excelentes expectativas en el espectador. Pero luego, una vez familiarizados con el tono y habiendo entrado en tan patética epopeya, la película no crece, no nos ofrece elementos de interés y se genera una sensación de vacío, de falta de contenido que le quita el brillo inicial. Aún así, si uno se deja llevar por el carisma del protagonista (algo difícil porque resulta complicado empatizar con semejante personaje), se toma todo un poco a chufla, y no le pide demasiada chicha, es posible que disfrute de esta historia anómala, diferente, que podía haber sido una pieza divertidamente gamberra, rompedora y cínica. Una pena que se quede a medio camino y nos acaba dejando bastante fríos.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Kelly Reichardt

Guion: Kelly Reichardt

Reparto: Josh O'Connor, Alana Haim, Gaby Hoffmann, John Magaro, Bill Camp, Hope Davis, Rhenzy Feliz, Matthew Maher, Cole Doman, Margot Anderson-Song, Eli Gelb

“MONSIEUR AZNAVOUR”. El caché de Sinatra.

F. Lorza                                                                                                         

Es este un biopic bastante convencional en el que se repasa prácticamente toda la vida del cantante y compositor Charles Aznavour, desde su infancia en el seno de una familia de refugiados armenios (su apellido original era Aznavourian) hasta su muerte en 2018 en Mouriés. Dividida en cinco capítulos (“Les Deux Guitares”, “Sa jeunesse”, “La Bohème”, “J'me voyais déjà” y “Emmenez-moi”), se inicia en un momento en que la ambición de Aznavour le ha llevado al fracaso y a la ruina y emocionalmente se apoya en su hermana, un elemento importante en la vida del artista. De la infancia pasamos a los primeros trabajos como autor y cantante, al dúo que formó con Pierre Roche, a su encuentro con Edith Piaf con la que tuvo una relación vampírica muy curiosa, su éxito como cantante a pesar de su nariz (que se operó por recomendación de la Piaf), su voz rota y su origen armenio que desató innumerables ataques xenófobos, su relación con sus tres esposas y con los hijos que tuvo con ellas (especialmente con Patrick, que reconoció cuando el crío tenía ocho años y que acabaría suicidándose) y, finalmente, el éxito absoluto, la consagración como artista y la creación de un icono representante de la cultura y la música francesa. Hay una escena en la que Aznavour está con Frank Sinatra y aquel le dice que un día le igualará el caché; esta película viene a ser la puesta en escena del proceso en que logró hacerlo.

La dirección corre a cargo de Mehdi Idir y Grand Corps Malade, la pareja de directores que en 2019 nos ofrecieron la muy interesante “Los profesores de Saint-Denis”. En esta que nos ocupa han logrado un ritmo bastante ágil que compensa las innecesaria dos horas largas que dura la película y, sobre todo, una ambientación bastante elegante, tirando a preciosista, basada en una fotografía densa, muy agradable y bastante funcional. A Aznavour lo interpreta Tahar Rahim, el Mohamedou Ould Slahi de “The mauritanian” y lo hace un tanto forzado, bastante pasado de maquillaje y exagerando algunos de los gestos característicos de su personaje; uno no sabe si es por el desarrollo de la película o por la interpretación de Rahim, pero el personaje se queda algo corto, poco intenso y no logra transmitir con la fuerza necesaria la ambición casi desmesurada y el sufrimiento de un personaje eternamente insatisfecho.

Queda una película suficientemente interesante, que dibuja con firmeza un periplo vital más que singular, que ofrece un buen puñado de canciones del autor que suenan de maravilla y que, sin meterse de lleno en las sombras y las zonas oscuras, logra un biopic bastante completo y didáctico. No soy yo seguidor de Monsieur Aznavour, pero he de reconocer que la película me acabó atrapando.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Guion: Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Reparto: Tahar Rahim, Bastien Bouillon, Marie-Julie Baup, Camille Moutawakil, Narine Grigoryan, Hovnatan Avédikian, Ella Pellegrini, Petra Silander, Luc Antoni, Nicolas Chupin

“A PESAR DE TI”. Traición y tensión sexual por resolver.

F. Lorza                                                                                                         

En la primera parte de este, supuesto, drama romántico, se nos presentan los personajes principales: cuatro jóvenes en el final del instituto emparejados “de forma equivocada” y con una clara tensión sexual/romántica no resuelta; entonces sabremos que una de las protagonistas está embarazada y nos iremos a 17 años después. Primer problema: los jóvenes del inicio y los adultos de después (incluidos un par de flash backs) están interpretados por los mismos actores sin ningún tipo de efecto o caracterización, y eso que todos (las personas reales) están por la cuarentena.

La trama gira alrededor de Morgan (Allison Williams), la embarazada del principio, de su hija de 17 años, Clara (Mckenna Grace) que empieza a tener una relación con Miller (Sam Morelos) que vive con su abuelo que le ha hecho de padre, y Jonah (Dave Franco) que tiene un bebé con Jenny, la hermana de Morgan (Willa Fitgerald) y una historia secreta con Chris (Scott Eastwood, exacto, el hijo de Clint) que saldrá a la luz tras un accidente y que se convertirá en el eje dramático de la historia.

La película juega a compaginar la tragedia que supone el accidente, la latente historia de amor que ha habido desde el instituto entre Morgan y Jonah, la relación de Clara con Miller y el rechazo por parte de la madre de aquella y el futuro universitario que les espera a los jóvenes (una como actriz y el otro como cineasta). Digo que juega pero en realidad lo que hace es ir acumulando las situaciones que, supongo, estaban diseñadas en la novela y que se ven venir a la legua (el final es fácilmente imaginable) y que se narran con cierta solvencia pero con una absoluta falta de emoción o profundidad. Tanto el “drama” de los adolescentes, como el de los adultos resulta, finalmente, de una superficialidad bastante insustancial, que poco o nada aporta de nuevo y que parece ser más un lucimiento de actores y actrices que una verdadera historia de traiciones y tensiones no resueltas (es significativo que nada se sepa de la historia de los adúlteros ni de sus motivaciones, por ejemplo).

Queda una historia de chicos y chicas tremendamente guapos, de esas que están llenas de temas musicales que puntúan los momentos supuestamente álgidos y que, imagino, hará las delicias de jóvenes con ganas de historias romanticonas sin recovecos y cargadas de tópicos. La factura es, eso sí, bastante digna y las actuaciones correctas, pero sus casi dos horas de duración se hacen (al menos a quien esto firma) demasiado largas. Al final, los problemas entre esta madre y esta hija no están mal del todo, pero no logran que sean nuestros problemas, ni de lejos.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Josh Boone

Guion: Susan McMartin. Novela: Colleen Hoover

Reparto: Allison Williams, Mckenna Grace, Dave Franco, Mason Thames, Sam Morelos, Scott Eastwood, Willa Fitzgerald, Clancy Brown

“LA SABANA Y LA MONTAÑA”. Una mina de litio.

F. Lorza                                                                                                         

Covas de Barroso es un pueblecito de unos trescientos habitantes, en el norte de Portugal, donde la empresa británica Savannah Resources intenta construir la mina de litio a cielo abierto más grande de Europa; las primeras acciones empezaron sin estudios ambientales ni la autorización y pusieron a los vecinos en pie de guerra; lograron paralizar el proyecto, que no evitarlo.

Esta curiosa película, curiosa mezcla de documental y elementos ficcionados, quiere ser una especie de crónica y alegato en defensa de esos vecinos y su lucha contra un gigante invisible (en los créditos finales se comunica que “ningún enemigo ha sido filmado”) con algún toque de western y una banda sonora a base de las canciones protesta de un músico local.

Ya desde la primera parte, que nos presenta el entorno natural, vemos que la cosa va a ser, de alguna manera, diferente: unos extraños zooms que ya nadie usa y que parecen incluso torpes, una cortinilla circular totalmente desfasada, y unos personajes que se interpretan a sí mismos y que recitan sus líneas sin ningún tipo de perjuicio. Pero pasada la primera sorpresa, entra en juego ese enemigo invisible y las acciones de lucha se mezclan con la vida cotidiana, las fiestas populares o los trabajos ordinarios. Y la película consigue sumergirte en ese pequeño vecindario que se enfrentará con sus tractores, sus herramientas de campo y sus derechos, a una empresa que ni siquiera sabe que existen y que lo único que quiere es mineral para fabricar sus coches eléctricos.

Queda una película que es todo un grito de guerra para sostener el territorio y la vida de sus gentes a base de lucha colectiva. Un espacio declarado Patrimonio Agrícola Mundial por las Naciones Unidas en 2018 donde los caballos se ponen nerviosos ante la llegada del capitalismo explotador y la gente sencilla sale de su rutina para luchar por sus derechos y sus tierras. Otra vez cine necesario.

Estreno: 31 octubre 2025

Dirección: Paulo Carneiro

Guion: Paulo Carneiro, Alex Piperno

Reparto: Carlos Libo, Paulo Sanches, Daniel Loureiro, Aida Fernandes, Maria Loureiro, Lúcia Esteves, Nelson Gomes, Benjamin Goncalves

“JOAN DAUSÀ, LA GRAN BOGERIA”. Un reto tras otro.

F. Lorza                                                                                                         

Preestrenada en el festival “In-Edit” de Barcelona (con presencia de buena parte del equipo y un numeroso público) Filmin ofrece este documental que gira alrededor de los dos grandes conciertos que Dausà ofreció en 2024 y en los cuales logró llenar el Sant Jordi (16.000 personas) y, sorprendentemente, el Vista Alegre de Madrid (más de 11.000). El documental nos habla de los preparativos, de las actividades antes y durante los conciertos, pero sobre todo nos habla de la forma de ser de Joan Dausà, de su manera de afrontar la vida, de vivir la música, de relacionarse con los suyos. Y, al acabar, uno tiene la sensación de haber asistido al retrato de un personaje en constante apuesta consigo mismo, en un desenfrenado ritmo vital de asumir un reto cuando todavía se está inmerso en el anterior, un personaje siempre en busca de nuevas aportaciones, originales propuestas y, sobre todo, colaboraciones absolutamente geniales e incondicionales (su equipo de músicos, su amigo y manager, su pareja, el Mago Pop, Víctor Manuel, Clara Segura, Santi Balmes o Luis Enrique); toda una constelación que parece girar alrededor de este encantador de serpientes al que nadie parece ser capaz de negarle nada que, sin duda, es capaz de reunir y emocionar a un extenso y entregado público que, como dice un personaje de la película, llega a parecer una secta.

El documental sabe el material que tiene entre manos y el carisma de su protagonista, por

ello se dedica a mostrarnos su mejor cara, a buscar que empaticemos y nos emocionemos y a vendernos esa bogeria del título como un acto creativo, honesto y compartido. Y la verdad es que lo consigue y no se necesita ser seguidor o fan del cantante para disfrutar de un producto ágil, muy bien montado, muy entretenido y entrañable. Aplausos finales.

Disponible en Filmin

Dirección: Pol Fuentes

Documental

“CUANDO LOS AMOS DUERMEN”. Los siervos del vampiro.

F. Lorza                                                                                                         

Imaginemos que los protagonistas de Los santos inocentes sirviesen a unos vampiros, cambiemos el cortijo por un palacete tirando a gótico y la caza de conejos y ciervos por la de humanos desprevenidos y tendremos, más o menos, el arranque de esta peculiar película de vampiros que se presentó en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y que ahora llega a Filmin.

También presenta ciertas semejanzas con “Lo que hacemos en las sombras” (Taika Waititi, Jemaine Clement, 2014) aunque sin el tono de comedia y sin pizca de humor, o con “Solo los amantes sobreviven” (Jim Jarmusch, 2013) pero con presupuesto mucho más reducido y miras más limitadas.

La película arranca con una escena bastante hitchcockiana en la que Olga (Manuela Velasco) acaba en las garras de Víctor (Iván Massagué), un vampiro que se alimenta de sangre de malvados. Pero los verdaderos protagonistas son Samuel (Juanjo Pardo) y Lourdes (Diana García) los fieles sirvientes de este señor de las sombras solitario y de aire aristocrático. La llegada de Zlatan (Juli Fábregas Elías), un muy malvado vampiro, hijo del Gran Barón, y de su lacaya Ivana (Llum Barrera) trastocará la vida tranquila y estable de la casa provocando ese festival de sangre y muertes que se espera de cualquier cinta del género. Como trama secundaria, la historia de amor de Samuel y Lourdes que intentan tener un hijo que perpetue una dinastía consagrada a la servidumbre del señor.

La película se toma a sí misma, quizás, demasiado en serio, y los toques de comedia y humor negro que parecen aportar los malvados Zlatan e Ivana, más que dar un toque desenfadado provocan una cierta disonancia, a modo de chirrido, que no funciona demasiado bien, aunque tampoco anulan el producto global. Hay, eso sí, un verdadero esmero en la ambientación, en la producción de arte y se nota que se le ha sacado buen partido a los pocos recursos de los que disponía la película (una producción claramente independiente); la opción de dar predominio a una iluminación a base de velas y poco más, y la de reducir el espacio escénico a prácticamente un único lugar, además de ser un acierto, ayuda a esa sensación de claustrofobia y encierro. También funcionan bastante bien las interpretaciones de unos actores que lo dan todo y consiguen mantener a sus personajes en un aceptable tono de credibilidad y cercanía.

Una película modesta pero resultona, para ver sin demasiadas pretensiones y pasar un rato agradable.

Disponible en Filmin

Dirección: Santiago Alvarado Ilarri

Guion: Santiago Alvarado Ilarri, Ramón Salas

Reparto:

“LA HERMANASTRA FEA”. Cuento perverso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Estamos ante una película noruega, ópera prima de Emilie Blichfeldt, que se apunta a la moda de transformar en relato de terror, tirando al gore, personajes e historias de cuentos populares e historias infantiles. En este caso se trata de tomar el cuento de Cecinienta y someterlo a una serie de variaciones perversas, cuando menos, inquietantes. Así, la historia pasa a centrarse y tomar el punto de vista de la hermanastra, la fea del título, dejando a la Cenicienta en segundo plano (ya va bien puesto que la conocemos todos) y poniendo énfasis en las presiones que la protagonista Elvira (una excelente sufridora Lea Myren) padece en una sociedad donde el rol de la mujer está absolutamente acotado y sometido a la implacable tiranía del aspecto físico: lo importante es ser la más guapa, la más atractiva y que el príncipe te elija como esposa y te proporcione todos los bienes materiales necesarios (de amor, felicidad, o realización personal, por supuesto, ni se habla).

La pobre Elvira soporta una ortodoncia que hace verdadero daño cuando se la retiran, se somete a una salvaje operación de cirugía estética para corregir una nariz “defectuosa”, otra casi peor para colocar pestañas postizas (estas sí que duelen de verdad) y ella misma se implanta un terrible sistema de adelgazamiento brutal y peligroso o se somete a automutilaciones. Todo ello en un proceso de ilusiones, ansiedades y fracasos que hacen de la pobre muchacha un compendio de sufrimientos, degradaciones y, finalmente, una caída en la más absoluta devastación.

A pesar de la negrura del planteamiento y del enfoque gore de algunos episodios, la película sabe aprovechar el conocimiento que el espectador ya tiene de la historia, los decorados y el vestuario de época que crea una atmósfera cerrada y malsana pero no excesivamente desagradable (al menos para quien esto suscribe). También me ha parecido un acierto que los malvados (sobre todo la madre de Elvira a la cabeza y el doctor Esthétique que lleva a cabo los tratamientos) no caigan en la caricatura ni en los excesos y que sean parte de ese sistema que estriñe y finalmente destruye a todas las mujeres que Elvira encarna. Personalmente me hubiera gustado un tratamiento más amplio de la hermana, Alma (Flo Fagerli) que podía haberse convertido, con más fuerza, en el contrapunto y la posibilidad de un futuro diferente.

Una película bastante cruel, sin concesiones, narrada con pulso firme e, imagino, no apta para todos los estómagos.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Emilie Blichfeldt

Guion: Emilie Blichfeldt

Reparto: Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gårdinger, Ralph Carlsson, Isac Aspberg, Albin Weidenbladh, Oksana Czerkasyna

“SUJÉTAME EL CUBATA”. Monologuistas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

¿Qué esperar de una película que se titula “Sujétame el cubata”, que está protagonizada por J.J. Vaquero y en la que hay un buen puñado de cameos e intervenciones de monologuistas famosos (de Morgade a Piedrahita) y algún actor conocido amigo de Vaquero? Pues eso, una obra que utiliza una pequeña historia como excusa, que pretende tirar de rostros populares (sobre todo en TV) y del gusto por el monólogo, los monologuistas y su tono.

J.J. Vaquero se interpreta a sí mismo (y no le sale del todo bien), dueño de un bar de monólogos que es más bien ruinoso. Cuando aparece un inspector de hacienda reclamando una deuda de 120.000 €, el protagonista tendrá 15 días para conseguir el dinero. Añadamos un pequeño conflicto familiar con su mujer (partidaria de vender el negocio) y una hija adolescente bastante enfadada; y algunos personajes secundarios como sus empleados del bar y algunos amiguetes.

La propuesta podía haber sido interesante e imagino que a los seguidores de Vaquero y compañía les bastará con sus gracias y los fragmentos de monólogos que se diseminan por el metraje. Pero olvida que esto es cine y comete serios errores: confía en profesionales del monólogo (Vaquero a la cabeza) pero no funcionan como verdaderos personajes; hay otros actores que lo hacen francamente mal, especialmente los niños y Carolina Noriega que interpreta a la colega que trabaja en el bar; los diálogos no surgen con naturalidad y la trama es tópica y previsible; por no hablar de una planificación bastante torpe y acartonada.

Queda una película que se pretende graciosa, pero que resulta rígida, poco ingeniosa y, como mucho, graciosilla. Un pretendido homenaje a esta gente de la nueva farándula, poca cosa más.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Fernando Ayllón

Guion: J.J. Vaquero, Carolina Noriega

Reparto: J.J. Vaquero, Patricia Conde, Goyo Jiménez, Fernando Albizu, Carolina Noriega, Nadia Torrijos, Jorge Cremades, Ana Morgade, Dani Rovira, Luis Piedrahita, Álex Clavero, David Cepo.

“LA CASA DE MUÑECAS DE GABBY: LA PELÍCULA”. Brillo y magia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Brillo y magia es lo que propone esta adaptación a pantalla grande de la serie de televisión destinada fundamentalmente a niñas (lo de la igualdad de sexos todavía va para largo) no mayores de 8-10 años. Lo que sí se nota es que viene de la mano de Dreamworks Animation, lo que le da una factura bastante potente y no le deja caer en lo inane o lo ridículo.

La Gabby del título tiene una casa de muñecas mágica que le regaló la abuela (una Gloria Stefan con un puntito latino muy agradable) y a la que es capaz de entrar cuando se miniaturiza convirtiéndose en personaje animado. En un viaje a GatFrancisco (los nombres con referencias a los gatos abundan) donde vive la abuela, la casa se pierde y cae en manos de Vera, “la loca de los gatos”, personaje más o menos malvado que ha dejado de jugar con los muñecos para pasar a coleccionarlos. La historia, como es de esperar, es la de la recuperación de la casita de juguete y, de paso, del espíritu infantil de juego con el brillo y la magia de los niños antes de convertirse en adultos.

La cinta se ofrece como una historia de aventuras, con su tono fantástico, sus números musicales, sus personajes sin aristas y unas cuantas rupturas de la cuarta pared invitando al público a participar en algunas canciones que ayudan a resolver algún conflicto. Por supuesto se echa mano de un gran colorido con predominio del rosa, de un montaje ágil no demasiado apabullante, de una historia que se sigue con facilidad, de unos personajes fácilmente identificables y de un final feliz, edulcorado y en positivo.

No es una película para adultos, desde luego, pero sí puede resultar una buena opción para satisfacer a los más pequeños y no padecer en el intento.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Kirk DeMicco, Faryn Pearl, Ryan Crego

Guion: Kirk DeMicco, Faryn Pearl, Elisa Bell

Reparto:  Laila Lockhart Kraner, Kristen Wig, Gloria Estefan, Donovan Patton, Eduardo Franco

“HASTA QUE ME QUEDE SIN VOZ”. En primera persona.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Imagino que fans y seguidores/as de Leiva recibirán con entusiasmo este documental que les acercará a su figura, a su persona y les mostrará importantes elementos de su vida.

La película, y creo que es un gran acierto, utiliza la voz del propio Leiva (¡qué mejor narrador!) que va desgranando buena parte de su pasado y de su presente, las diferentes etapas de su carrera como músico y, sobre todo, esa extraña afectación que tiene en una de sus cuerdas vocales que le obliga a pasar por quirófano antes de cada gira y que le hace temer, quizás en un futuro bastante cercano, ese quedarse sin voz que da título a la cinta.

Leiva nos habla de su infancia como niño travieso que siempre andaba con algo roto, sus inicios con Mala Yerba, su caída tras el éxito, su remontada como músico en solitario, o su gran amista con Joaquín Sabina con quien le vemos componer y disfrutar. Resulta significativo y muy bonito como él mismo reconoce que la suerte llamó a su puerta varias veces marcando su vida.

Leiva se nos ofrece como alguien realmente estimado por los que le rodean, un hombre que abraza mucho y con sentimiento, y también en su faceta de personaje solitario, en las habitaciones de hoteles, en su casa de campo cultivando el huerto o caminando por la montaña, y nunca le vemos en vida de pareja (que parece guardar muy celosamente) aunque sí son bastante emotivas las escenas con sus padres.

Aunque uno no sea entusiasta del músico (yo mismo) seguro que disfrutará de este retrato sincero, bien expuesto y muy ágil. Personalmente me hubiera gustado algo más de su música e intuyo que algunos de los personajes que aparecen fugazmente en la escena final hubieran podido tener un espacio mucho más relevante.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Lucas Nolla, Mario Forniés

Guion: Lucas Nolla, Sepia

Documental

“EL RUGIR DE LAS LLAMAS”. Alrededor del fuego.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

A uno de los personajes de este documental, un trabajador de las brigadas antiincendios, le preguntan por las diferencias entre los fuegos de antes y los de ahora; además de las diferencias consabidas (virulencia, impredecibilidad, tamaño…) añade el sonido y dice que ahora algunos fuegos rugen. La película nos acerca a ese rugido, de una forma valiente, hermosa incluso, pero sin olvidar todo lo que hay alrededor de ese fuego devastador.

Así, forman parte del relato un par de niños que juegan en el monte uno de los cuales está aprendiendo de las actividades propias del entorno, una veterinaria que recorre los montes localizando los caballos salvajes, la gente del pueblo que mira el incendio, trata con los caballos o participa de la extinción, miembros de las brigadas sorprendentemente inmunes al peligro mientras controlan humedad, intensidad y posibles progresos del fuego, mujeres que conversan o grupos de hombres enlazando los caballos para la famosa rapa. Todo ello alrededor de un fuego que hace acto de presencia de manera intermitente pero permanente, un fuego que se filma como si de una obra de arte se tratara, con una fotografía y un encuadre mimados al máximo, con una plasticidad abrumadora que llena largos planos estáticos, hermosos y aterradores.

También se filman de esta manera caballos y ovejas en la libertad del monte o en el encierro de los rediles, los paisajes neblinosos, las montañas soleadas, las calles de los pueblos, los niños jugando, las crías naciendo o la gente en sus tareas cotidianas. Todo en un montaje que no tiene prisa por cambiar de plano, que se niega tozudamente a mover la cámara y que nos deja sumergirnos en cada detalle de cada imagen (no se la pierdan en pantalla grande, si es posible). El resultado es un bonito documental, más sugerente que explicativo, una exposición sin sentencias ni ensalzamientos, que compone el presente de un pueblo, el del sur de Galicia, condenado a vivir con una amenaza cada más fiera.

Estreno: 17 octubre 2025

Dirección: Robin Petré

Guion: Robin Petré

Documental

“FRANÇOIS TRUFFAUT: MI VIDA EN UN GUION”. Las cicatrices de un cineasta.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

No es este un documental al uso, aunque lo parezca, es más bien una especie de diario-repaso de las emociones, traumas y cicatrices de un director que nos habla en primera persona y que hace un ensayo sonoro y visual de lo que debería haber sido sus memorias recuperando las grabaciones que Truffaut compartió con su amigo Claude de Givray antes de su muerte para unas memorias que habían de titularse “El guion de mi vida”.

El documental no sigue una narrativa cronológica pero sí va abordando mediante bloques los aspectos de su vida que resultan más significativos y que más influyeron en una filmografía bastante autobiográfica, arrancando de “Los 400 golpes” en la que se refleja su infancia y la relación con sus padres que fue particularmente desastrosa.

David Teboul, para construir el relato de la vida del director, echa mano de abundante material de archivo, buen número de fragmentos de las películas del director y de cartas personales que Truffaut intercambió con personajes como André Bazin, este, pieza clave en la vida del director y que él consideraba como un padre en el amplio sentido del término.

Vemos una película que se mueve por terrenos de plena intimidad, que adopta un aspecto de confesión y de reflexión personal, y que nos muestra un Truffaut cuyas películas se convierten en mecanismos de superación y de supervivencia. Y así, el espectador pasa a ser el confidente de una figura clave del cine a quien se le invita a dar un paseo por su obra y por su persona.

Una película indispensable para cualquier seguidor de François Truffaut y una buena oportunidad (quizás algo densa) para quien quiera descubrirlo. Yo me quedo con ese personaje que acabó siendo actor en la película de Spielberg y que escribe a sus hijas firmando como Frank Truf; pocas veces se hace un retrato tan humano de un personaje tan ilustre,

Disponible en Filmin

Dirección: David Teboul

Guion: David Teboul, Serge Toubiana

Documental

“KARMELE”. Represalias del franquismo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Uno tiene la sensación de que, de alguna manera, se está potenciando el cine en euskera y producido en Euskadi; hace poco se estrenaba la excelente “Maspalomas”, anteriormente “Jones, a veces”, y ahora nos llega esta “Karmele”.

Se trata de una historia ambientada en la guerra civil española y su posguerra, centrada en el personaje de Karmele Urresti (personaje real), una joven enfermera que sufre la represalia del franquismo a partir de la deserción de su hermano que huye del reclutamiento forzoso de los nacionales. Karmele pasará por Francia, por Venezuela y regresará a Euskadi tras el final de la II Guerra Mundial con la vana esperanza de que unos aliados vencedores acaben con la dictadura de Franco. Karmele también es el nombre del barco del padre de la protagonista, su medio de vida y su gran pasión, un barco que queda varado en dique seco como represión política y que bien puede erigirse como metáfora de un pueblo amordazado, silenciado y, finalmente, sometido.

No cabe duda de las buenas intenciones del film, y de la voluntad de tratar el tema de la represión franquista (de la prohibición de hablar euskera hasta el encarcelamiento y asesinato de disidentes, pasando por la imposición de una cultura en castellano, patriótica y católica) desde un punto de vista actual y en clave vasca; se intuyen, aunque no se mencione explícitamente, el inicio de la lucha armada y el nacimiento de ETA.

Siendo un film interesante y de buena realización, lo encontré algo acartonado, demasiado académico y, aunque ocurren muchas cosas, le falta algo de agilidad y de la intensidad que se espera de un drama de este nivel. Sí que hay un notable esfuerzo en las interpretaciones y en la ambientación, en lo que acaba siendo una cinta interesante, con bastante jugo e incluso necesaria en los tiempos que corren. Personalmente disfruté de las pinceladas de música y danzas populares que aparecen en el tramo que se desarrolla en Francia y que, además de la excusa para universalizar una imagen de un Euskadi con carácter propio, podría haber servido para dotar a la película de un aire mucho más personal.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Asier Altina

Guion: Asier Altuna. Novela: Kirmen Uribe

Reparto: Jone Laspiur, Eneko Sagardoy, Nagore Aranburu, Javier Barandiaran, Paul Berrondo, Iñaki Beraetxe, Asier Oruesagasti

“VIEJA LOCA”. ¿Qué hiciste, abuela?

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un ejercicio de estilo que no le dejará indiferente, una película de terror al estilo de “Misery” pero más castizo y bastante más bruto. Además, una película avalada en la producción por J.A. Bayona y que participa en el festival de Sitges.

Nos cuenta la historia de Alicia (Carmen Maura con medio acento argentino), una mujer con demencia que está empezando a hacer cosas raras. Su hija Laura (Olivia Nuss) está de viaje para llevar a su hija con su padre cuando descubre que la enfermera ha dejado sola a Alicia; es entonces cuando llama a Pedro, su ex (Daniel Hendler) para que vaya a acompañarla mientras ella vuelve. Lo que en un principio era un encargo simple, se convierte en una experiencia aterradora.

La película comienza con una excelente escena en la que Laura conduce con la niña dormida detrás y tiene varias conversaciones telefónicas con Alicia en las que se muestra el deterioro mental de esta a través de un recurso tan simple, divertido y efectivo como la receta de unos alfajores. El resto se desarrolla, prácticamente, en la casa de Alicia a donde llega Pedro.

La película se aguanta en una intensa actuación de Carmen Maura que hace que su personaje, a pesar del exceso y de sus cambios, no caiga en la caricatura o en lo inadmisible; también en un buen respaldo de Hendler, una ambientación muy adecuada y un ritmo que no decae en ningún momento. De esta manera, es fácil dejarse llevar por la trama, aceptar algunos tonos bastante subidos (estamos ante un terror bastante desprejuiciado) y disfrutar de esta propuesta que lleva el tema de la demencia y de la violencia al límite. Para sufrir disfrutándola.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Martín Mauregui

Guion: Martín Mauregui

Reparto: Carmen Maura, Daniel Hendler, Olivia Nuss

“BALA PERDIDA”. Cuidado, muerde.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Parece que a Aronofsky le va eso de coger un personaje, centrarse en él hasta la obsesión y someterlo a todo tipo de perrerías y desgracias. Lo hizo en “El luchador” (2008) con un Mickey Roorke sometido a un nivel casi insoportable de sufrimiento (tanto para él como para el espectador), en “Cisne negro” (2010) con una Natalie Portman sacrificada por la danza, en “Noé” (2014) con un Russell Crowe religiosamente abnegado, o en “La ballena” (2022) con un Brendan Fraser encerrado en su inmensa obesidad. Ahora el turno es de Austin Butler, que interpreta a Hank, un simple camarero que por culpa del azar (materializado en un vecino metido en un asunto ilegal de mucho dinero y su gato) se ve perseguido, apaleado, amenazadas todas las personas que le son cercanas y envuelto en una excesiva y sangrienta espiral de violencia absolutamente apabullante y desmesurada.

La película está basada en la novela de Charlie Huston (que también ejerce de guionista) y uno tiene la impresión de que Aronofsky la leyó con sumo gusto y que se ha divertido lo suyo adaptándola. Lo que ha conseguido es un producto muy bien construido, que sabe trasladar al guion los meandros de la novela y que consigue crear unos personajes que van de lo entrañable a lo absurdo pasando por la demencia, la brutalidad y la caricatura. Se añade, además, un elemento clave, un gato, observador y elemento recurrente que dota a la narración de una ligereza que le va muy bien frente a la brutalidad de lo que se narra; es ese “cuidado, muerde” que se repite en varias ocasiones y que perfila el tono y las intenciones de la cinta.

Una película muy entretenida, de las que te enganchan y que, sin las pretensiones de anteriores productos del director, te ofrece una buena historia muy bien narrada. Yo pasé un rato realmente bueno.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Darren Aronofsky

Guion: Charlie Huston. Libro: Charlie Huston

Reparto: Austin Butler, Zoë Kravitz, Vincent D'Onofrio, Liev Schreiber, Matt Smith, Griffin Dunne, Regina King, Bad Bunny, George Abud, Dominique Silver, Nikita Kukushkin

“MARIO”. Las historias que nos montamos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una comedia, con un puntito de negrura, que nos cuenta la historia de un cumpleaños. El homenajeado es el Mario del título, al que no le vemos hasta bien entrado el metraje; el resto de personajes son su novia Antonia y los invitados al evento: la hermana, el cuñado, el sobrino y el padre de Antonia, una pareja de amigos de Mario y un compañero de trabajo. Cada personaje tiene una característica bien marcada que será crucial para el desarrollo de la trama: Antonia parece tener algunos problemas sentimentales y de relación, su sobrino padece algún trastorno de conducta que marca los intereses y la actitud de sus padres, el padre de Antonia acaba de padecer un ictus y a su limitación física añade una falta total de filtros, los amigos aterrizan en un terreno en el que no entienden nada y el compañero de trabajo parece un tipo tirando a raro.

La película se apunta enseguida al rollo de “aquí pasa algo extraño, las cosas no encajan” y todos (incluido el espectador) se ven inmersos en un juego de apariencias, temores varios, indicios ambiguos, prejuicios y conclusiones tomadas demasiado a la ligera que creerán una beligerancia y una conflictividad cuando menos pintoresca.

Hay que reconocer que el guion está bien trabajado y que resulta fácil dejarse enganchar por las trampas que se nos tienden: uno acaba, irremediablemente, elaborando juicios sobre la situación a partir de lo que se nos cuenta y llegando a ideas que la película se encargará de confirmar que son erróneas. También están muy bien los actores, cada cual con las cadacualadas de su personaje; me quedo con la Antonia que interpreta Gloria March, la novia necesitada, posiblemente el personaje con mayor arco dramático, y con la Julia de Raquel Ferri la amiga que fue ex de Mario y que es una agradable muestra de naturalidad y saber estar.

Se agradece el esfuerzo por ofrecer un final coherente y alejado del tópico, rematado con ese plano final sorprendente y sugerente que invita a seguir construyendo el personaje de Mario. Una obra muy entretenida, compacta, bien hecha y muy disfrutable.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Guillem Miró

Guion: Guillem Miró, Ana Inés Fernández

Reparto: Gloria March, José Pérez Ocaña, Raquel Ferri, Miquel Gelabert, Daniel Bayona, Alba Pujol, Aimar Vega, Jaume Madaula

“TRON: ARES”. Puro envoltorio.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Tercera entrega de la saga “TRON” tras la inicial de 1982 que dirigió Steven Lisberger y que supuso una apuesta bastante arriesgada que se quedó en poco, y su secuela “TRON: Legacy” dirigida por Joseph kosinski, poco más que una fotocopia algo actualizada del original. En las tres aparece Jeff Bridges para comprobar lo bien que le tratan los años.

Este nuevo TRON vuelve a ser una apuesta fundamentalmente visual y a lo grande que parece querer justificarse con alguna reflexión sobre la IA que no va muy lejos: las dos empresas pioneras en el terreno de su desarrollo son representantes de los dos posibles usos de la tecnología, la buena y humana que piensa en las personas, y la mala y bélica que piensa en las ganancias; todo demasiado simple y esquemático, nada de tesis o planteamiento con algo de cuerpo.

Sí que funciona muy bien como película de aventuras, de esas que hay un malo al que batir y unos buenos con los que empatizar; y así como el malo (Evan Peters haciendo de Julien Dillinger sin escrúpulos) es bastante plano y simple, los buenos tienen algo más de sustancia, especialmente Ares, un guapísimo Jared Leto que nos recuerda el dilema de los sentimientos de “Blade Runner”.

Después están el vestuario, los gadgets, las máquinas y los vehículos varios que aciertan a actualizar algunos elementos de la cinta original conservando ese aire ochentero y colocando alguna referencia bastante entretenida, especialmente a costa de los “Depeche Mode”.

Si uno acude al cine sin ninguna pretensión, seguramente saldrá satisfecho de esta película que es más envoltorio que otra cosa; si se le pide algo de profundidad, innovación o sorpresa, la cosa será difícil que funcione.

Estreno: 10 octubre 2025

Dirección: Joachim Rønning

Guion: Jesse Wigutow, Jack Thorne

Reparto: Jared Leto, Jodie Turner-Smith, Evan Peters, Cameron Monaghan, Gillian Anderson, Greta Lee, Jeff Bridges, Hasan Minhaj, Sarah Desjardins, Arturo Castro

“EL CASO FRIEDA”. Matar al hijo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El caso de Frieda Keller fue un sonado acontecimiento en la Suiza de 1904, cuando los derechos de la mujer no existían, las presiones sociales en nombre de la moral eran un verdadero mecanismo de represión y los agresores sexuales salían indemnes porque ni se contemplaba el delito.

La película nos habla de un proceso judicial que fue pionero, que levantó importantes protestas contra las injusticias de género y la pena de muerte, que no sería abolida en el país hasta 1944 (nosotros tardaríamos bastante más). Y lo hace construyendo el relato de una mujer que mató a su propio hijo porque sufrió casi todas las violencias posibles: la machista, la jurídica, la económica y la social. El relato no se centra tanto en los hechos como en la situación que sufre Frieda, costurera humilde, trabajadora, buena persona, mujer angustiada y superada por las circunstancias que se encontró sin salida y sin futuro.

La película acierta a no olvidarse del entorno, de los que la rodean, y se enriquece dando voz y protagonismo a otros personajes: el fiscal que la investiga, la mujer de este que parece tener tanto poder como él y más sentido de la justicia, el abogado defensor que supone una nueva forma de entender el sistema judicial, y otros personajes menores como la hermana y su marido, la directora del orfanato o la compañera de trabajo.

Una película dura, intensa, que sabe encauzar el relato, generar personajes de interés e involucrarnos en el conflicto que plantea. Una revisión histórica para recordarnos que hay progresos que no se deben perder.

Disponible en Filmin

Dirección: Maria Brendle

Guion: Maria Brendle, Robert Buchschwenter, Michèle Minelli, Stephan Puchner

Reparto: Julia Buchmann , Stefan Merki, Rachel Braunschweig, Maximilian Simonischek, Marlene Tanczik , Bigna Körner, Liliane Amuat, Peter Hottinger, Ramona Saluz, Susanne-Marie Wrage

“PARECIDO A UN ASESINATO”. Trocear la historia.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Antonio Hernández, en activo como director desde 1980 en que dirigiera “F.E.N.” (si usted sabe a qué se refiere esa Formación del Espíritu Nacional es que tiene sus añitos), con una extensa obra más bien poco relevante (quizás se recuerde “Lisboa” de 1992, “En la ciudad sin límites” de 2002 o la versión del Capitán Trueno de 2011), nos ofrece una adaptación de la novela de Juan Bolea con guion de Rafael Calatayud Cano (“Puntos suspensivos”). Nos cuenta la historia de Eva (Blanca Suárez), su nueva pareja Nazario (Eduardo Noriega) un escritor de éxito y la hija de este, Ali (Claudia Mora). El aparente momento feliz se ve perturbado por la aparición de José (Tamar Novas) exmarido de Eva, policía posesivo y violento cuya relación le ha dejado un verdadero trauma. Se añade, además, la dolorosa muerte de la madre de Ali y un comportamiento misterioso y difícil de la joven.

Supongo que tomado de la estructura de la novela, la historia se nos cuenta desde tres perspectivas diferentes que se unen en la escena de la fiesta de cumpleaños de Nazario. Inicialmente, y la que sienta la base del relato, es la historia de Eva, centrada fundamentalmente en la relación con su hijastra y el aparente acoso a que la está sometiendo José; después se añade información relevante a través de Nazario y se acaba con la que aporta Ali y que supone el giro final de la historia. No es del todo un cambio de perspectiva, más bien es una forma de dosificar la información y hacer que el espectador entre en este juego de posibles culpables que finalmente resulta bastante sorprendente (o no). Si como espectador te prestas al juego, puede acabar realmente intrigado y preguntándote donde está la maldad y quien es o no culpable.

Hernández dispone de todos los elementos para ofrecer una película de las que dejan huella, empezando por un elenco de primera fila y acabando por una trama bastante bien elaborada. Pero no logra dirigirlos y compactarlos con estilo propio ni crear la atmósfera malsana y perturbadora que se requeriría; aún así, me parece una obra correcta y entretenida, un ejercicio habilidoso de artesano profesional con mucha escuela.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Antonio Hernández

Guion: Rafael Calatayud Cano. Novela: Juan Bolea

Reparto: Blanca Suárez, Eduardo Noriega, Tamar Novas, Claudia Mora, Marian Álvarez, Raúl Prieto, Joaquín Climent, Andy Povega, Susana Merino

“LA SOSPECHA DE SOFÍA”. A vueltas con la guerra fría.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La verdad es que de un cineasta tan experimentado como Imanol Uribe y con títulos en su haber como “Días contados” o “La muerte de Mikel” era de esperar un producto mucho más elaborado, intenso y apetecible. Pero no ha habido suerte.

La película nos cuenta la historia de Daniel y Klaus, dos hermanos gemelos separados de bebés y que el destino y las circunstancias políticas los hacen coincidir en plena guerra fría. Daniel pertenece a una familia burguesa de la España franquista y Klaus a una humilde de la RDA de la represión, el control y el poder desproporcionado del estado. Alrededor de los personajes principales se conforma una trama de intrigas, espionajes y suplantación de identidades que podía haber dado para una historia truculenta, de esas de mecanismo de relojería que encajan sus múltiples piezas y juegan con el espectador, con lo que sabe, lo que ignora y lo que siente. Pero no ha habido suerte.

El mecanismo, definitivamente, no funciona, las piezas encajan a golpe de guion, los personajes no están dotados de hondura, la trama resulta simple y poco tractiva y uno no sabe muy bien cual es el objetivo del relato. El tema de guerra fría no se trata con una mínima profundidad, las motivaciones de los personajes (especialmente las de Klaus) resultan en ocasiones bastante confusas, el asunto de las adopciones ilegales es más una excusa que un tema, y todo se desarrolla con una cadencia y una atmósfera propia de un serial de tarde.

Por cierto, la sospecha del título me pareció irrelevante.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Imanol Uribe

Guion: Gemma Ventura. Novela: Paloma Sánchez-Garnica

Reparto: Álex González, Aura Garrido, Irina Bravo, Yaiza Guimaré, Daniel Kovacs, Mario Leon, Zoe Stein, Arturo Martínez Vázquez, Carmen Molinar, Carla Pastor, Stefan Weinert

“DOLORES IBARRURI. PASIONARIA”. De vida y de lucha.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Dolores Ibárruri, la Pasionaria (1895-1989), política española, secretaria general y presidenta del Partido Comunista de España, primera mujer en dirigir un partido político y una de las figuras claves en la historia social y política de España.

El documental es un repaso profundo y exhaustivo de Pasionaria como pieza clave en las movilizaciones sociales, en la lucha antifranquista, en la de los derechos de la mujer y en la legalización del PCE tras la muerte de Franco. Pero tampoco olvida el aspecto humano del personaje y se esfuerza en retratarnos su vida familiar, sus relaciones personales y, en general, su visión del mundo; para ello utiliza el testimonio de gente que la conoció y, especialmente, el de su nieta Lola que nos ofrece esa visión humana y entrañable. Todo ello contribuye a que el documental se convierta en un sentido homenaje y que tenga algunos momentos realmente emocionantes.

También participan en la película expertos universitarios, su biógrafo, políticos, escritores, personas que trabajaron con ella e incluso Julieta Serrano. Además de imágenes de archivo que ayudan a contextualizar y dibujar aspectos de la época, se echa mano de unos cuantos temas musicales, muy reconocibles y en versiones muy interesantes, y de diferentes poemas, de Lorca, Alberti o Machado, que proporcionan a la cinta un aire muy delicado, más profundo y mucho más sensorial.

Sin ofrecer grandes novedades a nivel cinematográfico, la película presenta una factura impecable, un buen montaje y un excelente tratamiento de las voces y las músicas. Un documental muy valioso que pone de manifiesto toda una vida y toda una lucha en pro de las mejores laborales para los trabajadores, de las libertades individuales y de los derechos de la mujer; algo muy valioso en esta época en que el auge de la extrema derecha nos indica que andamos bastante mal de memoria y peor de conciencia social y de clase.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Amparo Climent

Guion: Amparo Climent

Documental

“LA DIVINA SARAH BERNHARDT”. Extraño biopic.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película que, da la impresión, está pensada para el lucimiento de Sandrine Kimberlain, para demostrar que es una actriz de registros capaz de ir más allá de las comedias francesas en las que la hemos visto hasta ahora; y es, repito, solo una impresión.

La película aborda la vida de Sarah Bernhardt, actriz de teatro y cine, lasmás famosas de finales del siglo XIX y principios del XX (su funeral congregó a seiscientas mil personas en París en 1923), pero no con ánimo de biopic que nos explique su vida, sino con el afán de hacer un retrato de mujer adelantada a su tiempo, independiente, haciéndose valer en un mundo de hombres, desinhibida y libre en sus actitudes sexuales. Para situarla en contexto, aparecen a su alrededor personajes como Freud o Emile Zola pero no hay un retrato de la época más allá de los decorados y el vestuario (ambos excelentes en un esfuerzo notable de dirección de arte que le valieron dos nominaciones a los premios césar). Lo que acaba interesando en la película es la historia sentimental (y al parecer bastante contradictoria) con sus diversos amantes (alguna mujer incluida) y especialmente con Lucien Guitry y con su hijo.

La película se mueve en tres épocas: 1915, 1896 y 1886, pero ello no proporciona una narrativa más rica, más bien al contrario. Y es que uno tiene la sensación de que a Nicloux le faltan datos, que se mueve siempre alrededor de un único personaje que no evoluciona y que, finalmente, le sobra armazón para tan corto mensaje. Kiberlain pone fuerza y entusiasmo, y los secundarios están correctos pero muy vacíos, lo que hace que al relato le sobre entusiasmo y le falte encanto. Y si buscas a la figura histórica de la actriz tampoco la vas a encontrar, solo una primera escena interpretando “La dama de las camelias” y otra ejerciendo de directora, poca cosa para una figura tan importante.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Guillaume Nicloux

Guion: Nathalie Leuthreau, Guillaume Nicloux

Reparto: Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Amira Casar, Pauline Etienne, Mathilde Ollivier, Laurent Stocker, Grégoire Leprince-Ringuet, Clément Hervieu-Léger, Sébastien Pouderoux

“MÜNTER Y EL AMOR DE KANDINSKY”. Pintores revolucionarios.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Quien más y quien menos conoce, o ha oído hablar, de Vassily Kadinsky (1866-1944), pintor ruso, teórico de arte, precursor del arte abstracto y cofundador del grupo de artistas “El jinete azul”. A quien seguramente no se conocerá es a Gabrielle Münter (1877-1962) pintora y fotógrafa alemana, también creadora del movimiento “El jinete azul” y que desarrolló un estilo abstracto propio. Münter y Kandinsky (ese el título original) fueron pareja hasta que la I Guerra Mundial obligó a Kandinsky a volver a Rusia.

La película nos presenta a Ella Münter (una juvenil y fresca Vanessa Loibl) su relación un tanto tumultuosa y difícil con el pintor ruso, su participación en el movimiento de lo abstracto que supuso toda una revolución cultural y los años que vivió sola y escondió buena parte de la obra de Kandinsky de unos nazis que lo expoliaban todo.

“Münter y el amor de Kandinsky” es una película de aire pretendidamente clásico, académica en su planteamiento (el director tiene en su haber un buen número de películas pata TV y de series), bastante plana y penosamente larga (sus 122 minutos de metraje llegan a hacerse pesados y repetitivos). Uno sale del cine con la sensación de que falta sentimiento y profundidad y que todo se podía haber narrado con una mayor economía. La película tiene, eso sí, una acertada y trabajada ambientación y sus actores cumplen con creces (muy agradable la aparición de Marianne Sägebrecht a la que hacía mucho que no veíamos).

Una película que gustará a los amantes del cine de época, pero que se queda algo corta como retrato de estos pintores (burgueses) que iban de revolucionarios y rompedores.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Markus Rosenmüller

Guion: Alice Brauner

Reparto: Vanessa Loibl, Marianne Sägebrecht, Vladimir Burlakov, Monika Gossmann, Felix Klare, Sidsel Hindhede, Julian Koechlin, Hendrik Heutmann, Bruno Eyron, Peter Rappenglück

“MALEFICIO (LA REGLA DE OSHA)”. Un puzle que no encaja.

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Cuando tienes una producción de bajo presupuesto y no quieres que haga aguas por todos los costados, hay que dotarse de una idea ingeniosa, un guion bien armado, unas actuaciones convenientes, un montaje bien medido y algo de ingenio que compense la falta de medios. No es aquí el caso.

“Maleficio” es un pastiche de diferentes piezas (ninguna de ellas particularmente original) que no logran encajar unas con otras, a saber: una profesora que trabaja en un centro ocupacional y que arrastra un trauma personal; un joven miembro de una banda que se mueve en el negocio de la droga; la hermana pequeña de este, a su cuidado desde que muriera la madre de ambos; y una especie de secta que dirige las bandas y que hace magia negra. Como proceso de aceptación del protagonista en el grupo, se hace un ritual que provocará la presencia de seres malignos y la posesión de la hermana pequeña por el demonio correspondiente.

La cuestión es que se podía haber sido una película interesante, incluso divertida y/o con cierto contenido social, pero uno asiste a la proyección desde una insalvable lejanía y entre la perplejidad de la osadía y el desencanto de cuando casi nada funciona.

Las piezas, que inicialmente parecen atractivas, no encajan, y para cuando la película se convierte en el producto de terror que aspira a ser uno ha perdido todo el interés y la cinta toda credibilidad. Las actuaciones son más bien flojas y los personajes carecen de entidad y de fuerza. La trama no termina de arrancar y es incapaz de atraparnos. No hay ritmo, ni atmósfera ni sorpresa. Todo queda en un producto bienintencionado, fallido, de película de sobremesa para ver y olvidar.

Estreno: 3 octubre 2025

Dirección: Ángel González

Guion: Ángel González, Sara Vicente Laguna

Reparto: Mariela Garriga, Blas Polidori, Édgar Vittorino, Noakis Salazar, Felipe Londoño, Adil Koukouh, West Dubai

“MASPALOMAS”. Vejez y sexualidad.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La sexualidad en la tercera edad no es un tema fácil de abordar, el que y el como permiten poco margen de maniobra y el porqué acostumbra a ser difícil de encontrar. Los Moriarti (el grupo formado por Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño que se reparten las funciones en las películas que producen y dirigen: “Loreak”, “Handia”, “La trinchera infinita”, “Marco”) ya abordaron el tema en su primeriza “En 80 días” (2010) en la que Axun, una mujer de 70 años descubría el amor lésbico en el reencuentro con una amiga de la adolescencia.

En “Maspalomas” también encontramos un septuagenario, Vicente (un espléndido José Ramón Soroiz) que vive en Maspalomas (ya se sabe, el paraíso gay de las Islas Canarias) con su amigo Ramón. Vicente salió del armario cuando tenía 50 años y se enamoró de Esteban con el que estuvo viviendo 25 años, ahora su relación se ha roto y está algo perdido. Durante la primera media hora de metraje vemos a Vicente deambular en busca de sexo, tomar el sol, salir, no hacer nada… hasta que un ictus lo deja bastante tocado y ha de regresar a una residencia de San Sebastián cerca de su hija Nerea (una también soberbia Nagore Aranburu) a la que no ve desde hace 25 años. El grueso de la película lo conformará la relación con ella, con su compañero de habitación, Xanti (Kandido Uranga que no desmerece de sus compañeros de reparto) y, sobre todo, consigo mismo.

La película se convierte, así, en el retrato de un hombre que después de salir del armario tiene que volver a encerrarse en él y a enfrentarse a ese pasado en el que abandonó a su familia por aferrarse a esa identidad que ahora vuelve a esconder. El personaje, lejos de simplificarse en uno o dos aspectos significativos, se nos ofrece con una excelente y hermosa complejidad en la que se mezclan deseos, sentimientos de culpa, miedos, afectos y desafectos. Un retrato que se refuerza con el de las personas que lo rodean y que lo complementan y lo enriquecen: Nerea que asume el cuidado de su padre en una relación áspera y difícil pero no exenta de cariño; Xanti que se nos presenta como la otra masculinidad (heterosexual, machista, votante de Vox…) pero que evoluciona y acaba mostrándose como la persona sencilla y honesta que es; e incluso personajes mucho más pequeños como Iñaki, su inicial asistente y también gay, su amigo Ramón que lo acoge en su casa incondicionalmente, la psicóloga de la residencia o el nieto que encuentra casualmente; todos forman un universo alrededor de Vicente que nos ayuda a entenderlo y empatizar con él.

Una película valiente, valiosa, de esas que te llevas a casa y que se te quedan en la retina; un retrato algo áspero y emocionante, que no duda en llamar a las cosas por su nombre pero sin caer en la pornografía sentimental, el discurso fácil o la superficialidad de sentimientos mal entendidos. Aquí, y hay que aplaudirlo, senectud y sexualidad encajan con sencillez, elegancia y rotundidad.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: José Mari Goenaga, Aitor Arregi

Guion: José Mari Goenaga

Reparto: José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga, Zorion Egileor, Kepa Errasti

“EL VENGADOR TÓXICO”. Más que un remake.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Si no conocen la franquicia, o la tienen muy lejana, les aconsejo que antes de ver esta película revisen el original, el que dirigieron Michael Herz y Lloyd Kaufman en 1984 y que se puede ver en youtube. Recordar también que hubo tres entregas más (“El vengador tóxico II”, “El vengador tóxico 3: La última tentación de Toxie”, las dos de 1989, y “El vengador tóxico 4: Ciudadano Toxie” de 2000) todas ellas dirigidas por la pareja Herz y Kaufman excepto la 4 que la firmó en solitario Kaufman y que en esta actual hace funciones de producción y de fotografía.

Más que un remake, se propone una actualización donde las referencias directas al original son más bien pequeños guiños a un espectador ya metido en arena: el inicio es prácticamente idéntico, el protagonista sufre deformaciones similares, utiliza el mismo tema musical… pero las diferencias son notables. Por supuesto, el presupuesto es bastante más amplio y el aspecto “cutre” es más cuestión de estilo que de necesidad, se han suprimido elementos ochenteros que ahora encajarían mal (el gimnasio desparece y con él las chicas en bikini, los malos atropellando niños o el protagonista haciendo de idiota baboso) aunque la banda sonora mantiene ese mismo estilo, se han introducido elementos que den cierto sentido a lo narrado (el papel de la familia, el tema de la ecología o los abusos de las grandes empresas…) y, como viene siendo habitual, las mujeres tienen un papel más activo y significativo.

Así, queda una película con un guion bastante bien armado, unos personajes tirando a  la caricatura grotesca pero de dibujo más que aceptable, un estilo ochentero que se aprecia bastante actual y un grupo de actores que aguantan sus difíciles personajes. Si la película está o no en su punto justo, si abusa o no de efectos, escatologías y salidas de tono, o si el humor es el adecuado y acaba teniendo gracia o resulta insípida, es algo que cada espectador tendrá que decidir por sí mismo. Personalmente, y sin ser muy amigo del género, me ha parecido una película digna, bastante entretenida, con algunos puntos de humor acertados y, sobre todo, una pieza simpática, que no se toma en serio a sí misma, que logra captar lo más interesante del espíritu original al que se homenajea con cariño y cierto desparpajo. En palabras del crítico del New York Times: "Una parodia gonzo moderna, sangrienta, divertida y segura de su propia ridiculez".

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Macon Blair

Guion: Macon Blair. Personaje: Lloyd Kaufman, Joe Ritter

Reparto: Peter Dinklage, Jacob Tremblay, Taylour Paige, Kevin Bacon, Elijah Wood

“RELAY”. Enfrentarse a los grandes.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

David Mackenzie

 (“Comanchería”) dirige un artefacto muy efectivo en el que prima un tono comedido, bastante frío, pero que engancha y dota a la película de un aire elegante y un suspense bastante atractivo.

Ash (Riz Ahmed) es un negociador solitario especializado en hacer que las empresas con manejos ilegales a sus espaldas dejen en paz a empleados que se han hecho con documentación comprometedora. La película nos introduce en el asunto con una primera escena, magnífica, en la que logra un acuerdo definitivo y seguro entre un trabajador y una empresa farmacéutica que se ha saltado algunos protocolos de investigación. Después hace su aparición Sarah, una joven que tiene en su poder pruebas de la ocultación de efectos secundarios en una experimentación con cereales. El grueso del metraje se centra en este caso y en la relación que se establece entre Sarah y Ash, hasta el giro final, que no desvelaré y que resulta bastante ingenioso y efectivo.

Siendo una película de género, un ejercicio de estilo, se agradece el dibujo de los personajes protagonistas y las actuaciones de Riz Ahmed, que llena ese espacio de soledad en el que se mueve, y de Lilly James que nos hace cercana y entrañable la vulnerabilidad de Sarah.

Un thriller conspiranoico que lanza sus dardos contra la omnipotencia de las grandes empresas, su despreocupación por el bien social, e incluso las consecuencias que sus actividades ilegales y/o inmorales pueden tener en sus empleados y la población general. Una película muy entretenida, de las que te atrapan y dejan muy buen sabor de boca, como en “Comanchería”.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: David Mackenzie

Guion: Justin Piasecki

Reparto: Riz Ahmed, Lily James, Sam Worthington, Willa Fitzgerald, Jared Abrahamson, Pun Bandhu, Eisa Davis, Matthew Maher, Seth Barrish,

“SIGUE VOLANDO”. La mujer infiel.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Cuenta esta película la historia de una mujer casada, Wataka, que tiene una aventura con otro hombre. Suelen verse los jueves, o se van de gampling (una combinación de las palabras "glamour" y "camping", que se refiere a una forma de acampar con un nivel de lujo y comodidad muy superior al del camping tradicional) el fin de semana. Tras una de esas escapadas el amante es atropellado y muere. A partir de aquí surge el duelo, las emociones y la realidad con su marido, su amiga o la familia de su amante.

Quizás demasiado lenta, descoloca que gente que son pareja no se toquen, casi ni se miren y ello hace que no terminemos de entrar en la historia de amor e infidelidad que se nos propone. Todo queda bastante extraño y uno (desde la perspectiva de una cultura occidental en la que abrazos, besos, caricias y contactos en general resultan esenciales en una relación y en una historia de amor) asiste al relato con cierto desconcierto y sin llegar a entender lo que mueve a sus personajes ni lo que sienten en cada momento.

La sobriedad, lo estático y los silencios marcan una historia más preocupada por los encuadres bonitos de los lugares que recorre que por la profundidad en el dibujo de personajes y situaciones. Así, queda una película elegante, abrumadoramente sencilla y con cierto encanto que se llevó el premio Luna de Valencia en el festival Cinema Jove de 2024.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Takuya Katô

Guion: Takuya Katô

Reparto: Mugi Kadowaki, Shota Sometani, Haru Kuroki, Kentaro Tamura, Kanji Furutachi

“LA ASTRONAUTA”. Cuarentena.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Segundo largo de la también actriz y guionista Jess Valery (“Phobias”, 2020) en el que aborda un thriller de ciencia ficción a través de la historia de Sam (una entregada Kate Mara que aguanta con notable el peso de la película), una comandante de la NASA que regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial: en la maniobra de entrada a la Tierra se perdió el contacto y se le ha rescatado con el casco roto pero con vida. Sam se somete a cuarentena en una casa aislada y de alta seguridad donde se darán cita fenómenos extraños y, aparentemente, destructivos.

“La astronauta” es una de esas películas pensadas desde su final, en las que todo el desarrollo está calculado para desembocar en ese desenlace sorprendente que te ha de dejar, cuando menos, asombrado/a. La fórmula narrativa es válida, desde luego, pero se requiere construir con habilidad esa parte inicial que envuelva al espectador, crear la atmósfera y el cuerpo de la resolución y aportar los datos necesarios para construir con fuerza el relato; en este caso lo que se hace, más bien, es esconder información, tener al espectador en ascuas y, aunque funciona, no deja de ser una trampa en la que cabrá casi cualquier final.

Aparte de eso y de algunos detalles que se le escapan a un guion no demasiado elaborado (no entendemos que Sam se quede sola en la casa, o que su exmarido y su hija acudan de noche a una zona de seguridad, por ejemplo) la película es entretenida, resulta fácil dejarse enganchar por la trama (Mara y Fishburne ayudan lo suyo, sin duda) y la resolución resulta, realmente, sorprendente e interesante.

Intenta la película crear un mundo sonoro potente (me da que se acerca más a lo estridente) para suplir la falta de recursos visuales en la primera parte (¿cuestión de presupuesto o de falta de imaginación?) que la acercan al terror y que ayuda a salir con esa sensación de película tramposa y algo perezosa.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Jess Varley

Guion: Jess Varley

Reparto: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Reza Diako, Ivana Milicevic, Macy Gray, Scarlett Holmes

“SKETCH. CUIDADO CON LO QUE DIBUJAS”. Dibujar el dolor.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Si uno se deja llevar por la publicidad de esta película, es decir, el estilo ochentero del póster, el subtítulo que han añadido en el título en castellano (el original es un escueto “Sketch”) o lo que nos vende el tráiler, posiblemente se acerque a la sala esperando una de aventuras infantiles con dibujitos incluidos. Y algo de eso hay en la película: bastante del espíritu infantil y juguetón de Spielberg, otro poco del de Joe Dante y, por supuesto, unos dibujos que en algún momento se convierten en protagonistas de la función. Pero, lejos de ser un producto meramente infantil, la película opta por acercarse al cine de terror, no renuncia a la parte más oscura de la propuesta y aunque finalmente se impone un tono más suave y asequible, no seré yo quien la recomiende para ir con las criaturas, al menos las más pequeñas.

La protagonista es una familia que ha perdido a la madre y que todavía no ha superado el duelo: el padre (un Tony Hale encantador) intenta pasar página quitando fotografías y recuerdos, el hijo mayor, Jack (Kue Lawrence) aporta el papel maduro de un adolescente sereno y Amber (Bianca Belle) es la hermana que canaliza sus miedos y su dolor a través de dibujos que hace en una libreta y acabarán haciéndose reales mediante los “poderes mágicos” del agua de un estanque cercano a su casa.

Tras una primera parte en la que se nos presentan personajes y situación y la música parece indicarnos que es una cinta de terror, la película parece querer decantarse por la aventura infantil en la que un grupo de niños han de enfrentarse a las nuevas criaturas, pero el guion nunca se olvida de los personajes que ha creado, incluidos los adultos, y parece más interesado en utilizar los bichos amenazantes como excusa para hablar de ese duelo y de la forma de abordarlo. Así, uno asiste a un espectáculo un tanto peculiar, en el que lo fantástico se cuela en un tono natural que nunca desaparece y todo queda bajo una capa de humor ligero y pesadilla para todos los públicos.

Queda una película muy interesante a la que es conveniente acudir sin ninguna idea preconcebida, ponerse el espíritu del niño que todos llevamos dentro y dejarse llevar por esa atmósfera de polvos de tiza, bestias pintadas a la cera y trazos de rotulador que acaban cogiendo forma. Una película bien escrita, bien planificada y con unos jóvenes actores y actrices que resultan (en la versión original) francamente estupendos. Una recomendable fábula sobre el duelo y el dolor para todos los públicos.

Estreno: 26 septiembre 2025

Dirección: Seth Worley

Guion: Seth Worley

Reparto: Tony Hale, D'Arcy Carden, Bianca Belle, Kue Lawrence, Kalon Cox, Jaxen Kenner, Genesis Rose Brown, Randa Newman, Allie McCulloch, Nadia Benavides, Dajanae Cole, Josh Inocalla

“LA PRIMERA ESCUELA”. La maestra.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

El título original de esta película es “Louise Violet”, el nombre de la protagonista (una potente Alexandra Lamy), una mujer que ha sido “castigada” a hacerse cargo de una escuela (la del título español) perdida en la montaña. El recibimiento por parte de los lugareños es hosco y desconfiado, casi violento, y en un principio la recluyen en un establo húmedo y frío. Como es de suponer, Louise Violet tendrá que ganarse la confianza de una gente que considera la educación de los hijos como algo inútil y a los niños y las niñas como mano de obra indispensable para una economía de supervivencia.

Lo bueno de la película es que no tira de varita mágica para ir sorteando las trabas que encuentra, lo hace a través de la evolución del personaje del alcalde (un inmenso, como siempre, Grégory Gadebois) que ve en Louise la posibilidad de mejorar su situación vital. También es importante el dibujo que hace de Louise como una mujer fuerte, de ideas claras, que no está dispuesta a hacer determinadas concesiones y que tiene un pasado terrible y doloroso que descubriremos ya entrado el metraje. Las buenas actuaciones de Lamy y Gadebois, el buen tratamiento que hace de los niños, una ambientación muy cuidada, unos diálogos ajustados y un paisaje precioso hacen de “La primera escuela” una película de ameno visionado, que nos acaba interesando, centrada más en el empoderamiento de la mujer que en valores pedagógicos, y que tiene ese agradable aroma de cine clásico, sin estridencias, del que engancha; en la línea de “Las cosas sencillas” (2023) y sobre todo “Delicioso” (2021) las dos películas anteriores de Éric Besnard.

Estreno: 19 septiembre 2025

Dirección: Éric Besnard

Guion: Éric Besnard

Reparto: Alexandra Lamy, Grégory Gadebois, Jérôme Kircher, Jérémy Lopez, Patrick Pineau, Annie Mercier

“UN GRAN VIAJE ATREVIDO Y MARAVILLOSO”. El amor y las puertas.

F. Lorza                                                                                                           www.fueradecampo.cat

Es esta una curiosa propuesta que, tras su visionado, uno no sabe si valorar la osadía del formato aplicado a lo que debía haber sido una clásica historia de amor romántico, o considerar que intenciones y resultados se han quedado en posiciones muy alejadas y que la cinta peca de presuntuosa y de vacía. Un dilema que me parece de difícil resolución así es que, si la ven, seguro que su posición como espectador decantará la balanza.

Se nos cuenta la historia de Sarah (Margot Robbie) y de David (Colin Farrell), dos personajes que se encuentran en una boda tras pasar por una muy peculiar y surrealista agencia de alquiler de coches en la que les han dado dos modelos bastante viejos con un GPS que les conducirá al viaje atrevido y maravilloso del título a través de diferentes puertas que se convierten en pequeños y reveladores viajes en el tiempo.

La idea de arranque es interesante, sin duda, y Kogonada no cae ni en los tópicos de la ciencia ficción (los saltos en el tiempo están dados con una naturalidad deliciosa y sin ningún tipo de efecto especial) ni en los de la comedia romántica tipo “chico encuentra chica…”.

La película resulta, cuando menos, interesante y novedosa y, aunque puede resultar algo fría y distante, personalmente agradezco que las muestras de efusividad afectiva y de enamoramiento sean sustituidas por un suave enfrentamiento de caracteres y, sobre todo, ese repaso a unas vidas un tanto insatisfactorias en las que han dominado los desengaños, los escudos emocionales y las insatisfacciones.

Me ha parecido fabuloso esa capacidad que ha demostrado Kogonada para ensamblar los elementos realistas con los fantásticos para que aceptemos el juego sin reparos y lo importante sea el valor simbólico de cada “truco”. El resultado es algo irregular: hay escenas que no terminan de estar bien resueltas (la conversación inicial en la boda, la escena en el mirador desde donde se ve el planeta…), otras realmente bien construidas e incluso impactante que elevan el tono y la calidad de la cinta (la obra de teatro en el instituto, la reunión con los ex de cada uno de ellos en el bar…), y otras demasiado lentas o repetitivas (la de Sarah con su madre fingiendo ser mayor, la de David en el papel de su padre hablando consigo mismo de adolescente…). Mención especial tendría esa agencia de alquiler de vehículos a la que va a parar David regida por una contundente Phoebe Waller-Bridge y un irreconocible Kevin Kline.

Así, “Un gran viaje…” se convierte en una película sobre el deseo, los errores cometidos y la soledad, y en un viaje a esos momentos del pasado que marcaron la vida posterior de sus personajes. Una propuesta que pretende ser atrevida y maravillosa como reza el título pero que, sin perder interés, se queda algo corta en su propósito. Una película estimable que se puede disfrutar.

Estreno: 19 septiembre 2025

Dirección: Kogonada

Guion: Seth Reiss

Reparto: Margot Robbie, Colin Farrell, Phoebe Waller-Bridge, Kevin Kline, Lily Rabe, Billy Magnussen, Yuvi Hecht, Shelby Simmons, Jodie Turner-Smith, Sarah Gadon, Lucy Thomas, Brandon Perea, Hamish Linklater

“ONE HAND DON’T CLAP”. Calypso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Podríamos resumir que la música calypso tiene principalmente tres características: es originaria de Trinidad y Tobago y tiene su verdadero origen en los primeros esclavos de las plantaciones de caña de azúcar de la isla; tiene un ritmo muy peculiar que utiliza unos curiosos tambores fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados llamados steelpan que en realidad son idófonos (producen sonido por la vibración del metal); tienen letras muy creativas, muchas veces improvisadas, que abordan temas muy variados. Si todavía no se hacen una idea, recomiendo echarle una ojeada al tráiler del documental o escuchar el tema “Sugar Bum Bum de Lord Kitchener, una de las figuras más destacadas del estilo y con una presencia fundamental en el film.

“One hand don’t clap” se desarrolla a través de las conversaciones y de las actuaciones de dos cantantes fundamentales de Trinidad y Tobago: Lord Kitchener y Calypso Rose. El primero, de casi 70 años cuando se rodó, es el principal difusor de esta música, principalmente en el Londres de los años 40, y la segunda, algo más joven, fue la primera estrella femenina del estilo con sus letras llenas de temas sociales y reivindicativos. El documental es de 1991, lo que se nota sobre todo en su factura visual y en su estilo de montaje, pero sigue siendo interesante, especialmente en una época en que los nuevos estilos musicales parecen tener mucho interés por recuperar ritmos, melodías y espíritus anteriores.

Quizás lo que más sorprende es que es una película que no solo está cargada de canciones sino que estas se ofrecen íntegramente, haciendo que una buena parte de sus ajustados 92 minutos sean temas íntegros como si estuviéramos asistiendo a un concierto. Se echa en falta (aunque quizás no) un poco más de didactismo, de indagación en la historia y el contexto social; particularmente me hubiera encantado una pequeña lección sobre esos steelpan tan peculiares de sonido vibrante y vertiginoso.

Un documental interesante de recuperar, para disfrutar del ritmo del calyso y echar una ojeada a una música que quizás no se escuche pero que sigue viva.

Estreno: 19 septiembre 2025

Dirección: Kavery Kaul

Documental

“AFTERBURN (ZONA CERO)”. Misión Mona Lisa.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La premisa de esta película posapocalítica no es nueva, aunque tampoco es demasiado manida: una erupción solar ha acabado con la tecnología de todo el globo, lo que supone que nada funciona, que no hay electricidad y que el mundo ha pasado a manos de maleantes y gentes sin escrúpulos; el pelín diferente reside en un personaje que se ha autonombrado rey y que pretende volver a reconstruir la sociedad y que el leitmotiv de la cinta es el intento de recuperación de una obra de arte, concretamente la Mona Lisa. Pero no animarse, la cinta no despega como propuesta original y acaba cayendo en todos los tópicos de la película de aventuras en la que el bueno que todo lo logra acaba consiguiendo su objetivo y castigando al malo muy malo; queda, eso sí, algo más ambiguo el personaje de King August (Samuel L. Jackson) que nos deja en la duda de si realmente tiene intenciones misántropas o acabará siendo un Volkov (Kristofer Hivju haciendo de villano) de los muchos que parece ser quedan tras la tragedia.

El bueno de la función es Jake, un Dave Bautista que intenta ofrecer una actuación algo más matizada pero, ya se sabe, el guion tampoco es que ofrezca mayor profundidad y el actor acaba haciendo lo de siempre, dar muchos mamporros y sufrir con dignidad. Olga Kurylenko encarna a Drea, la chica protagonista que acompaña a Jake y, como tampoco se le pide más, acabada siendo una presencia luminosa, físicamente potente y llenando el cupo de femineidad que toca. Hay también un notable esfuerzo por ofrecer unos decorados creíbles, que funcionan bastante bien en terreno urbano pero que se quedan bastante cortos cuando se abre el foco y se nos dan perspectivas generales de espacios naturales abiertos (demasiados árboles para un mundo arrasado por una erupción solar, me parece).

La trama es todo lo previsible que acostumbran a ser en el género y, por supuesto, las escenas de acción en las que abundan las persecuciones al límite de lo verosímil, los tiroteos, las luchas cuerpo a cuerpo y las explosiones a cámara lenta con los protas alejándose caminando del escenario, son finalmente el meollo y sustancia de la propuesta.

Una película que no aporta nada nuevo, que tiene, al menos, una factura correcta y que no engaña a nadie, es lo que se promete desde un principio. Si no se le pide lo que no da, puede resultar incluso entretenida.

Estreno: 19 septiembre 2025

Dirección: J.J. Perry

Guion: Nimród Antal, Scott Chitwood, Paul Ens, Matt Johnson

Reparto: Dave Bautista, Olga Kurylenko, Kristofer Hivju, Samuel L. Jackson, Daniel Bernhardt, Eden Epstein, George Somner, Phil Zimmerman

“ANGELO EN EL BOSQUE MISTERIOSO”. Imaginación al poder.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Vincent Paronnaud codirigió junto a Marian Satrapi, en 2007 la valiosa “Persépolis” a partir de un cómic de la segunda y que se llevaría el premio del jurado en el festival de Cannes de ese año. Ahora, y juntamente con Alexis Ducord lleva a la pantalla una adaptación de su propio cómic sobre un niño de 10 años que tira de imaginación para escaparse del mundo real y ser un verdadero protagonista en el inventado.

El Angelo del título tiene una familia bastante convencional: una madre que tiene que estar en todo, un padre buenazo pero desastroso cuidador, un insufrible hermano mayor adolescente que solo sabe agredirle y un hermano pequeño, todavía bebé. Ante el anuncio de una grave enfermedad de la abuela, personaje con el que Angelo tiene un fuerte vínculo, inician un viaje en coche para ir a verla, pero se dejan a nuestro protagonista en una gasolinera y ahí iniciará un camino hasta casa de la abuela que lo llevará por el bosque, mágico más que misterioso, del título. Así, pasaremos de las ilusiones de un Angelo que se imagina como un gran superhéroe musculoso y decidido, a un niño que se las verá con variadas criaturas del bosque y un malvado empeñado en destrozarlo.

La trama no presenta demasiadas novedades y se apunta a ese cine de buenas intenciones en que se potencian valores como la ecología, el valor de la cooperación, la defensa de la naturaleza, los peligros de una codicia desmedida o la importancia y la necesidad de los arraigos familiares.

Ducord y Paronnaud lo escenifican con mucha ilusión, con buen ritmo y lo enriquecen con elementos muy atractivos que hacen que la película resulte muy entretenida e interesante incluso para un público adulto: la ardilla que quiere ser pájaro y casi lo consigue, el ogro que se pone marches para controlar su hambre carnívora, la hija de este rebelde y guerrera, el ejército de hormigas rojas con sus coreografías espectaculares… También se hace un buen uso de los decorados, genialmente tétricos en algunos momentos y muy luminosos y coloridos en otros. Los malos son algo más tópicos pero se salvan gracias a un ejército de bichitos metálicos con un solo ojo que son un verdadero hallazgo. Es notable también el esfuerzo de animación, que combina el 2D con el 3D y el B/N para diferenciar escenas reales, imaginadas o soñadas y, aunque no alcanza la perfección de las grandes productoras, tiene un buen nivel y el esfuerzo luce bastante.

Es una película, indudablemente, destinada a un público infantil, pero si ustedes son de los que se ven obligados a acompañar a las criaturas, esta es una buena opción para pasar un rato, cuando menos, entretenido.

Estreno: 19 septiembre 2025

Dirección: Alexis Ducord, Vincent Paronnaud

Guion: Vincent Paronnaud. Cómic: Vincent Paronnaud

Animación

“LOS SUDARIOS”. Monitorizar la muerte.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Por monitorizar, Cronenberg ha decidido que se puede monitorizar hasta la muerte, concretamente la descomposición de un cuerpo enterrado, ese proceso lento y escondido que los judíos creen que es esencial para que el alma puede abandonar sin problemas su envoltorio terrenal. Sin abandonar buena parte del imaginario que le caracteriza (cuerpos mutilados, cicatrices altamente visibles, sexo un tanto malsano, espacios con marcado carácter visual…) el director se muestra en esta película más meditativo, menos beligerante y más dado al mensaje oral como base del discurso.

Se nos cuenta la historia de Krash (Vincent Cassel), un hombre en la cincuentena que ha perdido recientemente a su mujer y que ha inventado GraveTech, una tecnología que permite que los familiares de un difunto lo vigilen en sus mortajas. Una noche algunas de las tumbas son profanadas (incluida la de Becca, la mujer de Krasch) y la película deriva hacia un thriller bastante oscuro en el que se plantean diversas y curiosas teorías incluyendo algunas conspiranoícas muy de actualidad.

“Los sudarios” resulta una película cuando menos curiosa, deslumbrante en su planteamiento, de una serenidad que atrapa y lleno de pequeños giros y meandros narrativos que te mantienen expectante y curioso ante una situación totalmente nueva, ingeniosamente actual.

Cronenberg mezcla con habilidad diferentes registros, y lo hace en voz baja, sin ningún tipo de estridencia, apoyado en un Vincent Cassel de apariencia imperturbable pero que comunica sus emociones a través de su mirada; habrá quien no entre en el juego propuesto y la película le parezca desganada, incluso aburrida, pero a mí me ha parecido un interesante juego de fantasías tirando a perversas pero muy bien encajadas. El director se mete en el difícil terreno de la meditación necrofílica y lo mezcla con las nuevas tecnologías y su nuevo mercado, los peligros de la inteligencia artificial, la ciberseguridad y los peligros de una vida dentro del ordenador, las teorías conspiranoícas e incluso el romanticismo y la fidelidad conyugal.

La película se estrenó en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2024 y tuvo 9 nominaciones en el 13º Canadian Screen Awards 2025 donde le otorgaron dos premios técnicos al sonido. Y no deja de ser curioso que se estrene en plataformas sin pasar por salas de cine, se ve que la parafernalia Cronemberg ya no vende como antes.

Disponible en Filmin

Dirección: David Cronenberg

Guion: David Cronenberg

Reparto: Vincent Cassel, Diane Kruger, Guy Pearce, Sandrine Holt, Elizabeth Saunders, Ingvar Eggert Sigurdsson.

“SIGUE MI VOZ”. Adolescentes con problemas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es indudable la buena intención de esta película que habla de los adolescentes, en la franja de abandonar el instituto, de los problemas de salud mental que les acechan y de otros traumas que les complican la existencia: enfermedades como el cáncer, la ausencia de los padres o el consabido bullying escolar a manos del grupo de malvados compañeros.

Aquí, la historia, el foco y las desgracias se centran en Klara, una joven enclaustrada en su casa desde la muerte de su madre y que, como única ilusión, tiene la voz de Kang, un joven de origen coreano que tiene un programa de radio llamado “Sigue mi voz”. Karla cuenta con el apoyo de su hermana y con el del psicólogo que le atiende on line. La película, tras una pequeña presentación de la situación y personajes, se dedica a mostrarnos ese proceso de apertura al exterior, de volver a contactar con su entorno natural y la consabida entrada en una relación romántico-amorosa.

La película está dividida en cuatro capítulos, cada uno marcado por una frase que bien podrían ser los títulos de los apartados de un libro de autoayuda para jóvenes en plena depresión (imagino que es la estructura que impone la novela original) y que define el estilo de la cinta.

Como suele ocurrir en muchas adaptaciones de novelas, la película se esmera en cubrir el relato cronológico y se olvida que los personajes necesitan cierta entidad, que hay que dibujarlos y hacerlos evolucionar, porque de lo contrario pierdes la capacidad de emocionar, de empatizar, de sentir el problema como propio y de ser algo más que un espectador al que se le cuentan una sucesión de hechos.

Los actores, y sobre todo Berta Castañé, se esfuerzan por dar naturalidad a sus personajes, pero el guion no les da el recorrido necesario, se pierde en demasiados temas que acaban saturando y repitiéndose, y finalmente todo se queda en un producto demasiado artificial, excesivamente calculado y, sin pretenderlo, muy tópico y obvio. Una pena de buenas intenciones. No sé si a los adolescentes les llegará, a mí, desde luego, no.

Estreno: 12 septiembre 2025

Dirección: Inés Pintor Sierra, Pablo Santidrián

Guion: Inés Pintor Sierra, Pablo Santidrián. Autor: Ariana Godoy

Reparto: Berta Castañé, Jae Woo Yang, Claudia Traisac, Nuno Gallego, Fernando Guallar, Yasmina Drissi, Sofía de Iznájar, Iñaki Mur, Itziar Ituño, Alberto Jo Lee, Victoria Oliver, Adrià Salazar

“LA LEY DE JENNY PEN”. ¿Quién manda?

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Decía el director en una entrevista: “la película habla de cómo el poder se corrompe en silencio, a puerta cerrada, y de cómo los tiranos -cobardes disfrazados de autoridad- proliferan en cualquier entorno cuando los enfrenta. Pero también es una historia de resistencia, sobre las decisiones que tomamos ante la opresión… incluso cuando somos frágiles, al final de la vida”.

Ese poder lo ejerce primero el juez Stefan Mortensen (Geoffrey Rush) en una escena inicial en la que condena con dureza a un maltratador y abronca severamente a su mujer por no haber hecho nada al respecto; y luego, tras el ataque de corazón que sufre y su internamiento en una residencia, el poder (ahora injusto y malvado) pasa a manos de Dave Grealey (John Lithgow) un interno de la residencia que abusa de la debilidad de las personas que allá viven. La estancia de Stefan en el centro se convertirá en un verdadero martirio de la mano de un tirano carente de empatía y que parece necesitar hacer el mal para poder seguir adelante.

La película se apoya en dos actores que parecen poder con todo y que recibieron el premio a mejor actor en el festival de Sitges de 2024; gracias a ellos la historia alcanza mayor densidad y consigue una fuerza que al guion se le hubiese podido escapar en otras manos. Finalmente, la obra se queda en un producto entretenido, por el que es fácil dejarse embaucar y al que se le perdona un final poco arriesgado. Encuentro que hay muy poco trazo en el resto de personajes, a excepción del compañero de habitación de Stefan, los demás residentes son mero decorado para que Dave pueda hacer sus maldades, y los trabajadores del centro incluso llegan a desaparecer cuando la historia se centra en el enfrentamiento entre los dos protagonistas (un enfrentamiento bastante bien planteado a nivel físico pero que hubiera requerido un mejor desarrollo dialéctico, especialmente si pensamos que es entre un juez y un psicópata).

Una película que merece la pena ver, especialmente por la presencia de Lithgow y Rush, y por esa muñeca que Dave exhibe constantemente y que se erige como la materialización de ese poder tirano y sin sentido a la voz de ¿quién manda aquí? y la humillación de hacerles besarle el culo.

Estreno: 12 septiembre 2025

Dirección: James Ashcroft

Guion: James Ashcroft, Eli Kent

Reparto: John Lithgow, Geoffrey Rush, Maaka Pohatu, George Henare, Fiona Collins, Yvette Parsons, Ian Mune, Bruce Phillips, Hilary Norris, Nathaniel Lees, Irene Wood, Annie Ruth

“TEMPS MORT”. ¿Qué fue de Charles Thomas?

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Charles Thomas fue una estrella afroamericana de baloncesto que recaló en la España de los años 70 de la mano de Ramón Ciurana, quien lo reclutó en la liga universitaria USA para jugar en el CB San José de Badalona; luego pasaría al Barcelona FC y al Bàsquet Manresa. Junto con Norman Carmichael, del que fue amigo íntimo, potenciaron un Barça que comenzó a tratar de tú al hasta entonces todopoderoso Real Madrid. Tras una terrible lesión de rodilla en un partido contra el Madrid, fue cedido al Manresa donde solamente jugaría nueve partidos. Luego despareció y se le dio por muerto en 1980. Cuarenta años después Carmichael recibió una llamada que lo cambiaría todo.

Se apunta la película a esos documentales que nos descubren un personaje realmente interesante, y lo hace tirando de entrevistas a la gente que lo conoció (la familia Ciurana, algunos compañeros de equipo, amigos, uno de sus hijos…) y sobre todo al periodista que indagó en su desaparición cuyo artículo provocaría el desenlace final. También se utilizan bastantes imágenes de archivo, sobre todo de sus partidos, y numerosas imágenes en super 8, filmaciones familiares que Thomas hizo con la cámara que le regaló Ciurana cuando llegó a España.

El documental utiliza su primera parte para describirnos al personaje (todo un portento físico que deslumbraba en la cancha), su actividad deportiva, su personalidad y sus relaciones familiares. Tras su desaparición, la película gira hacia el thriller (un poco como lo hacía la magnífica “Searching for Sugar Man”) y juega a la intriga de porqué desapareció y qué ocurrió en aquellos años; finalmente, su hijo coge el protagonismo y la cinta se convierte en una emotiva historia de reencuentro y perdón.

Queda un documental bien estructurado, que sabe dosificar y ordenar de modo efectivo la información y que nos acerca a un personaje carismático, muy especial y muy interesante. Un documental muy entretenido y valioso.

Estreno: 12 septiembre 2025

Dirección: Fèlix Colomer Vallès

Guion: Fèlix Colomer Vallès, Carlos Jiménez

Documental

“RETRATO DE UN CIERTO ORIENTE”. Beirut-Manaos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una coproducción brasileño-italiana con clara vocación autoral que nos cuenta la historia de Emilia y Emir, dos hermanos cristianos libaneses que salen de su país huyendo del reclutamiento obligatorio para la guerra, y acaban en la brasileña Manaos. La película se nos narra en un preciosista y contrastado B/N y con un formato clásico de 14/9 que le otorga una atmósfera cerrada, a veces agobiante, potenciada por el gusto por cuadros enmarcados entre paredes, puertas y elementos del decorado, planos muy cerrados sobre los rostros y el uso forzado de la profundidad de campo.

En una primera parte, Emilia está en un convento donde se presenta su hermano, pistola en mano, para sacarla de allí. Una segunda parte se desarrolla en el barco que los saca de Beirut hacia Brasil, aquí Emilia conoce a Omar, un comerciante musulmán que chocará con el cristianismo y los resentimientos de Emir, y que marcará el inicio de la independencia real de la protagonista. Una tercera parte la constituye la travesía, también en barco, hacia Manaos, donde Emir conocerá a un fotógrafo italiano con el que establecerá una relación más sugerida que dibujada. Finalmente, y pasando por una estancia en un poblado indígena del interior del Amazonas, el viaje acabará en Manaos en la casa familiar de Omar.

Marcelo Gomes nos ofrece una película tranquila, sin prisas en los acontecimientos, exponiendo con naturalidad la historia a contar, lo que puede provocar esa sensación de estancamiento narrativo. No ha sido mi percepción, personalmente me ha atrapado esta propuesta visualmente muy potente con momentos realmente mágicos: la escena inicial en el convento, la marcha a pie en medio de la nada, el mundo sonoro en el interior del barco, el uso visual de las hamacas en cubierta, los primeros encuentros entre Omar y Emilia, la escena en la tribu indígena donde coinciden tres rituales religiosos diferentes... y todo bien armado y fluido.

Destacar, finalmente, la interpretación de Wafa'a Celine Halawi en el papel de Emilia, de esas que no necesitan palabras y que la cámara capta su rostro en todo se esplendor, deliciosa. Una película diferente, muy interesante.

Estreno: 12 septiembre 2025

Dirección: Marcelo Gomes

Guion: Maria Camargo, Gustavo Campos, Marcelo Gomes

Reparto: Wafa'a Celine Halawi, Charbel Kamel, Zakaria Kaakour, Rosa Peixoto, Eros Galbiati

“CAJA DE RESISTENCIA”. Censura y memoria.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un documental atípico, cercano al producto de tesis, laborioso trabajo de investigación y sólida propuesta de documental de creación.

La pareja de directores lleva bastantes años trabajando sobre la película “Rocío” (1981) el documental que Fernando Ruiz Vergara realizó sobre la fiesta andaluza y que sería la primera película secuestrada judicialmente en democracia una vez abolida la censura cinematográfica en 1977; ¿el delito? detallar el nombre de los asesinos de más de cien vecinos de Almonte en los primeros días de la guerra civil en 1936. Ruiz Vergara, como es de esperar, no logró hacer ninguna película más.

El documental no se limita a ser una recuperación de aquella película, ni tampoco a la figura del cineasta, y opta por una estructura bastante compleja en la que combina la recuperación de guiones, notas y documentos de Ruiz Vergara, entrevistas con el personaje, viajes a las minas de wolframio de Panasqueira, imágenes del Guadalquivir, un programa de Tv con la presencia de Fernando intentando explicar sus intenciones, imágenes de manifestaciones en favor de la autonomía de Andalucía, personajes de los años 80 hablando de sus precarias viviendas o animaciones digitales sugerentes pero de difícil interpretación. Todo ello ordenado en un montaje bastante osado y poco convencional, guiado por las voces de los directores y estructurado en lo que parecen ser diferentes films que Ruiz Vergara ideó y escribió y que nunca pudo llevar a cabo.

El documental es pues, un gesto de resistencia, un grito para recuperar un pasado olvidado que necesita ser recuperado para entender nuestro presente. Un documental sobre la censura, la memoria, valioso, arriesgado y valiente.

Estreno: 12 septiembre 2025

Dirección: Alejandro Alvarado, Concha Barquero

Guion: Alejandro Alvarado, Concha Barquero

Documental

“CINÉFILOS”. Carta de amor al cine.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es este un curioso producto que Arnaud Desplechin (“Asuntos familiares”, “Fantasías de un escritor”, “Tres recuerdos de juventud”) utiliza para celebrar, y definir, la magia del cine en un formato entre el ensayo y el cine ficcionado.

La película utiliza a Paul Dédalus (un Totó francés, alter ego del director que aparece a algunas de sus películas anteriores) como vía narrativa a través de diferentes etapas de su vida mientras descubre su fascinación por el cine: la primera sesión en una sala con su abuela, la formación de un joven cineasta… Un viaje íntimo de enorme proyección en el que abundan los encuentros con obras maestras (la película utiliza imágenes de hasta 55 obras esenciales, lo que debió ser una verdadera odisea de producción y ofrece al espectador un entretenido juego de identificación de títulos). Todo ello acompañado de la voz en off en primera persona del director (aunque la que oímos pertenece a Mathew Amalric) cargada de reflexiones, preguntas, teorías, pensamientos y lecciones de cine. Así oímos cosas como “el cine es tiempo fotografiado en una pantalla” o al personaje de Dédalus explicar que las películas que le interesan las ve tres veces para descubrirlas en la primera, admirarlas en la segunda y aprender en la tercera, o las curiosas diferencias entre las salas de cine, las de teatro o la televisión.

“Cinéfilos” (en el original “Espectadores”) es una sentida y profunda carta de amor al cine que nos plantea tres cuestiones: ¿qué es ir al cine? y ¿por qué vamos desde hace más de 100 años?; a la tercera de si seguiremos yendo en el futuro, Desplechin parece optimista, como buen cinéfilo y mejor espectador.

Disponible en Filmin

Dirección: Arnaud Desplechin

Guion: Arnaud Desplechin

Documental

“DANGEROUS ANIMAL”. El otro tiburón.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película que combina el cine de asesino en serie muy ido de la olla con el de tiburones super agresivos, reflejando así  que los verdaderos animales peligrosos no son los escualos sino esas personas que ni empatizan ni tienen respeto alguno por la vida ajena; para dejarlo más claro, el asesino es un apasionado de los tiburones, él mismo hace una referencia a los mosquitos que matan más personas que los supuestos escualos asesinos y un forzado giro de guion en el que la protagonista tiene un encuentro cuasi místico con un terrible tiburón toro.

Se nos cuenta la historia de Zephyr (una encantadora y resultona Hassie Harrison) que es secuestrada por un psicópata total (un efectivo Jai Courtney) que se dedica a secuestras chicas para ofrecérselas de carnaza a los tiburones y grabarlo en video (en VHS nada menos), un ritual que colecciona y visiona repetidamente como buen demente que es.

La verdad es que la película va poco más allá del tópico: desde una escena preliminar en la que se nos presenta un asesino implacable y brutal mientras captura a su primera víctima, hasta el desenlace en que los buenos logran superar la fuerza bruta del malo, pasando por una historia de amor de la chica con el chico con el que se tropieza casualmente cuando buscaba unas pinzas para el coche que no arranca (una masculinidad en el polo opuesto de nuestro demente). Sin embargo, y a pesar de lo tópico, la película no pierde interés; en la primera parte porque logra que nos compadezcamos de esos personajes injustamente castigados, y en la segunda porque consigue una acción frenética, con algunas apuestas cercanas a lo inverosímil pero que encajan en la narrativa, y porque sabe explotar esos espacios naturales de la Gran Barrera de Coral, bien fotografiados y que potencian esa sensación de soledad y abandono de los protagonistas; el empoderamiento de las chicas y el contraste de masculinidades también ayuda.

Un ejercicio de estilo que no inventa nada y que es un producto muy entretenido y digno, para pasar un mal rato entre animales peligrosos.

Estreno: 14 agosto 2025

Dirección: Sean Byrne

Guion: Nick Lepard

Reparto: Jai Courtney, Hassie Harrison, Josh Heuston, Rob Carlton, Ella Newton, James Munn, Jon Quested, Liam Greinke

“LOS SÚPER ELFKINS”. Duendes amistosos.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

¿Qué se le pide a una película de animación destinada a los más pequeños de la casa? Que tenga un dibujo colorido y luminoso con unos personajes atractivos y fácilmente identificables, que su trama sea sencilla pero viva, que las motivaciones y los roles de cada personaje no presenten fisuras ni grandes aristas, y que aporte algún mensaje del que poder extraer algunas ideas positivas y modelos adecuados. “Los Súper Elfkins” cumple con estas condiciones como si de un algoritmo bien construido se tratase, y lo digo en el buen sentido de la expresión.

Los Elfkins del título son duendecillos urbanos, de esos que ayudan a los humanos humildes durante la noche, una figura que todos conocemos de los cuentos populares. También hay otros Elfkins que tienen tecnología moderna y la misión de divertirse a toda cosa, sin ayudas desinteresadas, y que son eternos rivales de los primeros. Entre los dos grupos está Elfie, la protagonista, una niña que se siente desubicada en su comunidad y Bo, del otro bando, que le pasa lo mismo que a Elfie. Como es previsible, la interacción de estos dos personajes llevará a recuperar la conexión entre los dos grupos, superar los viejos odios y acabar con rencillas históricas negativas. Luego están los humanos: la niña que desea una mascota y la policía empeñada en atrapar un elfkin para demostrar que existen. Todo ello salpicado con un par de aventuras más o menos moviditas en las que se ponen en marcha el sentimiento de grupo, la necesidad de actuar en equipo y la de aceptar lo diferente.

Un poco lo mismo de siempre, sin aportar gran cosa novedosa, pero ofreciendo un producto digno que posiblemente satisfará a los más pequeños y no molestará a los adultos. Y una ciudad de Colonia de fondo a la que se le podía haber sacado algo más de provecho (límites presupuestarios obligan, supongo). Entretenimiento infantil sin sorpresas.

Estreno: 14 agosto 2025

Dirección: Ute von Münchow-Pohl

Guion: Jan Strathmann, Claudio Winter

Animación

“THE PEOPLE’S JOKER”. Reivindicación en clave de cómic.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Dice la sinopsis de esta cinta: “Película 'queer' iniciática sobre una mujer 'trans' que trabaja en una comedia ambientada en el universo de Batman”, y uno se imagina cualquier cosa menos los que realmente ofrece, y no lo digo en sentido negativo… ni positivo. Y es que la frasecita se ajusta a lo que vemos pero las intenciones, la forma de ofrecerlo y el sentido último del proyecto nos lleva más allá de lo que es una película queer, un retrato “trans” y, sobre todo, una historia de super héroes.

Para empezar, la película estuvo en el festival de Toronto en el 2022 y vio como sus proyecciones se suspendían como consecuencia de la demanda interpuesta por la Warner; cuando la ves, lo que sorprende no es la “ilegalidad” del producto (que parece bastante clara además de descarada) sino que consiguiera finalmente distribuirse en salas al amparo de la doctrina legal del uso justo y del derecho a la parodia.

“The people’s joker” es puro cine de guerrilla: irreverente, osado, descarado, frenético, desvergonzado y reivindicativo, entre otras cosas. Eva Drew ejerce de directora, guionista y actriz principal y nos ofrece una historia de marcadas connotaciones autobiográficas en la que se juega con la identidad sexual (y la conciencia de ella), los personajes de las tiras de cómic con un Batman de talante conservador derechista, un Pingüino de colega con el que montar un chiringuito de “anti-comedia” absolutamente delirante o un programa de TV a lo Saturday Night live como centro de rebelión social. Todo ello con un montaje acelerado, unos diálogos de vértigo y una propuesta visual que va de lo cutre a lo alucinado a través de cromas descarados de apariencia chapucera, escenas en stop-motion o animación 2D, y un diseño de arte ochentero y absolutamente pasado de rosca.

Habrá, como no, a quien le parezca una película sin sentido, pretenciosamente rompedora o un sinsentido absoluto, pero yo la disfruté mucho, me gustó el juego que propone y lamenté no poder verla en pantalla grande. Lo dicho, una película absolutamente marciana y prometedora.

Disponible en Filmin

Dirección: Vera Drew

Guion: Bri LeRose, Vera Drew

Reparto: Vera Drew, Lynn Downey, Kane Distler, Nathan Faustyn, David Liebe Hart, Phil Braun, Griffin Kramer, Christian Calloway, Trevor Drinkwater, Ruin Carroll, Tim Heidecker, Bob Odenkirk

“DEVUÉLVEMELA”. Casa de acogida.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Los Philippou nos ofrecieron hace un par de años “Háblame”, una más que interesante película alrededor de una mano embalsamada a través de la cual se podía llegar a ser poseído por un espíritu. En esta que nos ocupa el tono y la intención son similares, aunque ahora lo hace alrededor de una mujer perturbada, un ritual para recuperar el espíritu de la hija que se ahogó y un par de hermanos acogidos por la primera y esenciales para lograr ese tránsito.

Se inicia la película con una ceremonia, con textura de VHS, que no sabemos exactamente que es, y con la muerte, bastante inquietante, del padre de Audy y Pipe, los hermanos protagonistas que acabarán acogidos en la casa de Laura (una sorprendente y perturbadora Sally Hawkins). En la casa también está Ollie, un crío que es todo un enigma y que acabará siendo pieza fundamental cuando la película de un paseo por el gore.

Durante toda la primera hora tuve la sensación de que todo se demoraba demasiado, que más que crear una atmósfera (que también) y dibujar personajes y situaciones, los Philippou se dedicaban a escamotearnos información escondiéndola para crear un falso suspense (y, sin duda, la cosa hubiera ganado enteros si se hubiera sido más conciso o hubiésemos visto alguna profundización en el tema). Eso sí, una vez llegados a la parte final, la película crece exponencialmente, se acoge sin fisuras al buen cine de terror con su carga de gore (terrible la escena de Ollie con el cuchillo), coge una velocidad y una intensidad excelentes y todo parece justificarse y colocarse en su sitio como un puzle bien armado.

No creo que la película esté a la altura de la anterior “Háblame”, esta es menos sorprendente y algo más previsible, pero se demuestra que estamos ante una pareja de directores que controlan los códigos del género, que cuidan sus guiones y que nos ofrecen cine de terror puro y del bueno. Una fotografía excelente, un sentido del ritmo impecable y unas actuaciones fantásticas (no solo la de Hawkins) hacen el resto en esta estimable obra sobre el dolor y la pérdida.

Estreno: 1 agosto 2025

Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou

Guion: Danny Philippou, Michael Philippou, Bill Hinzman

Reparto: Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood, Sally Hawkins

“LA GRAN AMBICIÓN”. Democracia y socialismo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Enrico Belinguer (1922-1984) político italiano, el líder más popular del Partido Comunista Italiano del que fue secretario nacional desde 1972 hasta su muerte; bajo su liderazgo el PCI obtuvo un 34% de los votos en las elecciones generales de 1975. La película se centra en su figura, repartiendo el metraje entre las actividades políticas a las que se dedicó en cuerpo y alma, y a su vida familiar y su relación con su mujer y sus tres hijos. La cinta arranca en 1973, cuando el golpe de estado de Pinochet en Chile, nos habla del distanciamiento de la URSS, de su proyecto político de reforzar la democracia para llegar al socialismo, de las negociaciones con los democristianos de Andreotti y Aldo Moro, la amenaza permanente de la extrema derecha y del secuestro y asesinato de Moro, momento en el que finaliza el metraje.

“La gran ambición” es una notable lección de historia, un paseo muy didáctico por esos años tan convulsos y decisivos para las democracias occidentales y, sobre todo, es una lección para todos aquellos que han demonizado el concepto de comunismo (y en parte el de socialismo) identificando una idea política de igualdad social con las dictaduras que sobrevivieron en los países comunistas y que poco o nada tienen que ver los ideales originales (no hay que olvidar que los regímenes dictatoriales que nacieron tras las revoluciones de izquierdas son tan brutales como los de derechas pero mucho más longevos).

La película nos retrata un Berlinguer dialogante, culto, profundamente comprometido, férreamente ético y tremendamente humano. Que empaticemos con él y entremos en su discurso es también mérito de Elio Germano, que se mimetiza con el personaje y nos lo acerca. Entre el compromiso político y la nostalgia de ideas perdidas, la película funciona en un tono cercano al documental, es rigurosa en los aspectos históricos y resulta muy recomendable para recuperar los conceptos de lucha de clases, bien común, proletariado y sociedad justa (entre otros).

Estreno: 1 agosto 2025

Dirección: Andrea Segre

Guion: Marco Pettenello, Andrea Segre

Reparto: Elio Germano, Stefano Abbati, Francesco Acquaroli, Fabio Bussotti, Paolo Calabresi, Roberto Citran, Pierluigi Corallo, Nikolay Danchev, Luca Lazzareschi, Lucio Patané, Svetoslav Dobrev

“MISTERIOSO ASESINATO EN LA MONTAÑA”. Un oso en El Jura.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Novena película de Franck Dubosc (la mayoría de ellas, como esta que nos ocupa, protagonizada por él mismo) de las que el lector posiblemente recuerde las dos últimas: “Rodando hacia ti” (2022) remake de su “Sobre ruedas” (2018) y “Rumba terapia” (2022), las dos comedias románticas con cierto toque de humor y una agradable alegría vital.

Lo peor de esta “Misterioso asesinato…” es el terrible, engañoso y desafortunado título con el que se estrena en nuestro país. El original es “Un oso en El Jura” siendo Le Jura un departamento francés de la región de Borgoña-Franco Condado, muy montañoso, al este de Francia y donde se ambientaba también la reciente “La receta perfecta”; y el oso es un extraño en la zona que provoca un accidente inicial que desencadena toda la trama. De asesinatos hay unos cuantos (además de algunas muertes accidentales) pero de misteriosos más bien poco y todo apunta a querer venderla como un thriller y/o equipararla con la de Woody Allen en Manhattan con la que no tiene absolutamente nada que ver.

Nos cuenta la historia de Michel y Cathy (encantadores y muy en su papel Franck Dubosc y Laure Calamy) que, por casualidades del destino, se encuentran con tres cadáveres y una bolsa con dos millones de euros que deciden quedarse. Por otro lado, el jefe de la gendarmería local (un siempre efectivo Benoît Poelvoorde) encuentra los susodichos cadáveres y un grupo de migrantes que resultan ser mulas entrando droga en el país.

La película funciona al límite del esperpento y del absurdo, pero nunca cae del todo en ese tono de comedia gruesa y facilona a la que todo apuntaba en un principio. Por un lado, gracias a un guion que se trabaja notablemente los diferentes giros de la trama y las resoluciones de las diferentes situaciones, y, por otro lado, gracias a unos actores que sujetan con cierta veracidad unos personajes que, de otro modo, hubiesen caído en la burda caricatura o el pleno ridículo; valgan por ejemplo los secundarios como la madame del club (Emmanuelle Devos), la hija de los protagonistas o el cura del pueblo.

Queda una película ligera, sin demasiadas pretensiones, entretenida y muy digna en su factura. Un divertimento bastante simple y bastante agradable.

Estreno: 1 agosto 2025

Dirección: Franck Dubosc

Guion: Franck Dubosc, Sarah Kaminsky

Reparto: Franck Dubosc, Laure Calamy, Benoît Poelvoorde, Joséphine de Meaux, Kim Higelin, Mehdi Meskar, Timéo Mahaut, Emmanuelle Devos

“THE LAST SHOWGIRL”. Las edades de Pamela.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

La primera imagen de esta película es un primer plano de Shelly (Pamela Anderson) con un aspecto claramente pasado de moda que se ha presentado a un casting con los nervios a flor de piel. Es un plano en el que reconocemos a la mítica “vigilante de la playa” y en el que queda patente que el tiempo pasa para todos y todas y que los años no perdonan. Luego viene la historia: la de una bailarina de un show de Las Vegas en el que participa desde hace 30 años, que ha quedado desfasado y se cerrará pronto por falta de público. A este hilo central se une la relación que Shelly tiene con su hija, a punto de acabar la universidad y que está muy dolida con su madre ya que nunca se ha ocupado de ella en favor de su carrera como bailarina; se completa el relato con algún fracaso sentimental y la relación con las compañeras de trabajo con las que puede decirse que prácticamente forman una verdadera familia.

Sorprende gratamente la sencillez de la propuesta y ese espíritu de seguir a sus criaturas y dibujarlas sin ánimo de juzgarlas. Del medio ridículo con el que parece presentarse Shelly ante nuestros ojos pasamos a la comprensión de su estado y finalmente a una empatía bastante sólida; acabamos entendiendo al personaje y aceptándolo tal cual es, que no es poca cosa. A su alrededor destacan una casi irreconocible Jamie Lee Curtis en un papel endurecido y áspero y un Dave Bautista tristón y encantador que resulta el único hombre entre tantas mujeres.

A la película le falta algo de intensidad y, en algunos aspectos, le pesa la elección de Anderson como protagonista, aunque a su vez su presencia la dota de nuevas capas y acaba siendo un acierto. Yo me quedo con ese retrato humano y sincero de unas mujeres que se enfrentan al final de una etapa y a un futuro más que incierto como consecuencia de su edad, de los cambios de interés y de la cosificación del cuerpo de la mujer. Un producto interesante, bastante personal y de notable resultado.

Estreno: 20 junio 2025

Dirección: Gia Coppola

Guion: Kate Gersten

Reparto: Pamela Anderson, Jamie Lee Curtis, Dave Bautista, Kiernan Shipka, Billie Lourd, Brenda Song, Jason Schwartzman, Patrick Hilgart, John Clofine

“LÉOLO”. El niño tomate.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Jean-Claude Lauzon (Canadá 1963-1987) hizo dos películas: “Un zoo la nuit” en 1987 y esta que ahora se repone en cines, “Léolo” en 1992, que estuvo en Cannes y en la Seminci de Valladolid se llevó la Espiga de Oro ex aequo con “El largo día acaba” de Terence Davies. Ahora se reestrena después de ser restaurada por el proyecto “Eléphant: la mémoire du cinema québécois”, y es una buena oportunidad para recuperar en pantalla grande una obra que tuvo notable repercusión tras su estreno y que la revista Time incluyó en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos.

Nos cuenta la historia de Léolo, un niño de un barrio humilde de Montreal que vive entre una realidad bastante dura marcada por un lado por una familia con serios problemas de salud mental y su amor por su vecina italiana, y por otro lado por su imaginación y las notas/poemas que escribe y que recoge un personaje al que conocemos como domador de poemas. Si la han visto seguro que recuerdan como Léolo sostiene que fue concebido a través de uno tomates contaminados con esperma procedente de Italia y sobre los que cae su madre, un delirante planteamiento que marca el tono y las intenciones de esta película memorable y cautivadora.

El tiempo la ha respetado bastante y al verla de nuevo, uno no tiene la sensación de estar ante una película de hace 32 años. Quizás le pese un poco el diseño de unos textos que oímos en off y que poco se corresponden con un niño en el principio de la adolescencia y que tienen una pretensión (a mi modo de ver) demasiado trascendente. Única pega (y no demasiado relevante) que yo le pondría a una película emotiva, de personajes muy curiosos (soy muy fan de esa madre indestructible) y de entrada a la edad adulta de una criatura que se siente permanentemente fuera de lugar pero que es capaz de querer tiernamente a los que le rodean (véase la relación que establece con su hermano mayor, su hermana Rita y, sobre todo, con su madre).

Una pequeña joya para recuperar.

Estreno: 20 junior 2025 (reestreno)

Dirección: Jean-Claude Lauzon

Guion: Jean-Claude Lauzon

Reparto: Maxime Collin, Ginette Reno, Julien Guiomar, Pierre Bourgault

“NE ZHA 2”. Espectáculo.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Se publicita esta película como la animación más taquillera dentro y fuera de China superando a “Inside out 2” y como la quinta de todos los tiempos superando a “Star wars: The force awakens” con una recaudación de 2.100 millones de dólares frente a un presupuesto de 80 millones.

¿A qué se debe este éxito? Como siempre, los factores son varios: un trabajo visual realmente espectacular, lleno de matices, color, variaciones, formas y criaturas, lo que se dice un verdadero espectáculo; una acción trepidante, de las que no dan tregua, sustentada en un guion cargado de meandros y elementos que se suceden y se suman en un viaje tremendamente largo; unos personajes fácilmente identificables (y diferenciables) con carácter propio y algún puntito de humor: una elegante representación de iconografías, símbolos, actitudes y batallas muy chinas pero muy comprensibles; una red de acontecimientos muy épicos, tirando a complejos, llenos de intrigas y rivalidades que potencian el espectáculo; y, imagino, una campaña publicitaria a la altura de un producto con intenciones de proyección mundial y ese sentido tratamiento sobre la familia como eje esencial y básico que tanto se nos ha vendido en el cine actual.

Desconozco la primera entrega pero es igual, la película funciona perfectamente sin ella, no la necesita, aunque uno intuye que es más de lo mismo (sin que ello sea un dato negativo). Eso sí, es recomendable acudir a verla en pantalla grande, de cine quiero decir, que es la mejor manera de sacarle buen provecho a esta película de demonios, inmortales, maestros expertos, dragones y otras criaturas absolutamente deslumbrantes. Para dejarse llevar como un niño y disfrutar como tal.

Estreno: 20 junio 2025

Dirección: Yu Yang

Guion: Yu Yang

Animación

“VÍRGENES”. Torremolinos y las suecas.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Sexto largometraje de Álvaro Díaz Lorenzo, todos ellos comedias sin demasiadas pretensiones en las que también ha ejercido de guionista, “La lista de los deseos” (2020) y “Los Japón” (2019) serían las más recientes.

La trama se sitúa en la Sevilla de 1968, en pleno franquismo y en el inicio del boom turístico y de la llegada de europeos que suponían una imagen totalmente nueva y moderna, ya se sabe, ese de las suecas que el cine de Ozores, Landa y compañía explotó hasta la saciedad. Y esta no le anda lejos al modelo. Nos cuenta la historia de tres amigos, Vicente (Carlos Scholz), Rafa (César Vicente) y Honorio (Xavi Caudevilla) que deciden irse una semana a Torremolinos para perder la virginidad con… una sueca. Uno de ellos tiene una novia, Carmen (Natalia Azahara) guapa, tirana, estirada y que no se deja tocar; otro es el mayor de 12 hermanos en una familia del opus y el tercero viene a ser el guapo que enseguida vemos que se quedará con Ana (Cristina Kobani), la chica alegre y vivaracha del chiringuito. Ya desde el planteamiento, como se ve, todo muy previsible y exageradamente tópico.

Podía haber sido una comedia divertida, o un ligero divertimento con cierta gracia para reírnos definitivamente de aquellos años grises e intolerantes, pero la película no sabe entrar en un juego mínimamente inteligente, sus personajes no tienen ni carisma ni profundidad, algunos como el padre de Honorio o el de Carmen son claramente contradictorios para hacer avanzar el relato,  las situaciones no llegan ni al tópico y son desesperadamente previsibles y algunas rozan la torpeza más simplista (las dos escenas con la guardia civil, el ligoteo con las suecas…), los diálogos quieren ser graciosos y naturales (supongo que por eso son sevillanos) pero resultan todo lo contrario y el supuesto retrato que se hace de la sociedad española de esa época resulta totalmente desdibujado y simplista. Imagino que la responsabilidad recae, básicamente, en un guion torpe empeñado en ser gracioso y una dirección plana, los dos carente de imaginación, creatividad o estilo.

A quien esto suscribe la película se le hizo larga desde el minuto 25 y sintió verdadera vergüenza ajena el resto del metraje; es lamentable hablar en estos términos de un producto que seguro ha costado un esfuerzo y muy buena voluntad, pero es que no le encuentro nada positivo, definitivamente me equivoqué de sala.

Estreno: 20 junio 2025

Dirección: Álvaro Díaz Lorenzo

Guion: Álvaro Díaz Lorenzo

Reparto: Carlos Scholz, Paco Tous, Salva Reina, Julia Palha, Cristina Kovani, Natalia Azahara, César Vicente, Antonio Dechent, Marco D'Almeida, Joaquín Núñez, Bore Buika

“QUINOGRAFÍA”. Trágico y gracioso.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Joaquín Salvador Lavado “Quino”, Mendoza 1932-2020, dibujante, creador de Mafalda, ¿quién no lo conoce? ¿y quien no conoce al personaje? Este documental es un acercamiento, bastante exhaustivo, a su vida, a su obra, a su personalidad, a sus relaciones y, por supuesto, a la más famosa de las criaturas que creó, Mafalda.

Se basa el documental en la última entrevista que concedió en su casa de Mendoza en 2014, en los materiales que sus sobrinas encontraron en su casa tras su muerte y que ahora intentan organizar, en declaraciones de periodista, editores y gente que lo conoció como Joan Manuel Serrat, Jorge Valdano o Milena Busquets y algunos de sus sobrinos, y, como no, en parte de la infinidad de dibujos y tiras que realizó y que todos conocemos.

El documental hace un retrato profesional, familiar y afectivo de Quino transmitiendo  no solo su faceta de genial creador, sino la fragilidad que le permitía esa visión “infantil” del mundo (genial mezcla de hiel y candor, la definió alguien), su educación en una familia de procedencia española y convenciones republicanas con lo que todo ello conlleva, su carácter a la vez trágico y gracioso que de manera tan magistral se refleja en sus personajes, esos miedos que siempre lo acompañaron o la importancia que en su vida tuvo Alicia Colombo, la mujer con quien estuvo casado desde 1960 hasta el fallecimiento de ella en 2017.

La película también nos habla de algunos de los temas que Quino trató a través de los dibujos y, así, se hacen comentarios más bien someros pero bastante interesantes sobre la censura y la represión militar en Argentina, sobre el franquismo, la religión o los conflictos en el mundo.

Una excelente oportunidad para descubrir a la persona (si hay alguien que todavía no la conoce), para profundizar en la importancia de su obra, descubrir algunas cosas curiosas del artista (aunque él se consideraba un obrero del dibujo) y repasar algunos de los momentos e ideas gloriosas que Mafalda nos ha aportado. Sin duda, un homenaje valioso y necesario.

Estreno: 20 junio 2025

Dirección: Mariano Donoso, Federico Cardone

Guion: Mariana Guzzante

Documental

“KRAZY HOUSE”. Sitcom salvaje.

F. Lorza                                                                                                          www.fueradecampo.cat

Es esta una película holandesa de ingeniosa propuesta que quiere ser parodia ácida y salvaje de las sitcoms estadounidenses de los años 90. Se trata de ofrecernos un falso episodio de la serie “The Christians” grabado con público en directo y el que la familia protagonista, liderada por un padre super religioso que es un patoso y un desastre, se ve invadida por un grupo de rusos muy bestias que buscan alguna cosa ene l interior de la casa.

La propuesta es original, sin duda, y el hecho de ofrecerla en formato televisivo primero, para después pasarse al 14:9 y al panorámico, logra una extraña e interesante mezcla de producto televisivo y cine de terror. También es interesante el dibujo de personajes, paródicos hasta el delirio, que nunca pierden del todo ese tono teatral, forzado, artificioso, siempre pendiente de las risas del público (o en latadas) para luego caer en personajes típicos del terror pero sin encajar del todo en el formato clásico. Todo ello provoca una mezcla bastante delirante que permite algunos momentos sorprendentes, otros absolutamente fuera de tono y otros directamente disparatados (los cambios de carácter de algunos personajes, las conversaciones con Jesucristo, el embarazo de la hija, el tiroteo entre el público…) y uno asiste a la función entre el asombro de lo impredecible y la osadía sin freno de una propuesta tan irregular como entretenida.

Pero, a pesar de todos elementos (o quizás precisamente por ello), la película no termina de funcionar como debiera y uno se queda a un paso de la fascinación, con la sensación de que la idea se estira demasiado y que hubiera sido una obra excelente en formato corto. Aún así, si te dejas llevar por tanto despropósito, se puede ver con una sonrisa casi permanente y disfrutar de una película con voluntad de gamberra, rompedora y diferente.

Disponible en Filmin

Dirección: Steffen Haars, Flip Van der Kuil

Guion: Steffen Haars, Flip Van der Kuil

Reparto: Nick Frost, Alicia Silverstone, Kevin Connolly, Gatte Jansen, Jan Bjvoet, Walt Kink, Jacob Derwig, Matti Stocker